59103
У каждой картины есть своя история... Все вопросы — @nikfr0st Менеджер — @yuliyapic Наши стикеры: t.me/addstickers/pic_history Контент: https://artchive.ru/
"Мадам де Помпадур с рукой на клавиатуре клавесина"
1750 г.
Франсуа Буше
Лувр, Париж.
@pic_history
"Читающая девушка"
1770-е
Жан Оноре Фрагонар
Национальная галерея искусства, Вашингтон.
«Читающая девушка», хранящаяся сейчас в Национальной галерее искусств (Вашингтон) долгое время считалась самой популярной картиной Жана Оноре Фрагонара.
Фрагонар, как известно, в юности учился в мастерских у двух великих французов – Шардена и Буше, однозначно выбрав для себя то направление, в котором работал последний. Но «Читающая девушка» счастливо совмещает в себе уроки обоих крупных мастеров. Вполне в духе Шардена эта сценка изображает уютную сосредоточенность человека на самом обычном занятии и возводит её к поэзии обыденности, в то время как Буше заявляет о себе сквозь творчество ученика нарядностью и изысканной декоративностью.
@pic_history
Однажды высокопоставленная дама немного ослышалась, когда ей рекомендовали исключительно талантливого портретиста Тропинина. Ей почудилась итальянская фамилия Тропини. Когда Василий Андреевич пришел в ее дом на первый сеанс, дама вознегодовала – обычный русский художник. И вытолкала его прочь.
«Кружевницу» художник пишет, когда приезжий европейский сентиментализм растворяется в новых настроениях и уже почти готов стать милым, трогательным, но теряющим актуальность и ценность увлечением. После войны 1812 года меняется и положение русских художников, и всего русского вообще. И «Кружевница» - эдакий гармоничный финальный аккорд в честь уходящего сентиментализма.
Швеи, пряхи, кружевницы Тропинина – это сплошь миловидные, большеглазые, юные красавицы, легко, искусно и с удовольствием выполняющие свою тонкую работу, излучающие спокойствие и лишенные бытовых, утяжеляющих некрасивостей. Художник видел, конечно, слепых кружевниц и горбатых, со скрюченными пальцами женщин, уставших и искалеченных своей работой. Он писал их лица и согнутые фигуры – но только набросками в тетради. Тогда, в начале XIX века, ему и в голову не могло прийти сделать из этой правды картину – такому искусству нужно было еще немного времени.
«Кружевницу» недавно получивший вольную Тропинин представил в Академию художеств с двумя другими картинами для получения звания академика и, конечно, ориентировался на господствовавшие там вкусы. Но это не значит, что художник шел на какие-то творческие компромиссы. У «Кружевницы» есть предшественницы – портреты украинских девушек, написанные еще во времена жизни художника в селе Кукавка на Подоле. И по сравнению с ними изменился лишь уровень художественной точности и тонкости в работе художника, в остальном он верен тем живым впечатлениям, которые получил в годы страстного повседневного рисования с натуры.
Картина произвела прекрасное впечатление на судей и на ценителей искусства. Тропинина объявили «назначенным академиком», а через год присудили звание академика, от которого тот вежливо отказался.
@pic_history
#ВасилийТропинин #Реализм
"Персонаж"
1961 г.
Ремедиос Варо
Частная коллекция.
@pic_history
"Нью-йоркский кинотеатр"
1939 г.
Эдвард Хоппер
Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА).
Автор картины «Нью-Йорский кинотеатр» (англ. New York Movie) – знаковый иллюстратор и живописец Нового Света, один из основоположников американского реализма – Эдвард Хоппер. Работа создана мастером в 1939 году: это период его большой творческой активности, когда художник, наконец, получил желанное признание.
@pic_history
Крамской придерживался демократических взглядов, в молодости – даже радикальных, именно он организовал выход из Академии художеств 14-ти наиболее талантливых учеников, организовал Артель художников, а позже стал одним из организаторов и идеологов Товарищества передвижных выставок. С идейными взглядами понятно, а что же живопись? Вопреки представлению, которое могло бы возникнуть от его общественной деятельности, муза Крамского не обличительна. Его народные типы просто проживают свою жизнь, а не указывают социуму на его недостатки. Художник не использует их в дидактических целях, а просто показывает, и, кажется, даже любуется ими. Причем мировоззрение Крамского очень даже допускало дидактику, но в его работы она не проникала. Мина Моисеев – один из самых удачных народных персонажей Крамского. Этюд к картине был написан с натуры. Такого обаятельного крестьянина Крамской встретил на станции Сиверской под Петербургом, там у художника была дача.
«Крестьянин с уздечкой» – полотно более монументальное, чем предшествовавший ему этюд. На первый взгляд Мина может показаться дряхлым стариком, но, присмотревшись, замечаем мощную фигуру, с которой драный армяк спадает широкими складками, словно королевская мантия, и надежность крепких рук, опирающихся на посох, и лукавый, добродушный, наполненный внутренней силой, спокойствием и мудростью взгляд из-под косматых бровей.
Крамской не часто уделял пристальное внимание одежде, делая акцент на лице портретируемых, но в данном случае тщательно, с любованием написаны и просторная голубая рубаха, и ворсистый серый армяк, и свисающая с руки Мины Моисеева конская упряжь.
Очевидно, что изображенный симпатичен автору. Исследовали часто сравнивают образ Мины Моисеева с образом Льва Толстого. Лицо крестьянина освещает теплый, мягкий свет, особенно отчетливый на темном фоне.
@pic_history
#ИванКрамской #Портрет #Реализм
Знакомая ситуация?
Голос дрожит, во рту пересохло, мысли путаются, все ожидают твою речь, а ты не можешь выдавить из себя ничего, кроме клише и слов-паразитов.
Представь, что у тебя лексикон Пушкина и харизма Маяковского, ты бы позволил себе так неуверенно «мямлить»?
Чёрта с два!
Лингвист-хулиган дерзко и с юмором расскажет:
— Чем заменить «короче» и «типа»?
— Что такое «эскапада» и «эксцесс»?
— Почему «свет клином
сошелся»?
Хочешь владеть словом искусно, как ножом-бабочкой? Тогда подписывайся: /channel/+5UjMBWTZ2l9lYmRi
Картина Фешина «Капустница» показывает эпизод деревенской жизни. Как правило, капусту солили всей деревней на осенний церковный праздник Воздвиженье. Мы видим, что действо происходит во дворе. Молодые девушки и парни шинкуют капусту, дородные бабы вырезают кочерыжки, детвора бегает и хрустит сочными листьями. Обязательное правило – хозяева в этот день не скупятся на угощение (вон справа виднеются бутылки), поэтому процесс проходит в атмосфере веселья и практически народного гуляния. Как и в «Черемисской свадьбе», перед нами слияние прекрасного и уродливого, радостного и убогого, свежего и чахлого. Морали и назидательности не будет, за этим не к Фешину. У него все эти элементы – часть многообразной мозаики мира.
Колористика картины строится на ведущем противопоставлении черное–белое и дополнительном желтое–лиловое в различных их проявлениях. Композиционным центром (в «Черемисской свадьбе» центра нет) является светлая гора капусты (и сразу же противопоставление – присевшая над ней баба в темном). Ритм картины, создаваемый цветовыми пятнами, вызывает ощущение шума, многоголосицы. Вполне уместное ощущение, засолка капусты явно не в тишине происходила. Традиционно для Фешина палитра достаточно сдержанная и при этом, благодаря экспрессивности и плотности использования, очень богатая и насыщенная.
От картины исходит ощущение веселой суматохи, персонажи кажутся единым целым, обладающим первозданной, огромной, грубоватой и наивной силой, при этом черты их вполне индивидуализированы. Ученик Репина, Фешин многое взял у него, но в его трактовке совсем иной результат. Когда толпу пишет Репин – это всероссийская история шагает, по его «Ходу» можно историческое исследование делать. Фешин же дает характеристику, а не биографию персонажей в отдельности и их общности в целом. Нам не рассказывают, как и чем жили изображенные, нам показывают, что разудалые бабы рубят капусту, веселая девка обносит всех бутылкой с водкой, довольные мужики, склонившись над корытом, будут перетирать капусту, вездесущие дети бегут, верещат, таскают кочерыжки. Фигура слева, высокая баба с ножом и капустой в руках, заполняет всю высоту холста, упирается головой почти в вершину, а крупными ногами крепко стоит на земле, слово олицетворяя мощную, сильную энергию простой народной жизни. Художник явно любуется происходящим, но, похоже, делает это с опаской. Идеализации мы не найдем ни здесь, ни в «Черемисской свадьбе», ни в «Обливании», картине этого же ряда. Некоторые персонажи гипертрофированы до уродства, в них соединено прекрасное и безобразное – всё тот же калейдоскоп жизни. Впрочем, в иных моментах ловишь улыбку художника и не можешь не улыбнуться в ответ: вот справа, на стоящем боком корыте написано «Казань», слева на заднем плане мощного объема зад склонившейся бабы в цветастой синей юбке.
Расположенные полукругом фигуры создают ощущение монолитности толпы. Фешин умел соединять несоединимое. В его работах мирно соседствуют реализм и импрессионизм, экспрессионизм и модерн. А в отдельных картинах, в частности, в «Капустнице» – уживаются глубина и плоскостное изображение, объемность персонажей и иллюзия коврового узора, натурность и декоративность. Удивительным образом эти крайности, будучи преобразованы фешинской кистью, сливаются в органичное, пульсирующее целое.
@pic_history
#НиколайФешин
"Портрет Иры П."
1930 г.
Тамара Лемпицка
Частная коллекция, США.
@pic_history
В «Красном дереве» Мондриан уже понемногу отходит от привычной фигуративной живописи, используя по большей части те цвета, которые в будущем станут основой всех его абстрактных полотен – красный и синий с небольшими вкраплениями желтого. В этой работе чувствуется влияние фовизма и импрессионизма. Теоретики живописи усматривают здесь отсылку к картинам Ван Гога, особенно к его оливковым деревьям и кипарисам, делая особый упор на похожую манеру письма и упрощение цветов.
Кроме того, «Красное дерево» часто связывают с другой важной работой художника, поражающей глаз и воображение вызывающе чистыми цветами «Мельницей в солнечном цвете», которая была написана в том же году.
«Красное дерево» стало своего рода отправной точкой в творчестве Мондриана, обозначив новый этап в его эволюции. Кажется, именно с этого момента художника перестает интересовать изображение объектов как таковых, и он полностью сосредотачивается на цвете. Начиная с этой картины, Мондриан постепенно отказывается от полутонов и мало внимания обращает на то, насколько натуралистичны цвета на его полотнах, насколько они присущи тем предметам или пейзажам, которые он изображает. Как ни странно, именно этот своеобразный бунт впервые позволил художнику заявить о себе как о независимом первооткрывателе, способном создать собственный стиль живописи.
@pic_history
#ПитМондриан #Импрессионизм
Как изменить свою жизнь до неузнаваемости и выстроить🤩 все вокруг так, как нужно вам?
Читайте интересный блог о женщине, которая ничего не боится и делится ежедневными изменениями!
Она перевернула свою жизнь с ног на голову, отказавшись от всех благ и это привело её к еще большим достижениям!
Добро пожаловать в мир ⭐️ Даши Александровны!
Что касается "Девы Марии Гваделупской", то этот большой холст, созданный в 1959 году, расписан с такой скрупулезной точностью, что походит на шедевр, созданный в студии Микеланджело, Леонардо или Рафаэля. Каждая мельчайшая деталь написана с изысканным реализмом, придающим фотографическое ощущение композиции в целом и Деве (она же Гала) в частности.
Согласно католической легенде, как-то раз средневекового мексиканского крестьянина Хуана Диего посетило видение молодой женщины, пока он находился на холме в пустыне недалеко от Мехико. Женщина велела ему возвести церковь именно там, где они обратилась к нему. Когда он рассказал об этом событии местному епископу, тот попросил Диего предоставить доказательства, и крестьянину ничего не оставалось, как вернуться в пустыню, чтобы встретиться с Девой снова. Он рассказал ей о просьбе епископа, на что та ответила: «Принеси с собой эти розы, растущие позади тебя». Срезав несколько цветков, Диего обернул их в свое пончо и отправился назад. Раскрыв его вместе с епископом, вместо роз он обнаружил портрет Девы Марии, явившейся ему.
Именно поэтому на мафории, четырехугольной накидке Девы Марии, Дали изображает розы, а за головой Богородицы - семена подсолнуха, в которых при более внимательном рассмотрении можно заметить красные и зеленые драгоценные камни, являющиеся частью ее короны.
Полотно раскрывает значение термина «далианская непрерывность» - намеренно повторяющиеся сюжеты в различных картинах Сальвадора Дали. Так, внизу мы видим цветок жасмина, помещенный в вазу на фоне закрученного атомного облака.
@pic_history
#СальвадорДали #РелигиознаяСцена
Русский музей поможет узнать тайны шедевров искусства, а еще выиграть чемодан с сокровищами в новом квесте
Погрузитесь в историю залов и экспонатов и ищите символы, которые приведут к разгадке. Бонусные уровни, особые задания и виртуальный питомец помогут раскрыть все тайны музея и получить опыт настоящего арт-эксперта, а главное — целый чемодан с секретными сокровищами.
Победителя определят к Новому Году. Подробности тут.
"Глициния"
1925 г.
Клод Моне
Муниципальный музей Гааги.
@pic_history
"Прибытие Марии Медичи в Марсель"
1625 г.
Питер Пауль Рубенс
Лувр, Париж.
В 1622 году Рубенс получил заказ Марии Медичи о написании целого цикла картин, состоящих из 21 полотна и отображающий основные вехи её жизни. Одно из самых ярких полотен цикла – «Прибытие Марии Медичи в Марсель».
@pic_history
К теме чтения (неважно, книг или нот) Фрагонар и раньше обращался неоднократно – вспомним картину «Любовное письмо». Но в тех случаях чтение или пение обязательно накладывалось на канву любовной истории. В «Читающей девушке» ничего этого нет. Почему же? Дело в том, что картина написана в середине 70-х годов XVIII века, когда мода на «галантные сцены» постепенно угасает. От искусства теперь требуют больше возвышенности, больше серьёзности – и Фрагонар, по-видимому, хочет соответствовать новым веяниям. В его героине нет ничего игривого, ничего кокетливого, другими словами, ничего «типично фрагонаровского».
В эпоху Буше и Фрагонара самым ярким художественным критиком был Дени Дидро. Его регулярные обзоры Салонов даже сейчас являются чтением вполне захватывающим, а в те времена они попортили живописцам немало крови. Дидро неистово клеймил искусство рококо за легкомыслие и фривольность. Он был пристрастен, сердит и всё же невероятно проницателен. Например, когда на Салоне 1769 года Фрагонар выставил не вполне удачное овальное полотно «Амуры в небе», Дидро заявил, что это «вот прекрасная огромная яичница из детских тел… очень нежная, очень желтая и здорово подгоревшая». И этот образ яичницы настолько точен, что его уже никак не вычеркнуть из сознания. Так вот, Дидро с той же захватывающей образностью называл живописную манеру Фрагонара «пушистой».
Что это значит? Дидро имел в виду привычку Фрагонара накладывать краски быстрой, экспрессивной кистью, в результате чего на холсте отчетливо видно направление и характер мазка. У более поздних критиков есть и другой термин для этого явления – «темпераментный мазок Фрагонара». Именно такими размашистыми мазками выполнено насыщенно-желтое платье «Читающей девушки», коричнево-лиловая подушка, на которую она опирается, пряди её волос. Тени на подушке положены настолько густыми красками, что на их поверхности рельефно читаются следы щетинок кисти, а для освещённых мест использовались краски более жидкие. Чтобы изобразить гофрированный воротничок платья, Фрагонар просто нанёс толстый слой густых белил, а затем перевернул кисть и её деревянной ручкой наметил складки воротника. В каталогах XVIII века указывалось, что «Читающая девушка» написана с натуры и за один сеанс. По-видимому, так и было на самом деле: многие из живописных приёмов Фрагонара требуют смелости и мгновенной реакции – они возможны, пока не высохли краски.
@pic_history
#ЖанФрагонар #Портрет #Рококо
"Девушка, продающая каллы"
1929 г.
Альфредо Рамос Мартинес
Частная коллекция.
@pic_history
"Кружевница"
1823 г.
Василий Андреевич Тропинин
Государственная Третьяковская галерея.
«Кто же любит в жизни смотреть на сердитые, пасмурные лица? Зачем же передавать полотну неприятное, которое останется без изменений, зачем производить тяжелое впечатление, возбуждать тяжелые воспоминания в любящих этого человека? Пусть они видят его и помнят в счастливую эпоху жизни» - в этом назначении портрета был искренне уверен не только художник Тропинин. Модные и обожаемые в России сентиментальные младенцы и возводящие глаза к небу девушки в прозрачных туниках Жана-Батиста Грёза, еще недавно господствовавшая при дворе и задававшая тон Элизабет Виже-Лебрен. Все эти иностранцы воспитывали художественный вкус русской публики. Можно было французу с весьма посредственными способностями заработать состояние в России, выполняя портреты знатных заказчиков. В то время как русскому художнику его происхождение независимо от величины таланта ничего хорошего не обещало – ни славы, ни денег.
@pic_history
На полотне выхвачено мгновение из жизни нью-йоркского кинотеатра. Композиционно работа разделена вертикалью стены, отделяющей кинозал от выхода. В левой части в полупустом зале демонстрируется фильм. Немногочисленные зрители поглощены сюжетом кинодрамы. В правой части мы видим занавешенный портьерами выход на лестницу, у которого стоит девушка-капельдинер. Она застыла в скучающей позе, прислонившись к стене. Золотые волосы молодой женщины сияют под светом электрического бра. В десятый, а может и сотый, раз ожидая окончания фильма, служащая синематографа выглядит отчужденной, погруженной в собственные мысли.
Моделью для образа героини данной картины, как и для многих других работ Хоппера, послужила жена художника – Джозефина (Джо). Художница, она была компаньоном Эдварда всю их драматичную супружескую жизнь, которая длилась без малого 42 года. Сама Джо вспоминала, что интерес к зарисовкам кинотеатров у мужа вызвала ее акварель «Кинотеатр — Глостер». Якобы под влиянием именно этой работы Хоппер сделал десятки эскизов синематографов Нью-Йорка, в которых часто бывал. В результате для своей картины автор придумал всё внутреннее убранство кинозала, вплоть до рисунка на ковровой дорожке. «Когда я не чувствую потребности рисовать, я хожу в кино на протяжении недели или больше. Я настоящий фанат кино!» (Э. Хоппер)
Показанная художником сценка из жизни кинотеатра выходит за рамки одного кадра. Сюжет картины основан на противопоставлении: двух миров и двух состояний. С одной стороны – полутемный кинозал, где зрителей поглотил, увлек недолговечный мир грез и иллюзий. С другой – статичная фигура служащей кинотеатра, символизирующая реальный мир, в котором вечные спутники человека – одиночество и скука. Освещенная фигура капельдинерши уравновешивает полутемный зал со зрителями и светящимся экраном. Пока зрители переживают киноисторию, у капельдинерши время остановилось. Манящий мир сладостных грез и безнадежная реальность.
Одной из особенностей творчества Эдварда Хоппера является не только его "приумноженный", а иногда и жесткий реализм, но и уникальный подход к выбору сюжета. Автор предпочитает изображать будто случайно обрезанные фрагменты зданий, где есть изгибы, углы или огромные окна. В контрастном освещении обычные детали фасадов и интерьеров становятся больше, чем просто декорациями. Свет также играет одну из ключевых ролей в его работах. Художник направляет его на своих персонажей, отчего их сложное эмоциональное состояние становится еще отчетливее.
Зачастую герои картин Хоппера замкнуты и напряжены. В то же время они охвачены меланхолией, безразличием, они замкнуты и будто находятся в беззвучном коконе «вне эмоций», как и эта служащая в «Нью-Йоркском кинотеатре». Застывшее отчужденное состояние героини автор еще более подчеркнул, поместив ее в самое светлое место на полотне. Хотя художник показал кинотеатр, в котором публика смотрит увлекательный фильм, впечатление от картины формируется под влиянием эмоционального состояния одинокой девушки-капельдинера.
Сам Эдвард Хоппер слыл замкнутым и немногословным. Безнадежное одиночество человека в современном обществе - один из лейтмотивов большинства работ живописца. Сегодня картины Хоппера стали классикой. Эта работа хранится в Нью-Йоркском музее современного искусства.
@pic_history
#ЭдвардХоппер #Реализм
"Дора Маар с зелеными ногтями"
1936 г.
Пабло Пикассо
Государственные музеи Берлина.
@pic_history
Крестьянин с уздечкой (Портрет Мины Моисеева)
1883 г.
Иван Николаевич Крамской
Национальный музей «Киевская картинная галерея».
Портрет Мины Моисеева входит в ряд картин, на которых Крамской изобразил народные типажи. В реалистической традиции ХIХ века было принято типизировать народные портреты. То есть каждый отдельный персонаж представлял собой определенный тип людей. Целую энциклопедию типажей русской жизни представил Репин в своем «Крестном ходе».
@pic_history
"Вечерний звон"
1892 г.
Исаак Ильич Левитан
Государственная Третьяковская галерея.
@pic_history
"Капустница"
1909 г.
Николай Иванович Фешин
Научно-исследовательский музей Российской Академии художеств, Санкт-Петербург.
За картину «Капустница» Николай Фешин получил звание художника и право совершить пенсионерскую поездку в Европу, чем не преминул воспользоваться. Очевидны параллели между этой работой и «Черемисской свадьбой». Интерес к деревенской жизни у Фешина с детства. К тому времени, как ему пора было идти в школу, отец прогорел, семья очень нуждалась. Отец брался за любую работу, часто уезжал в деревню, где крепкие руки в цене. И всегда брал с собой детей. С той поры Николай Фешин и сохранил любовь к деревне: «До сих пор я люблю деревню и боюсь города, потому что красота в моем детстве была связана с деревней, а всё безобразное с городом». А еще деревня в его детстве была связана с огромной любовью. «После Бога она любила только меня», – вспоминал Фешин о своей бабушке, у которой проводил лето.
@pic_history
Издательская группа «Альпина» запустила «Бель Летр» — новое издательство, ориентированное на современную зарубежную прозу для женщин. В его фокусе — международные бестселлеры, книги лауреатов престижных литературных премий и яркие романы авторов, пока неизвестных широкой аудитории в России.
Первые шесть книг издательства, среди которых «Швея с Сардинии» Бьянки Питцорно, «Наблюдатель» Франчески Рис и «Палома» Анн-Гаэль Юон, уже появились на полках книжных и в интернет-магазинах. Сейчас «Бель Летр» готовит к выходу более 20 новинок европейских и североамериканских авторов, которые будут переведены на русский язык
впервые.
Книги «Бель Летр» отличаются стилистическим разнообразием: среди них и увлекательные исторические романы, и современная психологическая проза, а также легкие и вдохновляющие истории в жанре «фил-гуд», призванные помочь читателям почувствовать себя лучше.
"Красное дерево"
1910 г.
Пит Мондриан
Муниципальный музей Гааги.
Картина «Красное дерево» - первая из знаменитой серии работ Мондриана, в центре каждой из которых находится дерево. Эта серия наиболее наглядно демонстрирует переход в творчестве художника от фигуративной живописи к абстрактной. И все полотна изображают, судя по всему, один и тот же объект. Вторая работа в серии («Серое дерево», 1912) написана исключительно теми оттенками, которые Мондриан позже назовет «не-цветами» - черным, белым и серым. На третьем полотне («Цветущая яблоня», 1912) дополнительные оттенки лишь угадываются, здесь снова правит бал серый цвет.
@pic_history
"Сантьяго-эль-Гранде"
1957 г.
Сальвадор Дали
Галерея Бивербрук, Канада, Фредериктон.
@pic_history
"Дева Мария Гваделупская"
1959 г.
Сальвадор Дали
Частная коллекция.
Поздний творческий период Дали ознаменован печатью нехарактерного для него ранее мистицизма, который критики нарекли «ядерным». После окончания второй мировой войны, потрясений, связанных с событиями в Хиросиме и Нагасаки, Дали обратился в католицизм и даже встретился с тогдашним папой римским, Пием XV. В своем время Дали не раз приписывал себе божественную природу, без лишней скромности заявляя: «Я, Дали, своим творением буду объявлять единство мироздания, показывая одухотворенность всего сущего».
Муза и возлюбленная Дали, Гала, которую он в посвящении «Дневника гения» называет не иначе, как своей Еленой Троянской, святой Еленой и Галой Галатеей безмятежной, единственной «мифической женщиной нашего времени», занимала центральное место в творчестве художника.
@pic_history
Хотите удвоить свой доход? Получить оффер от иностранной компании и зарабатывать больше?
Сейчас на международный рынок выходят маркетологи, которые хотят зарабатывать выше среднего. Если вы также мечтаете о повышении своего дохода и карьерном росте, то мы предлагаем вам уникальную возможность.
Бесплатный индивидуальный урок английского языка для маркетологов!
✅Переезжайте и работайте в любой стране с любым проектом
✅Работайте удаленно с любой точки мира, зарабатывая в $
✅Выходите на новый международный уровень со своей кампанией, увеличивая доход в несколько раз
Обучаясь у нас, вы получите навыки, которые поднимут вашу карьеру на новый уровень. ✨
Не упустите шанс улучшить свою карьеру. Запишитесь на бесплатный индивидуальный урок английского языка уже сегодня /channel/adversumschool
В основе сюжета тот памятный день, когда нога будущей королевы впервые ступила на французский берег. Нельзя сказать, что этот факт был окружён неким ореолом славы и пышных почестей, хотя Мария прибыла на прекрасном сверкающем корабле, сопровождаемая тремя флотилиями и привезла с собой семь тысяч итальянцев, которым суждено было с этого момента жить во Франции, однако, живописец смог превратить её прибытие в настоящую феерию, пышное священнодействие.
Сама героиня окружена таким количеством ярких персонажей, что на их фоне её и не сразу разглядишь. В первую очередь, глаз останавливается на обнажённых наядах-сиренах, расположенных внизу картины. Рядом с ними мы видим Нептуна и Тритона. Над головой новой королевы трубит о прибытии парящая в небе Слава.
Сходящую с корабля Марию встречают, раскинув руки, два персонажа, олицетворяющие всю Францию и Марсель в частности.
Весь цикл Рубенса о Марии Медичи имел большое политическое значение – королева только-только вернулась из изгнания, помирившись, наконец, со своим сыном, королём Людовиком XIII, и картины должны были помочь укрепить положение и восстановить её репутацию при дворе. Создавая образ королевы, Рубенсу удалось возвысить его, придать царственное величие и весомо преобразить заурядную судьбу Марии Медичи.
@pic_history
#ПитерРубенс #Барокко
Хочешь стабильную работу на фрилансе, а хороший доход только в сфере IT? Но программирование и учеба длиною в год тебя пугает?😏
На самом деле, в IT более 50 направлений. И каждая может выбрать своё. Потому что, IT - это не только кодинг и скука 🤗 Оно может быть очень "вкусным" и творческим.
No-code разработка стала одной из самых популярных точек входа в IT на фрилансе для девушек. Тут нет программирования и долгого обучения. Зато есть доля творчества для самовыражения, свободное время на себя или семью. А освоить no-code конструкторы можно просто и быстро, даже не зная математики вообще.
Про no-code, полезные нейросети и как получить первый доход на фрилансе рассказывает в своем блоге Алиса Курц, программистка и основательница школы IT-профессий для девушек. Здесь все про карьеру в IT и работу на фрилансе - простым языком и любовью к своему делу💛
Переходи, подписывайся. Сообщество “Алиса про фриланс” бесплатно для тебя.