59103
У каждой картины есть своя история... Все вопросы — @nikfr0st Менеджер — @yuliyapic Наши стикеры: t.me/addstickers/pic_history Контент: https://artchive.ru/
Не только талые ручьи от сугробов стекают по Усачёву, но и инфлюенсеры на жёлтых такси.
В секретном баре Mates из-за наплыва будущих «героинь Аиста» блогера Лёшу Гребенщикова размещают за кофейный столик в сопровождении бокала игристого и не забывают про терминал оплаты.
Неподалёку за круглым столом, трендсеттер – Филипп Лобачев – травит байки о своём минувшем дне рождения в Рихтере с DJ Козак за пультом.
Тем временем светский обозреватель BURO – Ксения Китаева участвует в лотерее сертификатов в салоны красоты в соседнем зале. У новогодней ели рядом с владельцем сети «Mates» – Семёном Шимичевым, автор «Табора» грезит о выигрышной двухчасовой растяжке в одной студии пилатеса. Кажется, после пиццы с трюфелем и страчателлой ему и двух часов на снаряде будет мало...
📍Mates. Ул. Усачёва, д.11а
"Любовь и тюльпаны"
25х25 см. Холст/масло. 2022 г.
Елена Перминова
"Вся моя жизнь была связана с творчеством.
Я Работала дизайнером в полиграфии, освоила каллиграфию, занималась росписью мебели и даже большой период в моей жизни заняла резьба по твердому полудрагоценному камню. Но цветы мечтала писать с детства и вот несколько лет назад я ее осуществила. Пейзажи я тоже не обхожу стороной, но цветы для меня – это гармония. Я любуюсь солнцем в цветах и цветами в солнце. Можно сказать, что успокаиваюсь, набираюсь душевных сил и радости. Все это стараюсь передать в своих картинах и бываю счастлива, если удается это передать."
@LenikPerminova
"Магдалена Вентура с мужем и сыном"
1631 г.
Хосе де Рибера
Национальный музей Прадо, Мадрид.
Место силы и знаний, которое мы генерируем вместе. Это канал арт-дом для всех творческих - ArtHouseClub.
Здесь про опыт художниц основательниц канала, а также полезные материалы про живопись маслом, акварелью, подборки референсов для вдохновения и юмор.
Также на канале сейчас проходит розыгрыш, где можно получить подарок к Новому году✨
"Право господина"
1874 г.
Василий Дмитриевич Поленов
Государственная Третьяковская галерея.
Необычная для творчества Василия Поленова картина – работа молодого художника, написанная за границей, куда по окончании Академии художеств Поленов отправился в 6-летнюю поездку.
О том, что происходит на полотне, лучше всего рассказал сам Поленов:
«Вышел он, хорошо пообедав, на дворик своего ястребиного гнезда посмотреть на девушек, приведенных к нему для ночлежного развлечения. Подбоченился и слегка усмехается, увидев, что девочки не совсем дурные и что стоит его баронской чести приложить некий труд для их просвещения. Крайняя девушка понимает, в чем дело, покраснела и потупилась; средняя стоит как бы выше своего положения и смотрит на него с легким презрением, а дальняя, еще глупенькая, не понимает. Мужья, матери, отцы, приведшие их, остались вдали, у ворот, их не пустили солдаты, а наверху на лестнице молодой приятель и капеллан замка пересмеиваются: не всех же трех он себе возьмет и на нашу долю будет».
"Портрет писателя Ивана Сергеевича Тургенева"
1872 г.
Василий Григорьевич Перов
Государственный Русский музей.
Шекспировская Миранда на полотне Уотерхауса
Сюжет пьесы повествует о приключениях волшебника и герцога миланского Просперо и его дочери — юной Миранды. Благодаря родственным перипетиям и борьбе за власть, главная героиня и ее отец на много лет оказываются отшельниками на необитаемом острове. Здесь Просперо доводит свое искусство волшебства до совершенства, чтобы отомстить брату-узурпатору Алонсо. Спустя годы, Просепро насылает бурю на корабль Алонсо, и все, бывшие на судне, погибают. Сыну врага, племяннику Фердинанду удается спастись, и он встречает Миранду. Девушка и юноша влюбляются, но отец Миранды испытывает Фердинанда и скрывает тот факт, что его отец жив. Благодаря магической силе Просеперо, все недоразумения приходят к положительному завершению: брат признает его власть, сын встречается с отцом, и возлюбленные готовятся к свадьбе, благополучно вернувшись в цивилизованный мир.
Художник выбрал для живописного повествования самый трагический и трогательный момент всей пьесы: гибель корабля Алонсо. Миранда — глубоко чувствующая девушка, она поражена болью и бессилием при виде кораблекрушения и гибели людей:
О, как я страдала,
Страданья погибавших разделяя!
Корабль отважный, где, конечно, были
И честные и праведные люди,
Разбился в щепы. В сердце у меня
Звучит их вопль. Увы, они погибли!
Миранда Уотерхауса одиноко стоит на берегу бушующего моря, не в силах оказать помощь тонущему судну. В окружении скал и волн, дочь герцога возвышается, как маяк, крепко стоя на земле, словно каменные глыбы вдоль берега. Переживание и отчаяние девушки зритель видеть не может: она изображена в пол оборота. Но художник передал эмоции шекспировских строк через ее движения и колорит: Миранда удерживает развевающиеся волосы правой рукой, а левую прижимает к сердцу, там где «звучит их вопль» - вопль погибающих. Глубокий синий тон длинного средневекового платья перекликается с оттенком воды, которая бурлит, поднимая песок со дна. Край нижней юбки, манжеты и сумка на поясе резонируют с красно-рыжей копной волос, разбитой мачтой и окружающими стихию утесами. Преобладание этих двух оттенков создает осенний монохромный колорит морского пейзажа, усиливает впечатление неизбежности.
«Миранда и буря»: эволюция образа
Образ Миранды часто привлекал художников, и они иллюстрировали самые разные эпизоды повествования. Но Уотерхаус, следуя своему стремлению изображать эпические моменты, воспользовался только трагическими строками пьесы. Художник не дает зрителю надежды на счастливый конец, нет намека на то, что это не история горя и потери, а история о счастливой любви и волшебстве. Отчаяние героини при виде разбивающегося о рифы судна — единственное, что автор намерен донести и показать, используя для этого свои уникальные художественные приемы.
Шекспировские героини занимают особое место в творчестве Уотерхауса, а образ Миранды первый раз возник еще в начале его карьеры в 1875 году. Это совсем другая картина: буря окончена, и последние слабые волны неспеша накатывают на берег. Босая Миранда сидит на берегу в безвольно-меланхоличной позе, волосы ее убраны и перетянуты лентой, а руки устало сложены на коленях. Пик страданий позади, Миранда слаба и апатична. Восприятие героини на закате жизни художника меняется: на смену печальной и отрешенной нимфы приходит сильная античная богиня в кельтском одеянии с огненными волосами. Именно такой женский образ был востребован и любим зрителями и критиками Уотерхауса.
При жизни художника картина выставлялась в Королевской академии художеств. Полотно было приобретено на аукционе Sotheby's 21 ноября 1989 и находится сейчас в частной коллекции.
#ДжонУотерхаус #Прерафаэлиты #ЛитературнаяСцена
@pic_history
15 оригинальных работ Шагала, Пикассо, Дали, Матисса, Норштейна и других авторов по специальным ценам от 69.000 рублей только до 26 декабря!
В преддверии новогодних праздников Altmans Gallery запускает поп-ап акцию «Подари особенное». В аккаунте @altmans_pop_up вы найдете подборку работ из известных серий тиражной графики и рисунков, которые находятся в коллекциях крупнейших мировых музеев и экспонировались на международных выставках.
Посмотреть коллекцию поп-апа можно в телеграм-канале. Сделайте красивый и запоминающийся подарок тем, кто вам дорог. Ждем вас!
"Селедочница"
1867 г.
Константин Егорович Маковский
Государственный Русский музей.
Врубель написал картину всего за два дня. Летом 1899 года художник с женой Надеждой гостил в Орловской губернии – в имении Хотылево, куда их пригласила княгиня Мария Тенишева. Свою покровительницу он изобразил в образе воинственной Валькирии из скандинавского эпоса, а потом взялся за портрет жены. Однако импульсивный творец не довел работу до конца – об этом рассказывал композитор Борис Яновский, прибывший в имение Тенишевых по приглашению Врубеля: «Портрет уже близился к концу. Как-то вечером Врубель прочитал книжку Анатоля Франса ''Puit de s-t Glair''. Большое впечатление на него произвел тот рассказ, где старый сатир повествует о давно прошедших временах. На другое же утро Врубель на моих глазах соскоблил начатый портрет жены и на месте его принялся писать ''Пана'' (сам он называл его ''Сатир''). Эта работа так увлекла его, что через день он позвал жену и меня и уже демонстрировал нам почти вполне законченную картину!»
Музыкант отмечал, что пейзаж на заднем фоне Врубель писал с натуры – именно такой вид открывался с террасы хотылевской усадьбы. Он также вспоминал замечание Репина о том, что плечо сатира смято: «с чем, впрочем, и сам Врубель согласился».
Хотя на картине «Пан» древнегреческий бог скорее напоминает русского лешего. Фигура могучего старика с хитрым прищуром будто вырастает из земли, а несколько берез на заднем фоне только усиливает сходство с героем русских сказок. Видимо, чтобы избежать путаницы и разночтений, художник вложил ему в руку свирель – неизменный атрибут Пана. По преданию, под ее звуки он устраивает шумные пляски в компании задорных нимф.
Несмотря на согнутую, даже несколько сутулую позу Пана, его образ внушает ощущение силы. Широкие плечи и мускулистые руки немного не вяжутся с обликом пожилого седовласого старика. Возникают ассоциации с силами природы, которые могут быть умиротворенными и благосклонными, как теплая летняя ночь, но также могут быть опасными и сносить все на своем пути во время бури и гроз.
Фигура Пана занимает большую часть полотна и доминирует в его композиции. Ее ритм поддерживается за счет рифмующихся линий, созданных наклоном плеча мифического персонажа, стволов деревьев за ним, кустов и полумесяца на фоне. Основная часть картины выполнена быстрыми, легкими мазками, с которыми контрастируют филигранно написанные пальцы левой руки Пана, локоны его волос и бороды, а также лицо.
Пронзительный взгляд синих глаз оттеняют яркие акценты синего: цветок на переднем плане и проблески водной глади по бокам. Мистическая атмосфера картины завораживает и погружает в стихию летней ночи. Кажется, вот-вот послышится пение сверчков и приветствие просыпающихся перед рассветом птиц. Врубелю особенно хорошо удавалось изображение мифологических и сказочных персонажей («Царевна-лебедь»), и картина «Пан» входит в число его наиболее впечатляющих работ.
#МихаилВрубель #МифологическаяСцена
@pic_history
🌟 Вас поздравляет с Новым Годом редакция самых крупных столичных каналов:
🌆 Москвач
🏙 Питерач
Самых светлых событий вам! Ну а мы их непременно опубликуем, чтобы вы были в ритме любимого города
До новогоднего застолья остаётся меньше двух недель. Самое время начать ставить галочки в списке необходимых покупок к главной ночи года 📋🎄
За праздничное настроение отвечает Алкотeка! 🥂
В декабрьском предложении магазинов вас ждёт:
✨Постоянные скидки на вино и крепкие напитки;
✨Выгодные акции и подарки за покупку;
✨Услуга специального заказа для покупателей;
✨Большой выбор шампанского, игристых вин и крепких напитков со всего света!
"Вавилонская башня"
1563 г.
Питер Брейгель Старший
Музей истории искусств, Вена.
👀 Смотреть в высоком качестве
"Переход Суворова через Альпы в 1799 году"
1899 г.
Василий Иванович Суриков
Государственный Русский музей.
Клеопатра испытывает яд на узниках, один из которых умирает в страшных муках, а уже бездыханное тело второго уносят слуги. Египетская царица издавна волновала художников, поэтов и режиссеров. Ее образ считается олицетворением страсти, порока и роковой власти женщины над мужчинами.
Сюжет картины обыгрывает историю о том, как Клеопатра «тестировала» на узниках всевозможные яды, дабы выбрать самый действенный и безболезненный, и всегда держать его при себе – на случай, если придется прибегнуть к самоубийству (и случай подвернулся, как мы знаем).
Кабанелю в упрек часто ставят тот факт, что трагизм ситуации в картине никак не отражен. Однако конкретно в этом случае такое замечание не совсем верно. Разве с точки зрения самой Клеопатры, ее служанки и, если глобально, того жесткого времени, происходит что-то из ряда вон выходящее? Отнюдь. Жизнь узников принадлежит царице. Впрочем, Кабанель не стремится нам показать и равнодушие царицы к чужим жизням, его занимает внешняя сторона происходящего, и ее он демонстрирует во всем блеске.
Клеопатра в роскошных одеяниях изящно облокотилась о спинку дивана. Она холодна и, как ни неуместно это слово по отношению к ситуации, но – расслаблена. Обмахивающая повелительницу опахалом служанка (ах, как великолепно написаны ее спина и руки!) с любопытством поглядывает на процесс.
Подле Клеопатры лежит гепард. По египетской мифологии, это олицетворение богини Мафдет – защитницы фараонов, ведающей правосудием, в первую очередь, той его областью, которая касается казней. Мафдет традиционно изображается в виде женщины с головой гепарда. А голову самой Клеопатры украшает убор в виде грифа, символизирующего женское начало. При этом не стоит забывать, что гриф питается падалью, так что на месте казней ему самое место.
Искусно выстроен колорит картины. Она разделена на две части: затенённый «островок», с которого холеная, гордая царица со своей изящной служанкой, среди великолепных тканей, в окружении цветов лениво и равнодушно наблюдают происходящее, и изнуряющее солнце над площадью перед колоннами (до чего же хорошо расписанными!), под которым вершатся казни.
#АлександрКабанель #Академизм
@pic_history
Донна Велата (Женщина под вуалью. Портрет Форнарины. Дама под покрывалом)
1516 г.
Рафаэль Санти
Палаццо Питти, Флоренция.
«Магдалена Вентура с мужем и сыном», одна из самых известных и парадоксальных картин Хосе Риберы, способна даже современного зрителя ввести в когнитивный ступор. Мы ясно видим перед собой немолодого чернобородого мужчину. Помимо бороды, о его мужской половой принадлежности свидетельствуют высокие залысины на лбу, узловатые кисти рук, сурово нависающие брови. При этом из расстегнутого ворота мужчины видна женская грудь, а к ней для пущей убедительности прилагается приблизительно годовалый младенец. Позади зачем-то жмётся еще один мужчина – еще более пожилой и растерянный.
Поразительней всего в этой картине Риберы, пожалуй, то, что она является не плодом изощрённого или даже извращённого воображения, а реалистической и правдивой зарисовкой с натуры.
Вице-короли Неаполя, при дворе которых Хосе Рибера работал много лет, имели вкус ко всему диковинному и необычному, чтобы не сказать уродливому. В их коллекции живописи и скульптуры находилось место карликам и гигантам, животным о нескольких головах или ногах и прочим природным аномалиям. Всё это отражает жгучий интерес эпохи барокко ко всему, серьёзно отличающемуся от нормы. И Магдалена Вентура, ничем, помимо злосчастной бороды, не примечательная женщина из итальянского города Абруцци, получила известность именно на волне этого интереса.
Покровитель Риберы, неаполитанский вице-король герцог Алькала, по легенде, привел всё семейство в мастерскую художника, чтобы тот смог запечатлеть ошибку природы.
Согласно подписи, выбитой на каменных скрижалях в правой части холста, лет до 37-ми Вентура была обычной женщиной, имевшей мужа Феличе де Амиче (это именно он, угнетённый семейным несчастьем, изображен на втором плане картины) и троих сыновей. После же случилось невероятное: у Магдалены начала расти борода и меняться внешность. Не известно, чем объясняли это в XVII столетии, задолго до открытия половых гормонов, – возможно, происками дьявола. В ХХ веке, естественно, Вентуре диагностировали грубое гормональное нарушение, в результате которого она уподобилась мужчине. Удивительно при этом, что, судя по наличию на картине ребёнка и лактирующей груди, это не лишило её репродуктивной функции. Но возможно ли такое?
Современные испанские искусствоведы, проведя многочисленные консультации со светилами медицины, пришли к заключению, что с учетом фактора возраста (на картине Магдалене около 52-х лет) и вирилизации («омужествления» в результате воздействия андрогенов) родить этого младенца женщина никак не могла. Согласно их предположению, Рибера принял решение написать и младенца, не найдя других, более убедительных средств показать, что переда нами все-таки женщина, а не мужчина.
#Рибера
@pic_history
"Семья"
1907 г.
Сергей Васильевич Иванов
Государственная Третьяковская галерея.
Почему же Поленов выбрал столь необычную тему?
Действительно, «Право господина» – неожиданная картина для тех, кто знает Поленова знаменитого, более позднего – певца лирических русских пейзажей. Но, во-первых, Поленов учился в Академии художеств по классу исторической живописи и поначалу пробовал себя в историческом жанре. А во-вторых, параллельно с Академией он получил второе образование – юридическое: на этом настояли родители Поленова, которые хотели, чтобы сын имел «существенную» профессию. Как дипомированный юрист, Поленов мог быть неплохо знаком по книгам с пережитком феодального уклада – правом первой ночи.
Вместе с другим выпускником Академии Ильёй Репиным Поленов в середине 1870-х приехал в Нормандию. Там написаны его лучшие ранние пейзажи, а на самого Поленова неизгладимое впечатление производят средневековые замки – мрачные, таинственные, величественные. Под влиянием местной архитектуры ему приходит в голову сюжет для жанровой работы, которую сначала Поленов именует без обиняков – «Право первой ночи». Но вот потом с названием начались непредвиденные сложности.
Три названия одной картины
Пенсионер Академии, получающий стипендию для заграничных штудий, разумеется, должен подробно отчитываться своей альма матер о том, что он посетил, каких европейских мастеров посмотрел и что планирует написать сам. Поленов тоже из Франции сочиняет отчеты для секретаря Академии Исеева. Замысел еще можно подать завуалированно, экивоками да намёками, но название «Право первой ночи»?!
Родители Поленова, которым послушный и преданный сын тоже подробно пишет о своих путешествиях и посвящает в творческие замыслы, приходят от такой задумки в ужас. Отец Дмитрий Васильевич уговаривает сына назвать картину как-то иначе, не столь вызывающе, сам придумывает чудесное, как ему кажется, название и навязывает его Поленову. «Приезд институток» или «Выпуск девиц из пансиона» – недурно ведь, а? Мило, патриархально, и смысл всего действа – совсем другой, благопристойный.
Мать и отец Поленова беспокоятся не зря: всего 13 лет минуло, как в России отменили крепостное право. Бог знает, какие намёки на человеческое бесправие и другие общественные язвы может разглядеть в картине Поленова российская цензура!
Поленов на «Приезд институток» категорически не согласен: чушь какая, совсем не соответствует его либеральной задумке. Но поступает как юрист (хоть и не работавший ни дня по специальности) – находит компромисс, который устроит всех. Он переименовывает свою картину «Право первой ночи» в «Право господина». Нет уже больше однозначной фривольности, связанной с «постельным правом» и «первой ночью»: мало ли какие еще у господина могут существовать права. Может, просто право распекать свысока нерадивых дворовых девушек за что-нибудь незначительное: мясо передержали на огне или на мессе хихикали. Мало ли…
#ВасилийПоленов #Реализм
@pic_history
Кандинский с детства!
Шаг за шагом, от простого к сложному, ведь всё самое важное в нашей жизни закладывается с детства. Поэтому так важно прививать детям знания и любовь к искусству… Зато полюбуйтесь, как у них всё легко и гармонично складывается во взрослой жизни!
Русское культурное наследие, вобравшее в себя всю благородную силу и мудрость, даёт нам исчерпывающее представление о добре и зле, о красоте и духовности, о любви к человеку и своей Родине, открывает нам двери в мир гармонии и непревзойдённых идеалов.
О важности и незаменимости русского искусства для каждого из нас и для всего мира нам рассказывает серия видеороликов с хештегом #ВеликоеНеотменимо, которые можно посмотреть по GreatNotCancelled">этой ссылке…
Сергей Кузнецов, архитектор и художник, главный архитектор Москвы с 2012 года.
Процесс создания картины углем на большом картоне. Сюжетом для этой работы выбрана площадь Сан-Марко в Венеции.
В 2023 году картоны Кузнецова будут представлены в церкви Анненкирхе в Петербурге и в Третьяковке на Крымском валу. Следите за анонсами на странице
@uragankuznetsov
Фото: Рустам Шагиморданов
"Миранда и буря"
1916 г.
Джон Уильям Уотерхаус
Частная коллекция.
Миранда — героиня одного из поздних произведений Уильяма Шекспира «Буря», а также образ, воспетый многими художниками. «Миранда и буря», созданная Уотерхаусом в 1916 году, становится одной из узнаваемых его работ и наиболее популярной иллюстрацией к пьесе.
Мы заглянули в недалекое будущее — и узнали, что кого-то из наших подписчиков очень скоро ждут крутые призы 🎁
Участвуйте в конкурсе от OMODA! Вы можете выиграть наш главный приз — подарочный сертификат Trend Island на 30 000 рублей. А еще 10 счастливчиков получат футуристичный мерч OMODA.
Итак, вопрос.
Героям культовой франшизы «Назад в будущее» строить прогнозы было чуть сложнее, чем нам: для перемещения во времени им требовался специальный автомобиль. Сможете вспомнить, как он назывался?
Принять участие в конкурсе очень просто: достаточно подписаться на наш канал и оставить в комментариях свой (правильный!) вариант ответа. Итоги подведем уже 28 декабря, победителя выберем случайным образом среди всех, кто выполнил условия конкурса.
Желаем удачи всем участникам!
С подробной информацией об организаторе конкурса, о правилах, количестве призов, сроках, месте и порядке их получения можно узнать в правилах.
Тот самый телеграм-канал, в котором не захочется выключить уведомления
🔸Нет времени путешествовать или «смотреть по сторонам» ?
🔸Надоел Pinterest, но хочется вдохновения ?
🔸Когда любопытно: «А как живут знаменитости?»
🔸В каком ресторане самый красивый интерьер ?
Здесь про архитектуру и дизайн
Красиво. Необычно. Вдохновляюще.
"Пан"
1899 г.
Михаил Александрович Врубель
Государственная Третьяковская галерея.
👀 Смотреть в высоком качестве
«Пан» – один из ноктюрнов «Сказочного цикла» Михаила Врубеля – серии картин, которые объединяет время действия (сумерки или ночь), а также мифологические и сказочные персонажи. В древнегреческой мифологии Пан – бог плодородия и дикой природы, покровитель пастухов и скотоводов. Он был рожден с козлиными ногами, рогами и бородой, и с раннего детства отличался диким нравом. Даже слово «паника» обязано своим происхождением этому необычному персонажу.
"Портрет дожа Леонардо Лоредана"
1502 г.
Джованни Беллини
Лондонская Национальная галерея.
👀 Смотреть в высоком качестве
Источник картины Питера Брейгеля «Вавилонская башня» - Книга Бытия, где повествуется о благодатной земле в долинах рек Тигр и Евфрат. Там люди, возгордившись, задумали построить башню, которая достанет до неба. Разгневавшись, Бог смешал их языки. Люди перестали понимать друг друга, а башня так и не была построена.
Вавилонская башня была одним из самых распространённых мотивов нидерландской живописи XV-XVI веков. Объяснялось это интересом не столько к Библии, сколько к современности. Приморские города стремительно росли, они были переполнены приезжими торговцами и проповедниками, формировались и тут же вступали в конфликты различные религиозные группы. Только за первую половину XVI века население Антверпена, где работал Брейгель, удвоилось; не меньше тысячи из его жителей составляли иностранцы. Всё это создавало сильное мультикультурное напряжение, позволявшее сравнивать современные Брейгелю Нидерланды с Вавилоном.
Но, несмотря на распространённость сюжета, никому до Брейгеля не удавалось столь достоверно передать чудовищные размеры строения. Его «Вавилонская башня» поражает размахом, доскональным знанием инженерных тонкостей и проработкой мельчайших деталей. В ней наилучшим образом проявляется уникальный метод Брейгеля, соединяющий трудносовместимое – панорамную живопись и миниатюру.
По внешнему виду башня Брейгеля – это нечто среднее между оживлённым муравейником или ульем и Колизеем, который художник, несомненно, мог видеть в Риме. В левом нижнем углу Брейгель изображает царя Нимрода, окружённого свитой, который приехал проинспектировать ход строительства, и упавших перед ним на колени каменщиков.
Брейгель показывает, как по реке к стройке подвозятся камни и брёвна (точно так же строительные материалы доставлялись в Антверпен). Лестницы, строительные леса, подъемный механизм, позаимствованный прямо с рыночной площади Антверпена, опоясывающие башню контрфорсы, нужные, чтобы противодействовать боковому распору, – художник очень точен в передаче инженерных моментов.
Башня возводится неравномерно. На разных уровнях показаны разные этапы строительства. Нижние этажи башни уже заселены – в окнах и дверных проёмах можно разглядеть жителей, а на верхних уровнях кипит работа. Но её рассогласованность, придающая башне сюрреалистический вид, говорит о том, что разделение языков уже совершилось или вот-вот произойдёт, что люди уже перестали коммуницировать друг с другом и дело вряд ли будет доведено до завершения.
Известно, что Брейгель писал картины на этот сюжет не менее трёх раз. Сохранились две из них: «большая» «Вавилонская башня» хранится в Вене, а «малая» – в Роттердаме.
#БрейгельСтарший #Возрождение
@pic_history
Новый телеграм-канал про классическую культуру через иллюстрации, контексты и неочевидные связи.
Выходят материалы про русскую и зарубежную литературу, классическую музыку, живопись, оперу, поэзию — о культуре, которая проверена временем.
Например, вышли материал о причинах популярности «Мастера и Маргариты», о семье Чайковского, пост о местах Зощенко в Петербурге, об электронном архиве футуристической книги, переписке Толстого и Фета.
Посмотрите канал своими глазами: t.me/siriusconcert
2022 год у меня начался с шедевра — Фолкнера, и заканчивается тоже шедевром — воспоминаниями легендарного фотографа-сюрреалиста Ман Рэя.
Когда я увидела работы Мэн Рэя впервые, ещё не зная, кто это, я сразу оторопела. Безумно талантливо. Ошеломляет. Смотришь и забываешь обо всём. Чувство: «Вот! Моё!»
Для любителей фактов, кто такой Ман Рэй:
— в 2022 году его фотография, «Скрипка Энгра», стала самой дорогой в мире. Её продали на аукционе почти за 13 миллионов долларов.
— Ман Рэй автор культовых снимков Коко Шанель, Джойса, Хемингуэя, Гертруды Стайн и многих других, которые вы наверняка однажды видели и задерживали на них взгляд.
Ман Рэй родился в США, обладал смекалкой, хитроумием и деловым чутьём. И даже какое-то время работал «в конторе», весьма успешно. И, наверняка, мог бы продолжать. Однако, с самого детства он экспериментировал: с фактурами, цветами, красками, самодельными скульптурами, арт-объектами и живописью. Позже он увлекся фотографией. У него было твёрдое понимание, с самого раннего возраста, что он хочет заниматься именно искусством. И ему было по большому счёту всё равно, что об этом думали окружающие.
Судьба занесла Рэя в ТОТ САМЫЙ Париж 20-х годов ХХ века, с его свободой и культом индивидуальности, и собственными ценностями, которые способствовали расцвету различных искусств. И, скажем так, весьма отличались от ценностей, принятых в других городах.
Если герой фильма Вуди Аллена «Полночь в Париже» лишь смутно желал окунуться в богемную и прекрасную атмосферу города, то Ман Рэй в ней по-настоящему жил. Он знал лично практически всех ключевых людей эпохи: писателей, художников, режиссёров, скульпторов.
Он всегда мечтал быть именно художником, но спрос на его услуги как фотографа, а также плата за них, всегда были выше. Так, постепенно, Ман Рэй всё меньше времени уделял живописи, всё больше — фотографии, становясь мастером и новатором именно в ней.
В то время фотография считалась НЕСЕРЬЁЗНЫМ искусством. И, признаю, мне было больно читать, как Мэн Рэй, который писал свой «Автопортрет» уже будучи фотографом-легендой, вольнодумец, первопроходец, «себе на уме», но нет-нет, да и «оправдывается», что забросил живопись и занимался ей не так много, как фотографией.
Правда, затем он, в конце книги, предлагает упразднить слово «серьёзный» по отношению к искусству вообще. Что такое «серьёзное искусство»? Что такое «несерьёзное»? Леонардо да Винчи — серьёзное? А NFT-искусство — уже нет? А если бы Леонардо жил сейчас и занимался NFT-искусством, оно бы стало серьёзным? А кто это решает? А давайте всё же выкинем это слово, а?
А вдруг Мэн Рэй бросил бы свою «несерьёзную» фотографию? И что, не было бы фотографа-легенды, на которого до сих пор равняются? А кому было бы лучше? Мир бы стал серьёзнее от этого?
Много-много раз посреди книги я останавливалась и думала: «Я так его понимаю!». Всё хорошее когда-нибудь заканчивается. Читать об оккупации Парижа в конце книги было почти невыносимо. Всё волшебство той эпохи, в которой жил и творил Ман Рэй, которая породила столько творцов, ушло навсегда.
Но, читая «Автопортрет», можно ненадолго пожить там: в Париже 20-х ХХ-го, среди самых талантливых людей. Это круто!
"Клеопатра испытывает яд на узниках"
1887 г.
Александр Кабанель
Королевский музей изящных искусств, Антверпен.
