59103
У каждой картины есть своя история... Все вопросы — @nikfr0st Менеджер — @yuliyapic Наши стикеры: t.me/addstickers/pic_history Контент: https://artchive.ru/
Фёдор Достоевский, Антон Чехов, Андрей Тарковский, Франц Кафка, Винсент Ван Гог, Пётр Чайковский.
📖 Дневниками и мыслями известных личностей теперь можно наслаждаться в одном месте.
Канал "Жизнь в дневниках" – это собрание лучших мыслей великих писателей, художников, режиссёров и композиторов.
Подписывайтесь, чтобы не тратить время на посредственных личностей:
t.me/dnevnikitg
Иаков Зеведеев
1620-е
Жорж де Латур
Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
@pic_history
На картине Дали изображены два слона на ногах-ходулях на фоне заката. Цветовая гамма в насыщенных тонах плавно переходит от ярко-оранжевого к нежно-жёлтому. Под этим необыкновенным небом простирается пустыня с песчаными холмами вдалеке, над которыми, кажется, никогда не веял ветер.
Два слона идут навстречу друг другу – их ноги, похоже, могут сломаться под тяжестью ноши. Однако если присмотреться, можно заметить, что обелиски парят в воздухе. У одного из животных хобот поднят, словно в радостном приветствии, у второго, напротив, опущен – как будто он опечален. Под ногами гигантов Дали поместил два человеческих силуэта с удлинёнными тенями. Один из них похож на стоящего мужчину, второй – на женщину, которая бежит с поднятыми руками. В центре между ними – схематичный набросок дома. Несмотря на сюрреалистический стиль, посыл этой картины понятен всем.
В мировой культуре есть множество изображений слонов, и чаще всего они рассматриваются как символ силы, господства и могущества из-за своего размера и веса. Здесь Дали ломает эти типичные ассоциации, поставив огромных животных на длинные, тонкие конечности, которые когда-то назвал «многосуставными, почти невидимыми ногами страсти».
«Слоны» – яркий пример сюрреалистического произведения, воплощающего чувство фантомной реальности. Животные олицетворяют искажение пространства: их хрупкие ноги нарушают наше чувство конструкции и невесомости, противопоставляют вес и пространство. К сожалению, картина выставляется крайне редко, поскольку находится в частной коллекции.
@pic_history
#СальвадорДали #Сюрреализм #АллегорическаяСцена
Знали, что на китайском бренд Burberry звучит как "Бабаоли"?
Бывают редкие каналы, на которых и пошопиться можно, и что-то интересное узнать - например, канал Насти. Она живёт в Китае уже 9 лет и работает байером - сотрудничая с лучшими фабриками, ищет для вас любимые Chanel, Dior и Hermès в репликах качества 1:1. Те же лекала и технологии, что у оригинальных изделий, а цены в несколько раз ниже, чем в цуме (да и выбор намного больше).
Кстати, вот интересные посты:
⚜️ как бренды звучат на китайском
⚜️ успешный успех и реплики
⚜️ сумка Chanel на красной дорожке
⚜️ повторяем образы в стиле Old money
Подписывайтесь, канал интересный!
«1703»: В ФОКУСЕ
→ Застройка и финальные приготовления завершены! Стенды галерей ждут первых гостей!
Купить билет на ярмарку «1703» можно онлайн или в кассах ЦВЗ «Манеж» с 11:00 до 20:00.
Срочно ищем женщин, подходящих по голосу для аудиокниг 📚
Ищем женщин с горящими глазами и красивым голосом для озвучки книг. Поможем, всему научим 👉 https://clck.ru/34gVQ2
Дополнительный драматизм полотну придаёт его альтернативное сюрреалистическое название. Оно написано на обратной стороне холста знаменитым витиеватым почерком Дали: «Обрезанный кончик уха Ван Гога дематериализуется из своего ужасающего экзистенциализма, и пи-мезонный взрыв окутывает ослепительным сиянием «Сикстинскую Мадонну» Рафаэля».
Считается, что на создание «Космической Мадонны» у Дали ушёл как минимум год. Этот факт вкупе с масштабами самого полотна даёт основание назвать его шедевром. Так считал покойный Альберт Рейнольдс Морс – главный коллекционер работ художника и создатель его музея в Сент-Питерсберге во Флориде.
Дали вдохновлялся «Сикстинской Мадонной» Рафаэля, но написал свой образ в стиле «ядерного мистицизма». В нём смешались его «фирменный» сюрреализм, увлечение открытиями в области ядерной физики и религиозные мотивы. Ослепительные краски, тонкая техника и величественность образа делают эту работу одним из самых сложных произведений послевоенного периода художника.
Описывая уникальный композиционный стиль Дали, искусствовед Элиот Кинг заметил: «Кажется, что в «Космической Мадонне» Богородица Рафаэля на наших глазах распадается – или воссоединяется – во всплеске лазурно-синего цвета. Её прежде обеспокоенное лицо – частая тема обсуждения у знатоков Рафаэля – и лик Христа едва ли вещественны, поскольку растворяются в потоке сверкающих корпускул».
Сальвадор Дали часто объединял, казалось бы, разрозненные мысли и образы. В «Космической Мадонне» он отсылает нас к гипотезе средневековых теологов, которые считали, что Дева Мария зачала посредством слова Божьего и, следовательно, была оплодотворена через ухо. Упомянутое выше альтернативное сюрреалистическое название картины отсылает к печально известному уху Ван Гога. «Название забавное и демонстрирует склонность Дали к неожиданным поворотам и определённым загадкам, – заметил биограф художника Пол Химера. – Я могу представить его в экстазе, излучающим радость, когда он с гордостью представляет этот поразительный шедевр ядерного мистицизма».
«Космическая Мадонна» задумана как современное прочтение «Сикстинской Мадонны», которую Рафаэль написал в XVI веке. Сам Дали считал, что художник «должен выражать космологию эпохи, в которой живёт». Именно этим объясняется, почему он сюрреалистически обыгрывал тему Девы с младенцем в своём «корпускулярном» или «атомном» периоде, изображая субатомные частицы ослепительным калейдоскопом цветов.
@pic_history
#СальвадорДали #Сюрреализм
Любишь Буковски, знаешь кто такие битники, тошнит от прилизанной классической литературы с оттопыренным пальчиком?
Тогда тебе в этот писательский блог.
Палитра из маргинальных оттенков искусства и идей "потерянных поколений" печатается в "Пройдёмся по талии".
Авторские и художественные посты 18+
/channel/proidemsyapotalii
Композицию каждой работы Кандинский стремится выстроить так, чтобы зритель мог «войти» внутрь картины и вращаться в ней. Он утяжеляет нижний край композиции, тем самым выдвигая его вперед, а верхнюю часть, наоборот, облегчает, отдаляя ее от зрителя. За счет одного из главных контрастов Кандинского – между синим и желтым цветами – в центре композиции создается зона активного движения вглубь и вовне.
Кандинский потратил много месяцев на подготовку к написанию «Композиции VII», но создание самой картины заняло у него всего четыре дня. Художник сделал около 30 эскизов к полотну. Некоторые из них напоминают детализированные наброски к картинам Караваджо или Леонардо да Винчи, изображающие складки ткани, листву деревьев или человеческие конечности. На некоторых из раза в раз повторяется одна и та же изогнутая линия, на других схематически изображены основные структурные элементы композиции, третьи содержат детальный план создания полотна. Кроме того, существует около 15 различных изображений, связанных с «Композицией VII»: это наброски маслом, карандашные эскизы, акварели, рисунки на стекле и гравюры.
Габриель Мюнтер, которая была свидетельницей создания полотна, 25 ноября 1913 года сделала в своем дневнике запись о том, что в их дом в Мурнау доставили холст для «Композиции VII», и Кандинский тем же вечером приступил к работе. Следующим утром она сделала первую фотографию картины, а после обеда – вторую. Запись в дневнике Мюнтер от 28 ноября гласит, что картина завершена. Утром 29 ноября она сфотографировала готовую работу. Так было зафиксировано рождение великого шедевра.
@pic_history
#ВасилийКандинский #Абстракционизм
В основу этой картины (1897) И.К. Айвазовским положен исторический сюжет. Возможно, она явилась отзвуком размышлений художника о вечной красоте свободного океана и об одиночестве и бессилии некогда всемогущего человека. Маленькая фигурка изображена на вершине скалистого берега, у подножия которого неустанно рокочет прибой.
Читать полностью…
Молодому испанцу посчастливилось жить в Париже в то время, когда здесь можно было в полной мере вкусить все прелести богемной жизни, включая походы по борделям в компании таких же полунищих художников и беспрепятственное употребление абсента. Но во французскую столицу Пикассо переедет только в 1904 году, а пока же он постоянно курсирует между Парижем и Барселоной, работая, как проклятый, и страдая от безденежья и неустроенности. «Любительница абсента» появляется на свет именно в этот период, который при всем желании нельзя назвать счастливым. В 1903 году Пикассо напишет «Портрет Анхеля Фернандеса де Сото», герой которого изображен за столиком перед бокалом абсента. В 1912 году художник вновь увековечит любимый напиток в кубистической работе «Бутылка «Перно» и бокал». И, наконец, в 1914-м, за год до того, как «зеленая фея» была запрещена во Франции, Пикассо создает скульптуру «Бокал абсента». До легализации напитка в европейских странах художник не дожил.
«Любительница абсента» не отличается оригинальным сюжетом. Одиноких людей за столиком кафе до Пикассо и после него изображали многие живописцы. Однако именно в исполнении испанского художника эта тривиальная сцена обретает отпечаток глубокой драмы. На картинах «голубого периода» Пикассо неоднократно будет изображать людей, похожих на героиню этого полотна. Более того, любителей абсента за стол в этот период он усадит еще дважды.
Женщина с описываемой здесь картины сидит в углу на фоне грязно-красных стен и, с одной стороны, кажется полностью погруженной в себя, а с другой – производит впечатление сжатой пружины. Окружающее пространство будто бы стискивает ее со всех сторон, а сама она обхватывает себя неестественно длинными пальцами, словно хочет занимать как можно меньше места. Этот эффект «невидимости» только усиливает ощущение отверженности, одиночества среди толпы, которое хоть раз в жизни испытывали большинство людей.
@pic_history
#ПаблоПикассо #Портрет #Постимпрессионизм
Откройте дверь в мир творчества!
Сегодня приглашаем вас в удивительное путешествие на грани между реальностью и фантазией, вместе с талантливой художницей Анастасией Васильевой, ее чудесные работы переполняют откровенностью и пылкими чувствами, погружая зрителей в океан эмоций и впечатлений.
На ее канале IVA вы сможете насладиться произведениями и проникнуться атмосферой творческого процесса. Прикоснитесь к магии, которая сопровождает рождение каждой картины. Видео, фотографии и истории о вдохновении, выборе материалов и техниках. Еще больше контента можно найти в Инстаграме Анастасии.
"Влюбленные"
1923 г.
Пабло Пикассо
Национальная галерея искусства, Вашингтон.
@pic_history
«Сатурн, пожирающий своих детей» Франсиско Гойи: истоки и тайные смыслы
У всякого кошмара можно найти не только историческую, но и психическую подоплёку, поэтому Гойю так любят исследовать психиатры и психоаналитики.
Антон Ноймайр, автор книги «Художники в зеркале медицины», ищет возможные ключи к «Сатурну» в генеалогии рода Гойи. Предки художника принадлежали к доиндоевропейскому народу басков, в чьих преданиях и легендах превалируют темы жестоких убийств, человеческих жертвоприношений и каннибализма. В их мифах грозные духи природы погружают человека в атмосферу первобытного ужаса. «Наверняка Гойя, как и Шекспир, верил в сверхестественные силы природы», – полагает исследователь, а значит, кровожадный Сатурн, пожирающий собственные порождения, мог олицетворять стихийную жестокость мироустройства.
Сторонники исторического похода к творчеству Гойи проводят аналогию между «Сатурном, пожирающим своего сына» и Испанией начала XIX века, откровенно бросающей собственных детей в горнило гражданской войны, сжигающей их на кострах инквизиции и приносящей в жертву мнимому национальному величию.
Доктор Ференц Райтман усматривает в жутких видениях Гойи проявления его психопатологического состояния, душевной болезни, лишь усугублённой (но не порождённой!) историческими реалиями. «В ужасающих изображениях гражданской войны, – излагает идеи Райтмана Ноймайр, – Гойя показывал очень много бесчеловечной жестокости. Озлобленный и огорченный страшными преступлениями, он пошёл даже дальше, потому что стал бесчестить и патриотов, рисуя их мёртвые тела в отвратительном виде. Гойя изображал изувеченные, разорванные на куски тела, оторванные конечности и отвратительные сцены именно так, как это делают пациенты психиатрических лечебниц. Фрески Quinta del Sordo (где Сатурн поедает своих детей и великан жует откусанные руки) выражают это еще более ясно».
Испанские медики Фернандес и Сева называют предполагаемый душевный недуг Гойи аффективным психозом, Мануэль Парео говорит о депрессивной дистимии, Ноймайр склоняется к диагнозу шизофрения и предполагает постепенное отравление организма Гойи входившим в состав красок свинцом, что повлияло на деятельность мозга художника и вызвало к жизни галлюцинаторные видения. Искусствоведение в этой ситуации может лишь констатировать: действительно, живопись до Гойи не знала такой исступлённой дисгармонии. Именно Гойя первым в европейском искусстве делает нас не зрителями, а полноправными соучастниками адского пира и чудовищных преступлений.
@pic_history
#ФрансискоГойя #МифологическаяСцена #Романтизм
"Сатурн, пожирающий своих детей"
1823 г.
Франсиско Гойя
Национальный музей Прадо, Мадрид.
«Сатурн, пожирающий своих детей» (вариант названия «Сатурн, проглатывающий своего сына») – знаменитая фреска Франсиско Гойи, написанная в период 1820-23 годов. В конце XIX века художник Сальватор Мартинес Кубельс перевёл её на холст по заказу банкира Эмиля д`Эрлангера, планировавшего показать, а если повезёт, то и продать шедевр Гойи на Всемирной выставке 1878 года, проходившей во дворце Трокадеро в Париже. В это десятилетие во Франции прогремели импрессионисты, в моду вошли солнечный свет и концентрированный воздух. Не удивительно, что купить мрачного «Сатурна» желающих не нашлось, и в 1881-м году он был преподнесён в дар музею Прадо.
@pic_history
Привет! Давайте знакомится!
Мы команда @KalachevaSchool и у нас есть предложение как начать это лето ярко и продуктивно! Встречайте, Экстрим 9!
Экстрим - это простой, но уверенный вход в творческую среду: минимум материалов - максимум знаний - сжатые сроки.
Если давно хотели начать рисовать или прокачать свои навыки, не упустите свой шанс!
Участие совершенно БЕСПЛАТНО! А ещё можно пригласить друга и получить доступ к урокам на год😉
Вам понадобятся только:
- выход в Интернет
- блокнот
- цветные карандаши (или что окажется под рукой)
@kalachevaschool
Как и любой творческий человек, художник-иллюстратор сталкивается с различными проблемами на своем пути к успеху:
👉 Как художнику начать зарабатывать?
👉 Где найти заказчиков?
👉 Какую цену следует установить на свои работы?
👉 Где брать идеи и вдохновение для новых работ?
👉 Заменят ли в ближайшем будущем нейросети художников-иллюстраторов?
👉 Как бороться с конкуренцией и критикой на рынке искусства и иллюстрации?
Ответы на эти и другие вопросы, а также еще много полезной, важной, нужной и вдохновляющей информации вы найдёте на нашем Telegram-канале @oleg_goncharov_art
Автор канала - иллюстратор Олег Гончаров - делится своими наработками и секретами, основанными как на личном опыте, так и на опыте своих учеников.
Здесь вы найдете все, что вам нужно для развития в области иллюстрации. Обретете поддержку и помощь со стороны коллег и друзей. Сможете с лёгкостью преодолеть все трудности и достичь своих творческих целей.
ПРИСОЕДИНЯЙТЕСЬ! Станьте частью нашей дружной команды и зарабатывайте на любимом деле достойно!
"Слоны"
1948 г.
Сальвадор Дали
Частное собрание, США.
Слон, как и мягкие часы – повторяющаяся тема в творчестве Дали. Впервые животные-гиганты на паучьих ногах появились в его картине «Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната за секунду до пробуждения» (1944), а затем в «Искушении святого Антония» (1946). Перед этим была написана композиция «Лебеди, отражающиеся в слонах» (1937), где элефанты имели нормальные пропорции.
«Слоны» отличаются от этих картин тем, что животные на фоне бесплодного пейзажа – это основной фокус работы, а другие полотна содержат множество интересных деталей. Ещё один известный образ у Дали – слон на ногах аиста, украшающий стены Театра-музея Дали в Фигерасе.
Достоверно неизвестно, что побудило художника к этому сюжету. Несколько раз он говорил, что обелиски на спинах слонов соотносятся со скульптурой Джованни Лоренцо Бернини, установленной в Риме (там гигант также несёт древнюю стелу).
@pic_history
— Это очень трудно — писать картины?
— Это либо легко, либо невозможно.
Сальвадор Дали
Летом и осенью 1880 года, во время разрыва с передвижниками, А.И.Куинджи работал над новой картиной. По российской столице разнеслись слухи о её феерической красоте. На два часа по воскресеньям художник открывал желающим двери своей мастерской, и петербургская публика начала осаждать ее задолго до завершения произведения.
Читать полностью…
"Ветряная мельница близ Гааги"
1882 г.
Винсент Ван Гог
Частная коллекция.
@pic_history
"Космическая Мадонна"
1958 г.
Сальвадор Дали
Частная коллекция.
«Космическая Мадонна» – это один из шедевров Сальвадора Дали, объединяющий его интерес к религии и ядерной физике. Это полотно – одно из немногих произведений периода «ядерного мистицизма», принадлежащее частному коллекционеру, а не музеям и галереям. При этом более полувека его местонахождение оставалась тайной. В последний раз картина публично выставлялась в 1965 году в Галерее современного искусства Хантингтона Хартфорда в Нью-Йорке. С тех пор свидетельства о ней хранились лишь в виде фотографий, на которых художник позирует на фоне своей работы, и репродукций в книгах и онлайн-каталоге Фонда Гала-Сальвадор Дали.
Однако все эти снимки были чёрно-белыми, а размеры картины, техника и материалы, местонахождение и владелец оставались секретом, что добавляло ей ореол таинственности. Все эти детали прояснились и появилось фото работы в высоком разрешении, когда коллекционер решил продать её в 2021 году.
@pic_history
"Мусме"
1888 г.
Винсент Ван Гог
Частная коллекция.
@pic_history
"Композиция VII"
1913 г.
Василий Кандинский
Государственная Третьяковская галерея.
«Композиция VII», созданная Кандинским в 1913 году, считается одним из величайших шедевров абстрактного искусства. Эта работа является логическим продолжением Композиций V и VI, все три картины объединены темой Апокалипсиса. Элементы «Композиции VI» - Потоп и Воскрешение – просматриваются и в этой работе. Главная ее тема – Страшный суд, однако он рассматривается не как катастрофа, а скорее как освобождение, переход мира из материального состояния в духовное. Поэтому «Композицию VII» от других работ серии отличают светлые краски, «вспыхивающие» контрастные линии.
@pic_history
"Сбор слив"
1891 г.
Теодор Робинсон
@pic_history
"Любительница абсента"
1901 г.
Пабло Пикассо
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.
Абсент сложно назвать просто алкогольным напитком. Несмотря на то, что он не обладает такой многовековой историей, как, например, вино, абсент заслужил право называться отдельным уникальным явлением в мировой культуре. «Зеленую фею» (или, согласно Полю Верлену, «зеленую ведьму») воспевали в числе прочих Артюр Рембо, Оскар Уайлд и Эрнест Хемингуэй, увековечивали на своих полотнах Эдгар Дега, Эдуар Мане, Анри Тулуз-Лотрек, Винсент Ван Гог и другие. Но все же, когда заходит речь об отношении этого напитка к живописи, на ум едва ли не первой приходит «Любительница абсента» Пабло Пикассо.
@pic_history
Искусство — то, в чем хочется разбираться и узнавать новое, но ювелирное искусство — сфера особенная, информацию о которой зачастую найти непросто. Делимся TG каналом столичной ювелирной студии JEZA! Кроме активной работы с непосредственным производством изделий, команда развивается как полноценное медиа в Telegram.
Авторские материалы и исследования, лёгкая и интересная подача и ироничный юмор. JEZA — канал "без перегрузов", ребята чередуют познавательные тексты с сочным визуалом, покрывая не только ювелирную отрасль, но и архитектуру, fashion и дизайн.
Студия, конечно, выполняет эксклюзивные кастомные украшения, реализует объемные проекты и помогает своим клиентам в выборе правильных драгоценных камней. Об этом и многом другом у них на канале! Прекрасная возможность порадовать себя особенным украшением!
Обращайтесь к JEZA за исполнением своих ювелирных фантазий и подписывайтесь на канал @JEZAchannel
Кто лишний? Мураками, Кусама или Кавс?
Видите их коллаборации с модными брендами, слышите в новостях, но так и не понимаете о чем речь?
Тогда точно стоит углубить свои знания с каналом INVEST in ART про современное искусство.
Канал, где разбираются самые ТОПовые и популярные художники. Только важная информация - стиль, знаменитые работы и РОСТ ЦЕН на них.
Узнаете, что инвестиции в искусство - это не только про преумножение дохода, но и про бонусы, которые не дает ни один альтернативный вариант инвестирования.
И не забываем про тусовки 😻🔥
Подборки мест куда сходить, на что поглазеть и чем вдохновиться.
Все это и не только в одном канале 🔝
Ах, точно - самые свежие инсайдерские арт-новости!
🔥😻
Информация ценнейшая, это мы как эксперты вам обещаем 🚀
WELCOME
История создания «Сатурна»: почему Гойя написал не картину, а фреску?
В 1819-м году 73-летний Гойя, всё еще формально числившийся придворным живописцем, отошёл от дел и приобрел небольшую виллу в пригороде Мадрида. Еще при прошлом владельце соседи прозвали это имение Quinta del Sordo, «дом глухого». Возможно, именно это название и привлекло Гойю: в 1792-м, после загадочной болезни (назывались диагнозы от апоплексии до осложнений застарелого сифилиса) художник начал испытывать адские головные боли и почти полностью лишился слуха, так что «дом глухого» пришёлся ему как нельзя кстати.
Десятилетие, предшествовавшее покупке Quinta del Sordo, выдалось необычайно сложным для всей Испании и лично для Гойи. Испания была оккупирована французами, Гойя стал свидетелем расстрелов и казней, видел остывающие трупы и дымящиеся развалины домов на улицах Мадрида. В 1812-м году он лишился жены Хосефы, вместе с которой прожил почти 40 лет и похоронил не менее десяти детей (разные источники называют разные цифры). Еще раньше была отравлена возлюбленная Гойи, 40-летняя Каэтана Альба. В 1819-м году Гойя перенёс новую болезнь, поставившую его на грань жизни и смерти (свидетельством о ней стал автопортрет в сопровождении доктора и друга Ариетты, Институт искусств Миннеаполиса).
Оправившись от болезни, Гойя решает расписать стены своего «дома глухого» странными и темными видениями, которые выразили бы пережитые потрясения. Они не предназначались для посторонних глаз современников Гойи (и потому настенные росписи оказались предпочтительнее картин) и должны были стать чем-то вроде завещания пожилого художника потомкам.
Эта идея завладела Гойей целиком. В течение короткого времени он выполнил колоссальный объем работы, набросав эскизы 14-ти огромных картин (некоторые из них превышали размер в шесть квадратных метров!) и начал расписывать ими стены. По образному строю изображения напоминали кошмары и галлюцинации – причём даже больше, чем знаменитая серия офортов Гойи «Капричос». Гойя не дал авторского названия своим фрескам, но нам они известны теперь как Pinturas Negras – «черные картины» ("мрачные кратины"). Они написаны в глубоких и мрачных тонах. Густая смесь чёрного и чёрно-серебристого господствует на стенах дома Гойи. Кое-где появляются вкрапления ярких цветов и белоснежно-белого. Мрачные процессии паломников, люди с искаженными страхом лицами, пугающие образы старости, немощи, богооставленности. И среди них – пожалуй, самая знаменитая и жуткая фреска «Сатурн, пожирающий своих детей».
Сюжет
Большинство сюжетов Pinturas Negras и по сей день остаются для нас необъяснимыми и загадочными, однако как раз у «Сатурна» имеется мифологический прообраз. Римскому богу земли Сатурну соответствует древнегреческий Кронос. Детьми Кроноса, рождёнными Реей, были олимпийские боги Гера, Гестия, Деметра, Аид и Посейдон. Однажды Уран предсказал Кроносу, что кто-то из детей лишит его власти, и потому напуганный Кронос проглотил их одного за другим. Родившийся позднее сын Кроноса Зевс, повзрослев, заставил отца изрыгнуть всех, кого он проглотил, на этом власть Кроноса закончилась.
Гойя и Рубенс: чей Сатурн ужаснее?
Работу Гойи иногда сравнивают с картиной Рубенса «Сатурн», использующей тот же сюжет и тоже представленной в музее Прадо. Но насколько же «нормальным» выглядит гармоничный по анатомии и колористически уравновешенный древнеримский бог Рубенса в сопоставлении с обезумевшим монстром Гойи! Тело героя Гойи изломано, его пропорции нарушены, он не умещается в пространстве картины, а его глаза выражают какой-то запредельный, хтонический ужас от содеянного. И, что особенно интересно, он не заглатывает сына целиком, как это описано в мифе, а пожирает его кровоточащее тело по частям. Так что, возможно, Гойя не следует мифу, а отображает некий индивидуальный кошмар, создает свой собственный миф.
Ешь, молись, люби и читай
🎙Галстукова On Air🔉!
Авторский канал @Galstukovaonline, который ведут две весёлые барышни #московскийадмин и #петербургскийадмин, поднимает настроение каждый день!
Канал без:
🎉 политики
🎉 аналитики
🎉 критики
🎉 только позитив и юмор!
Подписаться ⬇️⬇️
🎙Галстукова On Air🔉
