59102
У каждой картины есть своя история... Все вопросы — @nikfr0st Менеджер — @yuliyapic Наши стикеры: t.me/addstickers/pic_history Контент: https://artchive.ru/
"?"
1881 г.
Пьер Огюст Ренуар
Художник любил это место. В расположенном на островке посреди реки Сена ресторанчике, были написаны не только данная картина, но и несколько других полотен. Ренуар передает радостную, непринуждённую обстановку. Все персонажи произведения — близкие знакомые и друзья художника: Алина Шариго, Жанна Самари, Эллен Андре и другие.
Этот «Маленький кондитер» положил начало славе Хаима Сутина и конец его нищете.
Именно его в 1922 году оценил американский коллекционер доктор Альберт Барнс, вернее, сначала его консультант Поль Гийом. Гийом купил картину и показал Барнсу «неслыханного, очаровательного кондитера из крови и плоти, с огромным, чудесным ухом, удивительным и прекрасно переданным». Барнс пришел в восторг и немедленно приобрел еще 50 работ ранее бедствовавшего художника для своего фонда в Мерионе.
Портреты Сутина отличает особенная деформация линий. Делал это он абсолютно сознательно, заявляя, что «деформация — это жизнь. Искусство Рафаэля, Тициана, конечно же, совершенно, но до смерти нудно. Это красота» (в последнее слово вкладывалась огромная доза отвращения).
Написанные Сутиным портреты сопоставимы с работами Нольде, Кирхнера. Нередко проводят аналогии с Ван Гогом, подразумевая силу и неистовство мазка.
Кондитер едва помещается на холсте, словно места слишком мало, чтобы выразить всю экспрессию охвативших художника чувств. Кажется, что Сутин писал в состоянии экзальтации, потому и некоторые черты на его портретах гиперболизированы – в данном случае это огромное оттопыренное ухо.
Этот портрет «Маленького кондитера» представляет собой настоящий шедевр с точки зрения колористики. Белый цвет для Сутина – второй самый любимый после красного. И здесь можно наблюдать невероятное смешение оттенков и вариаций на его тему. Такому изобилию шелковистых, кремовых, голубоватых, розовых, бежевых и тех, для которых и названий не придумано, оттенков белого даже признанный ас по оперированию этим цветом Морис Утрилло мог бы позавидовать.
@pic_history
#ХаимСутин #Экспрессионизм
"Женщина, старик и цветок"
1924 г.
Макс Эрнст
Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА).
@pic_history
Первая в истории русской живописи выставка одной картины.
Осенью 1880-го на улицах Санкт-Петербурга царило необыкновенное оживление. Очередь, начинавшаяся на Большой Морской, тянулась до Невского, заворачивала за угол и змеилась дальше – до самой Малой Морской. Солидные, хорошо одетые люди работали локтями, старались хотя бы чуть-чуть протиснуться вперед, не считаясь с риском наступить на ногу Тургеневу, Менделееву или какому-нибудь великому князю – как писали в газетах тех дней, «здесь собрался весь грамотный Петербург». Те, кто не успел до закрытия, расходились по домам. А следующим утром все повторялось вновь: очередь, начинавшаяся на Большой Морской, тянулась до Невского.
Нет, в 1880-м в Питере не открывался первый McDonald’s, и Джаред Лето не приезжал сюда с гастролями. Причиной ажиотажа была выставка Архипа Куинджи, устроенная в Обществе поощрения художеств.
Экспозиция была во всех смыслах новаторской. Во-первых, она стала первой в истории русской живописи выставкой одной картины. А во-вторых, демонстрировалось полотно в затемненной комнате при контрастном искусственном освещении – еще одно, по тем временам, революционное решение.
Впрочем, сенсацией выставка стала не за счет созданных Куинджи прецедентов, а благодаря собственно картине. «Лунная ночь на Днепре» стала вехой в пейзажной живописи – такой, как «Война и мир» в литературе или, например, «Гражданин Кейн» в кинематографе. Она как бы разделила жанр на «до «Лунной ночи» Куинджи» и «после нее». Известный критик Алексей Суворин писал: «Картина эта - невиданное еще нигде могущество красок. Впечатление от нее - решительно волшебное: это - не картина, а сама природа, перенесенная на полотно в миниатюре. Луна - это действительная луна, она действительно светит; река - это настоящая река, она действительно светится и блестит; вы видите эту рябь, вы почти угадываете, куда, в какую сторону несет свои воды Днепр; тени, полутени, огни, воздух, чуть заметный пар - все это передано так, что удивляешься, как могли краски это передать... Такой картины нет в целом мире, нет в мире искусства!..».
Дело, впрочем, было не только в «фотографической» точности. Казалось бы, незатейливый украинский пейзаж задышал у Куинджи гоголевской мистикой. Оглушительная тишина малороссийской ночи, ощущение тайны, волшебства, первобытной природной силы – все это производило гипнотический эффект.
В то время как искушенная публика говорила о «нисходящей градации света» и «гармонии лиризма и декоративности», зрителя попроще интересовала «обратная сторона Луны». Многие пытались заглянуть за раму, в надежде обнаружить там электрическую лампочку – настолько достоверной получилась у Куинджи луна.
Приятель Куинджи – Иван Крамской – уже в те дни высказывал опасения: «Меня занимает следующая мысль: долговечна ли та комбинация красок, которую открыл художник? Быть может, Куинджи соединял вместе (зная или не зная - все равно) такие краски, которые находятся в природном антагонизме между собой и, по истечении известного времени, или потухнут или изменятся и разложатся до того, что потомки будут пожимать плечами в недоумении: отчего приходили в восторг добродушные зрители?» А после того как владевший картиной великий князь Константин Константинович взял ее с собой в кругосветное плавание, опасения усилились.
Влажный морской воздух и время сделали свое дело. Краски померкли и «Лунная ночь на Днепре» уже не производит столь могучего впечатления, что в 1880-м. Но даже сегодня некоторые посетители Русского музея не могут устоять перед соблазном. И, улучив момент, когда никто не смотрит, заглядывают за раму.
Перед нами во всей красе предстает процесс, именуемый «раскрестьяниванием русской деревни». В поисках заработка крестьяне покидали обнищавшие деревни, уходили в город, нанимались в услужение или в разнорабочие. Этот процесс протекал весьма и весьма болезненно – оторванные от своих основ, вчерашние крестьяне оказывались беззащитны перед влиянием городских трущоб. Их выносило на перепутье: уже не деревенские, еще не городские, позабывшие одну родину и не нашедшие другой. Мы видим один из результатов этого процесса: из деревни к мужу-мастеровому приехала жена с грудным ребенком. Скорее всего, отец еще не видел младенца. Вероятно, собрать деньги на эту поездку ей было непросто. А уж как ждала она этой встречи, как представляла ее! Да явно иначе представляла, чем она сейчас происходит…
Ощутивший себя «городским», нарядившийся в красную рубаху по случаю воскресного дня, парень выглядит и равнодушным, и досадующим на внезапную помеху – приехала тут, выходной день портит, да еще и перед городской публикой позорит, мол.
Щеки его рдеют – явно принял на грудь, с утомленно-равнодушным видом он играет на гармони, весь он повернулся прочь от ненужных теперь жены и ребенка. А в лице женщины – отчаянье и беспросветная скорбь. Только что рухнул ее мир. Уставившись неподвижным взглядом вниз, потупившись, прижимая к себе сверток с ребенком, она кажется заледеневшей в своем горе. Ее надежда и опора, ее муж вместе с «прахом деревни» отряхнул с щегольских своих сапог и былые привязанности. Его будущее, впрочем, тоже особого оптимизма не внушает. Сопьется же, как пить дать!
В ряд с этой картиной становятся и другие работы Маковского на тему взаимоотношений города и деревни. Не из этого ли мальца вырос играющий на гармони мастеровой? И не такая ли судьба ждет младенца, которого сейчас мать прижимает к себе?
Пейзаж картины Маковского "На бульваре" является отличным эмоциональным аккомпанементом для происходящей на наших глазах драмы. Промозглый, скорее всего, ноябрьский день, разлитая в воздухе сырость, от которой хочется зябко поёжиться, ощущение только что прошедшего дождя, отблески мокрых крыш… Одиночество и бессмысленность, кажется, заполнили и бульвар, и людей на нем. Случайные прохожие в глубине картины лишь подчеркивают отчужденность главных героев друг от друга и от мира.
Картина «На бульваре» была впервые показана в 1887 году на 15-й выставке Товарищества передвижников. Тогда же ее приобрел Павел Третьяков за 1500 рублей – на тот момент это было достаточно высокая стоимость.
@pic_history
#ВладимирМаковский #Реализм
🌊💎 Изумруд из Глубин: Легенда о Галеоне «Нуэстра-Сеньора-де-Аточа» 💎🌊
Открытие века! Изумрудное кольцо, поднятое с затонувшего 400 лет назад галеона «Нуэстра-Сеньора-де-Аточа», скоро уйдет с молотка в Нью-Йорке. Этот корабль, часть легендарного «Серебряного флота», навсегда изменил историю с его грузом в 500 млн долларов, включая золото, серебро и изумруды.
После борьбы с властями и судебных тяжб, сокровища, включая это изумрудное кольцо, были признаны находкой века и занесены в Книгу рекордов Гиннесса. Кольцо, символ любви и приключений, скоро найдет нового владельца.
Не пропустите эту и другие удивительные истории из мира затерянных сокровищ и реликвий! Подписывайтесь на нас и отправляйтесь в захватывающее путешествие в прошлое. 🚢✨
#ИзумрудноеКольцо #СокровищаГалеона #ИсторическиеСокровища #АукционныеНаходки
Как похитили «Святого Луку» из музея Пушкина
«Святой Лука» - картина голландского художника Золотого века Франса Хальса, написанная в 1625 году и ныне хранящаяся в Одесском музее западного и восточного искусства. С полотном связана интересная история с похищением, получившая немалый общественный резонанс в Советском Союзе. А впоследствии на основе кражи экранизировали фильм, ставший одним из любимых в СССР.
Ситуация с кражей работы получила всеобщий резонанс. И все потому, что всего за пару недель до инцидента, министр культуры СССР Екатерина Фурцева, находящаяся в то время в командировке, заявила: «В Советском Союзе, в отличие от Запада — музеи не грабят». Весной 1965 года обе найденные работы Хальса «Святой Лука» и «Святой Матфей» были привезены в Пушкинский музей на выставку западной и европейской живописи. 9 марта в музее был санитарный день, но уже на утро картины со Святым Лукой в музее не было! Полотно талантливого голландского портретиста жестоко и грубо вырезали ножом прямо из рамы. К слову, это было первое похищение произведения искусства из Пушкинского музея с 1930-х годов (в тот год были похищены шедевры Тициана и Доссо Досси).
Сама министр культуры оказалась в крайне неблагоприятной ситуации из-за своего заявления. Что уж говорить, кража едва не стоила Фурцевой занимаемой должности. Неудивительно, что дело находилось на контроле в Прокуратуре СССР, куда назначенного главного следователя Сергея Дерковского каждый день приглашали для докладов.
Преступление было раскрыто благодаря оплошности самого вора. Всего через полгода после кражи отчаявшийся преступник сам нашел на улице возле магазина «Грампластинки» одетого «по-западному» мужчину и предложил ему купить полотно «уровня Рембрандта» всего за 100 тысяч рублей. Удивительная и счастливая случайность! Этим одетым «по-западному» человеком оказался послом советского посольства в ФРГ, который одновременно являлся и сотрудником КГБ. Мужчине не сложно было понять важность этого сомнительного предложения. Была разработана спецоперация, в ходе которой полотно Хальса наконец было возвращено в музей.
На основе произошедшего инцидента в 1970 году режиссером Анатолием Боровским был создан фильм «Возвращение Святого Луки». По сюжету вор-рецидивист сбегает из тюрьмы, похищает картину «Святого Луки» и хочет ее продать. Другой герой, полковник Зорин, пытается остановить преступника.
@pic_history
"Портрет художника Архипа Ивановича Куинджи"
1870-е
Иван Николаевич Крамской
Научно-исследовательский музей Российской Академии художеств, Санкт-Петербург.
@pic_history
За этот год он написал сотню портретов Альмы, обнаженной, спящей, сексуальной, манящей, колени Альмы, руки Альмы. И в этот раз пишет ее такой, какой любит больше всего – лежащей ночью на кровати. Холст-кровать постепенно превращается в холст-стихию, холст-бурю, потому что эта любовь была изматывающей и безумной. Уходя по ночам от возлюбленной, Оскар мог до утра стоять под окнами, карауля выдуманных соперников. Кокошка пишет, что со времен Средневековья ни одна влюбленная пара не вдыхала друг в друга столько страсти. И потому первым названием картины было «Тристан и Изольда». Название «Невеста ветра» придумает поэт Георг Тракль, который в алкогольном дурмане шепчет новые стихи каждый вечер в мастерской Кокошки.
Альма Малер, вдова композитора Густава Малера, обладала исключительным чутьем на гениев и необъяснимым очарованием, которое сводило с ума мужчин. Ее мужьями уже после брака с Малером и романа с Кокошкой были архитектор Вальтер Гропиус и писатель Франц Верфель. Но за Кокошку она никогда замуж не собиралась, ее увлекала и затягивала та энергия, которую получал рядом с ней Оскар, но пугала и отталкивала его одержимость. Она не раздумывая сделает аборт, не желая иметь общих детей с этим безумцем, а он выкупит в больнице кровавую вату и будет мучить ее и себя, рассказывая, что это его единственный ребенок, и рисуя беременной.
В одном из писем Кокошка пишет Альме: «Картина близится к завершению медленно, но все удачнее. Мы оба с выражением огромного спокойствия, обнявшись, на краю в полукруге, сверкающее разноцветными огнями море, водонапорная башня, горы, молния и луна». Увидев картину, муза признала в ней шедевр, но описывала его совсем иначе: «В своей масштабной картине «Невеста ветра» он изобразил, как я доверчиво прильнула к нему посреди бури и вздымающихся волн – ожидая от него помощи, в то время как он, с деспотическим лицом, излучая энергию, смиряет волны».
Картина была продана сразу же. На вырученные от ее продажи деньги Кокошка купил лошадь и ушел на войну. Он вернется после ранений в голову и грудь, после скитаний по госпиталям и нервного срыва, когда Вена уже давно попрощается с ним как с погибшим. Альма к тому времени уже будет женой Вальтера Гропиуса. Они больше ни разу не увидятся.
@pic_history
#ОскарКокошка #Экспрессионизм
"Пейзаж на берегах Сены"
1875 г.
Альфред Сислей
Музей д’Орсе, Париж.
"Оживление холста — одна из сложнейших задач живописи."
@pic_history
"Тристан и Изольда с зельем"
1916 г.
Джон Уильям Уотерхаус
Частная коллекция.
@pic_history
Почему «Руки молящегося» Дюрера называют символом благочестия и божественного милосердия
Знаменитая картина «Руки молящегося» Альбрехта Дюрера, написанная для алтаря, дошла до нас в виде подготовительного рисунка на сине-серой бумаге. Популярность этого изображения впечатляет своим религиозным подтекстом и художественной красотой. Рисунок был предметом множества споров и спекуляций о намерениях художника и герое, руки которого описал Дюрер.
«Руки молящегося», датированные 1508 годом, стали самым известным рисунком гения Возрождения. Шедевр неоднократно переиздавался в художественных изданиях, а репродукции часто встречаются в частных коллекциях. Эти копии настолько широко распространены в немецких семьях, что некоторые искусствоведы осуждают их как воплощение китча псевдобожия. Рассмотрев некоторые анатомические особенности «Рук молящегося» и определив возможных людей, кому принадлежали эти руки, можно восстановить вероятные замыслы работы.
Руки на рисунке Дюрера тонкие, с удлиненными пальцами и ухоженными ногтями, не мозолистые. Мастерски переданы сухожилия, на руках даже заметен возраст героя (есть признаки старости). Невозможно не обратить внимание, что мизинец правой руки слегка согнут на уровне малого сустава. На левой руке большой палец вытянут и изогнут. Левый слегка согнутый безымянный палец свидетельствует о деформации и проблемах с суставами.
Так чьи же руки?
Есть несколько возможных версий того, кто мог быть владельцем этих рук.
1. Первая версия – это руки брата Дюрера. Вернемся в детство братьев Дюрер. Альбрехт и его брат были очень талантливыми художниками, но они были не столь богатыми, чтобы вместе учиться в школе искусств. Поэтому они решили подбросить монетку и условиться: тот, кто выйдет победителем, поступит в школу искусств, а другой останется и будет работать в шахте своего отца. Альбрехт выиграл жеребьевку, а его младший брат остался и работал на шахтах. Когда Альбрехт окончил школу и вернулся в отчий дом, он сказал брату, что теперь его очередь. Но тот отказался, потому что вследствие работы в шахтах его руки стали немощны. Опечаленный Дюрер решил изобразить измученные руки своего брата и посвятить ему часть будущего алтаря. Правдива ли эта история? Или это лишь красивая легенда? Истина так и остается загадкой.
2. Другие искусствоведы считают, что более вероятно, что Дюрер смоделировал руки по образцу своих собственных. Такие же руки можно увидеть и в некоторых других его работах.
3. Приверженцы третьей версии считают, что Дюрер был вдохновлен работой Андреа Мантеньи. Тот часто изображал мужчин с молящимися руками. Вот, например, его работа «Воскресший Христос между святым Андреем и святым Лонгином», датированная 1472 годом. На правой стороне картины святой Лонгин молится (его руки сложены в соответствующий молитвенный жест, как у немецкого живописца). Как и на рисунке Дюрера, пальцы удлинены, ухожены, большой палец левой руки вытянут, а мизинец правой руки согнут на уровне проксимального сустава. Очень похожие работы.
Действительно, «Руки молящегося» Дюрера обладают невероятным духовным измерением, которое затрагивает самую суть человечества и нашу потребность в милосердии. Тщательно детализированные сухожилия и пальцы превращаются в работе Дюрера в готический шпиль, ведущий взгляд зрителя вверх, к Богу. Кроме того, рисунок усиливается белым цветом – это заставляет руки излучать свет и жизнь. В одном наброске - целая история целая история о беспомощность простых смертных и мольбе о пощаде, о милосердии Бога.
@pic_history
"Постоянство памяти"
1931 г.
Автор - ?
За окнами смеркалось, настойчиво тикали часы, на тарелке неспешно плавился «Камамбер». А жена художника никак не возвращалась из кинотеатра. И тогда, дабы хоть как-то скрасить ожидание, мучимый мигренью художник подкрутил свои роскошные усы и взялся за кисть. Именно так появился шедевр, при упоминании названия которого наш уважаемый читатель сразу определит имя творца. Кстати, о своем легендарном произведении автор высказывался так: «Суть не в том, что они растекаются! Суть в том, что мои часы показывают точное время».
Эжен Делакруа картину назвал «28 июля, 1830». Этих цифр было достаточно, чтобы французские зрители поняли и вспомнили конкретный день, кровавый и страшный, вдохновивший и подаривший надежду.
В этот день в Париже вспыхнул мятеж, который позже назовут Июльской революцией и который привел к смене власти и политического режима. Казалось бы – дело было затеяно гиблое: одного короля меняли на другого. Карл Х, убежденный консерватор, пришел к власти в 1824 году и за 6 лет правления постепенно уничтожил все институты и законы, принятые при Наполеоне. За триколор грозила смертная казнь, например. Когда же в 1830-м правительство приняло ряд указов, ограничивающих свободу слова и распускающих Палату представителей, французы вспомнили о том, что баррикады – это пока единственный проверенный способ выразить недовольство. Членов правительства арестовали, король отрекся от престола и уехал в Великобританию.
Эжен Делакруа, сын бывшего министра иностранных дел при Наполеоне, не стоял на баррикадах, но был «восторженным наблюдателем». «Я выбрал современный сюжет – баррикады. И раз уж я не сражался за свою страну, я буду писать в ее честь», - сообщает художник брату. Картину размером три на два с половиной метра Делакруа напишет всего за три месяца. Он работает быстро и восторженно, оставляя в широких размашистых мазках еще и собственные переживания, перерабатывая свое настроение в уникальную живописную манеру.
Это первая картина Делакруа, которая изображает его современников и близкие, конкретные события. Красный, белый и синий цвета, отражаясь от трехцветного флага в руках Свободы, звучат на всем полотне. Любимые всеми романтиками трупы на первом плане не сильно похожи на тела павших героев. А по живым еще мятежникам можно уверенно судить об их недавнем участии в мародерстве: на плече мальчишки и рабочего в берете одинаковые сумки с боеприпасами, и это сумки королевских солдат. Тело мужчины без штанов на первом плане убеждает нас не сомневаться в нравах восставших – его штаны конечно украли.
И несмотря на это картине «28 июля, 1830» удалось стать символом не только революции, но и всей Франции и свободы вообще. Питерский искусствовед Илья Доронченков утверждает, что со времен раннего христианства, когда абстрактные ценности воплотились в жизни Христа, до Делакруа никому не удавалось создать такой реальный и полнокровный символ абстрактного понятия. Понятия свободы.
Государство купило картину сразу же как только она была представлена на Салоне 1831 года, но только спустя 43 года ее вынесли из темных дворцовых коридоров и водрузили на стену Лувра для всеобщего обозрения. Каждое правительство, разными способами приходящее к власти во Франции, считало ее слишком опасной.
@pic_history
#ЭженДелакруа #Романтизм
"Вид близ Рюэль-ле-Гавр"
1858 г.
Клод Моне
Художественный парк Марунума, Асака.
@pic_history
"Маленький кондитер"
1919 г.
Хаим Соломонович Сутин
Фонд Барнса, Филадельфия.
@pic_history
Ответ на вопрос и Яндекс Музыка ваша 60 дней бесплатно
Яндекс Музыка для вас и 3-х ваших близких 60 дней бесплатно. Попробуйте сейчас!
Попробовать
#реклама 16+
music.yandex.ru
О рекламодателе
Для тех, кто хочет работать за границей и играть на английском языке - мой курс "English for actors" :
- помогу поставить вам произношение;
- подготовлю к англоязычной роли;
- помогу записать актёрскую визитку на английском языке;
📍10+ лет опыта работы
📍Преподаватель в Гитисе
📍Мои ученики уже получают роли в США и Европе
Запись на занятия👇
/channel/acten
"Японский мостик"
1896 г.
Клод Моне
Частная коллекция.
@pic_history
"На бульваре"
1887 г.
Владимир Егорович Маковский
Государственная Третьяковская галерея.
Картина Маковского «На бульваре», на первый взгляд, представляет собой будничную сцену. Но всмотревшись пристальнее, мы увидим завязку семейной драмы.
Достаточно четко можно определить место действия – это Сретенский бульвар. По тем временам – рабочий район, аристократы тут не гуляли. На скамье молодой и, очевидно, подвыпивший мужчина играет на гармони, рядом с ним ссутулившаяся женщина, сжимающая в руках… сверток? Да это же запеленатый младенец! Что же между ними происходит? Да честно говоря, на картине – ничего, они выглядят чужими друг другу людьми, случайно оказавшимися рядом. Чтобы понять смысл происходящего, придется воссоздать исторический контекст.
@pic_history
"Дети на пляже, Валенсия"
1916 г.
Хоакин Соролья
Частная коллекция.
@pic_history
Десятки мастер-классов и стримов по фотографии в канале Александра Медведева.
Он разбивает мифы, в которые до сих пор верят фотографы и делится опытом:
– Откуда брать яркие идеи
– Как продумать сюжет
– Добавить эмоций
– Заставить часами смотреть на свою работу
И это только малая часть того, что происходит в канале по фотографии.
Если хочешь всегда быть в курсе эфиров, загляни в канал. Подписаться можно по ссылке:
👉 /channel/+vhyQeoooLt5iOTcy
erid: LjN8KSudL
"Невеста ветра"
1914 г.
Оскар Кокошка
Базельский художественный музей.
В 1913 году Оскар Кокошка измерил кровать своей любовницы Альмы Малер, он вырезал холст такого же размера, смешал краски и начал писать на нем свою самую важную картину. Важную не для современников или потомков, важную не для развития современного искусства, важную для него лично. Если он создаст настоящий шедевр, Альма выйдет за него замуж. А для него не может быть сейчас другого счастья.
@pic_history
На десятилетии «китайской грамоты» проходит праздничный концерт: под романсы Александра Ф.Скляра Аркадий Новиков неспешно потягивает аргентинский совиньон, а голосистая певица из поднебесной сподвигает Этери Левиеву подняться из-за стола и, ловя ноты, импровизировать.
Есть те, кому юбилей «не по барабану»: в промежутке между подачей дим самов и курицы Кунг Пао Ян Яновский сменяет палочки для еды на барабанные и смело демонстрирует ударные способности на удачу фотографам.
Хедлайнером ”фестиваля” диджей-сэт DJ AL, что выманил на танцпол Ольгу Свиблову, Маргариту Пушкину, Александра Шенкмана, Павла Лунгина, Бориса Белоцерковского и чету Борисевичей.
📍Китайская грамота. ул. Сретенка, 1
Винсент Ван Гог, Клод Моне, Ян Вермеер, Иван Айвазовский.
Культовыми художниками теперь можно наслаждаться в одном канале!
На канале "Утренние истории ☕️" публикуют полотна из Третьяковской галереи, Лувра, Эрмитажа, а также описание и интересные факты про них.
Бонусом: 🏛Архитектура, 🗿Скульптуры и многое многое другое...
Рекомендуем подписаться на отличный канал об искусстве:
/channel/morning_stories
Привет, я Катя! И я веду свой ироничный канал под названием
как я пережил kindergarten
Пишу о семье, детях, путешествиях, о самой жизни. Делаю это с юмором и всегда очень открыто.
Приглашаю и тебя 🫶
В преддверии праздника — Дня всех влюбленных — разыгрываю среди новых подписчиков 2000 рублей!
Все, что нужно сделать — это подписаться на меня в период с 13 по 15 февраля включительно.
А уже 16 февраля я подведу итоги и выберу победителя ♥️
Подписывайся. Тебе понравится!
как я пережил kindergarten
"Дворик в Ялте"
1886 г.
Исаак Ильич Левитан
Государственный мемориальный историко-художественный и природный музей-заповедник В.Д. Поленова.
@pic_history
"Свобода, ведущая народ"
1830 г.
Эжен Делакруа
Лувр, Париж.
Полуобнаженная девушка с профилем греческой богини и живым, теплым телом, с французским триколором и винтовкой в руках прочно ассоциируется с туманным понятием «свобода» вот уже почти два столетия. Этот образ используют карикатуристы, изображающие чиновничьи пороки, его использовали на французских листовках времен Второй мировой. Этот образ буквально материализовался, когда в 1968 году на обложке новостного журнала Paris Match появилась фотография студентки Каролин де Бендерн.
Публикуя новости о студенческих волнениях 1968 года, переросших в многомиллионную забастовку и политический переворот, все мировые журналы множили фотографию Каролин, создавая новый медийный образ свободы. Этот образ стал сильным и эффектным только потому, что эмоционально очень перекликался с картиной Делакруа.
@pic_history
