59104
У каждой картины есть своя история... Все вопросы — @nikfr0st Менеджер — @yuliyapic Наши стикеры: t.me/addstickers/pic_history Контент: https://artchive.ru/
Но дерзость Вюйара даже не в техническом изяществе – эта небольшая работа настолько интимная, открывающая личные связи, мысли и отношения, что способна вызвать ощущение неловкости и беспокойства. Как будто вы случайно услышали ссору или исповедь, не предназначенную для ваших ушей.
Женщины на этом странном двойном портрете – мать художника мадам Вюйар и его сестра Мари. Они находятся в пространстве, готовом довести кого угодно до приступа клаустрофобии. Если Мари разогнется, ей придется удариться о картинную раму. Этот эффект сдавленности, даже угрожающей подвижности пространства довершают падающие вперед комод и стол, подскочивший кверху пол. Наверняка, в пределы полотна попала только нижняя часть комнаты, но фигура Мари ясно дает понять, что все! Потолок тоже где-то неподалеку, он падает и висит просто над головой.
Мари в этом пространстве неуютно, узор на обоях сливается с узором на ее платье – и стены поглощают ее фигуру, она теряется здесь, становится лишь частью интерьера. Это мир, в котором доминирует мать – именно она чувствует себя спокойно и уверенно. Это ее мир.
Мадам Вюйар была на 27 лет младше мужа, отставного военного – и скоро осталась вдовой без средств к существованию и с двумя детьми, которых еще предстояло выучить и вырастить. И тогда она открыла швейную мастерскую, в которой работала сама и нанимала помощниц. В этом доме на ней держалось все. Мать за работой, ее заказчиц, выкройки, ножницы, узоры на тканях Вюйар будет писать постоянно. Он проживет с матерью до самой ее смерти (Вюйару будет 60 лет, когда матери не станет) – и эти швейные декорации будут интерьером его собственной взрослой жизни.
Современные арт-критики находят такие небольшие личные работы Вюйара не только обнажающее, исповедально откровенными, но и социально острыми. Резкие перемены в обществе того времени способствуют поискам таких смыслов. Ну или хотя бы делают их оправданными. Это эпоха, когда женщины начинают работать и выбираться из кухонь, когда гендерные и социальные модели стремительно меняются. В другой работе Вюйара «Интерьер с рабочим столом» Мари, стоящая спиной, как будто вышла из стены мастерской – узор ее платья повторяется в нескольких элементах окружающего пространства. Она – лишь то, чем она занимается в этих стенах: монотонная, тихая, повторяющаяся работа, бесконечные узоры, от которых кружится голова.
@pic_history
#ЭдуарВюйар #Постимпрессионизм
"Разница между сюрреалистами и мной заключается в том, что сюрреалист - это я"
Сальвадор Дали
"Акробат и юный Арлекин"
1905 г.
Пабло Пикассо
Художественный музей Филадельфии.
@pic_history
Нет повести печальнее на свете
История Оивы основана на реальных событиях, а увековечена благодаря пьесе театра кабуки, написанной Цуруя Намбоку IV. Премьера «Страшной истории о призраке из деревни Ёцуя с дороги Токайдо» состоялась в 1825 году, после чего пьеса приобрела немыслимую популярность, а с появлением кинематографа пережила десятки экранизаций.
Чаще всего онрё становились женщины, погибшие по вине своих мужей. И героиня гравюры Хокусая – не исключение. Оива была замужем за ронином – самураем без хозяина. Иэмон был вынужден изготавливать зонты, чтобы содержать жену и новорожденного сына. Это было настолько унизительно для него, что он начинает ненавидеть молодую супругу, в которой видит источник своих бед, и совершает целую серию убийств.
Еще до свадьбы жертвой Иэмона становится отец невесты, осведомленный о злодеяниях ронина, которые тот совершал ранее. Затем сосед – дед девушки, влюбленной в Иэмона, уговаривает угостить жену «тонизирующим средством», которое в действительности было ядом, вызывающим мучительную смерть.
Вскоре ронину приходится избавиться от слуги – свидетеля преступления. Во время свадебной церемонии он по ошибке отрубает голову своей новой невесте, так как вместо нее ему видится изуродованное мучениями лицо умершей жены. Позже, пытаясь мечом отмахнуться от призрака убитого им слуги, нечаянно убивает и старика-соседа.
Привидение Оивы продолжает истязать подлого мужа на протяжении всей пьесы. Куда бы он ни шел, везде является ему ее зловещий лик. В одной из сцен в Оиву внезапно превращается загоревшийся бумажный фонарь, а из дыма от этого огня проявляется тело призрака. Именно этот образ Оивы в виде горящего фонаря и запечатлен на ксилографии Хокусая.
Проклятие призрака Оивы
Подобно тому, сколько суеверий и загадочных событий связано с попытками экранизации романа Булгакова «Мастер и Маргарита», в Японии слагают истории о проклятии, преследующем всех, кто имеет отношение к постановке пьесы об Оиве.
В 1976 году череда несчастных случаев постоянно вмешивалась в размеренное течение жизни театра Иванами-холл в Токио. Болезни настигали актеров и их родных, приходил в негодность реквизит, переносились репетиции. В конце концов вся труппа прибыла на место погребения Оивы, чтобы отслужить там панихиду. А на премьере пьесы одно место в первом ряду оставили незанятым, и с тех пор это стало непреходящей традицией.
Как и обычай проводить поминальные службы на могиле Оивы перед каждой новой постановкой. Актрисы, которым предстоит играть мстительного призрака, обязательно посещают храм, посвященный Оиве, ведь считается, что им более всего стоит опасаться ее козней.
И хотя ее почитают особенно злобным онрё, на гравюре Хокусая Оива изображена скорее печальной, чем разъяренной. Пронзительны опущенные вниз уголки глаз, в бессильной злобе разинута беззубая пасть привидения-фонаря. Созданный мастером образ разительно отличается от призраков Оивы на гравюрах других авторов, где она предстает устрашающей сущностью, от одного вида которой стынет в жилах кровь.
@pic_history
#КацусикаХокусай
"Осень в Баварии"
1908 г.
Василий Кандинский
Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж.
@pic_history
Но это произведение заслужило множество восторженных отзывов намного раньше, сразу же, когда впервые было представлено публике. Седьмая выставка художников-импрессионистов прошла в 1882 году и стала, по мнению самих участников, самой «правильной» за все 8 лет бунта, разногласий, рождения и развития уникальной выставочной авантюры. Это была выставка, участниками которой стали именно те художники, которые придерживались общих взглядов на искусство, которые защищали одни идеи и с которых начался «импрессионизм»: Моне, Ренуар, Писсарро и, конечно, Берта Моризо. К тому времени каждый из них обрел особый почерк и представил самые блестящие свои творческие открытия и обретения.
Берта была в Ницце и организацией выставки с другими художниками занимался ее муж, Эжен Мане, посылая в письмах подробный отчет о происходящем. Художница представила 9 своих работ для этого мероприятия, и в том числе «После обеда», и заслужила звание самого импрессионистичного художника из всех импрессионистов.
Манера письма Берты Моризо действительно самая страстная и дерзкая, в какую бы импрессионистическую компанию она ни попадала – и в прижизненных выставках, и в самых современных. Длинные, резкие мазки, которыми часто лишь обозначаются фигуры людей, деревья, цветы. Особый, жемчужный белый цвет, который у Берты Моризо имеет десятки нюансов, оттенков и степеней прозрачности. Нарочитая эскизность и часто просто пустые, не заполненные красками участки холста – она писала быстро, пытаясь схватить главное.
«После обеда» - картина, написанная в пригороде Парижа Буживале, в доме, который Эжен и Берта несколько лет подряд арендовали на лето. Это было самое гармоничное и счастливое время в жизни Берты Моризо – время, когда жить, писать, дышать, любить можно было сильно не различая одно от другого.
@pic_history
#БертаМоризо #Импрессионизм
БУДЕТ ПЕРЕКОСТЮМ канал, который ведет ассистент художника по костюмам Карина Андросюк, в своем тг- пространстве она регулярно показывает внутрянку из жизни съемочной группы, а также рассказывает о костюме и его роли в кино, дополняя это все интересными фактами из истории мирового кинематографа.
🎬атмосфера съемочной площадки здесь
"Цветы на стволе дерева"
1686 г.
Рашель Рюйш
Музей Гессен Кассель.
@pic_history
«Несение креста» Брейгеля настолько впечатляюще и загадочно, что в 2011 году интерпретации одной только этой картины кинематографисты посвятили полнометражный художественный фильм «Мельница и крест» ((Mlyn i krzyz, реж. Лех Маевски). Роль художника исполнил в нём Рутгер Хауэр, Марии - Шарлотта Рэмплинг. Разумеется, истолковывая то, что изображено, авторам фильма удалось многое рассказать и о Фландрии, и о самом Брейгеле, и о времени, в которое он жил.
Итак, в первый момент мы не фиксируем взглядом Христа, но видим рассеянные по широкой долине толпы людей. Пешие в черных, коричневых и серых одеждах выглядят как современные Брейгелю нидерландские мещане и крестьяне. Конники в красных туниках – это ненавистные всему населению Нидерландов испанские завоеватели. Они пришли на землю Фландрии, чтобы огнем и мечом вытравить проникший в страну протестантизм и именем испанского короля заново насадить католичество. Высокий деревянный столб справа с колесом на вершине – орудие пыток. Жертву, подозреваемую в проповеди протестантской доктрины, сначала жестоко избивали, а затем привязывали к колесу, поднимали на столб и так оставляли умирать. Обрывки одежды и ворон-падальщик, изображенные Брейгелем, показывают, что кровавая жертва была принесена совсем недавно.
В уста Брейгеля в фильме вложен такой монолог, объясняющий смысл «Несения креста»:
– Моя картина поведает вам множество историй. Она будет гигантской и вместит в себя абсолютно всё. Я буду работать, как паук, которого видел утром. Я смотрел, как он плетёт свою паутину. Сначала паук находит точку привязки. Здесь! (указывает на точку пересечения диагоналей картины – ред.) В центре моей «паутины» жернова перемалывают нашего Господа – безжалостно, словно зерно. Я покажу, как его ведут на Голгофу. Он в самом центре картины, и всё-таки мне нужно скрыть его из поля зрения.
– Но для чего вам его прятать?
– Потому что в нём заключена самая суть, но вы, вероятно, этого не заметили. И никто не замечает. Рядом Симона уводят от Эсфири – и все взгляды устремлены на него. Так происходит всегда: рождение Иисуса, или падение Икара, или самоубийство Саула – все эти меняющие мир события остаются незамеченными!
Такова художественная философия Брейгеля: далеко не всегда мы замечаем важное. Слишком многое отвлекает наше внимание от единственно существенного. Но ведь всё существующее (даже несущественное) зачем-то нужно Богу. И художник тоже должен его отобразить.
– На большинстве картин Бога изображают в облаках. Он смотрит вниз с досадой, – завершает свой монолог Брейгель. – На моей картине его место займёт мельник (именно поэтому мельница – не менее важный центр притяжения, чем крест – ред.). Он – Великий Мельник небес, перемалывающий муку жизни и судьбы.
@pic_history
#БрейгельСтарший #Возрождение #РелигиознаяСцена
⚡️ Российский магазин реплик премиального качества в Telegram!
SHOPARES — место, где собрана самая популярная техника Apple и Dyson по выгодным ценам.
• AirPods
• Watch
• Dyson
Никакие эксперты не смогут отличить гаджеты от оригинала, проверено временем 👍🏻
На всю продукцию действует официальная гарантия — это важно!
Если ты давно искал топовый гаджет с быстрой доставкой по России, то сохраняй себе: /channel/+uJgGXm-zh1QwNWIy
Сезанн терпеть не мог теорий искусства – он как будто всегда боялся случайно увязнуть в одной из чужих стройных систем мировоззрения. В последние 20 лет жизни, сведя общение с художниками, писателями и семьей в основном почти к эпистолярному, он с удовольствием закрылся в небольшой студии и занялся поисками своей «земли обетованной». В картинах импрессионистов, пытавшихся поймать сиюминутное и временное, Сезанн не видит той монументальности и философской основательности, которая позволит этим картинам когда-нибудь оказаться на стенах Лувра. Нет-нет, он давно уже не грезит о славе и Лувре – он просто мучительно хочет выполнить одновременно несколько важных для себя задач: дать зрителю почувствовать красоту мест, столь близких и волнительно прекрасных для него лично, передать исключительно собственные эмоции и переживания от увиденного и при этом освободить изображение от всего лишнего и вскрыть через него логику природы, найти непреходящее, вечное – то, что присутствует на картинах старых мастеров.
И выходя ежедневно, десятки раз, с утра до вечера писать гору Сент-Виктуар в разных ракурсах, он не ищет нюансов освещения в разное время года и суток, он ищет суть горы. Он начинает писать не сразу, проводит часы, молча всматриваясь в пейзаж, пока к нему не придет виденье будущей картины. Он делает много акварельных и пастельных набросков, откладывает одну картину и берется за другую, растягивая работу над ними на несколько лет. Постепенно изображения горы становятся все более лаконичными и иногда почти абстрактными.
Эту картину Сезанн показал своим землякам на выставке, устроенной в Эксе в 1895 году Обществом художников-любителей. Они уже давно начали подумывать, что возможно Сезанн – не просто сумасшедший лицедей и к нему стоит присмотреться, решились в конце концов попробовать. Уже не ждущему признания художнику это предложение очень польстило. Он отправил на выставку две свои картины, увидев которые, смелые и прогрессивные художники-любители сразу забыли о желании быть смелыми и понять Сезанна – они повесили картины повыше, над входной дверью, чтоб в глаза сильно не бросались. Единственным человеком, который выразил художнику восторг от «Горы Сент-Виктуар», был сын местного бакалейщика Жоашим Гаске, начинающий поэт, позже написавший книгу о Сезанне. Растроганный Поль подарил юному Жоашиму картину.
@pic_history
#ПольСезанн #Постимпрессионизм
Сезон искусства в самом разгаре, и если вы давно хотели попробовать себя в роли художника, эта новость для вас.
Московская школа современного искусства (MSCA) продолжает набор на годовой онлайн-курс «Практика для начинающих художников».
Обучение будет полезно не только живописцам, но и флористам, дизайнерам, архитекторам, фотографам и начинающим креаторам в любой из сфер визуальной культуры, находящимся в поиске собственного творческого языка.
По итогам обучения студенты:
🔹 освоят теоретическую «базу», необходимую для любого креатора;
🔹 сформируют собственный художественный стиль;
🔹 научатся работать с грантами и институциями в сфере искусства;
🔹 освоят язык новейших медиумов искусства.
Куратор программы: Иван Новиков, художник, куратор, независимый исследователь
Подать заявку можно по ссылке
Реклама. ООО "УНИВЕРСАЛЬНЫЙ УНИВЕРСИТЕТ". ИНН 9709042984. erid: LjN8K13zi
В детстве мы все любили разглядывать картинки в книжках.
Мы еще плохо читали, либо вообще не умели читать и смотрели на красивые изображения.
Многие полюбили книги благодаря им, но со временем мы перестали обращать на них внимание.
Люстра – канал, который публикует самые красивые, а временами странные иллюстрации для книг известных писателей.
Рекомендуем подписаться /channel/lustra_tg
"Пряхи, или Миф об Арахне"
1650-е
Диего Веласкес
Национальный музей Прадо, Мадрид.
Перед нами масштабная картина, которую знаменитый социолог ХХ века Хосе Ортега-и-Гассет считал лучшей из поздних картин Веласкеса. Не избалованные всеобщим вниманием «Менины» с испанскими королевскими особами, а простонародных «Прях», написанных Веласкесом за три года до смерти (Прадо, где хранится полотно, датирует картину 1655 - 1660 гг), называет Ортега настоящей вершиной. Но для понимания картины, полное название которой «Пряхи, или Миф об Арахне», потребуется определённое интеллектуальное усилие.
С первого взгляда не сразу и сообразишь, что именно перед нами происходит: никто из женщин не смотрит на зрителя, не посылает ему объяснительных сигналов. Позы прях на переднем плане настолько же реалистичны, насколько необычны. Обычно Веласкес писал королевских или придворных особ – они располагались лицом к зрителю и изображались в традиционной торжественной статике. А здесь мы видим героинь в ритмичном волнообразном движении. Некоторых – со спины. Других – наклонившимися, развернувшимися, присевшими – словом, полностью поглощенными работой.
@pic_history
"Пьерро и Коломбина"
1900 г.
Пабло Пикассо
Частная коллекция.
@pic_history
"Интерьер, мать и сестра художника"
1893 г.
Жан Эдуар Вюйар
Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА).
«Интерьер, мать и сестра» - одна из самых дерзких работ Вюйара. В репродукции на первый взгляд очень легко спутать ее с цветной литографией: лица-маски и руки в один тон, четкий, почти декоративный, узор на обоях, сплошное черное пятно платья. Вюйар, увлеченный японским искусством и подготовивший к печати немало собственных гравюр, переносит в живописную работу визуальные эффекты, присущие цветной печати. При этом сохраняет фактуру масляного мазка в других частях картины, не давая нам шанса ошибиться со второго взгляда на работу. Это тонкая живопись.
@pic_history
Вы удивитесь, но 8 из 10 людей не знают разницы между «барокко» и «рококо».
А еще больше думают, что «квадрат Малевича» и «чёрный квадрат» – это одно и то же.
Исправить оплошность поможет канал «Куда Марк Шагал?». Здесь в интересных опросах объясняют разницу и фишки картин и известных художников.
10 минут – и вы будете знать об искусстве больше любого экскурсовода. Подписывайтесь: @artShagal
Канал “Интеллектуальный реализм“ современное скусство для мыслящих!
Интеллектуальный реализм предполагает погружение зрителя в диалог с картиной, открытие новых смыслов, сверхсознательно заложенных автором в произведение искусства.
Основоположники направления - художники, братья Дмитренко.
"Призрак Оивы"
1832 г.
Кацусика Хокусай
Бостонский музей изящных искусств.
Один из листов серии Хокусая «100 историй о призраках» посвящен Оиве – самому известному в Японии привидению онрё. В японской мифологии онрё – «обиженный, мстительный дух» – неупокоенная душа человека, цель которой наказать обидчика, нанесшего ей оскорбление при жизни.
Японцы очень любят традиционные сказки-страшилки с участием онрё – кайданы. Часто ставили их на сцене театра кабуки, где призраков обычно играли женщины в белых погребальных одеждах, с длинными распущенными волосами и мертвенно-бледным гримом. Этот образ плавно перекочевал в кинематограф: сначала японский, а затем и мировой. Самый, пожалуй, известный призрак онрё в кино – девочка с видеокассеты-убийцы из фильма «Звонок».
@pic_history
Думаю, у всех на слуху выражения MODERN art и CONTEMPORARY art, которые оба переводятся как «современное искусство».
В разговоре многие часто используют тот или иной вариант, не обращая внимания на их разницу.
Итак, термин «Modern Art» открывает широкий временной промежуток с 1860-х по 1970-е годы. Это время экспериментов и инноваций, когда художники отказались от романтизма в пользу более смелых и новаторских подходов. Здесь мы встречаемся с такими яркими направлениями, как импрессионизм, кубизм и абстрактный экспрессионизм.
Переходя к «Contemporary Art», мы перемещаемся во времени вперед, начиная с 1970-х годов и до сегодняшних дней. Эта эпоха отличается акцентом на социальные и политические вопросы, а также разнообразием используемых материалов и форм. Современное искусство открывает двери перед взглядами на актуальные проблемы через призму художественного выражения живых мастеров.
Таким образом, оба этих термина являются отражением двух различных эпох в истории искусства, каждая из которых внесла свой уникальный вклад в художественное творчество и культурное наследие. И хотя они часто используются как синонимы, важно помнить о том историческом и культурном контексте, который они несут в себе.
@visualoversclub — Новости, личные рекомендации и заметки из мира визуального искусства 🌏🖌️
"После обеда"
1881 г.
Берта Моризо
Частная коллекция.
Картина «После обеда» стала одной из самых известных работ Берты Моризо совсем недавно. Ее включают во все феминистские живописные обзоры, потому что в 2013 году это полотно установило аукционный рекорд. После стремительных торгов между шестью активными участниками картина была продана за 10, 98 млн. долларов анонимному покупателю и стала на тот момент самой дорогой работой женщины-художницы.
@pic_history
Искусство — дело тонкое, поэтому мало просто читать о нем в книгах или соцсетях, важно проникнуться им на выставках. Но откуда брать информацию о том, какие экспозиции сейчас проходят?
В этом вам поможет MOSUS, ведь они всегда собирают самую актуальную информацию о том:
▫️В каком музее насладиться обновленной экспозицией;
▫️Где проходит фестиваль современного искусства;
▫️Как бесплатно попасть на мероприятия, посвященные искусству.
Окунитесь в мир творчества с командой MOSUS.
ВикАСТые книги
Всем привет! Меня зовут Вика, и я уже почти полтора года глубоко погружена в искусство и культуру — работаю ведущим редактором прикладной литературы в издательстве АСТ. Стиль моей работы прост — максимально вовлекать всех в процесс, вместе создавая полезные книги для самой широкой читательской аудитории. Именно поэтому я завела свой канал: на нём я приоткрываю издательские секреты, рассказываю о ходе издательского процесса и книгах редакции ОГИЗ, устраиваю различные книжные и некнижные опросы, делюсь профессиональными и личными мыслями. Здесь каждый сможет найти что-то по душе, а главное — высказать своё мнение, которое станет оплотом и значимой частью нон-фикшн книг.
— Хвастаюсь книгами о Бэнкси и об искусстве Китая
— Погружаю в процесс создания книги по искусству Кореи
— Обновляю наши серии по рисованию
— Рассказываю о мало известных художниках и картинах
— Восхищаюсь своими авторами и коллегами
— Учусь и учу
— Делюсь самым сокровенным
Присоединяйтесь к моему каналу: будем вместе создавать книги и делать наш книжный мир лучше!
"Шествие на Голгофу"
1564 г.
Питер Брейгель Старший
Музей истории искусств, Вена.
👀 Смотреть в высоком качестве
Картина Брейгеля «Шествие на Голгофу» (другое название «Несение креста») посвящена тем евангельским главам, где Христос сам несёт тяжелый деревянный крест, на котором будет распят, на Голгофу.
Но видим ли мы Христа при первом взгляде на картину Брейгеля? Нет! Наши глаза беспокойно скользят по огромной разношерстной толпе, а затем останавливаются на согбенной фигуре Девы Марии вблизи или же на необычайно высокой скале, которую венчает мельница, вдалеке.
@pic_history
"Автопортрет"
1959 г.
Ники де Сен Фалль
@pic_history
"Гора Сент-Виктуар"
1887 г.
Поль Сезанн
Институт искусства Курто, Лондон.
Сезанн жил одновременно с художниками-импрессионистами, участвовал в первой и третьей выставках, организованных «Анонимным обществом живописцев, скульпторов и граверов», он выходил на пленэры вместе с Писсарро и избавлялся от темных красок под его влиянием. Но именно пейзаж – тот художественный жанр, в котором Сезанн оказался самым неимпрессионистичным художником своего времени. И дело тут не в палитре и не в технике.
@pic_history
"Шахматная партия"
1907 г.
Джон Сингер Сарджент
Художественные музеи Гарварда, Кеймбридж.
@pic_history
Помещение, где женщины заняты пряжей, темновато. Это заставляет вспомнить о ранних бодегонах Веласкеса – бытовых сценках, исполненных в манере Караваджо. А впереди, в смежной комнате, отделённой от нашей двумя массивными ступенями, потоком струится солнечный свет. Ортега-и-Гассет, кстати, полагал, что этот поток света, падающего слева, и есть протагонист (главный герой) картины.
Свет щедро проливается на другую группу женщин в парадных пышных платьях. Рядом с ними располагаются музыкальные инструменты, а вся стена затянута гигантским дорогим гобеленом, изображение которого, при желании, тоже поддаётся расшифровке. Но прежде возникает вопрос: а что общего между этими двумя группками женщин? Чем они связаны? Почему эти два разнородных пространства Веласкес объединил? Причем не просто объединил, а подчинил принципу зеркальности. Композиционно эти группы аналогичны: по две героини справа и слева, а одна – впереди и несколько в глубине.
Но уподоблены группы героинь на первом и втором планах только для того, чтобы тут же их противопоставить. «Здесь работают – там играют, здесь необработанная шерсть – там готовый гобелен, здесь отдёргивают портьеру, чтобы впустить свет, – там все залито светом, здесь крутится колесо прялки – там стоит виолончель, на которой никто не играет. Здесь пространство работы, ремесла, действия, там – созерцания, чистого искусства, - сравнивает искусствовед Марина Торопыгина, - две эти темы – ремесло и искусство – сопоставляются и в то же время как будто отражаются одна в другой».
Однако оказывается, что связь между этими двумя группами персонажей, двумя разнородными мирами – гораздо глубже. Она не просто композиционная, но и смысловая. Дело в том, что, гобелен, который с таким вниманием рассматривают знатные дамы, рассказывает нам о… пряхах. Сравнительно недавно удалось установить, что изображение гобелена написано по мотивам картины Тициана «Похищение Европы». А это сразу же заставляет вспомнить о мифической пряхе Арахне. Согласно античной легенде, Арахна так возгордилась своим умением, что вызвала на поединок саму Афину – не просто богиню мудрости, но еще и изобретательницу веретена. Дерзость Арахны простиралась и дальше: она выткала на полотне эпизод из многочисленных любовных приключений отца Афины Зевса, а именно тот, где он похищает дочку сидонского царя Европу. Афина в назидание превратила Арахну в паука, чтобы ей вечно плести свою паутину (боязнь пауков так и называется – «арахнофобия»).
Так искусствоведы пришли к выводу, что «Пряхи» Веласкеса не что иное, как иллюстрация к мифу об Арахне, изложенному Овидием, хотя и выполненная «на современном материале». Но самые пытливые из исследователей двинулись дальше. Они осмелились предположить, что в пожилой женщине за прялкой Веласкес изобразил свою жену Хуану Миранду, на которой женился 19-летним и с которой прожил всю жизнь, а в молодой пряхе, развернутой спиной зрителю, «зашифровал» тайную возлюбленную – итальянскую художницу Фламинию Трива. Возможно, он намекал, что пряхи на картине – античные мойры, плетущие нить его личной судьбы.
@pic_history
#ДиегоВеласкес #МифологическаяCцена #Барокко
Если вы хотите лучше узнать свой город и отдыхать тут в 3-4 раза дешевле, подписывайтесь на эти каналы:
Привет, это Москва
Привет, это Питер
Привет, это Казань
Привет, это Екатеринбург
Привет, это Новосибирск
Привет, это Омск
Привет, это Челябинск
Привет, это Самара
Привет, это Нижний Новгород
Привет, это Красноярск
Привет, это Крым
Тут находят непопсовые локации и события, которые удивят даже туриста: для фоток, для прогулок, для отдыха и для тусовок. И всё это дешево или вообще бесплатно 🔥
Подписывайтесь, потом сами себе спасибо скажете
"Даже самая маленькая кошка - это произведение искусства“
Леонардо да Винчи
Уникальная коллекция картин, на которых шаловливые котята, респектабельные коты и роскошные кошки запечатлены художниками всех стилей и эпох.
Подписывайтесь и окунитесь в мир красоты, милоты и юмора