59104
У каждой картины есть своя история... Все вопросы — @nikfr0st Менеджер — @yuliyapic Наши стикеры: t.me/addstickers/pic_history Контент: https://artchive.ru/
Гамлет и Офелия. Эскиз
1883 г.
Михаил Александрович Врубель
Государственный Русский музей.
@pic_history
"Вознесение"
1958 г.
Сальвадор Дали
Вознесение Христа было популярным сюжетом у старых мастеров, которыми восхищался Сальвадор Дали – Караваджо, Тициана и Рембрандта. Сюрреалист утверждал, что его вдохновение пришло из «космического сна», увиденного в 1950 году – примерно за восемь лет до написания картины. В видении, насыщенном яркими цветами, художнику явилось ядро атома, которое он изобразил на заднем плане композиции. Позже к нему пришло озарение, что оно и было «истинным представлением объединяющего духа Христа».
@pic_history
⭐️Тебе интересна история, но большие текста заставляют скучать?
Исторический век поможет тебе узнать о жизне людей из прошлого. Вся интересующая тебя информация в картинках с минимальным описанием.👍
Присоединяйся к нам, и мы вместе отправимся в самые интересные моменты жизни людей, в самых различных отрезках времени.
👉Исторический век не заставит тебя заскучать.
Визуальное искусство всегда шло рука об руку с модой. Вы даже не представляете, насколько сильным было их взаимовлияние!
Хочу вам посоветовать канал "Воедино": там историк моды анализирует современную индустрию с точки зрения прошлого и искусства, в частности 😉
Если хотите детально разобраться в моде, рекомендую подписаться 👐
Традиционно неторопливый Серов работал даже медленнее обычного. Домотканово было одним из самых его любимых мест на планете, и, будь его воля, он навсегда остался бы в том беззаботном солнечном дне.
Портрет он писал в течение трех месяцев, делая перерывы лишь в пасмурную погоду. Мария, учившаяся на скульптора, была знакома с особенностями профессии, и не роптала. «Сеансы происходили по утрам и после обеда, – вспоминала она позднее. – По целым дням я с удовольствием позировала знаменитому художнику, каким мы его тогда считали, правда, еще не признанному в обществе, но давно признанному у нас в семье… Мы работали запоем, оба одинаково увлекаясь, он - удачным писанием, я - важностью своего назначения».
В конце концов, Маша Симонович сделала важный вклад в работу: заявила, что, по ее мнению, портрет окончен, и засобиралась в Петербург. Возможно, если бы не ее волевое решение, Серов «пересушил» бы картину. И утратил ту волшебную игру света и тени, что сделала его достойным наследником таких признанных «солнцепоклонников», как Айвазовский и Куинджи, и дала повод говорить о Серове, как о художнике, который изобрел свой собственный импрессионизм.
В благодарность за терпение Валентин Серов подарил сестре 3 рубля на дорогу. Для них обоих – молодых и пока не ставших на ноги – это была нешуточная сумма.
Полвека спустя, в Париже Марию Симонович-Львову и ее мужа навестил знакомый русский инженер. Заметив на стене репродукцию «Девушки, освещенной солнцем», он поинтересовался, чей это портрет. И рассказал, что героиня картины была его первой любовь, что каждый день он ходил в Третьяковскую галерею, полюбоваться ею.
Сам Серов считал «Девушку» одной из самых главных своих удач. По воспоминаниям Игоря Грабаря, незадолго до смерти Валентин Александрович долго смотрел на свою картину в Третьяковке, а потом махнул рукой и сказал как будто себе самому: «Написал вот эту вещь, а потом всю жизнь, как не пыжился, ничего уже не вышло, тут весь выдохся»*.
*«Девочку с персиками» Серов написал до «Девушки, освещенной солнцем», когда ему было 22 года. А кузину Марию Симонович (в замужестве Львову) он изобразит еще не раз - один из ее портретов сейчас хранится в Музее д'Орсе.
@pic_history
#ВалентинСеров #Портрет
Ищете одежду высокого качества, которая приносит комфорт и уют?
Тогда вам обязательно стоит познакомиться с MONGOLSHOP.RU - интернет-магазином эко-одежды и аксессуаров из настоящего монгольского кашемира, верблюжьей шерсти, пуха яка, а также натурального хлопка, льна и крапивы.
Мы предлагаем уникальную коллекцию, которая отличается высоким качеством кашемира и натуральных материалов. Наша одежда создана, чтобы вы не только выглядели стильно и элегантно, но и чувствовали себя комфортно в любой ситуации.
Откройте для себя MONGOLSHOP.RU и погрузитесь в мир непревзойденного качества и стиля. Мы гарантируем вам экологически чистую и комфортную одежду.
🛍️ Посетите наш интернет-магазин MONGOLSHOP.RU уже сегодня и выберите свою идеальную одежду и аксессуары из настоящего монгольского кашемира со скидкой до 50%.
Оформляйте заказ на сайте сейчас, а оплачивайте после примерки!
Ptashkino Gnezdo - авторский канал про современное искусство, моду и актуальные новости из мира кино и шоу-бизнеса.
Этот канал был создан, чтобы поделиться с тобой самыми интересными и актуальными новостями из мира кино, моды, впечатляющими произведениями искусства и музыкальными открытиями. От классических шедевров до современных экспериментов - канал станет твоим проводником в мир красоты и вдохновения.
В общем, рекомендуем подписаться:
/channel/ptashkinognezdo
"Дама в лиловом"
1908 г.
Николай Иванович Фешин
Государственный Русский музей.
Имя ее неизвестно, эту натурщицу привел в мастерскую соученик Фешина Петр Бучкин. И, как планировал, сделал с нее этюд. Смущенно присоединившийся к нему за своим мольбертом Николай Фешин даже не предполагал, что именно эта работа станет его программной, манифестом его подхода к портрету.
@pic_history
Закрытое культурное сообщество ToArt, где для вас эксклюзивно собираются интересные лекторы, подбираются лучшие спектакли, проходят необычные экскурсии, организовываются уникальные путешествия со смыслом.
Подписывайтесь на канал с афишей и получите доступ к уникальным мероприятиям.
"Американская готика"
1930 г.
Грант Вуд
Чикагский институт искусств.
@pic_history
"За чаем"
1914 г.
Константин Егорович Маковский
Ульяновский областной художественный музей.
@pic_history
Позже в своем таитянском дневнике «Ноа Ноа» Гоген рассказывает, как к нему пришла идея написать эту картину: «Две сестры лежат на берегу после купания, в грациозных позах отдыхающих животных. Они разговаривают о вчерашней любви и грядущих завоеваниях. Воспоминания приводят к размолвке: «Как? Ты ревнуешь?»
Последнюю фразу Гоген написал в нижнем левом углу полотна на таитянском языке. Настроение картины в сочетании с комментариями художника как будто намекает на то, что на этом прекрасном экзотическом острове сексуальные отношения и даже ссоры о них радостны и безвредны. По словам канадского профессора Питера Туи, «эта ревность – не результат угрозы эксклюзивным любовным отношениям, а скорее обида из-за того, что одна из сестер получила больше удовольствия прошлой ночью, чем вторая».
Некоторые искусствоведы, однако, считают, что романтическая история о подслушанном разговоре была придумана Гогеном позже. Есть версия, согласно которой сидящая женщина была срисована художником с похожей фигуры на фризе Театра Диониса в Афинах, фотографией которого он очень дорожил. А цветы на голове девушки – отсылка к древнегреческим лавровым венкам. Вторая фигура могла быть добавлена на полотно позднее, а затем была придумана красивая легенда о двух сестрах.
@pic_history
#ПольГоген
📌 Читайте на канале @reartstory только хорошие новости о том, что нас окружает в жизни, путешествиях, что почитать и посмотреть.
О чем еще канал?
1. О ювелирных и часовых брендах и именах;
2. Об аукционных домах;
3. Об альтернативных инвестициях.
Подписывайтесь скорее: /channel/reartstory
Танец (I)
1909 г.
Анри Матисс
Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА).
@pic_history
Лица Иисуса не видно – как и на всех картинах Дали. Центром композиции являются ноги (испачканные стопы – отсылка к длительным прогулкам Христа с учениками), которые одновременно закрывают центр атома позади фигуры. Сама частица состоит из логарифмических спиралей, которые так увлекали Дали в созревшем подсолнухе или очертаниях нога носорога.
Тело Христа – от ног на переднем плане до протянутых рук – образует треугольник. Ту же геометрию Дали впервые использовал в картине «Христос святого Иоанна Креста» в 1952 году. Вдохновением для этой формы послужил рисунок испанского святого-мистика Иоанна Креста, на котором распятие изображено сверху, словно с точки зрения Бога. Чтобы написать фигуру, Дали поставил натурщика на стеклянный помост, специально сконструированный в мастерской в Порт-Льигате.
В небе над Иисусом мы видим не Бога-отца, что было бы логично, но залитое слезами лицо Галы, жены Дали. Голубь под её подбородком явно символизирует Святого Духа. К тому времени художник уже неоднократно изображал свою музу в виде Девы Марии. Например, в 1949 году – в первом этюде «Мадонны Порт-Льигата» и последующей картине, три года спустя – в «Ультрамариново-корпускулярном Вознесении Богоматери», а в 1954 году – в монументальной сцене «Распятие, или Гиперкубическое тело».
Сальвадор Дали – мастер иллюзий, манипулятор пространством и временем – сбивает нас с толку причудливым сопоставлением разных перспектив и точек зрения в «Вознесении». Мы не знаем, взлетает Христос или спускается. Не совсем ясно, под каким углом по отношению к центральной фигуре находится Гала. Ещё один ракурс, который окончательно дезориентирует смотрящего, – это пейзаж внизу, представленный в естественном для зрителя положении.
Множество вопросов, которые мы задаём себе, глядя на эту картину, возможно, и есть та цель, к которой стремился Дали. Не зря же он утверждал, будто сюжет пришёл к нему во сне. Пожалуй, ни одна другая работа периода «ядерного мистицизма» не передаёт дух этого метода настолько буквально. И наивысшая радость для ценителей его творчества – впрочем, как и любого другого – заключается в том, что мы можем по-своему интерпретировать то, что имел в виду художник.
@pic_history
#СальвадорДали #РелигиознаяСцена #Сюрреализм
«Эскиз к спектаклю «Конек-горбунок»
1912 г.
Автор - ?
"Садовник"
1911 г.
Казимир Северинович Малевич
Городской музей Стеделек, Амстердам.
@pic_history
"Сосновый бор"
1895 г.
Иван Иванович Шишкин
Дальневосточный художественный музей, Хабаровск.
Этот «Сосновый бор» украшал бильярдную Николая II. Как же картина попала на Дальний Восток? Ради ответа на этот вопрос придется вспомнить послереволюционное время. Владельцы дворцов и усадеб, обладатели богатейших коллекций бросали всё и эмигрировали за границу. Ценные предметы искусства изымались и свозились в Москву и Петроград. Через какое-то время фондохранилища музеев оказались переполнены. Было принято решение пополнять собрания провинциальных музеев. Так в Хабаровский музей попало множество значимых живописных произведений, в том числе «Сосновый бор» Шишкина.
Автор опознается с первого взгляда: перед нами типичный шишкинский монументальный пейзаж, столь любимые им вековые сосны, которые, кажется, держат небо на своих верхушках. Выдают авторство Шишкина и свойственный ему достаточно сдержанный колорит, но при этом – виртуозное владение приемами светотени. Картина изображает погожий, скорее всего летний день, впрочем, в сосновом бору и в такую погоду царит прохлада и влажность: лужа на переднем плане не высохла и усиливает ощущение густого, напоенного сосновыми ароматами воздуха.
@pic_history
#ИванШишкин #Пейзаж #Реализм
"Жозефина-Элеонора-Мари-Полин де Галар Брассак де Беарн, герцогиня де Брольи"
1853 г.
Жан Огюст Доминик Энгр
Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
👀 Смотреть в высоком качестве
@pic_history
"Девушка, освещенная солнцем. Портрет М. Я. Симонович"
1888 г.
Валентин Александрович Серов
Государственная Третьяковская галерея.
Летом 1888 года Валентин Серов гостил в Домотканове – имении своего друга и родственника Владимира Дервиза (тот женился на двоюродной сестре Серова Надежде Симонович). Ему было 23 года. Недавно он вернулся из Италии, был полон впечатлений и сил. Серов жаждал «отрадного» - любви, радости, простых солнечных сюжетов. Однажды, во время прогулки по парку, он усадил другую свою кузину – Марию Симонович - на скамейку под дубом. И, восхитившись тем, как затейливо играют на лице девушки солнечные лучи, просеянные сквозь листву, бросился за холстом.
@pic_history
"Сенекио"
1922 г.
Пауль Клее
Базельский художественный музей.
@pic_history
Живопись Фешина находится на стыке различных течений. Иногда ее для простоты причисляют к модерну, хотя это упрощение. Для Фешина-портретиста чрезвычайно важна индивидуальность портретируемой личности, и в этом его отличие от импрессионистов, все-таки учеба у Репина не прошла даром. Но никакой литературности мы у Фешина не найдем, это не жизнеописание, это – схваченное мгновение (импрессионизм обойти тоже не удастся). Перед нами волнующая игра лиловых оттенков, и в то же время перед нами – именно эта конкретная женщина. Она полна достоинства, умна и элегантна, властно притягивают взгляд горделивая осанка, тонкий профиль, слегка небрежная прическа, изящный изгиб руки, опирающейся о спинку стула, тонкие пальцы. Личность воспринимается как знак эпохи, ее образ, но при этом ни в коем случае не как определенный «народный тип», в чем силен был Репин. У Фешина же типическое сменяется типологическим, а вместо биографии персонажа перед нами его характеристика.
У Фешина равновелики рисунок и цвет, более того, умение рисовать цветом – его особенность. Профиль девушки гибко очерчен, изгиб руки написан широкой кистью, что создает ощущение движения, живости. Всей фигуре присуща особенная грация. Контраст гладкого лица и буйства разнонаправленных мазков платья и фона придают образу пленительность, девушка словно высечена в цвете, безмятежная, замершая в колыхающемся, движущемся пространстве. Впечатление, создаваемое несколько хаотичными, взволнованными мазками и экспрессия техники наложения цвета создают тончайшее противопоставление-сопоставление со сдержанностью цветов, матовостью красок. Действительно, цветовая гамма весьма скромна: платье светло-лиловое, фон серебристый, белый шарф и прохладная свежесть чуть смуглого лица и мягких каштановых волос.
На Международной выставке в Мюнхене картина получила Золотую медаль. С нее и начался выход Фешина за границу, собственно. После «Дамы в лиловом» его работы стали постоянными экспонатами зарубежных выставок.
@pic_history
#Портрет
"Сидящая одалиска"
1924 г.
Анри Матисс
Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА).
@pic_history
Почему Вуда ненавидели за эту работу? История знаменитых героев картины.
Когда эта работа была впервые представлена публике, Грант Вуд в прямом смысле проснулся знаменитым. Картина «Американская готика», казалось, не оставила равнодушным ни одного человека в Америке. Самой частой реакцией на это полотно было возмущение. Слишком уж гротескными, несмотря на исключительную реалистичность, выглядели персонажи. Вуда обвиняли в том, что он просто-напросто издевается над простыми рабочими людьми, представляя их недружелюбными, отсталыми (фермер держит в руке вилы, хотя в то время уже повсеместно использовались более «продвинутые» инструменты) и откровенно туповатыми (героиню картины даже прозвали «недостающим звеном»). Те, кто ничего не знал об авторе, говорили, что такое мог написать только тот, кто ни разу не бывал в Айове.
История создания «Американской готики» широко известна. В 1930 году Грант Вуд в городе Элдон обратил внимание на деревянный дом в стиле плотницкой готики и решил рассказать историю о нем и о людях, которые могли бы в нем жить. Так появились фермер и его дочь. Именно на этой родственной связи настаивала сестра художника Нэн Вуд, с которой он писал героиню картины "Американская готика", и которая была очень расстроена нелестными эпитетами и сравнениями. Чтобы реабилитироваться перед сестрой, Вуд в 1933 году пишет новый портрет, на котором она изображена с модной прической и в современной одежде.
Гораздо более пристального внимания заслуживает второй, можно даже сказать, главный персонаж полотна – мужчина с вилами. Известно, что его Вуд написал со своего дантиста Байрона МакКиби. Но те, кто был знаком с доктором, в один голос утверждали, что он был человеком очень скромным, интеллигентным и боявшимся собственной тени. На картине "Американская готика" этого человека нет. Помня непростую историю детства художника, можно не сомневаться – сквозь круглые стекла очков с картины "Американская готика" на нас сурово смотрят глаза Мервила Вуда. Очки, кстати, тоже принадлежат ему. Это точная копия единственного предмета, оставшегося Гранту Вуду от родителя. И красный амбар на заднем плане – тоже заслуга тираничного фермера. Такой амбар был нарисован на кухонном шкафу, который Мервил сделал своими руками, и который всегда символизировал для художника Дом.
@pic_history
#Портрет
Открытый бесплатный онлайн-урок
"Как не запутаться в тоне?".
Как не запутаться в главном и второстепенном в иллюстрации? Выставить акценты и показать "вкусно" элементы окружения с помощью тона? - разберем эти вопросы на примерах художников с мировым именем.
Это замечательная возможность для иллюстраторов всех уровней, чтобы развить свои творческие способности и научиться создавать выразительные, цепляющие, законченные иллюстрации.
Урок состоится 10 августа в 18:30 по мск.
Ждем вас на нашем онлайн-уроке!
Регистрация по ссылке:
https://uroki.oleggoncharov.ru/reg_svet_ton?utm_source=telegram&utm_medium=nikita&utm_campaign=svet
Тоскуешь по интеллектуальным разговорам? Хочешь читать классику, но переживаешь, что это слишком сложно или не с кем будет обсудить?
Меня зовут Катерина, и уже 2 года я создаю самое безопасное пространство в ТГ - книжный клуб онлайн.
📚Мы читаем и обсуждаем литературу от Платона до 21 века, не боимся книг-кокосов и разгадываем книги-персики
📚Вместе ищем библейские мотивы в фильме «Меню»
📚 Погружаемся в загадки человеческой психики на примере рассказа Х. Кортасара
Подписывайся для разговоров о сложном и прекрасном понятным языком 🧡
"А, ты ревнуешь?"
1892 г.
Поль Гоген
ГМИИ имени А. С. Пушкина.
Картина «Ты ревнуешь?» - одна из самых знаменитых работ Поля Гогена первого таитянского периода. По сути ее можно считать наиболее точным и полным воплощением мечты художника о тропическом рае. Смуглые обнаженные тела туземок под жарким солнцем, пронизывающее картину ощущением неги и ленивого покоя, идиллического слияния человека и первозданной природы. Сам Гоген очень высоко ценил это полотно. В том же году, когда оно было создано, художник в письме другу делится радостью: «Недавно я написал шикарное ню: две женщины на берегу. Мне кажется, это лучшее из того, что я пока сделал».
@pic_history
Развлекательно-познавательный канал ТЕМНОВЕКОВЬЕ
Тут вы найдёте посты по средневековью, а именно: тексты, мемы, видео, арты и многое другое
ТЕМНОВЕКОВЬЕ
В 1844 году покоривший Европу молодой маринист попал в сильный шторм в Бискайском заливе. Корабль в назначенное время не пришел в порт, и прошел слух, что Айвазовский погиб. Владельцы его картин быстро накрутили цены и получили хорошую прибыль.
Художник прожил еще много лет, а о том случае вспоминал не иначе, чем с восторгом: «Страх не подавил во мне способности воспринять и сохранить в памяти впечатление, произведенное на меня бурею, как дивною живою картиной». Как тут не вспомнить другого великого мариниста – Тёрнера, по легенде, потребовавшего привязать себя к матче корабля во время бури, дабы наблюдать шторм изнутри. Тёрнер и Айвазовский встречались, Тёрнер посвятил русскому художнику стихотворение и остался в полном восторге от его картин. А Айвазовский, по одной из легенд, покупал у Тёрнера пигменты. Может быть, тогда он и научил свои краски сиять, подобное тёрнеровским?
На картине Айвазовского «Кораблекрушение» изображена лодка, которую штормом несет на скалы. Люди в лодке растеряны, они указывают на спасительный берег. Но удастся ли им пристать к берегу, или лодку разобьет о скалы? Мы видим и людей на берегу. Стоя на высокой скале, они указывают вдаль, в сторону моря. Что там? Разрушенный бурей корабль? Огромные волны?
На переднем плане – знаменитые «волны Айвазовского» с белоснежной пеной на гребне. Выступающая вперед скала с людьми и море подле нее освещены солнцем. Это особенность штормов Айвазовского. Отлично об этом сказал армянский художник Мартирос Сарьян: «Какую бы ужасную бурю ни увидели мы на его картине, в верхней части полотна сквозь скопление грозных туч всегда будет пробиваться луч света, пусть тоненький и слабый, но возвещающий спасение… Именно в нем, этом Свете, и заключен смысл всех изображенных Айвазовским бурь». Возможно, еще и потому от самых страшных ураганов Айвазовского не страшно, а захватывает дух от восторга и величия происходящего? Луч света, который действительно присутствует среди всех его ураганов, самим своим существованием отрицает трагическую развязку.
Картина написала в 1876 году. Айвазовский усмирил свою палитру, но менее завораживающей она от этого не стала, скорее наоборот, приобрела особую тонкость и глубину. Так он писал шторм раньше. По сравнению с картиной 1844 года, «Кораблекрушение» 1876 куда сдержаннее в плане яркости и разнообразия красок. Небо и море практически сливается в серо-зеленом тоне, в котором – внезапно светлый отблеск солнца, отражающийся в воде. А какие нюансы, какие великолепные «вариации на тему» этого зеленого! У освещенного солнцем берега вода становится белоснежно-голубой, под лодкой сгущается до черноты, на переднем плане изумрудно прозрачная, на горизонте, кажется, море приобретает другое качество и становится небом. Хотя так не совсем справедливо говорить, поскольку Айвазовский всегда начинал писать именно с неба и завершал его в один прием, а вот к морю мог подходить и несколько раз. А завершив картину, он не вносил в нее правки, исключение – батальная живопись, к мнению флотских он прислушивался и мог подправить готовую картину, если ему указывали на технические неточности.
@pic_history
#ИванАйвазовский #Марина #Романтизм