59103
У каждой картины есть своя история... Все вопросы — @nikfr0st Менеджер — @yuliyapic Наши стикеры: t.me/addstickers/pic_history Контент: https://artchive.ru/
Красочный переворот
Выходца из крестьянской среды мало интересовали идеология или политика. Малявина скорее занимали искания в сфере разработки таких красок, что позволили бы передать требуемую силу экспрессии, которой неизменно проникнуты его работы, посвященные русским женщинам-крестьянкам.
И в процессе создания «Вихря» ему таки удалось произвести свою личную революцию. Правда, не без помощи коллеги – художника Игоря Эммануиловича Грабаря. «Зная, что я много возился с технологией красок, он просил меня дать ему какой-нибудь рецепт связующего вещества, поднимающий светосилу и интенсивность цвета – он собирался сам тереть краски, – вспоминает Грабарь. – Я дал ему рецепт, главными составными частями которого были венецианский терпентин и копаловый лак, предупредив его, что успех зависит от правильности дозировки: слишком большой перевес терпентина может сделать краску почти несохнущей, почему его надо регулировать смолой-копалом, расплавленным в льняном масле».
Рецепт Грабаря пришелся ко двору: с того времени Малявин пишет этим составом все свои картины. Но он пропускает мимо ушей предостережение товарища, и по широте душевной не жалеет ингредиентов. Из-за чего краски «Вихря» продолжали жить своей жизнью еще долгое время после окончания работы над холстом, по свидетельству художника Грабаря: «Неумеренное количество венецианского терпентина, взятое Малявиным в связующем веществе, превратило красочное тесто этой картины в массу, до сих пор не затвердевшую, в жаркие летние дни распускающуюся и даже грозящую прийти в движение. Но яркость красок, их блеск действительно изумительный, оставляя далеко позади яркость простых масляных красок».
Ищущий да обрящет
Несколько сохранившихся эскизов картины подсказывают, что Малявин трудился не только над поиском идеального компонента для красок «Вихря», но также искал то самое композиционное решение, которое смогло бы в полной мере воплотить в жизнь образ из его головы.
Бабы постепенно разрастались, занимая все больше места в пространстве полотна. Все больше развевались и раскручивались в водовороте танца их наряды. В конце концов они заполонили собой весь холст, едва оставив для фонового пейзажа жалкие клочки по углам.
К слову, из воспоминаний того же Грабаря мы узнаем, что Малявин не видел решительно никаких перспектив для развития в написании ландшафтов из-за того, что все уже было написано до них: «Малявин меня убеждал бросить писать пейзажи: – Как же ты не понимаешь, что после Левитана нельзя уже писать пейзажа. Левитан все переписал и так написал, как ни тебе, ни другому ни за что не написать. Пейзажу, батенька, крышка. Ты просто глупость делаешь. Посмотри, что за пейзажи сейчас на выставках? Только плохие подделки под Левитана».
Зато на одеяниях кружащихся без удержу крестьянских «дервишей» Малявин отрывается по полной. Кажется, именно эти неистовые, неукротимые как все стихии природы, вместе взятые, сарафаны и есть главные герои картины. На фоне их кропотливой, филигранной, мозаичной проработки не то что пейзаж – лица персонажей уходят на дальний план.
Это одежды задают динамику и ритм полотна, буквально приводя в движение его поверхность и гипнотизируя всякого на него смотрящего. Сергей Голоушев (Глаголь) делится ошеломляющим воздействием картины на органы чувств: «Вихрь производил впечатление красивого ковра с огненно-красными, малиново-красными и сине-зелеными пятнами. Краски горят. Долго смотреть на них больно глазам, и все-таки оторваться не хочется. Что-то чарующее, влекущее к себе».
Тщание Малявина возымело эффект, а его результат оценен по достоинству. После презентации картины на 3-й выставке Союза русских художников в 1906 году ее тотчас выкупил Совет Третьяковской галереи, где «Вихрь» занимает видное место и по сей день.
#ФилиппМалявин
@pic_history
👀 Смотреть в высоком качестве
"Больше решительности в применении красок, больше гибкости в тонах. Больше беспорядка в позах пажей; они слишком рассчитаны. Позолота более светлая в тенях и более нежная. В общем меньше симметрии".
Жан Огюст Доминик Энгр периода его работы над картиной "Папа Пий VII в Сикстинской капелле".
Известность портрета герцогини Девоншинской (его оригинал хранится в галерее Библиотеки Хантингтона, а гравюра 1780 года – в Румянцевском музее) определяется не столько мастерством исполнения, сколько широкой, с привкусом скандальности, популярностью его героини – владелицы литературного салона и предводительницы политической партии вигов.
Портрет Джорджианы, герцогини Девонширской несет на себе все черты аристократической живописи: героиня, одетая в нарядное платье и с парадной причёской, стоит, облокотившись одной рукой на балюстраду, а другой придерживает складки платья. Пейзажный фон и перила лестницы выписаны обобщенно и бегло, поскольку пейзаж и в выбранном жанре, и в творчестве Рейнолдса в целом играет исключительно подчиненную роль. Нельзя сказать, что в этом образе Джорджианы Кавендиш каким-либо особым способом передана её индивидуальность: возможно, лишь в пристальном и немного лукавом взгляде герцогини можно прочесть её политические и личные амбиции.
Семью-восемью годами позже Томас Гейнсборо также писал герцогиню Девонширскую на фоне абсолютно традиционных для парадного портрета драпировок и колонн, однако сравнение портретов Джорджианы в исполнении Гейнсборо и Рейнолдса работает не в пользу последнего. Знатоки называют творческую манеру Рейнолдса сглаженной и суховатой в противовес свежести взгляда Гейнсборо. Нежелание Рейнолдса при изображении герцогини Девонширской изобретать что-то принципиально новое в колорите, композиции или в методах раскрытия характера также играет не в пользу художника. Среди его чрезвычайно многочисленных парадных портретов мы довольно быстро вычислим образцы с практически идентичной композицией или обнаружим очень похожие по колориту и/или крою платья цвета слоновой кости с оранжево-коричневой отделкой.
Всё это можно отчасти объяснить несколько «конвейерным» подходом, осуществляемым мастерской Рейнолдса: в иной год под именем художника выходило в свет до сотни картин и, как отмечают исследователи, «Рейнолдс просто задыхался в рамках парадного портрета».
#ДжошуаРейнолдс #Портрет #Рококо
@pic_history
Портрет, возможно, не получил бы столь широкой известности, если бы не личность женщины, на нем изображенной.
Кем была Варвара Юлия фон Крюденер?
Предложи современному зрителю напрячь воображение и описать, кем была баронесса фон Крюденер, исходя лишь из данности этого портрета кисти Ангелики Кауфман, зритель вряд ли смог бы сказать слишком много. Несомненно, было бы отмечено, что перед нами миловидная и грациозная, кудрявая и золотоволосая дама в лёгком белом платье в стиле ампир. Возможно, кому-то и сама портретируемая, и общий поэтический строй картины напомнили бы Марию Лопухину с написанного всего одиннадцатью годами позже портрета Боровиковского (его и Ангелику Кауфман объединяет стилистика сентиментализма). Но едва ли неискушенный зритель разглядел бы в изображённой на полотне женщине что-то особенное. Между тем, Варвара Юлия фон Крюденер – одна из самых одиозных и в то же время загадочных фигур в российской истории. Достаточно сказать, что некоторые историки считают: император Александр I выдвинул идею Священного Союза трех христианских империй (России, Австрии и Пруссии) под прямым влиянием баронессы фон Крюденер и тех долгих разговоров мистико-религиозного содержания, которые ими велись.
В 1882-м году 18-летняя Юлия Варвара Витингоф, происходившая из рода славного российского фельдмаршала Миниха, вышла замуж за дипломата фон Крюденера. Он был много старше и в круговороте европейских балов не мог удержать весёлую и остроумную супругу от измен. Баронесса пережила множество романов. Об одном из них она написала эпистолярно-сентиментальную повесть «Валери» (по-французски), которая сразу же была переведена на несколько языков и ввела в Европе моду одеваться и писать письма «как Валери». Де Линар, главный герой книги Крюденер, даже упомянут в пушкинском «Евгении Онегине» – это именно о нем Татьяна «читает сладостный роман»; а Владимир Набоков доказывал, что и само письмо Татьяны Онегину – не что иное, как вольный перепев текста фон Крюденер.
После 40-ка баронесса переживает некое «обращение», предается религиозной экзальтации, объявляет себя духовидицей и пророчицей, Наполеона антихристом, а Александра – богоносцем; вокруг неё собирается немалый сонм тех, кто внимает ей, включая даже европейских монархов, хотя православная церковь видела в её визионерстве и мистике только «зловерие лжехристианское». Подорвав здоровье аскетическими экспериментами, умерла Варвара Юлия фон Крюденер в 1824-м году в Крыму.
Художественное своеобразие портрета баронессы фон Крюденер кисти Ангелики Кауфман
Нежная мать с маленьким сыном, уподобленным богу Амуру, – сюжет, вполне типичный для неоклассицизма, в русле которого работала Кауфман. Однако изображение на фоне уединенного уголка парка, элегически-мечтательное настроение, мягкая моделировка форм и плавность линий – всё это говорит об отказе художницы от выразительно-образных средств неоклассицизма в пользу сентиментализма, немалую дань которому в своём творчестве отдали не только Ангелика Кауфман, но и сама баронесса фон Крюденер.
#АнгеликаКауфман #Портрет
@pic_history
Большую часть сознательной жизни Сарджент провел в поездках по Европе и миру. Впрочем, путешествовать он начал еще даже до своего рождения. Фицуильям и Мэри Сарджент не оставались в одном месте подолгу: зимы они проводили во Флоренции, Риме или Ницце, а на лето перебирались в Альпы и другие прохладные регионы. С удовольствием и энтузиазмом перенявший кочевой образ жизни родителей, Джон Сингер Сарджент путешествовал не только и не столько ради собственного удовольствия, сколько ради жадного поглощения знаний и впечатлений, ради новых и новых открытий, и главное – непрерывной работы. Но если просмотреть все полотна художника, можно заметить, что в один город он возвращался снова и снова. В этом случае речь уже идет не о новизне, а об узнавании. Это была любовь.
Полотно «Гранд-канал, Венеция» было написано в тот период, когда художник наконец-то позволил себе отказаться от написания портретов на заказ и стал работать исключительно над тем, что представляло для него наибольший интерес. В начале XX века он пишет множество венецианских пейзажей: величественные палаццо, залитые солнцем каналы и, конечно же, гондолы (лодки и корабли были едва ли не самыми любимыми объектами Сарджента).
После смерти матери в 1906 году, Сарджент начинает путешествовать еще больше. Художник отправляется на Майорку, Корфу, в Итальянские Альпы, в Тироль… Но все равно возвращается в любимую Венецию. Он делится своим восхищением с сестрами, племянниками и друзьями. Эти семейные поездки напоминают ему о том времени, когда он был ребенком и узнавал мир благодаря родителям. Его венецианским пристанищем становится Палаццо Барбаро – дом его друга и дальнего родственника Ральфа Кертиса.
Последнее путешествие в Венецию художник совершил в 1913 году. Первая Мировая война стала непреодолимым препятствием между Сарджентом и его любимым городом. А в 1922 году умер Ральф Кертис, после чего художник уже не мог воспринимать Венецию так же, как раньше, и больше ни разу сюда не возвращался. Остались лишь воспоминания и сотни акварелей, многие из которых даже не были датированы и подписаны.
#ДжонСарджент #Импрессионизм
@pic_history
"А все-таки другую не буду любить так, как тебя, моя, моя хорошая. Да, да, ведь ты моя. Ох, прости меня, но я люблю тебя. У меня совершенный дурман в голове, но я уверен, что все, что делалось воображением и рукой художника — все, все делалось почти в пьяном настроении, оттого они и хороши эти мастера XVI века Ренессанса. Легко им жилось, беззаботно. Я хочу таким быть — беззаботным; в нынешнем веке пишут все тяжелое, ничего отрадного. Я хочу, хочу отрадного и буду писать только отрадное. Жаль, сегодня погода дрянь, приятно здесь развалиться в гондоле и ездить по каналам и созерцать дворцы дожей..."
Валентин Серов. Письма Ольге Трубниковой 1887 год.
Рисунок Вазари, колорит – подмастерьев?
Впрочем, даже неподтверждённая рука Вазари не отнимает у работы исторической ценности. Во-первых, картина прекрасно сохранилась: за четыре века она практически не подергалась реставрации, а это свидетельствует о высоком качестве работы, доступном только мастерским титулованных и обеспеченных художников, каким был Вазари. Во-вторых, замечательная резная золоченая рама «Триумфа Вакха», украшенная головами баранов и виноградными гроздьями, не только прекрасно гармонирует с картиной (тоже признак качества), но и, согласно экспертному мнению, создана одновременно с картиной, в 60-70-х годах XVI века. В-третьих, в одном из кабинетов Лувра хранится оригинал рисунка Вазари под названием «Вакханалия», замечательный по точности и прихотливости линий и частично наследуемый в «Триумфе Вакха». Известно, что Вазари, удачно сделавший себе имя и всегда по горло заваленный заказами, часто набрасывал рисунок, а выполнение живописной работы, будучи довольно равнодушным к колористическим изощрениям, доверял художникам своей мастерской.
Что такое Вакханалия и кого мы видим на картине?
Вакханалия – известное со времен античности празднество возделанной нивы, собранного винограда, прославление бога плодородия Вакха. Проводимые под покровом ночи, вакханалии имели характер оргиастический и мистический: вино и кровь растерзанных зверей лились рекой, а охваченные священным безумием с воплями сливались в экстазе.
Вазари берёт традиционных персонажей вакханалий. В центр помещается юноша Вакх. Вокруг него пляшут менады и сатиры. Учитель Вакха Силен упился и рухнул наземь. Как обычно, он показан толстым обрюзгшим стариком с винным сосудом.
«Триумф Вакха» и красота линии
Что замечательно во вполне традиционной трактовке вакханалии на этой картине – так это динамика переплетения линий. Если мы пристальнее присмотримся к тому, как беспокойно, причудливо и нервно змеятся линии человеческих тел, то с удивлением и восхищением заметим, что эти линии – не что иное как извивающиеся виноградные лозы.
#ДжорджоВазари #МифологическаяCцена
@pic_history
"Пучок спаржи"
1880 г.
Эдуар Мане
Музей Вальрафа-Рихарца, Кёльн.
"Желтая фисгармония со скрипкой"
1949 г.
Рауль Дюфи
Художественная галерея Онтарио (AGO), Торонто.
Cамая известная религиозная картина Сальвадора Дали
Возможно, и самая знаменитая икона XX столетия. На ней изображён Иисус на кресте в тёмном небе, висящий над водоёмом и лодкой с рыбаками. Хотя это и образ распятия, на нём нет крови и тернового венца. По словам Дали, во сне к нему пришло убеждение, что эти атрибуты испортят его композицию. «Возможно, из-за испанской поговорки «мало Христа, слишком много крови»», – признался он.
Вдохновение, как утверждал художник, также явилось ему в видении: «в 1950 году я увидел «космический сон», в котором мне предстала эта картина в цвете и которая в моём сне являлась «ядром атома». Это ядро затем приобрело метафизический смысл, и я рассматривал это как основную составляющую Вселенной — Христа!».
Композиция основана на рисунке монаха-кармелита XVI века, святого Иоанна Креста. Примерно в 1574 – 1577 году во время молитвы он увидел распятого Иисуса сверху, «как бы с точки зрения Бога». Созданный им рисунок хранился в монастыре Воплощения в Авиле, где Дали увидел его по наставлению другого кармелита, отца Бруно. «Я разработал геометрические треугольник и круг, в которых «эстетически» кратко изложены все мои предыдущие опыты, и вписал мой рисунок Христа в этот треугольник», – пояснил художник.
Для фигуры Христа позировал голливудский каскадёр и гимнаст Рассел Сондерс. Дали подвесил его к специальной раме в своей студии, чтобы увидеть, как выглядит тело под нужным углом и как на него воздействует сила тяжести. Впоследствии спортсмен рассказывал, что художник был очень скрупулёзным и аккуратным в передаче всех деталей.
«Я даже не знал в то время, кто такой Дали, – вспоминал Сондерс в 1984 году. – Я работал на студии Warner Bros. и выполнил несколько заданий человека с тростью и вощеными усами. За позирование мне платили 35 долларов в день».
Дали рассказывал, что когда он заканчивал картину в конце осени 1951 года, в его доме в Порт-Льигате было так холодно, что Гала срочно решила установить центральное отопление. Он вспоминал, какой ужас пережил тогда, тревожась за холст, на котором ещё не высохла краска – а рабочие подняли тучи пыли. «Мы перенесли его из мастерской в спальню, чтобы я мог продолжить писать. Поверхность закрывали белым листом, чтобы ничто не могло коснуться масла. Я говорил, что вряд ли смогу воссоздать своего Христа, если с ним что-нибудь случится. Через десять дней центральное отопление было установлено, и я смог закончить картину», – делился художник.
Само полотно и права на интеллектуальную собственность приобрели в 1952 году Музеи Глазго. Организация заплатила 8 тыс. 200 фунтов стерлингов, что тогда было солидной суммой. Со временем авторские права многократно окупили музеям первоначальную стоимость. Однако в то время покупка вызвала споры – её противники считали, что деньги стоило потратить на выставочные площади для местных художников.
В 1961 году посетитель музея Келвингроув швырнул в картину камень, а затем разорвал холст руками. На восстановление работы ушло несколько месяцев, после чего она снова была выставлена на всеобщее обозрение. В 2006 году «Христос святого Иоанна Креста» был назван самой любимой картиной шотландцев, набрав в опросе 29% голосов. В мае 2013 года британский поэт Джон Купер Кларк сказал, что это изображение кардинально отличается от любого другого распятия, поскольку угол обзора передаёт всю боль этого метода казни, но при этом скрывает «клишеподобные» выражения лица, обычно встречающиеся в таких произведениях.
#СальвадорДали #РелигиознаяCцена #Сюрреализм
@pic_history
"Вихрь"
1906 г.
Филипп Андреевич Малявин
Государственная Третьяковская галерея.
👀 Смотреть в высоком качестве
«Вихрь» – не просто одна из самых известных и масштабных картин Малявина, размерами больше смахивающая на театральный задник. Программное полотно, обрушивающееся на посетителя Третьяковки лавинообразной, взрывной кроваво-красной мощью – метафора всей жизни художника, подобно вихрю ворвавшегося в чинный художественный мир Петербурга прямиком из афонского монастыря.
Малявин начал работать над холстом в самом начале событий, которые впоследствии вошли в историю под названием Первой русской революции. Это ввело многих критиков, как современных художнику, так и нам, в соблазн приписывать «Вихрю» тревожное предчувствие надвигающегося урагана перемен, воплотившееся в революционно-алые сполохи энергичных дробных мазков.
"Тёмные люди"
1882 г.
Константин Аполлонович Савицкий
Государственный Русский музей.
"Джорджиана, герцогиня Девонширская"
1776 г.
Джошуа Рейнолдс
Библиотека, художественное собрание и ботанические сады Хантингтона, Калифорния.
"Портрет Клода Моне"
1887 г.
Джон Сингер Сарджент
"Баронесса фон Крюденер с сыном Полем"
1786 г.
Ангелика Кауфман
Лувр, Париж.
"La Ghirlandata" (Увенчанная гирляндой)
1873 г.
Данте Габриэль Россетти
Художественная галерея Гилдхолла, Лондон.
"Гранд-канал, гондолы у причала. Венеция"
1907 г.
Джон Сингер Сарджент
Национальная галерея искусства.
"Портрет художницы Эмили Шарми"
1908 г.
Пьер Поль Жирье
Городская галерея в доме Ленбаха, Мюнхен.
Предстоящая в Париже выставка раскроет богатое культурное наследие Узбекистана для международной аудитории. В Лувре будут представлены 70 уникальных отреставрированных артефактов из музеев страны.
Что покажет Узбекистан миру, смотрите в ролике.
"Триумф Вакха"
1560-е
Джорджо Вазари
Саратовский художественный музей имени А. Н. Радищева.
Джорджо Вазари почти не встретишь в собраниях российских музеев. Почему вместо прямого ответа, есть или нет, мы употребили сомнительное слово «почти»? Потому что тот Вазари, что имеется, - по-видимому, не вполне Вазари. Эрмитажное «Обручение св. Екатерины» приписывалось ранее другому художнику, потом атрибутировалось Вазари, позднее авторство снова было поставлено под сомнение. «Мадонна с Младенцем и Иоанном Крестителем» никогда и не претендовала на то, чтобы считаться оригиналом, это качественная копия. Судьба «Триумфа Вакха» еще бесславнее: из Эрмитажа в 1885-м году картина была выслана на периферию, буквально «в деревню, к тётке, в глушь, в Саратов». В Саратовском государственном художественном музее имени Радищева она и хранится. Формулировка для изгнания картины из Эрмитажа была такой: «сомнительный оригинал».
«Желтая фисгармония со скрипкой» написана без учета перспективы, которой Рауль Дюфи блестяще владел. В 40-е годы он все чаще отказывается от линейной перспективы и максимально упрощает свою палитру. В данном случае перед нами виртуозный рисунок, выполненный всё с той же фирменной элегантной небрежностью Рауля Дюфи, сияющий желтый цвет, черно-белый нотный лист и полупрозрачный фон внизу. При этом картина поражает цветовым богатством. Кажется, что перед нами пятьдесят оттенков золотого.
Дюфи, как правило, не сводил рисунок и цвет, обычно цветные мазки выходят за линии рисунка – в том числе и этот прием позволял ему добиться удивительной изящной «как будто небрежности». Привлекает внимание нотный лист, своеобразный центр композиции, за счет своего аскетизма, кажется, многократно усиливающий сияние золотого, которым написаны и фисгармония, и скрипка. Инструменты разделены только линиями - теми самыми небрежно-изящными линиями Дюфи, составляющими одну из его особенностей.
«Желтая фисгармония» написана уверенно, производит ощущение цельности (не отменяющее присущую Дюфи легкость). Позади его эксперименты, художник нашел себя и свою нишу. Музыка и музыкальные инструменты наравне с морем, регатой, скачками, светским бытом и цветами, входят в круг основных сюжетов Рауля Дюфи.
Именно работы конца 40-х–начала 50-х были удостоены Гран-при на Венецианской биеннале в 1952 году. Рауль Дюфи, только недавно поправивший здоровье в американском госпитале, отдал премию в поддержку молодых художников, а сам переехал в Прованс.
#РаульДюфи
@pic_history
"Русская девушка у окна"
1923 г.
Борис Михайлович Кустодиев
Костромской государственный историко-архитектурный и художественный музей-заповедник.
"Христос святого Иоанна Креста"
1952 г.
Сальвадор Дали
Художественная галерея и музей Келвингроув, Глазго.
👀 Смотреть в высоком качестве