59104
У каждой картины есть своя история... Все вопросы — @nikfr0st Менеджер — @yuliyapic Наши стикеры: t.me/addstickers/pic_history Контент: https://artchive.ru/
Обучение на Психолога за 1 год. Дистанционно + Диплом.
Станьте Психологом с "0". Диплом с правом работы. Помощь в трудоустройстве или старте частной практики с нуля.
На базе высшего или СПО
Преимущества обучения в НИИ ДПО:
- дистанционное обучение;
- институт с гос. лицензией;
- московский диплом;
- мобильное приложение для удобного обучения;
- бессрочный доступ к лекциям и материалам;
-много практики;
-обратная связь от экспертов-практиков;
-рассрочка 0%.
Подать заявку
#реклама 16+
niidpo.ru
О рекламодателе
Всякое государство имеет свою историю
Эта история складывается из жизни людей, в том числе правителей, полководцев, путешественников, писателей, живописцев, композиторов, ученых и изобретателей.
История.Личность это канал рассказывающий про историю России в лице ее героев. Подписывайся и познавай историю своей родины.
"Плачущая женщина"
1937 г.
Пабло Пикассо
Тейт Модерн, Лондон.
Пабло Пикассо, возможно, величайший из художников XX века, наиболее известен по двум причинам. Во-первых, за изобретение – совместно с Жоржем Браком – кубизма и коллажа, а во-вторых, за свою антивоенную позицию, выраженную в различных произведениях искусства. Оба этих момента объединяются в «Плачущей женщине» – одном из самых известных портретов Пикассо, выполненных в стиле аналитического кубизма, но с большим реализмом, чем обычно.
@pic_history
Tête-à-tête — особый вид мягкой мебели, небольшой диванчик для двоих, предназначенный для беседы с глазу на глаз. Появившийся во Франции в эпоху Людовика ХV (1710-1774), он сразу же заслужил себе недвусмысленное название "диванчик для флирта". Образец, что на фото, можно не просто увидеть, но и приобрести в антикварном салоне Antik&Brut.
Ещё больше интересных и редких вещей ищите на канале антикварного салона Antik&Brut. В его коллекции собрано более 5000 предметов: резные буфеты, зеркала, ширмы, светильники, бронзовая скульптура и фарфор 18-19 века, в том числе и коллекционные, музейного уровня вещи. Например, мраморная ванна 1880-х годов испанской королевы Изабеллы II.
Канал ведут сами владельцы салона. Они с любовью и знанием дела рассказывают об антиквариате, реставрации и раскрывают секреты коллеционирования. Подписывайтесь!
Интересуетесь искусством, но лень не успеваете ходить по музеям? Начинайте читать «Ноги Ван Гога», где всю работу уже сделали за вас. Вам увлекательно расскажут всё о шедеврах живописи XIX-XX веков и современном арте.
Смотрите сами, тут любопытное:
5 великих, которые могли стать
кем-то другим
Последняя муза Анри Матисса
Ар-деко и романтический образ женщины в работах Хелен Драйден
Впечатляющая живопись Павла Покидышева
Как вы поняли, канал не только информативный, но и очень эстетичный. Рекомендуем подписаться, чтобы не потерять.
"Ирисы"
Май 1889 г.
Винсент Ван Гог
Музей Гетти, Лос-Анджелес.
В это сложно поверить, но одна из самых умиротворяющих и безмятежных картин Винсента Ван Гога была написана в самый, пожалуй, сумрачный период его жизни. В мае 1889 года, после того, как он несколько раз попадал в госпиталь, а добрые жители Арля подписали петицию о выдворении сумасшедшего художника из города, Винсент решил добровольно отправиться на лечение в психиатрическую лечебницу Сен-Поль-де-Мозоль в Сен-Реми. «Ирисы» он написал в первую же неделю пребывания в больнице. А жить ему оставалось чуть больше года.
@pic_history
"Натюрморт с абсентом"
1887 г.
Винсент Ван Гог
Музей Винсента Ван Гога, Амстердам.
@pic_history
Руки женщины выглядят так, как будто с них сняли кожу. Лицо полностью закрыто волосами и она вытягивает вперед руки, как будто бы пытается нащупать дорогу в полной темноте. А женская фигура позади нее еще меньше напоминает человеческую. Задняя поверхность ее тела почти полностью усыпана странными отростками, делая ее похожей на дикобраза, из головы торчат тонкие ветки, а с руки свисает кусок плоти.
Всю эту фантасмагорию дополняют жираф с полыхающей спиной и тревожное темное небо. Эти оба символа традиционно приписывают страху, который испытывал Дали в связи с Гражданской войной, которая шла в Испании, во время создания картины «Жираф в огне». В других трактовках работу считают воплощением предчувствия Второй мировой войны. Сам художник называл экзотическое животное «мужским космическим апокалиптическим монстром».
Первый раз горящий жираф появился в фильме Луиса Бунюэля «Золотой век» (1930), в титрах которого Дали значится как соавтор сценария. Помимо «Жирафа в огне», этот образ еще неоднократно вплывал на его картинах.
Как бы там ни было, эта картина стала одной из первых среди нескольких десятков по-настоящему мрачных и даже зловещих произведений испанского художника с пугающими образами, которые он создаст в течение нескольких последующих лет. И ужас Дали перед военными действиями действительно был настолько велик, что он предпочел спрятаться от них, переплыв целый океан. Начиная с 1940 года, он с Галой поселился в США и вернулся в Испанию лишь спустя восемь лет, когда в Европе окончательно восстановился мир.
@pic_history
#СальвадорДали #АллегорическаяСцена #Сюрреализм
Помогите приюту выжить!
Дорогие друзья!
Помогите нам сохранить приют!
У нас были сложные времена, были очень сложные, но то что сейчас творится не лезет ни в какие рамки. Наш приют является частным, У нас нет никаких дотаций от государства. Нам не помогают крупные спонсоры. Мы существуем только на пожертвования граждан, ваши пожертвования. Мы выхаживаем сложнейших животных и кормим ежедневно больше ста хвостов. Мы работаем без выходных и отпусков. Сейчас у нас очень сложный период. Очень прошу, помогите нам выжить и сохранить эту территорию добра.
РЕКВИЗИТЫ ДЛЯ ПОМОЩИ
✅Сбеp.: 4279380676211586 (Наталия Владимировна С.)
✅ЮМани: 410011630268876
✅Kиви: +79052853119
✅Голодный телефон: +79213716419
Ссылка для копирования https://taplink.cc/doroga_domoi_rc
3 причины использовать Google Таблицы вместо ексель и 1С
• Бесплатные ресурсы
• Высокая адаптивность
• Безопасность данных
Если вы поняли, что без google таблиц ваша работа будет менее эффективной, но еще не знаете как там все устроено, то специально для вас — полезный телеграм-канал Google Таблицы. Здесь вы освоите даже самые сложные функции и узнаете нестандартные способы их использования.
- Простой способ написать обращение из Таблиц к API;
- Как считать накопительный итог по каждой строке с новыми функциями;
- Несколько фокусов с "найти и заменить".
@google_sheets — инструкции от сертифицированных экспертов и помощь 24/7 для комфортной работы в Google Таблицах.
"Жемчужина"
1904 г.
Михаил Александрович Врубель
Государственная Третьяковская галерея.
👀 Смотреть в высоком качестве
«Жемчужная раковина» – одна из последних работ Врубеля, написанная им между приступами психической болезни, которая терзала его под конец жизни. Начиная с 1902 года, он лечился от чередующихся эпизодов мании и уныния в психиатрической больнице, и это полотно было создано им в момент непродолжительной ремиссии.
По легенде, вдохновением для картины стала створка жемчужной раковины, подаренная художнику Максимилианом Волошиным. Врубель искал способ передать на холсте переливы перламутра при помощи красок, и ему удалось это лишь после многочисленных попыток и набросков.
@pic_history
"Царевна-Несмеяна"
1926 г.
Виктор Михайлович Васнецов
Государственная Третьяковская галерея.
@pic_history
Мифологическая основа картины Тициана
Согласно мифу, Акрисию, царю греческого Аргоса, дельфийский оракул возвестил, что его сместит с престола собственный внук, которого в будущем родит царская дочь, красавица Даная. Напуганный предсказанием, Акрисий заточил Данаю в башню, куда не доберётся ни одни из смертных. Красотой Данаи пленился Зевс. Бог-громовержец проник к ней в виде золотого дождя. От этой связи на свет появился герой Персей.
Пять «Данай» Тициана
Первый вариант «Данаи» Тициан написал в 1544-1545 годах по заказу кардинала Алессандро Фарнезе, одного из богатейших людей Италии (по слухам, моделью являлась любовница кардинала – известная куртизанка по прозвищу Ангел). Картина хранится в Неаполе, в музее Каподимонте, и отличается от всех последующих версий составом персонажей: во всех остальных будет присутствовать старая кормилица (или служанка). В первой же версии этой героини не было: вместо неё в ногах у Данаи располагается купидон с крылышками и луком, что вполне логично, учитывая образ жизни натурщицы, с которой писалась картина. Да и мифический золотой дождь приобретает в этой связи совсем новые оттенки смысла.
Второй вариант «Данаи» создан около 1553 года для испанского короля Филиппа II. Здесь вместо купидона возникает старая кормилица, которую Тициан будет повторять во всех последующих версиях. Во многом такое изменение оказалось удачным. Оно позволило Тициану обогатить композицию целым рядом смысловых контрастов: молодость и старость, красота и уродство, обнажённая фигура и одетая. Впоследствии «Даная» Филиппа II украшала королевские резиденции Алькасар и Буэн-Ретиро, а после войны за независимость в первой половине ХIX века король Фердинанд VII передал её герцогу Веллингтону, и сейчас картина представлена в резиденции Веллингтонов Эпсли-Хаус (Лондон).
Еще две «Данаи» – из собраний Эрмитажа (Санкт-Петербург) и Историко-художественного музея (Вена) – датируются 1554-м и 1564-м годами соответственно.
Пятая «Даная», хранящаяся в Прадо, написана в промежутке между 1560-1565 годами. По качеству исполнения она превосходит реплики из Петербурга и Вены. Специалисты отмечают, что из всех версий именно эта отличается наибольшим градусом эротизма. В других версиях ноги Данаи прикрывает полупрозрачная ткань – здесь она отсутствует; выражение лица героини с приоткрытыми губами не просто сияет спокойной умиротворённостью, как в прочих версиях, – оно близко к экстатическому; рука Данаи покоится между бёдер, словно облегчая доступ к её телу Зевсу, падающему сверху в виде дождя из золотых монет.
«Даная» и её особый, «тициановский» колорит
Передача теплого свечения заката, усиливающего эротический накал картины, искуснейшее использование Тицианом полутонов и цветовых антитез, отказ от резко обозначенных разделяющих линий создают естественную мягкость колорита, где краски будто особым образом мерцают от пронизывающего их изнутри света, что и получило название тициановского колорита.
Место «Данаи» в творчестве Тициана
Частота повторения одного сюжета и громкие имена заказчиков свидетельствуют о том высоком положении, которое Тициан Вечеллио занимал в художественной иерархии периода Высокого Ренессанса. Тициан ценился не только как непревзойдённый мастер колорита, но и как виртуоз эротической живописи. Тосканский писатель XVI века Джованни делла Каза замечает: Даная в исполнении Тициана соблазнительна настолько, что в сравнении с ней даже его обнажённая «Венера Урбинская» кажется монахиней.
@pic_history
#ТицианВечеллио #МифологическаяСцена #Возрождение
Винсент Ван Гог, Клод Моне, Иван Айвазовский.
Культовыми художниками теперь можно наслаждаться в одном месте.
На канале "Nothing Book" публикуют полотна из Третьяковской галереи, Лувра, Эрмитажа, а также описание и интересные факты про них.
Рекомендуем посетить отличный канал об искусстве:
t.me/Nothing_Book_tg
Размер — не главное 🍆
Античные статуи и статуи Возрождения — великолепны и являются бесспорными шедеврами искусства. Но вы же тоже хотя бы разок смотрели на них и думали: почему у них всех такие маленькие члены?
Оказалось, что небольшой пенис считался красивым не с визуальной стороны, а потому что греки связывали размер члена с интеллектуальными способностями мужчины. Маленький член считался признаком мужественности, мудрости и развитого интеллекта в целом, а с большими половыми органами часто изображали, например, сатиров, которые были ближе к животным, вели дикий, разнузданный и гедонистический образ жизни.
Еще больше интересных исторический фактов и нескучный контент о сексе тут — Выйди и зайди нормально ❤️
Девушка с метлой (мастерская Рембрандта ван Рейна)
1651 г.
Карел Фабрициус
Национальная галерея искусства, Вашингтон.
@pic_history
Эта картина – знаковый пример испанской живописи. Она продолжает антивоенную тему, которую художник начал в своей эпической работе «Герника» (1937), ставшей его реакцией на бомбардировки мирных жителей во время гражданской войны в Испании. Завершив роспись, Пикассо много месяцев создавал серию изображений плачущих женщин, прототипом которых стала одна из фигур в «Гернике». «Плачущая женщина» из галереи Тейт – последняя и самая сложная из этого цикла. Другие хранятся в таких крупных институтах, как Национальная галерея Виктории в Мельбурне, Музей Пикассо в Париже, Центр искусств округа Лос-Анджелес и других.
Моделью для всей серии «Плачущих женщин» стала потрясающе красивая профессиональный фотограф Дора Маар (урождённая Генриетта Теодора Маркович), которая была одним из ведущих сюрреалистов в 1930-х годах. Встретившись с Пикассо в Париже в 1936 году, она стала его любовницей, музой и интеллектуальным компаньоном. Будучи сильной личностью, она сыграла важную роль в становлении политических взглядов Пикассо, а он рисовал её десятки раз в период их отношений с 1938-го по 1945 год. Маар также написала несколько незначительных деталей в «Гернике», но наиболее известна серия её фотографий, документирующих последовательные этапы создания фрески в мастерской Пикассо на улице Гран-Огюстен в 1937 году.
«Плачущая женщина» изображает мучительно рыдающую героиню, которая прижимает к лицу платок в попытке остановить обильно текущие слёзы. Это универсальное изображение страдания написано в стиле раннего аналитического кубизма. Он характеризуется использованием угловых и накладывающихся друг на друга фрагментов лица модели, как если бы оно было нарисовано с разных точек зрения одновременно. Чтобы подчеркнуть двумерный характер работы, Пикассо не делает попытки создать «глубину» в картине с помощью линейной перспективы или какого-либо моделирования / затенения вроде кьяроскуро.
Пикассо так пояснял искажения и деформацию, которым он подвергал лицо Доры: «Для меня она – плачущая женщина. В течение многих лет я писал её в искажённых формах не из садизма или удовольствия, а просто подчиняясь видению, которое навязалось мне. Это была глубинная, а не поверхностная реальность... Женщины страдают от машин».
Наиболее очевидное значение «Плачущей женщины» довольно простое, принимая во внимание продолжающуюся гражданскую войну в Испании. Строго одетая, как на похороны, она выражает душераздирающее горе, которое испытывают матери, сестры и другие близкие после смерти любимого – особенно во время войны. Как и в «Гернике», основное внимание уделяется боли и страданиям, которым подвергаются невинные люди. Ключевой элемент всех картин цикла – это экспрессивное выражение женских глаз. Неизменно широко раскрытые, они символизируют силу её горя.
Есть ещё одна – более тонкая – интерпретация произведения. Некоторые искусствоведы считают, что оно представляет собой автопортрет, раскрывающий внутренние муки художника при мысли о его родной стране, раздираемой гражданской войной. Пикассо был крайне удручён конфликтом и поклялся никогда не возвращаться в Испанию, пока Франко остаётся у власти. Генерал пережил художника на два года.
«Плачущую женщину» можно рассматривать также в религиозном ключе. Например, она может символизировать пьету – муку Девы Марии, оплакивающую ужасную смерть своего сына Иисуса. На руке растоптанного тела под лошадью в «Гернике» есть признаки стигматов Христа, указывающие на мученичество, так что и в этом полотне могут содержаться религиозные отсылки.
А вот цветовая схема, использованная в картине, остаётся загадкой. Демонстрируя боль и страдания, Пикассо зачастую использовал монохромную палитру или даже гризайль. Но в «Плачущей женщине» есть все основные цвета, включая красный, жёлтый, синий, а также оранжевый, зелёный и коричневый. Пытался ли художник наполнить свою героиню сильными чувствами или ощущением жизни? Пытался ли он противопоставить этот портрет чёрно-серой гамме «Герники»? По этому вопросу нет единого мнения.
@pic_history
#ПаблоПикассо #Портрет #Кубизм
Как создать и выпустить прибыльные авторские товары без вложений?
Канал @merch4art профессиональный проект о мерче и авторских товарах художников
На канале вы узнаете все о том, как:
Разработать предметы интерьера, лимитки, и выпустить их в коллаборации с фабрикой
Как художнику сделать соулд -аут в соцсетях
Как выпустить свой мерч, попасть в телепроект и стать известным
Подпишитесь на канал @merch4art
читайте рекомендации и выпускайте свои коллекции без вложений
На обложке: коллаборация Лары Поповой и фабрики дизайнерских светильников Gustason Lampa
"После дождя. Плес"
1889 г.
Исаак Ильич Левитан
Государственная Третьяковская галерея.
@pic_history
Как и огромное количество других картин Ван Гога французского периода, «Ирисы» написаны под существенным влиянием японского искусства. Обрезанная композиция, четко очерченные плоскости ярких оттенков, и монументальные цветы, как будто рвущиеся за пределы холста. Обычно Винсент делал предварительные наброски к своим полотнам, часто даже снабжал довольно подробными зарисовками письма к брату. Но к «Ирисам» набросков не сохранилось. Более того, эксперты полагают, что их вообще не существует, поскольку саму эту картину Ван Гог считал этюдом. Тео, тем не менее, сразу высоко оценил полотно и представил его на Салоне независимых в сентябре 1889 года. Рассказывая в письме Винсенту о выставке, он пишет, что картина «поражает взгляд издалека. Это прекрасный набросок, полный воздуха и жизни».
В лечебнице у Ван Гога несколько раз случались серьезные приступы, между которыми он работал, словно одержимый. Он считал, что только в живописи может найти спасение и называл ее «громоотводом для болезни». Только продолжая рисовать Винсент мог поверить в то, что на самом деле он не сумасшедший. Врачи, однако, были другого мнения: они были уверены, что во время рисования Ван Гог приходит в слишком сильное нервное возбуждение, которое и вызывает приступы. Они ограничивали время, которое художник мог посвящать живописи, приставляли к нему наблюдающего санитара, однако все же позволили обустроить студию в одном из помещений лечебницы.
«Ирисы» Ван Гог написал незадолго до первого приступа, случившегося в больнице. Возможно, именно поэтому картина получилась столь безмятежной: тогда художник еще был уверен, что лечение даст результаты, и писал ирисы с искренним восхищением и радостью. Каждый из этих цветков уникален. Винсент долго наблюдал за естественными движениями стеблей и лепестков и сумел точно уловить и воспроизвести очень разные изогнутые силуэты. Первый владелец этой картины и один из первых почитателей Ван Гога, французский искусствовед октав Мирабо писал: «Как хорошо он понял утонченную сущность цветов!»
@pic_history
#ВанГог #Постимпрессионизм
Я — Нумизмат! Сообщество по интересам.
Определение монет(по фото), новости, купи-продай, черный список(недобросовестные продавцы) и свободное общение.
Пытаемся создать одно из самых полезных нумизмат объединений → здесь.
Вы будете в шоке, когда попробуете эту технику реалистичного рисунка!
26 сентября (сб) в 14:00 (мск) пройдет бесплатный урок от топ-вого преподавателя по рисованию, которая сотрудничала с Ксенией Собчак и разрисовывала стены в доме Александра Реввы.
На уроке она покажет шаг за шагом, как сделать свои работы реалистичными, а также расскажет, как можно зарабатывать на своем творчестве от 300к до 1,3 млн.р, рисуя только то, что хочешь!
Бесплатный билет на урок по ссылке ➡️ клик-клик
"Жираф в огне"
1937 г.
Сальвадор Дали
«Жираф в огне» – одна из известнейших картин Сальвадора Дали, объединяющая сразу несколько излюбленных образов художника. Центральная фигура – женщина с выдвижными ящиками на теле – впервые была явлена миру в 1936 году виде скульптуры «Венера Милосская с ящиками». Похожий образ (художник называл его «антропоморфным шкафом») появлялся в различных модификациях еще на нескольких работах Дали. Выдвижные ящики, как и в данном случае, всегда изображаются открытыми. Их значение имеет несколько трактовок: от символа психоаналитического процесса до «неумышленного обыска», по словам самого художника.
Дали также упоминает похожую метафору, говоря о том, что его картины образуют «своего рода аллегорию, которая служит для иллюстрации определенного озарения, чтобы проследить за многочисленными нарциссическими запахами, которые исходят из каждого из наших ящиков». Помимо этого мебельного аксессуара, женская фигура обладает рядом других выразительных признаков: сзади от нее исходят несколько вялых отростков, нуждающихся в поддержке костылями. Они могут намекать на проблемы с потенцией, которых Дали никогда не стеснялся и часто о них упоминал.
@pic_history
"Кардинал и монахиня"
1912 г.
Эгон Шиле
Музей Леопольда, Вена.
@pic_history
Сказочные персонажи появились на работе уже после того, как она была практически окончена. Художник отмечал, что это произошло едва ли не против его воли: «Ведь я совсем не собирался писать морских царевен в своей “Жемчужине'', – вспоминал он. – Я хотел со всей реальностью передать рисунок, из которого слагается игра перламутровой раковины, и только после того, как сделал несколько рисунков углем и карандашом, увидел этих царевен, когда начал писать красками».
Врубель не был удовлетворен изображением мифических существ на своей картине. Не оценили их и критики. В частности, искусствовед Нина Дмитриева отмечала: «Фигурки, которые он неожиданно для себя посадил в жемчужной раковине, едва ли достойны такого волшебного грота. Эти жеманные фигурки слишком напоминают своих многочисленных длинноволосых сестер из типичного декора модерн; художник сам это смутно чувствовал – он не был доволен своими наядами».
Несмотря на это, с задачей воплотить на холсте природные переливы перламутра жемчужной раковины художник справился более чем успешно. Это удалось благодаря использованию множества цветов и оттенков: от самых глубоких тонов коричневого, зеленого, синего и фиолетового до нежных, почти прозрачных, розового, лилового, желтого. Спиральная композиция задает изображению гипнотический ритм, затягивая внимание вглубь картины словно водоворот, уносящий зазевавшегося пловца на морское дно.
Николай Рерих в своем эссе делился впечатлениями от картины: «Врубель мало выезжал теперь; мало видел кого; отвернулся от обихода и увидал красоту жизни; возлюбил ее и дал “Жемчужину'', ценнейшую. Незначительный другим обломок природы рассказывает ему чудесную сказку красок и линий за пределами ''что'' и ''как''... Более чем когда-либо в ней подошел Врубель к природе в тончайшей передаче ее и все-таки не удалился от своего обычного волшебства».
Впервые работа была показана на выставке Союза русских художников 1905 года, а в настоящее время она входит в собрание Третьяковской галереи.
@pic_history
#МихаилВрубель #АллегорическаяСцена #Символизм
Картины можно рисовать не только красками, но и ароматами! ✨ Хотим рассказать вам о новом российском парфюмерном проекте – Plantage (канал - @plantage_perfume).
В коллекции молодого бренда пока что 6 ароматов, но каких! Здесь есть и отсылающее к роскошным персидским дворцам сочетание цитрусов с амброй и индонезийскими пачули (Auradiant), и смолисто-сливочная тропическая ваниль с персиками (Karma Vanille), и путешествие из сердца степи к морскому побережью (Wondersteppe).
Три новых осенних аромата Plantage (Trinidad, Veracruz, Oud Maroc) порадуют необычным сочетанием пряных, табачных, алкогольных и фруктовых нот.
Особое внимание бренд уделяет эстетике и оформлению флаконов, используя для этого передовые технологии 3d-печати.
Plantage примет участие в выставках нишевой парфюмерии VAST в Санкт-Петербурге 23.09 (ссылка на регистрацию) и в Москве 30.09 (ссылка на регистрацию)
👉 Подписывайтесь на канал, чтобы быть в курсе новинок - @plantage_perfume
Вы знали, что обращая внимание на свои предпочтения в одежде можно лучше понять себя и найти стиль, который даст поддержку?
Автор канала Глубоко фиолетовый лук - дипломированный стилист и стилетерапевт - проводит индивидуальные консультации по методу стилевой терапии, а в блоге рассказывает о моде, делится находками и вдохновением.
А кроме того, раскрывает простые стильные секреты:
- Как управлять впечатлением с математической точностью
- Какое стилевое направление создаёт особый уют осенью?
- Что делать, если не можешь понять идёт ли тебе вещь?
Это одновременно эстетичное и терапевтичное пространство. Заходите и чувствуйте себя как дома.
"Даная"
1560-е
Тициан Вечеллио
Национальный музей Прадо, Мадрид.
«Данаю» иногда называют «самым эротичным шедевром Тициана». Существует, по меньшей мере, пять версий картины, одна из которых хранится в музее Прадо.
@pic_history
Этот художник был безнадёжным перфекционистом. Друзья шутили: «Чтобы заставить его прекратить вносить правки в картину, эту самую картину надо у него выкрасть...»
Читать полностью…
"Акации весной"
1904 г.
Михаил Федорович Ларионов
Государственный Русский музей.
@pic_history