59103
У каждой картины есть своя история... Все вопросы — @nikfr0st Менеджер — @yuliyapic Наши стикеры: t.me/addstickers/pic_history Контент: https://artchive.ru/
"Больная девочка"
1885 г.
Эдвард Мунк
Национальный музей искусств, архитектуры и дизайна, Осло.
👀 Смотреть в высоком качестве
"Автопортрет"
1882 г.
Михаил Александрович Врубель
Государственный Русский музей.
"Автопортрет Моне в берете"
1886 г.
Клод Моне
Частная коллекция.
"Желтый Христос"
1889 г.
Поль Гоген
Художественная галерея Олбрайт-Нокс, Буффало.
"Юдифь и ее служанка с головой Олоферна"
1625 г.
Артемизия Джентилески
Детройтский институт искусств.
👀 Смотреть в высоком качестве
"Клятва Горациев"
1784 г.
Жак-Луи Давид
Лувр, Париж.
👀 Смотреть в высоком качестве
Просто заяц. Обычный заяц. Ничего не символизирующий заяц
Среди работ Альбрехта Дюрера сохранилось множество натуралистических зарисовок: краб, возможно попавшийся художнику ещё во время его первого путешествия в Италию, огромный жук с причудливыми рогами, переливающееся волшебными оттенками синего крыло мёртвой сизоворонки, хмурый морж и даже экзотический носорог (которого Дюрер никогда не видел). Но отчего-то самой известной стала небольшая работа, изображающая обыкновенного зайца.
Условно её можно назвать «акварелью», хотя помимо акварели художник использовал гуашь и белила. Дюрер известен, как один из первых мастеров, работавших акварелью, но его техника отличается от привычной нам – она многослойна и при этом настолько изящно-графична, что напоминает рисунок цветными карандашами по прозрачно-тёмной заливке. Пушистый мех зайца Дюрер передал при помощи тысяч тонких мазков – серых, коричневых, рыжевато-бежевых и белильных, коротких и длинных, безупречно передающих короткие волоски на ушах зверька, длинную шерсть на его боках, чуть вьющуюся – на шее и мордочке.
Нельзя сказать, чтобы «зайчик» Дюрера был первым зайцем в искусстве – благодаря богатейшей символике, связанной с этим животным, зайцев полно и в живописи, и в скульптуре, и, особенно в миниатюре, где они могут означать осторожность и трусость, плодовитость и сладострастие и даже (но только белые) целомудрие. Новизна дюреровского зайца в том, что он – просто заяц, обычный заяц, ничего не символизирующий заяц, по легенде, подобранный и принесённый в мастерскую самим художником. Всмотревшись, мы даже можем разглядеть в тёмном, выпуклом глазе зверька отражение оконного переплёта. Впрочем, некоторые искусствоведы считают, что этот приём Дюрер позаимствовал у нидерландских мастеров, оставлявших отражение окна то в выпуклом зеркале, то в бокале, то в блестящем шлеме воина.
Судя по тому, что «Заяц» – один из первых подписанных и датированных рисунков Дюрера, сам автор ценил свою работу. Поклонники таланта художника её тоже оценили: в 1519 году рисунок приобрел нюрнбергский коллекционер Виллибальд Имгоф, и, вероятно, именно он предоставил доступ для его многократного копирования. В настоящее время известно 13 вариантов работы, в том числе и с фальшивой подписью Дюрера, выполненные, преимущественно в XVI веке. «Фальшивый заяц Дюрера» Ханса Хоффмана (1530-1591) датирован 1528 годом - годом смерти Дюрера. Это не единственная вариация работы, выполненная этим художником.
В 1588 году рисунок Дюрера оказался в коллекции императора Рудольфа II, в 1783 году попал в придворную библиотеку, потом стал собственностью герцога Альберта Саксен-Тешенского и, наконец, безопасно устроился в хранилище музея Альбертина. Да – именно в хранилище, потому что, как и большинство акварельных и пастельных работ, «Заяц» не любит света и оказывается на публике чрезвычайно редко, предоставив эту честь своей максимально точной копии.
#АльбрехтДюрер #Анимализм
@pic_history
"Портрет императрицы Марии Александровны"
Автор - ?
👀 Смотреть в высоком качестве
Картина «Корабельная роща» считается художественным завещанием Ивана Шишкина. Он написал ее в год своей смерти, и это последняя серьезная работа художника. В работе над этой картиной Шишкин использовал пленэрные этюды, эскизы и наброски, созданные в его родной Елабуге.
Мы видим любимый объект Шишкина – мощный, вековечный лес. Корабельные сосны – это грандиозные деревья, достигающие 40 метров в высоту. Их век порядка ста лет, их упругая, легкая и прочная древесина идет на мачты кораблей. Именно эти мощные, стойкие деревья изобразил в своем «завещании» Шишкин. Колорит, традиционно для него, спокойный и сдержанный.
Верхушки деревьев «срезаны», что создает ощущение их бесконечной высоты. Как минимум, на холст не поместились! С присущей Шишкину тщательностью выписана каждая веточка и травинка, на коре деревьев видны чешуйки. О его пейзажах с восхищением говорили, что по ним можно изучать строение растений, впрочем, нередко это же ему ставили в вину.
Картина была показана на XXVI передвижной выставке и благосклонно принята. При этом нельзя не понимать, что эпоха передвижников уходила, настал черед ярких светлых красок русских пленэристов, загадочных образов символистов, на первый план выходил цвет, мерцание световоздушной среды, пришла новая живопись – светлая, яркая. Пейзаж стал очень востребованным жанром, но пейзажи Шишкина стояли особняком. Отличие его от тех, кто пришел следом, в первую очередь, в эпичности, монументальности, величии. Вот уж кто не «ловит мгновение», а запечатлевает вечность. Отказываясь от современных ему смелых экспериментов со светом и цветом, Шишкин при этом виртуозно играет светотенью, и вот итог – солнечный свет льется с его картины, солнечные блики играют на стволах деревьев, залитая солнцем прогалина на переднем плане манит, а тень непроходимого леса, сгущающая в глубине картины, обещает прохладу и завораживает.
#ИванШишкин #Пейзаж #Реализм
@pic_history
"Березовый лес"
1903 г.
Густав Климт
Семейная коллекция Пола Дж. Аллена.
Об искусстве Византии и Древней Руси есть познавательный канал Древнерусское искусство.
Интересные статьи, редкие фото и не только. Родная культура.
Вот ссылка. Приходите! @FadeevaArt
"Невеста ветра"
1914 г.
Оскар Кокошка
Базельский художественный музей.
"Скачки в Эпсоме"
1821 г.
Теодор Жерико
Лувр, Париж.
Болезненный и меланхоличный еврейский юноша и великий певец русской природы, Исаак Левитан писал «мажорную» живописную серию пейзажей в усадьбе Горка Тверской губернии. Мастер располагал двухэтажной мастерской на берегу реки. Заказчик картин, меценат и коллекционер Павел Михайлович Третьяков, друзья и почитатели художника ожидали тихие душевные пейзажи, лиричные и атмосферные. Живописная элегия не состоялась… Личная жизнь Левитана «била ключом». Будучи в близких отношениях с Софией Кувшинниковой, художник без памяти влюбился в Анну Турчанинову. Закипели нешуточные страсти – с романтическими признаниями, душевными страданиями, осуждением со стороны друзей и неудачной попыткой самоубийства. В ожидании личного счастья художник пишет в 1895 году «Золотую осень». Друзья и критики оценили работу как «бравурную, декоративную и кричащую», но дальновидный Павел Третьяков незамедлительно выкупил будущую «звезду» Третьяковской галереи. Поклонники пересмотрели оценку пейзажа, но Левитан так и остался при своем мнении – картина грубая и экспрессивная. В 1986 художник пишет «свою любимую» осень – мягкую, душевную, меланхоличную.
Картина «Золотая осень» 1896 в два раза меньше знаменитой тезки и представляет солнечный пейзаж в чуть упрощенной, стилизованной манере. Полотно передает умиротворение в душе художника после пережитых бурных страстей. В картине нет ни экспрессии, ни детализации, только мягкое сочетание элементов живописного импрессионизма и реализма. Широкая панорамная композиция наполнена воздухом и не перегружена объектами и многомерными планами. Спокойная река занимает половину холста и наполняет пейзаж свежей прохладой. Солнце освещает верхушки деревьев, но сам источник света располагается за пределами холста и усиливает ощущение «заката природы» - день, но светило уже низко. Пустой деревянный домик, желтая листва, перевернутая лодка – тихие свидетельства наступления осени. Ни людей, ни животных, ни птиц – природа замерла. Главная черта живописного стиля мастера – листва на картине «Золотой осени» вовсе не желтая или золотая: Левитан замечает и передает десятки оттенков, от горчично-зеленого до коричнево-желтого. Десятки приглушенных оттенков зеленого создают мягкий ковер увядающей травы на речных склонах. Палитра цветов притягивает глаз, создает «живой» эффект пейзажа: движения воздуха, шороха листвы, ряби на воде. И это - при схематичном изображении на ближнем и дальнем плане.
Картина Исаака Левитана «Золотая осень» 1896 года стала классическим атмосферным осенним пейзажем мастера, в котором золотая листва и серо-голубая река создают ту самую «написанную маслом философскую элегию». Миллионы туристов со всего мира ежегодно посещают Третьяковскую галерею, чтобы насладиться уникальной атмосферой пейзажей Левитана, увидеть волшебный образ русской природы и поразмышлять вместе с давно ушедшим автором о закате жизни и смысле бытия.
#ИсаакЛевитан #Пейзаж
@pic_history
Акварельный «Автопортрет» – одна из наиболее ранних известных работ Михаила Врубеля. Она относится ко времени его обучения в Академии художеств в Санкт-Петербурге, где он начал обучение в 1880 году. Однако его путь к занятиям живописью не был быстрым.
Склонности Врубеля к творчеству дали о себе знать еще в возрасте десяти лет: мальчика занимало рисование, а также музыка и театральное искусство. Его интересы поощрялись, и Михаил занимался частными уроками рисования со специально приглашенным из Саратовской гимназии учителем.
В 1874 году Врубель поступил на юридический факультет Петербургского университета. Во время обучения он продолжал упражняться в живописи, а также подрабатывал репетитором и гувернером. Так он попал в дом своего сокурсника – семью сахарозаводчиков Пампелей. Они активно интересовались искусством и всячески способствовали творческим занятиям Врубеля. Он завел дружбу со студентами-художниками и даже стал посещать вечерние занятия в Академии.
После окончания университета Врубель все-таки и не смог отказаться от углубленного изучения живописи и стал студентом Академии художеств. Значительное влияние на его авторский стиль оказали классы профессора Петра Чистякова. Его учениками в разное время также были Поленов и Репин, Суриков и Васнецов, Серов и другие художники. Врубелю оказались созвучны убеждения профессора. Он писал своей сестре Анне в 1883 году: «Когда я начал занятия у Чистякова, мне страсть понравились основные его положения, потому что они были не что иное, как формула моего живого отношения к природе, какое мне вложено».
Чистяков проповедовал работу художника прежде всего не с цветом, а с формой. Он учил начинать рисунок со структурного анализа предмета, разбивая его на несколько планов (плоскостей). Затем строить его объемную форму линиями, обозначив таким образом геометрию в пространстве. Каждый отдельный мазок должен передавать ту или иную грань формы, а стык отдельных плоскостей – их соотношение друг с другом.
Этот подход лег в основу творческого метода Врубеля и со временем эволюционировал в его фирменную «кристаллообразную» технику. Ее зачатки уже видно на раннем автопортрете 1882 года. Он передает рельеф лица и локонов волос легкими касаниями кисти, оставляя нетронутыми более светлые участки бумаги. Он также посещал акварельные классы в мастерской Ильи Репина, однако художественное видение студента вступило в противоречие с верностью его учителя идеям реализма.
В частности, решающим моментом стало впечатление Врубеля от картины Репина «Крестный ход в Курской губернии» (1880 – 1883). В письме сестре он заявлял, что это надувательство публики – «пользуясь ее невежеством, красть то специальное наслаждение, которое отличает душевное состояние перед произведением искусства от состояния перед развернутым печатным листом». И продолжал упражняться в передаче образов и форм при помощи распадающихся на отдельные структуры мазков, благодаря которым его картины становились необычайно выразительными и мгновенно узнаваемыми.
#МихаилВрубель #Портрет
@pic_history
Все, что вы хотели знать о Германии, но боялись спросить — в канале "Саша пишет про Берлин"
Саша — журналистка, пишет для немецких СМИ и ведёт свой канал. Там об опыте эмиграции, местной жизни и новостях, о которых не расскажут другие. А еще — немецкое искусство, мемы и очаровательные истории о свиданиях.
• К чему нужно привыкнуть в Германии?
• Где жить в Берлине: плюсы и минусы каждого района
• Книги, где можно увидеть душу Берлина
• История Германии в колбасах
• Квиз по немецким художникам
• Как я пошла на свидание с бароном, а осталась без зонта
@sasha_pishet_pro_berlin
Эта картина была написана Гогеном незадолго до первой поездки на Таити, и она разительно отличается от тех полотен, с которыми чаще всего ассоциируется художник. В Порт-Авене он поселился в 1886 году, спасаясь от неминуемой нищеты, и прожил в маленьком бретонском городке вплоть до 1891 года, не считая двух с лишним месяцев в Арле с Винсентом Ван Гогом. Начиная с Бретонского периода, Гоген довольно часто обращается к религиозным сюжетам, но всегда интерпретирует их по-своему. В работе «Желтый Христос» он использует мощную эмоциональную тему распятия, перенося библейскую сцену в Бретань XIX века и окружая страдающего на кресте человека французскими крестьянками в традиционных платьях того времени.
Подобный прием до Гогена использовали многие его предшественники. Однако техника, использованная художником, была на тот момент инновационной. Полотно, разделенное на четко очерченные сегменты ярких цветов, написано в стиле клуазонизма. На создание «Желтого Христа» Гогена вдохновило раскрашенное деревянное распятие в одной из церквей, неподалеку от Порт-Авена. Желтый цвет, по словам художника, он выбрал основным, чтобы передать собственные ощущения одиночества и обособленной жизни среди бретонских крестьян.
Гоген изобразил Христа в тот момент, когда его лицо выражает уже не мучения, а почти обреченность и покорность судьбе. Желтый цвет его тела перекликается с цветами окружающего осеннего пейзажа. Можно провести некую параллель между сельскохозяйственным и религиозным жизненными циклами: рождение – жизнь – смерть – возрождение. Анализируя полотно Гогена, исследователи сравнивают распятие Христа с осенью (временем жатвы), три дня в могиле – с бесплодной зимой, и, наконец, воскрешение – с весной, приносящей новую жизнь природе.
#ПольГоген #РелигиознаяСцена #Постимпрессионизм
@pic_history
„Слишком уж много кругом шума. Можно подумать, что картины делаются, как биржевые цены, в сутолоке стремления к наживе и что художники нуждаются в чужом уме и идеях соседа, чтобы что-нибудь создать, точно так же как дельцы нуждаются в чужих капиталах, чтобы заработать деньги. Вся эта суета горячит ум и искажает верность суждения.“
Эдгар Дега
Картина способствовала зарождению нового стиля живописи, сформировав школу французского неоклассицизма.
Основными источниками сюжета являются «История от основания города» Тита Ливия, а также книги Дионисия Галикарнасского «Римские древности». В картине показана борьба Рима с Альба-Лонгой. Спор двух враждующих городов должен был быть урегулирован в форме ритуального поединка между тремя римлянами, братьями из рода Горациев, и их противниками из города Альба-Лонги, братьями Куриациями.
Драматизм ситуации заключался в том, что Горации и Куриации были друзьями детства, к тому же их связывали родственные отношения. Одна из сестер Куриациев, Сабина, была замужем за Горацием, в то время как одна из сестер Горациев, Камилла, обручена с Куриацием. Однако долг перед отечеством в Риме ставили несравненно выше частных отношений. Несмотря на тесную связь между двумя семьями, отец Горациев благословляет своих сыновей на смертельный бой, а братья, в свою очередь, дают клятву защищать родину.
Гармония картины создается симметрией и равновесием её геометрических форм. Вся композиция построена на числе «три». Фон картины, разделённый тремя арками (они создают визуальную стабильность), дополнительно затемнён, чтобы выделить фигуры на переднем плане. В центре картины в красном плаще – отец Горациев. Он протягивает своим троим сыновьям три меча. Только один из мечей написан прямым, что должно было означать: выживет только один из трёх. В ответ три сына Горация вытягивают к нему руки, выражая готовность к бою.
Сохранилось большое число эскизов «Клятвы Горациев». Три из них представлены в музее французского города Байонна, эскиз «Сабина» – в музее изобразительных искусств города Анже, а подготовительный рисунок с общей композицией хранится во дворце изящных искусств в Лилле.
#ЖакЛуиДавид #Классицизм
@pic_history
"Горы в Коллиуре"
1905 г.
Андре Дерен
Национальная галерея искусства, Вашингтон.
"Заяц"
1502 г.
Альбрехт Дюрер
Галерея Альбертина, Вена.
«Непревзойденными останутся глаз, принюхивающийся нос, висящее правое и стоящее торчком левое ухо, разнообразие волосяного покрова, который на ушах совершенно иной, чем на влажной шее и спине, не говоря уже о похожих на нити волосках усов. Недостижимой осталась та высшая степень выразительности, когда произведение взывает не только к глазу зрителя, но и в такой же степени к чувству осязания, так что появляется желание прикоснуться и провести по шерсти взад и вперед».
(Куно Миттельштэд, искусствовед, автор книги «Альбрехт Дюрер»)
"Антипапа"
1942 г.
Макс Эрнст
Музей Соломона Гуггенхайма, Нью-Йорк.
👀 Смотреть в высоком качестве
"Корабельная роща"
1898 г.
Иван Иванович Шишкин
Государственный Русский музей.
"Живопись - это сама жизнь. В ней природа предстает перед душой без посредников, без покровов, без условностей. Поэзия неосязаема. Музыка неосязаема. Скульптура условна. Но живопись, особенно в пейзаже, это что-то реальное. Поэты, музыканты, скульпторы, я не хочу умалить вашу славу. Ваш жребий тоже прекрасен. Но да воздается каждому по справедливости!"
Эжен Делакруа
В 1913 году Оскар Кокошка измерил кровать своей любовницы Альмы Малер, он вырезал холст такого же размера, смешал краски и начал писать на нем свою самую важную картину. Важную не для современников или потомков, важную не для развития современного искусства, важную для него лично. Если он создаст настоящий шедевр, Альма выйдет за него замуж. А для него не может быть сейчас другого счастья.
За этот год он написал сотню портретов Альмы, обнаженной, спящей, сексуальной, манящей, колени Альмы, руки Альмы. И в этот раз пишет ее такой, какой любит больше всего – лежащей ночью на кровати. Холст-кровать постепенно превращается в холст-стихию, холст-бурю, потому что эта любовь была изматывающей и безумной. Уходя по ночам от возлюбленной, Оскар мог до утра стоять под окнами, карауля выдуманных соперников. Кокошка пишет, что со времен Средневековья ни одна влюбленная пара не вдыхала друг в друга столько страсти. И потому первым названием картины было «Тристан и Изольда». Название «Невеста ветра» придумает поэт Георг Тракль, который в алкогольном дурмане шепчет новые стихи каждый вечер в мастерской Кокошки.
Альма Малер, вдова композитора Густава Малера, обладала исключительным чутьем на гениев и необъяснимым очарованием, которое сводило с ума мужчин. Ее мужьями уже после брака с Малером и романа с Кокошкой были архитектор Вальтер Гропиус и писатель Франц Верфель. Но за Кокошку она никогда замуж не собиралась, ее увлекала и затягивала та энергия, которую получал рядом с ней Оскар, но пугала и отталкивала его одержимость. Она не раздумывая сделает аборт, не желая иметь общих детей с этим безумцем, а он выкупит в больнице кровавую вату и будет мучить ее и себя, рассказывая, что это его единственный ребенок, и рисуя беременной.
В одном из писем Кокошка пишет Альме: «Картина близится к завершению медленно, но все удачнее. Мы оба с выражением огромного спокойствия, обнявшись, на краю в полукруге, сверкающее разноцветными огнями море, водонапорная башня, горы, молния и луна». Увидев картину, муза признала в ней шедевр, но описывала его совсем иначе: «В своей масштабной картине «Невеста ветра» он изобразил, как я доверчиво прильнула к нему посреди бури и вздымающихся волн – ожидая от него помощи, в то время как он, с деспотическим лицом, излучая энергию, смиряет волны».
Картина была продана сразу же. На вырученные от ее продажи деньги Кокошка купил лошадь и ушел на войну. Он вернется после ранений в голову и грудь, после скитаний по госпиталям и нервного срыва, когда Вена уже давно попрощается с ним как с погибшим. Альма к тому времени уже будет женой Вальтера Гропиуса. Они больше ни разу не увидятся.
#ОскарКокошка #Экспрессионизм
@pic_history
Что может быть лучше, чем покупать искусство?
Теперь - это очень просто.
В телеграм-канале наших друзей это можно сделать очень легко! Это самый настоящий онлайн-аукцион. И Вы можете пополнить свою коллекцию прямо сейчас 🔥
Ежедневные аукционы работ современных художников с стартом 1000 руб.
Ставки принимаются по ссылке до 20:00 по московскому времени.
⠀
📲 Механизм аукциона прост:
⚡️ Начальная цена – 1000 руб., минимальный шаг ставки – 1000 руб.
«Скачки в Эпсоме» – знаменитая, но совсем не характерная картина для Теодора Жерико. Художник здесь будто не похож на самого себя: краски значительно более светлые, объемы – ощутимо более плоские, а лошади вообще могут показаться написанными с ошибками. Лишь позднее станет понятно, почему Жерико отказался от анатомической и фотографической точности…
Куда бы судьба ни приводила Жерико, везде он первым делом направлялся на скачки или прогулку верхом, в конюшню или на ипподром. Приезжая к родне в окрестности Руана, с азартом объезжал норовистых жеребцов. Живя в Париже, получил специальный допуск на работу в конюшнях Версаля. В Риме его особенно впечатляет «мосса» – атлетическая борьба между лошадьми и их надсмотрщиками, сдерживающими импульсивных животных, чтобы те не вырвались на старт раньше сигнала. Конечно же, оказавшись в Англии, Жерико просто не мог не посетить традиционное британское развлечение – дерби. Знатоки даже утверждают, что на картине изображены не абстрактные скачки, а конкретные соревнования 1821 года, потому что именно тогда в финал вышли три лошади разных мастей: гнедая, серая и рыжая.
В Лондоне Жерико снимал жильё у торговца породистыми лошадьми Элмора, настоящего фаната скачек. Скакуны с их дикой неукротимой энергией были предметом обожания Жерико – в этом они с Элмором сходились. Считается, что «Дерби в Эпсоме» художник написал для Элмора – может быть, в знак расположения, а возможно, и в виде платы за квартиру: Жерико был франтом и транжирой, и к 1820-м годам от состояния, оставленного ему покойной матерью, почти ничего не осталось. В 1824-м году 32-летний Жерико умрёт, так и не успев до конца расплатиться с Элмором.
Тот, кто знает Жерико по картине «Плот «Медузы», изумится, как заметно преобразился его колорит в «Скачках в Эпсоме»: он стал значительно светлее и прозрачнее. Раньше Жерико утверждал: «Чем больше на картине оттенков чёрного – тем выше её художественная ценность». Теперь присутствие чёрного ограничивается корпусом лошади в центре. Это объяснимо тем, что в Англии Жерико познакомился с творчеством великого британского пейзажиста Джона Констебла. Небо и зелень на этой картине написаны под его непосредственным влиянием.
До «Скачек в Эпсоме» Жерико изображал других лошадей: мускулистых, рвущихся «из всех сухожилий», рельефных, почти скульптурных. А эти лошади кажутся плоскими, горизонтально вытянутыми, будто размазанными по полотну. Похожим образом их изображал знаменитый английский рисовальщик лошадей и ученый-биолог Джордж Стаббс, с работами которого Жерико также был знаком.
За «Дерби в Эпсоме» Жерико незадолго до смерти успел получил немало критических пинков. Над ним насмехались и говорили, что даже дилетанты знают: передние и задние ноги не могут быть при беге одновременно вытянуты в разные стороны, а брюхо коня во время скачек не опускается к земле. Споры в прессе не утихали и после кончины художника. Когда была изобретена фотография, газетчики стали в доказательство неправоты Жерико публиковать кадры, доказывавшие: когда передние конечности при беге выброшены вперёд, задние оказываются под брюхом. Еще позднее адвокатом картины Жерико выступит скульптор Огюст Роден. Он будет настаивать: прав Жерико, а не фотографы! Фотографический кадр фиксирует единственный момент движения и тем самым обездвиживает лошадь. А Жерико в одном положении тела своих лошадей совмещает несколько динамических моментов, в долю секунды фиксируемых глазами зрителя и на реальных скачках, поэтому лошади на его «Дерби в Эпсоме» действительно несутся во весь опор.
#ТеодорЖерико #Романтизм
@pic_history
"Дама в голубом"
1937 г.
Анри Матисс
Художественный музей Филадельфии.
"Золотая осень"
1896 г.
Исаак Ильич Левитан
Название картины «Золотая осень» не вызовет в памяти зрителя один, знакомый со школьной скамьи, пейзаж. Исаак Ильич Левитан запечатлел на холсте более ста видов осенней поры – любимого времени года. «Левитановская» осень стала хроникой душевного и эмоционального состояния живописца: ранняя – игривая, солнечная, с легким намеком на увядание; «золотая» – яркая, дерзкая, наполненная водоворотом цветов; поздняя – хмурая, дождливая, погружающая в грустные меланхоличные размышления. Пейзаж «Золотая осень» 1896 года очутился в тени знаменитой хрестоматийной картины, написанной годом раньше, получившей массу хвалебных отзывов и украшающей зал Третьяковской галереи. Но именно он стал любимцем художника.