59103
У каждой картины есть своя история... Все вопросы — @nikfr0st Менеджер — @yuliyapic Наши стикеры: t.me/addstickers/pic_history Контент: https://artchive.ru/
Карты как искусство 3.0
По традиции к международному дню географических информационных систем (ГИС) мы сравниваем работу геоинформационных систем с известными произведениями искусства, смотрим на результаты сбора, анализа и визуализации пространственных данных в художественной форме.
⚡️Приглашаем Вас на виртуальную выставку:
«Женщина III» - одна и самых известных и самых дорогих картин Виллема де Кунинга. Как и все работы из серии «Женщины», написанные в начале 50-х, она вызвала немало споров. Нервная и агрессивная манера письма художника в сочетании с таким, мягко говоря, нестандартным изображением женской наготы, озадачивало и пугало публику. Дилер де Кунинга позже рассказывал, что он работал над этой серией с какой-то особой жестокостью и иногда даже оставлял кистью маленькие отверстия на холсте, яростно нанося мазки.
«Женщины» де Кунинга разительно отличались от любых изображений «слабого пола» в западном искусстве. Они были агрессивно сексуальными и ужасающе откровенными. Эти женщины были слишком далеки от стереотипного образа покорной американской домохозяйки времен Холодной войны. Намеренно отказавшись от этой идеализации, де Кунинг создал совершенно новых героинь, в чем-то гораздо более реалистичных, несмотря на их абстрактность.
На протяжении всей своей карьеры художник неустанно изучал отношения между объектом и фоном на полотне. «Женщины» стали идеальным объектом для такого исследования. Де Кунинг как будто вмешивает, вплавляет женскую фигуру в окружающее пространство, длинными мазками объединяя линии ее тела с фоном. Кроме того, художник использовал для фигуры и ее окружения одинаковые цвета и оттенки, заставляя ее растворяться в неразличимой обстановке.
Несмотря на всю противоречивость и неоднозначность, в 70-х картину приобрел Музей современного искусства в Тегеране. Однако после революции 1979 года в стране стали действовать строгие правила относительно визуальных искусств, и полотно тихо продали бизнес-магнату Дэвиду Геффену. В 2006 году на закрытых торгах «Женщину III» купил миллиардер Стивен Коэн. Полотно обошлось ему в 137,5 миллионов долларов, попав в десятку самых дорогих картин мира.
#ВиллемДеКунинг
@pic_history
Бесплатная доставка и скидка 500 ₽
Холода наступают, все забираются под одеяла с чашками горячего чая. Это значит, что самое время обратиться к главному помощнику — СберМаркету! Пока вы заняты отдыхом, домашними делами или работой, курьер доставит заказ из вашего любимого магазина. Доставка бесплатная, а по промокоду 500GO ещё и скидка 500 ₽ на первый заказ от 1 500 ₽.
"Маленькая улочка в Дельфте"
1659 г.
Ян Вермеер
Государственный музей, Рейксмузей, Амстердам.
👀 Смотреть в высоком качестве
Картина Репина «Приплыли» – вовсе не Репиным написана, да и называется иначе - "Монахи (Не туда заехали)", а написал ее современник Репина, воронежский художник и педагог Лев Соловьев, который также много занимался иконописью.
Впрочем, сюжет картины, несмотря на другое название, вполне укладывается в смысл, который вкладывают, вспоминая якобы произведение Репина. Когда ситуация приводит к конфузу участников, когда смешно и немножко стыдно, когда за поворотом (буквальным или аллегорическим) оказывается совсем не то, что предполагалось, мы выдыхаем и говорим: «Ну вот, картина Репина «Приплыли!». И улыбаемся – весело или саркастически в зависимости от ситуации.
Глядя на картину, к которой намертво пристало это название, сложно сохранить серьезность. Речка на околице, туманная погода, плохая видимость. На лодке – монахи. Уж неведомо, куда они направлялись, но явно в какое-то другое место. Но в тумане их лодку вынесло к берегу, на котором деревенские бабы моются. Эдакая женская баня на реке. Небось, монахам, когда туман прояснился и они оказались в окружении множества голых барышень, только и оставалось резюмировать: картина Репина «Приплыли»!
Забавности сюжету придает тот факт, что монахи отнюдь не отводят очи от искушений дьявольских, напротив, не сводят с девиц глаз. Особое обаяние в картину привносят двое озорных ребятишек, которые единственные смотрят, кажется, зрителю прямо в глаза. Кажется, они и нас поймали на совсем не монашеском разглядывании голых барышень, и сейчас захохочут: попались, мол. А нам останется только согласиться и кивнуть: «Картина Репина «Приплыли», не отрицаем, мол».
По всей вероятности, на одной из выставок не туда заехавшие «Монахи» соседствовали с работами Ильи Репина. По ассоциации с афористичным названием другой его работы – «Не ждали» – могло возникнуть это «картина Репина «Приплыли».#ИльяРепин #Реализм
@pic_history
В 1900-х годах в творчестве Пикассо отмечено два периода живописи — "голубой" и "розовый. "Голубой" период выделяется темой меланхолии и печали, "розовый" — более живой, хотя порой и не менее драматичный. Разумеется темы отражаются в палитре.
👀 Смотреть в высоком качестве
Женщина в бизнесе или как у нее получилось?
Недавно познакомились с Юлей Токмениновой. Если вы еще не знакомы с Юлей, то я сейчас расскажу. Юля - совладелица ближневосточного кафе BLAU и винного ресторана VERD, также она ведет свой канал «Юля, хватит жрать», где без лишней мишуры рассказывает про ресторанный бизнес, личные инсайты и вкусовой опыт.
В канале можно найти посты о добавленной стоимости в ресторанах, делится подборкой мест в Стамбуле, рассказывает о том, как борется с ситуацией в новых реалиях и просто показывает эстетику вокруг.
Если вам нужна порция вдохновения для движения вперед, то подписывайтесь на канал.
"Голконда"
1953 г.
Рене Магритт
Частное собрание.
@nivnvdo_animation — канал Натальи Ивановой-Достоевской, продюсера кино и анимации («Три кота», «Царевны», «Шоу Мишки Шмяк» и др.), о новостях и трендах анимации, кино, образования и новых медиа.
Канал, который читают продюсеры телеканала Карусель и студии Союзмультфильм, и даже номинанты на премию Оскар! @nivnvdo_animation
"Христос в пустыне"
1872 г.
Иван Николаевич Крамской
Государственная Третьяковская галерея.
👀 Смотреть в высоком качестве
Картину «Христос в пустыне» Крамской, по его признанию, писал слезами и кровью. Работал он над ней долго, создавал эскизы, отбрасывал их, искал единственно верную интонацию. Тема искушения Христа занимала его еще в период обучения в Академии. Первым толчком стала картина Александра Иванова «Явление Христа народу». Крамской был глубоко взволнован этим произведением. Для себя задачу он сформулировал так: «Поставить перед лицом людей зеркало, от которого бы сердце их забило тревогу». На протяжении 10 лет он к ней постоянно возвращался, писал эскизы, делал наброски.
"Саския с красным цветком"
1641 г.
Рембрандт Харменс ван Рейн
Дрезденская картинная галерея (Галерея Старых мастеров).
👀 Смотреть в высоком качестве
Упасть вверх: как правильно смотреть картину «В Крымских горах»
Пейзаж, который ослабленный болезнью Васильев, напрягая последние силы, стремился как можно скорее окончить к очередному конкурсу Общества поощрения художеств, назывался «В Крымских горах». Он обобщает впечатления художника от Крыма и воспринимается теперь как своего рода духовное завещание.
«В Крымских горах» звучит патетически и торжественно – картину позднее будут сравнивать с симфонией.
Пространство специально организовано Васильевым так, что зритель не может одним взглядом охватить всё, что есть на картине. В переписке они долго спорили на этот счёт с Крамским: старший товарищ считал, что такое построение неверно: в классической композиции глаза зрителя не должны «спотыкаться», а в картине «В Крымских горах» взгляд невольно упрётся в запряжённую волами арбу (она поначалу казалась Крамскому лишней). Крамской критикует Васильева за слишком большой разворот по вертикали, он считает его неестественным, нарушающим зрительное правдоподобие: «Чем дальше, тем больше зритель невольно не знает, что ему с собой делать. Ему слишком непривычно то, что ему показывают, он не хочет идти за Вами, он упирается, но какая-то сила тянет его все дальше и дальше, и, наконец, он, точно очарованный, теряет волю сопротивляться и совершенно покорно стоит под соснами, слушает какой-то шум в вышине над головою, потом опускается, как лунатик, за пригорок, ему кажется, — недалеко уже лес, который вот-вот перед ним; приходит и туда, но как хорошо там, на этой горе, плоской, суровой, молчаливой, так просторно; эти тени, едва обозначенные солнцем сквозь облака, так мистически действуют на душу, уж он устал, ноги едва двигаются, а он все дальше и дальше уходит и, наконец, вступает в область облаков, сырых, может быть, холодных; тут он теряется, не видит дороги, и ему остается взбираться на небо, но это уж когда-нибудь после, и от всего верха картины ему остается только ахнуть».
Однако Васильев, хорошо осознавая все возражения и резоны Крамского, выстраивает картину именно так, как считает правильным сам – он называл такое построение «картина вверх». Зритель, действительно, не может объять одним взглядом всё пространство «В Крымских горах» и вынужден, послушный замыслу художника, перемещать взгляд от пыльной дороги к арбе (здесь будет вынужденная пауза, чтобы рассмотреть спешившегося татарина, желающего облегчить участь своих лошадей), от арбы – к пригорку, а дальше – в гору, к вершинам сосен и небу.
Не будем забывать, что это была последняя картина измученного туберкулёзом, безденежьем и моральными терзаниями художника, а значит, в своём роде его завещание. Последние рассуждения Васильева о картине приписывают живописи почти мессианскую роль – исправить человеческую природу. «Если написать картину, состоящую из одного этого голубого воздуха и гор и передать это так, как оно в природе, - рассуждал Васильев, - то, я уверен, преступный замысел человека, смотрящего на эту картину, полную благодати и бесконечного торжества и чистоты природы, будет отложен и покажется во всей своей безобразной наготе».
"В Крымских горах"
1873 г.
Фёдор Александрович Васильев
Государственная Третьяковская галерея.
«В Крымских горах» – последняя работа Федора Васильева, «гениального юноши», одного из крупнейших русских пейзажистов XIX века. В том же 1873-м году, когда были положены последние штрихи, завершившие сумеречно клубящееся небо на картине, 23-летний художник умрёт.
"Портрет Джорджа Дайера"
1966 г.
Фрэнсис Бэкон
Частная коллекция.
"Голландская девушка за завтраком"
1757 г.
Жан-Этьен Лиотар
Государственный музей, Рейксмузей, Амстердам.
👀 Смотреть в высоком качестве
"Договор купли-продажи"
1520 г.
Квентин Массейс
Берлинская картинная галерея.
"Женщина III"
1953 г.
Виллем де Кунинг
Частная коллекция.
"После сюжета как такового к интереснейшим свойствам пейзажа относятся движение, жизнь. Оживление полотна - одна из величайших трудностей живописи. Наделить произведение искусства жизнью - в этом, безусловно, одна из необходимейших задач истинного художника. Все должно быть направлено к этой цели: форма, цвет, фактура. Впечатления творящего художника должны быть животворными, и лишь такие впечатления возбуждают зрителя. И хотя пейзажист должен оставаться господином своего ремесла, фактура, доведенная до максимума живости, должна и зрителю передавать то впечатление, которым охвачен художник".
Альфред Сислей
Стоя перед картиной в музее или слушая лекцию.
Укладывая спать ребенка или принимая решение в ходе переговоров, мы можем по-разному чувствовать свою жизнь и воспринимать реальность.
Что, если к логическому обоснованию, оцениванию и припоминанию фактов добавить жизнь тела со всеми его ощущениями, дыханием и биением сердца?
Тело открывает доступ к:
✓ реальным потребностям в моменте и большему объему удовольствия
✓ ресурсу устойчивости и уверенности в себе
✓ объемной, вкусной жизни, наполненной теплотой и близостью
✓ ценным подсказкам в моменте, которые всегда правдивы
Из этого видео вы узнаете, как укреплять связь с телом на повседневной основе, повышая полноту ощущений и качество своей жизни.
Больше про умножение собственного ресурса, красоты и раскрытие индивидуальности женщины – на канале «Pro-явление женщины».
Смотреть видео
Монахи (Не туда заехали)
1870-е
Лев Григорьевич Соловьев
Сумской художественный музей.
"Что нового?"
1892 г.
Поль Гоген
Дрезденская картинная галерея (Галерея Старых мастеров).
Магритт стал зарабатывать на своих картинах только в последние годы жизни. Его полотна начали триумфальное шествие по всему миру, они выставлялись не только в Европе, но и за океаном. Магритт, в конце жизни ощутивший наконец вкус к путешествиям, даже съездил в Нью-Йорк в 1965 году, чтобы открыть персональную выставку в Музее современного искусства.
Но на протяжении почти всей жизни основным заработком художника была реклама. В 20-е годы он создал серию плакатов в стиле ар-деко для бельгийского модного дома Norine. А в 30-е, после возвращения из Парижа, открыл вместе с братом Полем собственное рекламное агентство, которое обеспечивало художнику безбедное существование. Однако еще раньше Магритту приходилось совершать работу, пожалуй, самую неблагодарную для живописца. Он работал на фабрике, производившей обои, и день за днем в течение целого года рисовал одни и те же незамысловатые цветочные узоры. Такие же, которые в будущем покроют стены его уютного домика в Брюсселе. Почему-то именно этот факт из биографии художника вспоминается в первую очередь при взгляде на картину «Голконда», покрытую весьма своеобразным узором.
Полотно получило название в честь древнего индийского города, прославившегося добычей особенно крупных алмазов (по легенде, именно здесь были найдены знаменитые камни Кохинур и Регент). Как и в случае с большинством картин Магритта, название картины – своего рода ребус, который заставляет зрителя остановиться и задуматься о том, как именно оно связано с изображением. Но искусствоведы полагают, что расположение мужчин в котелках на полотне напоминает кристаллическую структуру алмаза. Если же не погружаться так глубоко и вспомнить о том, что сюрреалисты часто давали своим картинам названия, совершенно не связанные с сюжетами, можно предположить, что «Голконда» изображает дождь из мужчин в котелках. И если сначала они кажутся сплошной безликой стеной, то, как следует присмотревшись, можно заметить, что каждый из героев полотна самую малость отличается от других. Точно так же, как не существует двух полностью идентичных капель дождя или двух совершенно одинаковых драгоценных камней.
#РенеМагритт #Сюрреализм
@pic_history
"Бабы"
1904 г.
Филипп Андреевич Малявин
Государственный Русский музей.
👀 Смотреть в высоком качестве
Известен вариант 1867 года, его художник счел неудачным. И действительно, вертикальному формату недоставало ширины, бескрайности, «контекста», в который заключен погруженный в думы Спаситель. Через два года Крамской поехал в Европу. Осматривая произведения признанных мастеров, он все время держал в уме свой образ, сопоставлял его с другими трактовками, нащупывал верное решение. Дописывал картину в Крыму, вскакивал спозаранку и мог провести у холста весь день – уже видел, какой она должна быть.
Сюжет картины взят из Нового Завета – искушение Христа в пустыне, куда он удалился на 40 дней после крещения. Христос Крамского, как и «Христос в Гефсиманском саду» Ге, выглядит не владыкой, а страждущим, мятущимся, сомневающимся человеком.
Крамской хотел показать момент нравственного выбора. Внешнего действия как такового в картине нет, его заменили внутренние переживания героя. По сути, сюжет картины – сама жизнь духа. В известном письме Всеволоду Гаршину художник дает пояснения к картине: «Я вижу ясно, что есть один момент в жизни каждого человека, мало-мальски созданного по образу и подобию Божию, когда на него находит раздумье – пойти ли направо или налево, взять ли за Господа Бога рубль или не уступить ни шагу злу?». Именно в момент таких раздумий запечатлен Сын Божий.
Композиция картины безупречна. Лицо и руки Христа – два смысловых центра, притягивающие взгляд, всё остальное словно вокруг них написано. На лице – следы мучительных раздумий. Он мог бы сказать:
Если только можно,
Авва Отче,
Чашу эту мимо пронеси (Б.Пастернак)
Но есть в его лице уже и смирение, и принятие своей судьбы. Чаша не будет пронесена мимо, он изопьет ее до дна. Линия горизонта разделяет картину на два мира: холодная, безжизненная пустыня и занимающаяся заря. Это зарево нового дня словно провозглашает победу света. Крепко стиснутые руки Христа расположены точно на стыке миров – этими руками будет создаваться новая жизнь. Ноги Христа изранены о камни, они оставляют ощущение, будто прикасаешься к тому, что болит. Окровавленные ступни вносят свой элемент в «сюжетность», глядя на них, мы понимаем, что утренним раздумьям предшествовала бессонная ночь, неприкаянный долгий пусть сквозь тьму. Наступает рассвет – и этот путь подходит к завершению.
Критики упрекали Крамского за то, что святости маловато в облике его Христа – слишком уж он живой и чувствующий, мол. Но это тот упрек, который скорее похвала. Крамской выставил картину «Христос в пустыне» на второй выставке передвижников. Она произвела фурор. Художник признавался, что не было трех человек, которые бы придерживались одного взгляда на его «Христа».
Но сам Крамской считал, что по-настоящему увидеть его картину и услышать то, что он пытался ею сказать, никому не удалось. Однако желающих приобрести полотно было много. В итоге оно досталось Павлу Третьякову, отдавшему запрошенные автором шесть тысяч рублей. Позднее коллекционер признавался, что это одна из самых любимых его работ. А Крамской обещал: «Продолжение следует…» К сожалению, оно не последовало. Попытка была – на протяжении многих лет он работал над картиной «Хохот» (альтернативные названия: «Радуйся, царю иудейский!», «Христос во дворе Пилата»), на которой хотел изобразить осмеяние Христа после суда Понтия Пилата. Всей душой Крамской стремился к работе над этой картиной. Но необходимость постоянно писать портреты, чтобы обеспечивать семью, смерть двух любимых сыновей и подорванное здоровье не дали ему закончить «Хохот». Сейчас недописанная картина хранится в петербургском Русском музее.
#ИванКрамской #РелигиознаяСцена #Реализм
@pic_history
"Портрет Елены Фурман"
Питер Пауль Рубенс
Секрет колорита картины «В Крымских горах»
А вот в чём Васильев мог хотя бы отчасти согласиться с Крамским – так это в вопросе выбора колорита. Крамской утверждал: «Чем ближе к правде, тем незаметнее краски». Васильев не ищет в пейзаже «крымской экзотики», кричащих красок, наоборот, он намеренно «обесцвечивает» гамму, делает картину почти монохромной, выстраивает ее на тонких переходах зелёного, сиреневого и коричневого. А эффект лёгкой дымки, тумана, похожего на тончайшую кисею, над горами настолько удаётся художнику, что Крамскому даже показалось на мгновение, «что картина чем-то завешена».
Васильев признавался, что вследствие болезни ли или же предчувствия скорой смерти, он столкнулся с необычным явлением психики: «У меня до безобразия развивается чувство каждого отдельного тона, чего я страшно иногда пугаюсь. Это и понятно: где я ясно вижу тон, другие ничего могут не увидеть, или увидят серое или черное место. То же бывает и в музыке: и иногда музыкант до такой степени имеет развитое ухо, что его мотивы кажутся другим однообразными...»
На конкурсе Общества поощрения художников картина «В Крымских горах» получила первую премию, её купил брат Павла Третьякова Сергей Михайлович. Сейчас «В Крымских горах», одна из лучших картин Федора Васильева, хранится в Третьяковской галерее.
#ФёдорВасильев #Пейзаж #Реализм
@pic_history
Крым Фёдора Васильева: от ненависти до любви
В Крым блестящий петербуржец Федор Васильев попал вынужденно. В столице у него уже была ранняя, но громкая и заслуженная известность, его любили при дворе, ценили в художественных кругах, его картины стоили достаточно дорого. Будущее рисовалось юному, но чрезвычайно одарённому и трудоспособному «шалопаю» (так он назвал себя) прекрасным и бесконечно притягательным. И вдруг – как приговор – смертельный диагноз: туберкулёз горла. Надежда на исцеление слаба, но она есть: нужно сменить климат. Из туманного и промозглого (хотя и любимого) Петербурга необходимо ехать в тёплый Крым.
Васильев с матерью и маленьким братом поселяется в съёмной квартире в Ялте. Крым угнетает его не только фатальной невозможностью вырваться отсюда, но и вызывающей яркостью, пышность природы, а главное, тем, что крымские реалии так не похожи на любимую им, неброскую и скромную природу средней полосы России. Первое время Васильев даже крымских этюдов делать не хочет – перебирает свои старые наброски и пишет по памяти великолепный «Мокрый луг», картину-воспоминание об опоэтизированном им среднерусском болоте. «Если бы Вы знали, хотя бы наполовину, как мне трудно жить в этой проклятой Ялте!» – вырвется у него в письме к другу Крамскому.
Даже визит прославленного Айвазовского, много лет назад по собственной воле оставившего столицу, чтобы жить в обожаемом родном Крыму, вызывает у Васильева приступ эпистолярного сарказма: «Одолевают меня теперь мухи, жара и любители изящных искусств, – сообщает он Крамскому. – Был даже на днях со свитой г. Айвазовский и сообщил, между другими хорошими советами, рецепт краскам, с помощью коих наилучшим манером можно изобразить Черное море; впрочем, всем без исключения остался доволен, свита тоже, хотя она, свита, предпочитает всему обед или, по крайней мере, закуску…»
Но мало-помалу Крым перестаёт вызывать у Васильева раздражение. Он теперь часами может просидеть у линии прибоя, пытаясь изучить заворачивание волны у берега «по законам физики» и зарисовать их «по науке». Меняется и тон его писем к Крамскому, сарказм сменяется лирикой, отвращение – приязнью: «Горы стали теплого розоватого тона и далеко ушли назад со своего прежнего места, заслонившись густой завесой благоуханного весеннего воздуха, наполненного мглой. Небо чудного какого-то голубого тона, которого никто не видал на севере: так он глубок и мягок...»
В последний год его жизни происходит некий перелом. Болезнь Васильева заставляет его всё острее мучиться одиночеством, бывают периоды, когда ему не разрешают даже ходить по комнатам, запрещают разговаривать, чтобы не нагружать горло, – художнику остаётся писать «в разговорных тетрадях» (как когда-то глухому Бетховену). Когда ему становится легче, Васильев уходит в горы, он зарисовывает скалистые склоны, любуется неожиданными обрывами и каменными глыбами, опасно нависающими над горными тропками. В минуты почти беспросветного отчаяния ему открывается новый Крым. «Вместо парадного, нарядного и улыбающегося Крыма, розово-коричневых гор и лазоревого неба Васильев вдруг увидел и ощутил суровую каменистость и холодную печаль горного пейзажа..., – рассказывает биограф художника Алексей Фёдоров-Давыдов. – Но в таком пессимистическом аспекте Васильев впервые почувствовал и индивидуально пережил новую для него природу».
Благотворительный фонд Доктор Клоун развивает больничную клоунаду в России. Команда Клоунов каждую неделю посещает пациентов в детских отделениях больниц, проходящих продолжительное лечение.
Но Клоуны могут попасть не ко всем детям, есть много причин - больничные ограничения, обстоятельства болезни, и пока что команда постоянно работает только на территории Москвы.
Чтобы больше детей могли быть в контакте с Клоунами, фонд создал мобильное приложение в коллаборации с продакшен-студией VOIC LAB и при поддержке АНО “Институт развития интернета”.
Как работает приложение? Родители проходят регистрацию в приложении, после которой дети могут назначать звонки сотрудникам фонда. Клоуны общаются с ребенком по видеосвязи в течение 20 минут, применяя различные техники, например: клоунада, сказка-терапия, фокусы и многое другое.
Кроме назначения звонков, дети могут поиграть в игры с дополненной реальностью и посмотреть видеоролики с участием Клоунов.
Скачать приложение можно по ссылке: http://doctor-clown.ru/app
«Голландская девушка за завтраком» — это личная ода Жана-Этьена Лиотара Золотому веку нидерландской живописи. Швейцарский художник создал работу в стиле голландских мастеров XVII столетия примерно в 1756 году — во время пребывания в Голландии. Спустя почти 20 лет её приобрёл Уильям Понсонби, 2-й граф Бессборо, большой друг и покровитель живописца. Потомки аристократа передавали картину из поколения в поколение в течение 240 лет. На момент продажи в 2016 году это была единственная жанровая сцена Лиотара, написанная маслом, которая оставалась в частных руках.
Полотно излучает ту же атмосферу умиротворения и спокойствия, что и «Молочница» Яна Вермеера. В скромно обставленном интерьере молодая женщина сидит за маленьким столиком. Она осторожно открывает краник серебряного кофейника над фарфоровой чашкой. Это не служанка, тем не менее, она одета в скромное платье серо-коричневого и голубого цветов и кремовый передник. Волосы девушки скрыты под простым белым чепчиком с коричневой ленточкой.
Пол устлан соломенным ковриком, стену украшает церковный интерьер – голландская картина XVII века. Столешница слегка наклонена так, чтобы художник мог продемонстрировать своё мастерство в передаче его синей полированной поверхности, лакированной плоскости красного подноса, блеска серебра и матовости фарфора.
Лиотара восхищали старые голландцы, такие как Ян ван Хёйсум, Геррит Доу и Герард Терборх, и эта работа, возможно, была задумана как подражание им. Тот факт, что картина написана на холсте, очень необычен для творчества швейцарца, который предпочитал пастель и бумагу. При этом детали интерьера (столик, стул и грелка для ног) соответствуют голландской моде 1740-х – 1750-х годов, а элементы кофейного сервиза (серебряный кофейник на трёх ножках, серебряный кувшин для молока и особенно китайские фарфоровые чашки с блюдцами) появляются во многих известных жанровых сценах Лиотара.
Поскольку нет никаких записей о заказчике этой картины, скорее всего, Лиотар написал её для размышления или же собственного удовольствия. И героиня, и сама тема роднит эту работу с самым известным произведением художника – пастелью «Прекрасная шоколадница». Последняя была написана в Вене примерно в 1744-м – 1745 годах и вскоре после этого продана графу Франческо Альгаротти. Ныне она находится Галерее старых мастеров в Дрездене.
«Голландскую девушку за завтраком» Лиотар пытался продать во время выставки в своей лондонской квартире в 1773 году вместе с другими своими работами и произведениями старых голландцев. Распродажа потерпела неудачу, и в апреле следующего года художник решил отправить картины на аукцион Christie’s. Там «Голландскую женщину, наливающую кофе», как её называл сам автор, и купил уже упомянутый 2-й граф Бессборо. За всю жизнь аристократ собрал свыше 70-ти творений Лиотара.
Без малого два с половиной столетия «Девушка за завтраком» хранилась в графской семье, пока в 2016 году не была выставлена на аукцион Sotheby’s. Полотно приобрёл амстердамский Рейксмузеум за почти 5,2 млн евро.
Как и в работах великих голландских жанристов XVII века, таких как Габриель Метсю и Ян Вермеер, которыми так восхищался Лиотар, настоящая тема его картины заключается в спокойном созерцании переходов цвета и игры света на различных текстурах, в очень личном взгляде, который выходит за рамки простого жанра.
#ЖанЭтьенЛиотар #Рококо
@pic_history
Этот парень просто взрывает мозг 🤯 своими рассуждениями о людях и смысле жизни!
И он пишет уже 15 лет!
Не поленитесь прочесть пару его глав прямо сейчас:
/channel/Akinformation