59104
У каждой картины есть своя история... Все вопросы — @nikfr0st Менеджер — @yuliyapic Наши стикеры: t.me/addstickers/pic_history Контент: https://artchive.ru/
"Неаполитанский маяк"
1842 г.
Иван Константинович Айвазовский
Музей армянской конгрегации мхитаристов, Венеция.
@pic_history
"Крестный ход в Курской губернии"
1883 г.
Илья Ефимович Репин
Государственная Третьяковская галерея.
«Крестный ход в Курской губернии» называли энциклопедией русской жизни. Репин не помещался в рамках бытописания, и в данной картине эта его особенность, пожалуй, выражена более, чем где-либо еще. Кажется, вся Россия как она есть шагает здесь под иконами. Повод для написания картины был вполне реальный – Курская губерния славилась своими пышными крестными ходами, и Репин специально приезжал туда, чтобы делать эскизы. Но получилось, как нередко у него бывало, куда больше, чем было запланировано.
@pic_history
Картина "В ожидании шафера" всколыхнула сообщество художников, которые встретили её как новаторское произведение в духе импрессионизма. При этом сам автор был категорически против такой оценки - он придерживался консервативной позиции и ужасно сердился, когда его картину называли "подражанием французским импрессионистам".
Читать полностью…
Приятель Гюстава Курбе – Джеймс Уистлер – отстаивал свое право быть художником, а не фотографом. Сам Курбе считал, что «живопись – конкретное искусство» и старался воссоздавать реальность с фотографической точностью. Находясь на противоположных позициях, и Курбе и Уистлер регулярно подвергались яростной критике: публика всегда жаждет среднего.
Одним из ярких примеров такой радикальной (по меркам 19-го века) достоверности стала картина Курбе «Купальщицы», вызывавшая скандал на парижском Салоне 1853 года.
Две дородные крестьянки на берегу – настолько неаппетитные, что, кажется, одной из них Курбе оставил одежду из сострадания к публике – спровоцировали у критиков разлитие желчи, которого, пожалуй, не удостоится и Мане с его «Завтраком на траве». Проходивший мимо полотна Наполеон III не совладал с чувствами и ударил его своим хлыстом. Даже сторонник Курбе – Эжен Делакруа – был раздосадован «отвратительной вульгарностью форм», стоит ли говорить о недоброжелателях, которых у художника было множество.
Критики отмечали, что в «Купальщицах» отсутствует какая-либо назидательность или мораль, что позы девушек – неестественны и сулят сюжет, которого на самом деле нет, что «Купальщицы» вгоняют последний гвоздь в гроб эпохи романтизма.
Но больше всего публику нервировало то, что у одной из купальщиц – грязные ноги.
Современный зритель может подумать, что самыми возмутительными работами Курбе были «Происхождение мира» или сцена на картине «Спящие». Но эти вещи не предназначались для программных выставок, были исполнением частного заказа, их создание никаких последствий для профессиональной репутации художника не имело. "Спящие" так и вовсе решены в стилистике академической живописи - там возмущают многозначительно смятые простыни, а не художественные приемы автора. Другое дело - "Купальщицы". С грязными ногами в залы парижского Салона - это чересчур.
Если бы этот сюжет решил запечатлеть Джеймс Уистлер, возможно у крестьянки вместо ног было бы зыбкое марево в изысканной серо-черной гамме. Но принципы Курбе требовали правды. Да и могли ли не запылиться ступни, которым пришлось протоптать тропу для целого направления.
@pic_history
#ГюставКурбе #Реализм
Вся красота европейской культуры уже в Telegram! 😍
На канале наших друзей вы быстро научитесь разбираться в стилях и направлениях европейского искусства, а также сможете похвастаться знанием 500+ уникальных мест и достопримечательностей!
🏛EUROPE | Искусство - подпишитесь и наслаждайтесь прекрасным каждый день!
"Сомнамбула"
1871 г.
Иван Николаевич Крамской
Государственная Третьяковская галерея.
@pic_history
"Натюрморт. Фрукты на блюде"
1910 г.
Илья Иванович Машков
Государственная Третьяковская галерея.
@pic_history
"Картина с кругом"
1911 г.
Василий Кандинский
Национальная галерея Грузии им. Шеварднадзе, Тбилиси.
@pic_history
"Спящая царевна"
1926 г.
Виктор Михайлович Васнецов
Государственная Третьяковская галерея.
«Спящая царевна» ходит в цикл Виктора Васнецова «Поэма семи сказок». По замыслу художника, в ней были запланированы такие сюжеты: «Спящая царевна», «Баба-яга», «Царевна-лягушка», «Царевна Несмеяна», «Кащей Бессмертный», «Сивка-бурка» и новый вариант «Ковра-самолета».
@pic_history
"Скрипач у окна"
1918 г.
Анри Матисс
Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж.
@pic_history
"Игры детей"
1560 г.
Питер Брейгель Старший
Музей истории искусств, Вена.
👀 Смотреть в высоком качестве
Раннюю картину Питера Брейгеля Старшего «Игры детей» не назовёшь грандиозной по габаритам: её размеры 118 на 161 сантиметр. Однако в этом сравнительно небольшом пространстве разместилось гигантское количество разнообразных фигурок, даже сосчитать которые (не говоря уже о том, чтобы понять, чем каждый занят) составляет серьёзную проблему.
Одни исследователи считают, что количество персонажей «Игр детей» – чуть более 230-ти. Другие полагают, с учётом самых удалённых крошечных фигурок и тех, что видны лишь частично в окнах и дверных проёмах, речь должна идти примерно о 250-ти действующих лицах. При этом они «действующие» в самом буквальном смысле: все они крайне поглощены своими занятиями, а их игры практически не повторяются.
@pic_history
"Портрет сидящей женщины в синем платье"
1918 г.
Амедео Модильяни
Музей современного искусства, Стокгольм.
@pic_history
"Вход в метро"
1938 г.
Марк Ротко
Частная коллекция.
Картина Марка Ротко «Вход в метро» написана задолго до того, как он изобретет собственный уникальный и безошибочно узнаваемый почерк. И хотя до первых экспериментов художника с прославившими его цветовыми полями пройдет еще десять лет, на полотнах серии «Сцены в метро» уже просматривается созревание фирменного стиля: в работе с цветом и способе его нанесения.
@pic_history
"Одалиски"
1928 г.
Анри Матисс
Музей современного искусства, Стокгольм.
@pic_history
Перед нами, казалось бы, стандартный для Ивана Константиновича сюжет: разыгравшаяся буря, лодочка с людьми, кажущаяся на волнах ореховой скорлупкой. Фигуры людей, которые можно рассмотреть пристальнее. Шлюпка несется в разъяренном море, впереди берег, который может быть спасением, а может – гибелью, если лодку разобьет о выступающие скалы. На корме впередсмотрящий, за ним человек с веслом, готовый по первому слову поворачивать. Ну, или пытаться повернуть, управляет всем тут явно не весло, а само море. Различимы фигурки людей, вжимающихся в дно лодки, пытающихся удержаться в ней. А один внезапно машет шляпой – с чего бы это? И где же, собственно, радуга? Ее-то, похоже, и увидел человек со шляпой. Радуга, воцарившаяся на небе, после Всемирного потопа, означала благословение и прощение Бога. Радуга, возникающая над морем в непогоду, означает окончание шторма. Осталось продержаться несколько минут, спасение близко.
Сюжет-то на картине Айвазовского "Радуга" стандартный, но исполнение виртуозное. Искусствовед Николай Барсамов считает, что это полотно – новшество не только для самого художника, но и новое слово вообще в развитии русского живописного искусства. Если сравнивать ее с предыдущими штормами и бурями, эта картина покажется бледноватой, странно светлой.
Вместо привычных ярких красок - тончайшие оттенки голубых, зелёных, розовых и лиловых цветов. Сама радуга на картине Айвазовского – едва заметная, прозрачная (внимательно смотрим на левый край холста). Хотя радуга как природной явление – объект, в изображении которого можно дать волю декоративности. Но не здесь, не в этот раз. Почему мы всё видим, словно сквозь водную пелену? Почему изображение такое светлое, а шторм настолько «не декоративен»? Да потому что безжалостный автор швыряет зрителя в эпицентр бури, мы наблюдаем происходящее изнутри, а не смотрим на ураган со стороны. Именно этим обусловлен сияющий мягкий колорит, «жемчужность» изображения и водоворот, в который зритель с первого взгляда оказывается вовлечен. Это даже не вопрос чуткости восприятия, в данном случае всё решено за нас, это наши глаза застят соленые брызги, это мы взлетаем вместе со шлюпкой среди разъяренных, бушующих и вместе с тем ликующих волн. Обычно Иван Константинович начинал картину с неба, причем изображал его всегда в один заход. Непонятно, как Айвазовский писал «Радугу», потому что водная и небесная стихии здесь слиты воедино, и горизонт отсутствует.
Как правило, художник помещал свои работы в золоченые рамы. К картине «Радуга» Айвазовский заказал черную раму. Почему? Золотой цвет тут не уместен, он бы сливался с сиянием самой картины. А так сохранен максимальный эффект: из черноты рамы, из тьмы бури вспыхивает радуга. Рама контрастирует с цветом этого шторма, который несмотря на грандиозное стихийное явление – не о бедствии, а о надежде. Символ надежды – птица – летит к берегу. Символ спасения – радуга – раскинулась на всё еще грозовом небе. Мощь и упоение этой мощью не требуют золотистых рам, пусть будет простое обрамление, чтобы радуга сияла ярче.
Марина Мацкевич, заведующая сектором эстетического развития детей в Третьяковской галерее, отмечала, что возле этой картины очень эффективно проводить арт-терапевтические занятия с детьми. Собственно, даже то, какие чувства она вызывает – а их спектр чрезвычайно многообразен, от ужаса до эйфории, – может многое рассказать о состоянии смотрящего. А вы что видите, когда смотрите на картину «Радуга» Ивана Айвазовского? От чего дух захватывает – от ужаса или безудержного ликования?
@pic_history
#ИванАйвазовский #Марина #Романтизм
Чуковский в воспоминаниях о художнике назвал эту картину стереоскопической. Она кажется даже не картиной, а кадром из фильма, причем вовсе не остановленным, кадром в движении. Из глубины картины на нас движется разноголосый людской поток. Персонажи сбиты в толпу, но при этом, если навести фокус зрения на каждого из них, мы обнаружим, что эта толпа, слившаяся, казалось бы, в единую массу, состоит из очень разных индивидуализированных персонажей, каждый из которых являет собой определенный типаж – это Чуковский и назвал стереоэффектом.
Людской поток движется по раскаленной дороге, поднимая пыль. Впереди мы видим певчих, которые несут украшенную лентами будку с позолоченным куполом, в ней зажжены свечи. За певчими – простолюдин, сильно выгнувшийся вперед, словно заранее спасаясь от удара кнутом – ему удалось подобраться поближе к «чуду». Две богомолки несут иконы, а затем – и кулаки, чиновники, и мещане, и крестьяне, и полицейские – целый калейдоскоп. По центру процессии шествует высшее сословие. Видны купцы и их дети с книжками, за ними толстый рыжий священник в парадной рясе. Он размахивает кадилом и явно доволен происходящим. За ним обращает на себя внимание барыня, разряженная в пух и прах и с выражением притворного благочестия на лице. Подле нее – целый ряд представителей знати.
«Высших» от «низших» отделяют конные урядники, справа один из них замахнулся чтобы полоснуть нагайкой кого-то, подобравшегося слишком близко к господам. Слева – толпа нищих, именно они истово ждут милости и чуда от икон, именно им «к чуду» близко не подобраться. В сгорбившихся фигурах богомолок (низшие слои художник тоже отнюдь не идеализирует) – тупая покорность, сочетание обреченности и наивной веры в чудо. Вперед вырвался горбун – этот персонаж был очень интересен для художника, сохранилось множество эскизов и набросков его. Причем первоначально лицо его выражало муку, в окончательном же варианте остались неудержимость, истовая вера в чудо, устремленность.
Эпическое полотно Репина сравнивали с произведениями Толстого – только им двоим удавалось выразить так полно, живо и детально то, что именуется скучными словами «народные типажи». Кстати, Репин и Толстой были дружны, Репин со второй женой часто гостил в Ясной Поляне.
Пейзаж здесь тоже не случаен. Процессия движется мимо свежесрубленных пней, и это тоже элемент обличительного направления картины. Репин вспоминал: «Эксплуататоры края вырубили мои любимые леса».
Обращает на себя внимание искусный колорит картины – пышущая жаром дорога, яркое, безоблачное небо, золоченые образа, купол, риза священника, пестрое людское море.
Крестный ход – не новшество в русской живописи. Из предшествующих работе Репина вспоминается «Сельский крестный ход на Пасху» Василия Перова. Но до такого всеобъемлющего масштаба «Ход» Перова не дотягивает, он более конкретен и менее всеохватен.
Картина была показана на 11-й передвижной выставке и вызвала множество споров. Прогрессивно настроенная общественность пришла в восторг, реакционная критика упрекала художника в том, что он слишком увлекся обличением. Павел Третьяков полотно купил, однако ж посетовал художнику на то, что на ней ни одного приятного лица! Широко известен ответ Репина: «Посмотрите на любую толпу и скажите: много ли в ней приятных лиц?»
@pic_history
#ИльяРепин #Реализм
🔥 У вас уже отличные иллюстрации, но в них всегда будто чего-то не хватает? Сложно разобраться с тоном? Непонятно, как добавить в иллюстрацию освещения?
Предлагаем решение ⬇️⬇️⬇️
Предобучение "Свет и тон в иллюстрации"
Что вас ждет:
🎓 Урок с домашним заданием, где мы на примерах разберем работу тона и освещения, выявим закономерности и научимся применять их в своих иллюстрациях.
💬 Чат Telegram для общения, поддержки и подсказок, а также корректировки некоторых работ в процессе предобучения. Ваши вопросы не останутся без ответов!
🎨 Подборка иллюстраций от известных художников, которые помогут вам глубже разобраться в теме и вдохновят на покорение новых творческих высот.
📚 Разбор ваших иллюстраций, на котором мы выявим ваши сильные стороны и моменты в тоне и цвете, требующие доработки.
📢 Прямой эфир, где мы обсудим, почему одни иллюстраторы долго остаются на стадии новичка, а к другим сразу приходят заказы. Вы получите советы, как выйти из этого затруднительного положения и начать зарабатывать на своем любимом деле!
⭐️ Всего за 200 рублей, у вас есть возможность повысить уровень своих навыков и воплотить свои идеи в потрясающие иллюстрации! Предобучение начинается 1 августа и продлится 10 дней.
https://uroki.oleggoncharov.ru/svet_i_ton
Ответы на все вопросы по поводу предобучения вы можете узнать на нашем Telegram-канале:
/channel/oleg_goncharov_art
"Вид на Арль с ирисами"
Май 1888 г.
Винсент Ван Гог
Музей Винсента Ван Гога, Амстердам.
@pic_history
"Купальщицы"
1853 г.
Гюстав Курбе
Музей Фабра, Монпелье.
@pic_history
Картина “Выбор царской невесты” изображает распространенную на Руси традицию: если правитель долго не мог выбрать себе жену самостоятельно, устраивались смотрины, кандидаток на которые тщательно отбирали по всей стране, исходя из пропорций тела, внешности и образования.
Читать полностью…
Машкова называют «королем натюрмортов», и это звание вполне заслужено. «Фрукты на блюде» написаны в период освоения художником плоскостной живописи, жанра вывески. Этот натюрморт – старт Машкова в жанре. Здесь максимально упрощена и примитивизирована композиция. Если уж центр – то это будет ярко-оранжевый апельсин, вокруг – темные, как ночь, сливы. Белая смятая скатерть и серый нейтральный фон отлично оттеняют яркость и фактуру персиков и яблок вокруг блюда. Явственно заметно влияние Матисса. Кстати, эту картину в свое время Матисс и Серов порекомендовали приобрести меценату Морозову. Это для Машкова было настоящее признание: ранее отвергший его преподаватель и кумир московских художников, сам Анри Матисс!
Искусствовед Дмитрий Сарабьянов писал, что Машкова «привлекает самое земное, самое здоровое. В его картинах торжествует плоть, в какой бы форме она ни выступала – в форме плодов земли, обнаженного женского тела или медной посуды». И действительно, в этих фруктах – необузданное торжество, хочется сказать – смак! Картина действует сразу не все органы восприятия – мы видим яркую фруктовую россыпь, чувствуем аромат спелых плодов и, кажется, если прикоснемся, то ощутим гладкость слив, мягкую, чуть шершавую кожицу персика и бугристую кожуру апельсина. Вкусовым рецепторам и подавно отдыхать не приходится возле «съедобных» картин Машкова.
В дальнейшем его натюрморты станут более объемными – по определению Сарабьянова, «опредметятся». В «Натюрморте с овощами» 1914 года или «Натюрморте с хлебом и тыквой» 1915 года мы уже наблюдаем объем, контраст размеров и более мягкое, не столь гиперболизированное противопоставление фактур изображенных плодов и предметов.
@pic_history
#ИльяМашков #Натюрморт #Постимпрессионизм
❗️В мире существует 12 миллионов картин, но 90% людей знают не больше пяти.
Мона Лиза, Черный квадрат, Тайная Вечеря – если это все ваши познания в искусстве, то канал Искусство в деталях вам точно пригодится.
Здесь с таким интересом пишут о картинах, что даже ваша бабушка начнет разбираться в шедеврах Ван Гога и Пикассо.
Подпишитесь и будете смотреть на картины, словно через рентген:
/channel/paintings_in_detail
Можно все эти прекрасные картины рассматривать как иллюстрации к сказкам, и такой взгляд, во-первых, имеет право на жизнь, а во-вторых - оправдан. Иное дело, что он раскрывает далеко не всё, что важно в «Поэме семи сказок». Сюжет «Спящей царевны» базируется на «Сказке о мертвой царевне и семи богатырях» Пушкина и «Спящей красавице» Шарля Перро.
Как иллюстрация картина великолепна, декоративное мастерство Васнецова в ней выше всяких похвал. Какие яркие, узорные орнаменты! Как старательно и изящно расписаны ткани платья, до чего великолепен колорит. Какие сочные типажи сюда попали! Просто праздник какой-то. Правда, сюжет не радостный, но ничего, мы же знаем, что суженый красавицу поцелует, от дурного колдовского сна она очнется, дурман развеется. Подступающий ко дворцу лес трактуется как победа жизни над небытием, женский и мужской образы над спящей царевной предрекают счастливое воссоединение влюбленных.
Все это мы «прочтем» в картине, рассматривая ее как комментарий к народным сказкам и вырвав из контекста жизни художника и эпохи.
Попробуем учесть их. Сегодня мы не можем с точностью сказать, что имел ввиду Васнецов, когда ушел в свою «Поэму семи сказок», о чем так яростно пляшет его «Царевна-лягушка», что за безумие в лице Бабы-Яги, и о чем вообще эти иллюстрации, которые гораздо больше чем иллюстрации. Ступаем на зыбкую почву предположений. Васнецов резко отрицательно отнесся к революции. От эмиграции он отказался, поскольку не мыслил себя без Руси. Беда в том, что его Руси больше не было, а революционную он не принял («нерусью» называл). Васнецов ушел во внутреннюю эмиграцию – в сказки. Сегодня многие критики сходятся в том, что героиней его «Поэмы о семи сказках» стала сама Русь. Это она одурманена, заколдована, без чувств и сознания спит на скамье. И все жители ее уснули на скамьях, не чуют и не ведают, что творится вокруг них. Маленькая девочка спит на Голубиной книге – некому спросить ее о происходящем, некому услышать ответы. Справа видна палка, укутанная черной накидкой и увенчанная черепом козла (в христианстве – символ дьявола) – и его-то глаза кажутся открытыми. Слева виден уснувший стражник, некому оказалось защитить царевну. Спят старики и добры молодцы, старухи и девушки, спят дети, птицы и звери. Спит Русь. Сумрачно в этой светлице. А там, вдали видны цветные терема. При взгляде на них кажется, что жизнь там не остановилась. Придет ли той дорогой добрый молодец, расколдует ли красавицу?
Если в таком контексте рассмотреть прочие картины этого цикла, они тоже приобретают дополнительный смысл. Ей, красавице-Руси, нашептывает лживое Кащей. А как тосклив ее взгляд в образе Царевны-Несмеяны, и как уродливы все эти пляшущие и кривляющиеся вокруг нее скоморохи. На одном из эскизов к этой картине девушка изображена у зарешеченного окна. Как ей, наверное, хочется вырваться на свободу!
Что уж говорить про сравнительный анализ «Ковра-самолета». «Свободно и широко дышится счастливым героям васнецовской сказки среди этого необъятного простора», – утверждает Василий Осокин, глядя на второй «Ковер». Согласимся ли мы с ним? Неподвижен и пейзаж, и ковер. И влюбленные на нем отнюдь не кажутся такими уж счастливыми…
Засим покидаем область предположений. Но что Васнецов революцию не одобрил, а работой над «Поэмой семи сказок» с особой страстью занялся после 1917 года – вполне факты. Равно как и его удивительные сказочные картины, в которых многое сокрыто.
@pic_history
#ВикторВаснецов #ЛитературнаяСцена #Символизм
Пошуршать страницами, подержать в руках любимое издание, насладиться качеством иллюстраций. Если вы любите бумажные книги так же, как мы, заходите в @tsvetota_artbook
Меня зовут Юля, я искусствовед, который отбирает и продает редкие букинистические и современные издания по искусству, моде и дизайну интерьера.
А еще наша мастерская создает книги ручной работы из дерева и кожи и занимается реставрацией антикварных изданий (показываем, как это делаем).
Подпишитесь, чтобы не потерять!
Кто-то стоит на голове, кто-то оседлал товарища и скачет во весь опор, кто-то катается верхом на бочке, кто-то играет с обручами, кто-то бросает кости, кто-то играет в дочки-матери или в свадьбу… Учитывая большое количество персонажей, только перечисление их игр и дел заняло бы не одну страницу. Кстати, у Брейгеля есть картина, написанная в тот же период, что и «Игры детей» и также ориентирующаяся на народные лубочные гравюры, по которой составлены целые таблицы и каталоги с указанием занятий персонажей. Она называется «Нидерландские пословицы», и в ней зашифровано не менее 118 пословиц и идиоматических выражений.
Эксперты считают, что единственный взрослый персонаж «Игр детей» – это женщина, обливающая водой двух сцепившихся в драке мальчишек. Однако чтобы разглядеть её, выходящую из боковой двери дома на втором плане (кстати, по архитектуре дом чисто голландский, но к нему почему-то пристроена итальянская лёгкая лоджия), понадобится серьёзное зрительное усилие. Или лупа.
И всё же, хотя изображаются дети, Брейгель, по-видимому, иносказательно говорит нам о мире взрослых, об их занятиях, которые так же часто бывают бессмысленны или даже жестоки, как и многие детские игры на картине. Брейгель не чужд здесь морализаторства. К тому же он, как считают некоторые специалисты, находится здесь под воздействием сочинения своего соотечественника Эразма Роттердамского «Похвала глупости», осмелившегося посмотреть на мир с точки зрения качества, присущего «всем временам, и всем народам» – глупости. «Нет ничего глупее серьёзного восприятия игривости, – утверждал Эразм. – Но также нет ничего более бессмысленного, чем игривость в серьёзных делах».
Есть в «Играх детей» аллюзия и на занятия самого Брейгеля. Девочка в правом нижнем углу толчёт красные кирпичи. Так поступают и художники: полученный порошок можно будет превратить в пигмент для красок.
@pic_history
#БрейгельСтарший #Возрождение
Как считает один из самых известных инвесторов современности Юрий Мильнер, большинство успешных предпринимателей отличает врожденное любопытство: они интересуются не только бизнесом, которым они занимаются. Например, многим интересна история, наука…
Если и вам хочется развиваться всесторонне, погрузиться в мир искусства, поучаствовать в захватывающих дискуссиях про живопись, архитектуру, кино, литературу и даже моду, подписывайтесь на канал «Болтливое озеро».
Дипломированный историк искусств ненавязчиво и с чувством юмора подскажет на что обратить внимание в столь перегруженном информационном пространстве.
В период работы над циклом Ротко был привлечен к участию в государственной организации, занимавшейся проблемами Великой депрессии в США. Художники и архитекторы вносили посильный вклад в поддержание состояния общественных зданий. Помимо Марка Ротко, такой работой занимались многие его коллеги, среди которых были и такие будущие корифеи абстрактного экспрессионизма как Джексон Поллок и Виллем де Кунинг.
Критики единогласно находят в зарисовках из подземки отголоски Депрессии. Люди изображены однообразными вытянутыми бесплотными призраками без лиц, пространство вокруг них сдавлено и клаустрофобично, в нем буквально отсутствует воздух. Отсутствие зрительного контакта с персонажами создает впечатление изолированности и потерянности, характерное для мироощущения американцев в те годы.
Справедливости ради стоит отметить, что живопись Ротко часто вызывала ощущение дискомфорта – и до Великой депрессии, и после нее. Если американская экономика начала постепенно выходить из нее к концу 1930-х годов, то художник в течение своей жизни только больше в нее погружался.
В 1936 году Ротко работал над книгой о принципах модернистской живописи и ее сходстве с детским рисунком. У него был значительный опыт в этой сфере: более двух десятков лет он учил детей рисовать в Еврейском центре Бруклина. Художник утверждал, что модернист должен стремиться к самовыражению без привлечения ума. Пути отхода от академизма он видел в имитации детского подхода к рисованию: «То, что художественная работа начинается с рисунка – уже академический подход. Мы же начинаем с цвета».
Таким образом, он стремился освободить свою кисть от вмешательства интеллекта, чтобы ее направляла чистая эмоция. Постепенно избавляются предметы на его картинах и от глубины: на работах серии «Сцены в метро» они начисто лишены объема, как картонные фигуры, которые вырезают дети для своих игр.
«Мы – за плоские формы, так как они разрушают иллюзию и обнажают истину» - с этим лозунгом Ротко ищет средства экспрессии в цвете, а также ритме чередующихся вертикальных и горизонтальных полос. Колоннам, решеткам заграждений, ступеням и дверным проемам, кажется, отводится больше смысловой нагрузки, чем живым объектам на картине. Чем окончится этот поиск, мы уже знаем. В конце концов художник откажется и от изображения неживых, оставив лишь самое необходимое – полосы и цвет.
@pic_history
#МаркРотко #Экспрессионизм
Интересуетесь искусством, но лень не успеваете ходить по музеям? Начинайте читать «Ноги Ван Гога», где всю работу уже сделали за вас. Вам увлекательно расскажут всё о шедеврах живописи XIX-XX веков и современном арте.
Смотрите сами. Две минуты чтения, а вы уже в курсе:
Как выглядели принты Пикассо
Кто такой «художник вечного цветения»
Есть ли место надежде в картине «Две Фриды»
Как вы поняли, канал не только супер информативный, но и эстетичный. Подписаться точно стоит.
Рады представить наш дружественный канал о вине DecanterClub
Канал ведет сомелье, преподаватель российский школы вина, организатор винных фестивалей по всей стране и зажигательная винная путешественница Шулакова Наталья. Она лично посетила более 80 российских виноделен и с радостью делится своими винными знаниями и эмоциями без снобизма и заумных терминов!
Новости винного мира, дегустации, лекции и море юмора! Скучно вам не будет! Кстати, вот именно сейчас Наталья разыгрывает почти ящик вина! Подробности тут: @DecanterClub
"Радуга"
1873 г.
Иван Константинович Айвазовский
Государственная Третьяковская галерея.
Изображений шторма у Айвазовского было и будет, но такой картины он еще не писал, да и никто не писал. Павел Третьяков был в дружеских отношениях с Айвазовским, но работы его приобретал очень и очень выборочно: «...дайте мне Вашу волшебную воду такою, которая вполне бы передала Ваш бесподобный талант. Простите, что пишу Вам, но уж очень хочется поскорее иметь Вашу картину в своей коллекции». «Радуга» Айвазовского стала такой водой, Третьяков ее купил практически сразу после выставки в Императорской Академии художеств.
@pic_history