59104
У каждой картины есть своя история... Все вопросы — @nikfr0st Менеджер — @yuliyapic Наши стикеры: t.me/addstickers/pic_history Контент: https://artchive.ru/
Влюблять в себя с первого взгляда легко — нужна только правильная одежда:
— Платье от Hermes
— Туфли от Chanel
— Сумочка Bottega
💫 Неповторимый образ
В бутике он будет стоить 150-200 тыс, в зависимости от региона — Но, можно получить за 10% цены если сделать заказ в One Most Brand
Ссылку на люкс-копии брендов по реальной цене оставляем 👇
/channel/one_mostbrand
"Фонтан любви"
1748 г.
Франсуа Буше
Музей Гетти, Лос-Анджелес.
"Говорят: искусство не наука, не математика, что это искусство настроения и что в искусстве ничего нельзя объяснить - глядите и любуйтесь. По-моему, это не так. Искусство объяснимо и очень логично, о нём нужно и можно знать, оно математично. В таком случае его можно и объяснить. Можно точно доказать, почему картина хороша и почему плоха".
Николай Петрович Крымов. Картина: "Осень", 1918 г.
Может искусственный интеллект работать искусствоведом?
Мужчины и женщины равны?
Мы живём в симуляции?
Какие факты стоит рассказать о человечестве при встрече с инопланетной формой разума?
Каждый день в канале Мнение AI мы задаём важные вопросы искусственному интеллекту и просим нарисовать тематическое изображение.
Ведём хронику мнения искусственного интеллекта вместе.
@AI_Opinion
Знаете ли вы, кто написал эту картину? 🤔
Об авторе этой картины расскажет канал «Смотри, искусство!». Здесь публикуют как культовые, так и малоизвестные произведения знаменитых художников, а также бережно собирают интересные факты и пишут краткую биографию. И всё это с простой и быстрой навигацией по хэштегам.
Переходите по ссылке и читайте всё про автора, написавшего эту картину 🔽
"Мариана"
1851 г.
Джон Эверетт Милле
Тейт Британия, Лондон.
Любишь дизайн, искусство, и все что с ним связано? ➡️
На нашем канале ты найдёшь много интересной и полезной информации!
— Новости дизайна ✨
— Свежие тренды ⚡️
— Занимательные факты ✨
— История и становление дизайна ⚡️
— Полезные статьи в области искусства и не только! ✨
Ты сможешь найти все 👐
Присоединяйся и развивайся 😉🤩
Подписывайтесь на наш канал The Designers: об искусстве
Будет интересно !
Мы обещаем:)
@thedesignersss
Всю свою переписку Лу Саломе уничтожила, а нам оставила только высокодуховные, сухие философские размышления о любви. Название «Эротика» обманчиво. Это самая известная книга Лу, выдержавшая кучу переизданий. Но здесь не будет ничего такого, что могло бы бросить в жар. Будет много рассуждений о природе любви, о различиях между мужчинами и женщинами.
Говоря о Лу Саломе, чаще всего упоминают, что по ней сходили с ума Ницше, Рильке, что она дружила с Фрейдом, что муж принудил её к союзу, вонзив себе в сердце нож — но немного промахнулся и выжил. Я сама решила читать её из-за любви к Фрейду — стало интересно ознакомиться с мыслями женщины, которую он так высоко ценил.
Подробнее на биографии Лу Саломе я останавливаться не буду, но лично меня больше всего шокировала история, что в ранней юности человек, которому Лу полностью доверяла и считала своим духовным наставником, пастырь, очевидно, каким-то образом её домогался. И это в дальнейшем оставило горький отпечаток на всех её отношениях с другими мужчинами: она строго разграничивала духовную и физическую любовь и не хотела их смешивать.
В норме любовь — это одновременное совпадение всех трёх компонентов. Эмоциональная, интеллектуальная и физическая близость. И эмоциональная теплота, и интеллектуальные разговоры ночами напролёт, и крутой секс. С этой точки зрения представления Лу о любви, конечно, это табуретка на двух ножках.
Под любовью Лу Саломе, как это увидела я, скорее понимала интеллектуальную дружбу, коммуну: ты, да я, да наша высокая идея (а может быть и кто-то ещё, а то и толпа людей). И практически реализовывала это через коливинг без физической близости с Ницше и Паулем Рэ, а потом, фактически, со своим мужем и другими. Это всё достаточно странно выглядит даже сейчас, понятно, что в те времена Лу просто шокировала общественность.
Зачем такое пространное вступление … С первых страниц «Эротики» мне казалось, что Лу не совсем понимает, о чём пишет, когда пишет о любви. Мне сложно понять её и то, как она видит любовь. Когда я изучила её биографию, всё стало на свои места. У Лу Саломе был весьма специфический личный опыт, который во многом шёл вразрез с общепринятым. Её идеи также весьма оригинальны и не у всех найдут отклик.
Одна фраза меня поразила, Лу Саломе о муже и о других мужчинах пишет, что воспринимала их чувственно нейтрально. Это как? И как человек с таким сложным восприятием чувственности, пишет о любви и эротике?
Конечно, у Лу Саломе не отнять ума и свободы. Она была естественна в своих желаниях и проявлениях, жила как хотела, делала что хотела, была очень независимой и передовой. Во многом она опережает даже наше время! Как про неё говорил кто-то из мужчин — бриллиант. Редкий, уникальный человек, которого достаточно трудно понять, настолько нестандартно она мыслит!
"Мизантроп"
1568 г.
Питер Брейгель Старший
Национальные музей и галереи Каподимонте, Неаполь.
"Только в природе можно найти красоту, которая является великим объектом живописи; там-то и надо ее искать и нигде более".
Жан-Огюст-Доминик Энгр
"...Сокрылась, побледнев, луна.
Виденье я узрел чудесно:
Сошла со облаков жена, –
Сошла – и жрицей очутилась
Или богиней предо мной.
Одежда белая струилась
На ней серебряной волной..."
В 1879 году Густав и Эрнст Климт вместе с другом и соучеником Венского художественно-ремесленного училища Францем Матчем решили организовать собственную артель, которую назвали «Компания художников». Творческое трио довольно быстро начало получать заказы (часто молодым людям в этом помогали их преподаватели), в основном это были оформительские работы. Мастерство и талант начинающих амбициозных художников не остался без внимания, и вскоре заказов стало так много, что троице пришлось даже отказаться от учебы. Качество работы от этого ничуть не пострадало, братья Климт и Матч постоянно совершенствовались в своем деле благодаря каждодневной практике. Об этом говорит тот факт, что всего лишь за четыре года «Компания художников» стала самой популярной артелью в Вене. Кроме того, они брали заказы из других городов и даже из-за границы.
В 1886 году «Компания художников» выполнила заказ по оформлению лестницы нового Королевского театра в Вене. Здесь Климт и его коллеги изобразили постановку «Ромео и Джульетты» в лондонском театре «Глобус» времен Шекспира. Публика была в восторге от работы, в частности, от мастерски прописанных лиц героев (кстати, среди зрителей Климт изобразил себя самого и своих коллег в соответствующих костюмах). За такую почти фотографическую точность стоит поблагодарить преподавателей художественного училища, которые заставляли юных художников проводить долгие часы за копированием фотографий. За эту работу «Компания художников» получила приз от австрийского императора.
И вскоре после этого Климт получил новый престижный заказ, снова на театральную тему: художнику предстояло изобразить публику во время представления в старом Королевском театре. Когда новость о будущем полотне распространилась среди венского высшего общества, к художнику выстроилась целая очередь из желающих, чтобы он запечатлел их на картине. По мнению искусствоведов, прежде чем взяться за полотно «Старый Королевский театр» Климт сделал около полутора тысяч эскизов. Для работы художник использовал смесь матовых красок, меда и камеди, которая является основой гуаши. Художник изобразил около 150 человек, у большинства из которых были реальные прототипы. Картину «Старый Королевский театр» вряд ли можно назвать шедевром, но она стала для Климта прекрасным рекламным ходом, принеся ему еще больше популярности и вторую императорскую награду.
#ГуставКлимт #Реализм
@pic_history
Вам нравится читать контент на этом канале?
Возможно, вы задумывались о том, чтобы купить на нем интеграцию?
Следуйте 3 простым шагам, чтобы сделать это:
1) Регистрируйтесь по ссылке: https://telega.in/c/pic_history
2) Пополняйтесь удобным способом
3) Размещайте публикацию
Если тематика вашего поста подойдет нашему каналу, мы с удовольствием опубликуем его.
"Натюрморт с тарелкой вишен"
1887 г.
Поль Сезанн
Музей современного искусства, Лос-Анджелес.
Сцена «Жизнь», написанная в 1903 году – один из шедевров «голубого периода» Пикассо. Художник никогда не пытался дать миру чёткое представление об этой картине, которая сейчас является одной из жемчужин Музея изящных искусств в Кливленде. Однако нам известны трагические обстоятельства, которые стали «спусковым крючком» для легендарного «голубого периода».
Он приходится на 1900 – 1904 годы, когда Пикассо писал по существу монохромные картины в синих и сине-зелёных оттенках, изредка разбавляя их другими цветами. Эти мрачные работы сейчас входят в число самых популярных у испанца, хотя в своё время он продавал их с трудом. Его первые годы в Париже были тяжёлыми, и эти полотна с изображениями нищих, калек, беспризорников и слепых, казалось, отражают собственную бедность живописца и неуверенность в завтрашнем дне.
Предполагается, что отправной точкой для этого периода у Пикассо стало самоубийство его друга Карлоса Касагемаса, который застрелился в парижском кафе 17 февраля 1901 года. Сам художник утверждал, что начал писать синим, когда узнал о смерти коллеги. Но искусствовед Хелена Секель отмечает, что во время суицида его не было в Париже. Это драматическое событие проявилось в творчестве Пикассо лишь осенью того же года, когда он сделал несколько портретов покойного.
Начиная с конца 1901 года Пикассо написал несколько посмертных портретов Касагемаса, кульминацией которых стала мрачная аллегорическая картина «Жизнь». Такое же настроение пронизывает хорошо известную гравюру «Скудная трапеза» (1904), на которой изображены слепой мужчина и зрячая женщина, измождённые, сидящие за почти пустым столом. Слепота – это постоянная тема в работах Пикассо этого периода. Кроме того, он также часто изображал обнажённых женщин и матерей с детьми.
Значительное влияние на картины Пикассо «голубого периода» оказал его визит в женскую тюрьму Сен-Лазар в Париже, где монахини служили ещё и охранницами. Картина «Две сестры» (1902, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) – пример того, как художник совместил повседневную реальность с христианской иконографией. Поза и жесты женщин напоминают то, как художники изображают Посещение Марии, синий цвет символизирует Богородицу. Эта сцена соотносится с её встречей с Елизаветой, матерью Иоанна Крестителя.
За «голубым периодом» последовал «розовый», когда в картинах Пикассо доминировал в основном этот тёплый цвет, однако депрессия художника не прекратилась. Она фактически продолжалась до «кубистического периода» (который следовал за «розовым»), и только в последующую полосу неоклассицизма его работы начали демонстрировать игривость, которая осталась выдающейся чертой его творчества до конца жизни. Современники Пикассо даже не делали различий между голубым и розовым периодами, считая их одним.
Постоянной темой «голубого» и «розового» периодов Пикассо стала безысходность социальных аутсайдеров – заключённых, нищих, артистов цирка, бедняков или других отчаявшихся. Эта тема отвечала не только его настроению, но и духу времени, художественному и интеллектуальному авангарду начала XX века.
#ПаблоПикассо #Постимпрессионизм
@pic_history
Если бы вам случилось родиться знатной дамой и жить во Франции приблизительно в середине XVIII века, вы непременно повесили бы у себя в жилище картину Франсуа Буше «Фонтан любви». Ну, или что-то очень похожее. Потому что тогда это был самый писк интерьерной моды.
«Свирели, овечки, пастушки… – рассеянно подумаете вы, – Стоп! И зачем бы я стала украшать собственный дом сельской сценой? Сказано ведь, что дамой я была знатной!»
Именно так. К концу первой трети «галантного века» французское общество разуверилось в серьёзных темах, которые предлагало им искусство классицизма. Долг, честь, высокие идеалы – всё это как-то быстро и значительно девальвировалось. В это больше никто не верил. Складывающийся стиль рококо не переваривал пафоса и героики. Все теперь хотели, чтобы искусство дарило им лишь наслаждение, ощущение беззаботности и расслабленности, сверкающего праздника жизни. Никто не желал думать о серьёзном и, уж тем более, видеть его на картинах.
Основными сюжетами живописи становятся пасторали, fetes galantes (так называемые «галантные празднества»), лёгкие и изысканные любовные сценки. Еще недавно ваши предки украшали сцены парадными портретами и торжественными полотнами с героями античности. Но вы, современница маркизы де Помпадур, конечно, подобной оплошности не допустите. Вы ведь в курсе, что нынче в моде? То, что раньше считалось низким и недостойным. Пастухи и пастушки! К тому же кому теперь интересны парадные залы? Все важные вопросы решают в альковах, камерных салонах, уютных будуарах. Вот насколько всё переменилось! Недаром говорят, что мода – дама ветреная и непредсказуемая.
1748-й, год написания «Фонтана любви», – это как раз тот год, когда Буше начал работать для мадам де Помпадур. Задачи, стоящие перед ним, не живописного, а декоративно-интерьерного плана. Он должен писать то, что украсит стены и дверные проёмы. Но картина – это что-то уникальное, в идеале существующее в единственном экземпляре. А во Франции с 1730-х годов живопись становится подспорьем для промышленного производства. Сюжеты наподобие «Фонтана любви» массово воспроизводятся на шпалерах (безворсовых коврах) и гобеленах.
И если бы даже вам случилось быть не очень знатной и не настолько богатой, чтобы приобрести оригинал Буше (всё-таки придворный художник!), вы всё же смогли бы приобщиться к моде на рококо. Как? Очень просто – приобретя для своего дома гобелен или шпалеру. До Буше они бывали кричаще яркими, грубоватыми и безвкусными. Рококо изменило это: теперь шпалеры в точности могут повторить лучшие живописные шедевры.
Буше лично рисовал картоны для шпалер, чуть позже с подачи мадам де Помпадур возглавил Королевскую мануфактуру гобеленов. А его товарищ, художник Жан-Батист Удри разработал тончайшую цветовую шкалу, где каждый оттенок нитей в гобелене имел собственный номер. Теперь ткачи уже не могли подбирать цвета наобум, по своему непритязательному вкусу: им выдавался шаблон, где все оттенки были строго просчитаны, как на картине.
Только взгляните на то, как написано небо в «Фонтане любви»! И теперь представьте, сколько оттенков серого, голубого и бежевого понадобилось бы, чтобы в точности передать светлый и ненавязчивый колорит Буше, его знаменитую «жемчужную гармонию»! Так что гобелены – это тоже искусство. Особенно если для них поработал Буше.
Нежные и звонкие краски «Фонтана любви» так же ласкают взор, как любовное воркование пастушков и пастушек – смягчает сердце. А то, что о самой этой картине мы больше не в состоянии сказать ничего особо осмысленного, – это совершенно правильно. Мы ведь заметили вначале: искусство рококо – оно не для того, чтобы думать. Оно для того чтобы «расслабиться и получить удовольствие».
#ФрансуаБуше #Рококо
@pic_history
Быть художником может каждый и в любом возрасте, стоит только захотеть!
Наше творческое объединение «Серые будни художников» сплотило в себе людей разных возрастов и профессий, захваченных одной целью - стать художником 🧑🎨
Мы выбрали этот путь не сразу, каждый из нас шёл к этому годами, а некоторые и больше. Но важно то, что сейчас мы вместе.
На нашей страничке в Инстаграмме вы найдете не только наши работы, но и много интересного из мира искусства:
⁃ выставки;
⁃ техники письма и рисования;
⁃ работа с материалами;
⁃ книги;
⁃ фильмы об искусстве и художниках
и многое другое…
Даже если вы в начале своего пути и робко топчитесь у художественных курсов, мы покажем вам интересный, увлекательный и невероятно многогранный мир творчества!
Велком 🙌 переходи по ссылке
OMODA C5 — ваш проводник по мультивселенной. Откройте для себя новые миры и новые возможности.
Читать полностью…
"Мастерская художника"
1675 г.
Адриан Янс ван Остаде
Государственный музей, Рейксмузей, Амстердам.
Английский доктор Уильям Эктон в книге «Функции и расстройства репродуктивных органов» заявлял, что женщина по природе своей не может испытывать сексуального влечения. Ее естественные потребности – заботиться о детях и доме, и если бы муж не выказывал желания близости, она и не стремилась бы к ней. Сексуальные отношения для женщины – вынужденная необходимость, которая позволяет сделать мужчину счастливым. Доктора Эктона считали вольнодумцем и либералом, потому что он в принципе заговорил о сексуальности, проституции и вопросах полов. И его мнение в викторианской Англии разделяли многие.
Художники-прерафаэлиты начали писать женщин так, что утверждение доктора Эктона уже не казалось таким очевидным. В самых неожиданных состояниях и ситуациях за их усталостью, задумчивостью, испугом, печалью, даже за предсмертным вздохом скрывается страсть и невольная соблазнительность жестов. Пока еще жертвы и мученицы собственных желаний, женщины прерафаэлитов получают разрешение их ощущать.
Когда в 1851 году на выставке Академии художеств Джон Эверетт Милле представил картину «Мариана», к ней крепилась табличка с четверостишием из одноименного стихотворения Альфреда Теннисона:
Как жизнь пуста! — она сказала. —
Он не придет и впредь.
А я устала, так устала,
Уж лучше умереть!
Мариана – героиня пьесы Шекспира «Мера за меру», ее отверг жених после того, как девушка лишилась приданого, а вместе с ним и любимого брата. Она поселилась в полном одиночестве в фермерском доме, окруженном рвом. Ее дни похожи один на другой: шуршат мыши и чирикают воробьи, ночь сменяет день, все вокруг поросло мхом и медленно погружается в запустенье. Но предательство жениха и невозможность быть с ним рядом только добавили силы чувствам Марианы: «его несправедливая жестокость, вместо того чтобы угасить страсть, сделала ее, как препятствие в потоке, еще более бурной и необузданной». Милле пишет обманутую девушку здесь, в уединении, в тишине, в ожидании, в мольбе о смерти вместо такой жизни. Она оторвалась от вышивки, чтобы размять спину, но этот простой жест исполнен страсти. Да только слепой не увидел бы в нем ежесекундное, изматывающее, напряженное, нерастраченное желание.
Милле, как и его друзья-прерафаэлиты, выбирал литературные сюжеты, чтобы говорить о современности. Эти трое изрядно встряхнули викторианское общество, затянутое, как в жесткий корсет, в свод правил и приличий. В буквальном смысле, кстати, корсеты тоже начали трещать по швам: на картинах прерафаэлитов женщины появляются вовсе без этой детали гардероба и с распущенными волосами – дресс-код, допустимый только в супружеской спальне, но уж точно не в залах Королевской академии.
Его Мариана вглядывается в пейзаж за окном – и там запросто могло бы оказаться унылое английское осеннее поле. Пустой, безлюдный, равнодушный мир – бессменная, лишенная примет времени декорация к женскому страданию. Мариана страдает не только от внешней жестокости, но скорее от внутренней потребности быть любимой, от жара, который распаляется тем сильней, чем безнадежней становится ее положение.
Прерафаэлиты вернули женщине способность чувствовать, испытывать сексуальные желания, быть главной участницей собственной жизни и главным распорядителем собственного тела. Это не та женщина, о которой писал доктор Эктон. Эта женщина жаждет любви и близости и готова добиваться своего. На одной из таких женщин вскорости Джон Эверетт Милле женится. И кто знает, решилась бы Эффи Рёскин на скандальный развод с первым мужем ради любви к Милле, если бы он не был тем самым художником, который пишет женщин без корсетов и с распущенными волосами.
#ДжонМилле #Прерафаэлиты
@pic_history
А вы знаете, что потемкинские деревни - это миф?
Это действительно так. В нашем канале вы каждый день будете узнавать что-то новое из истории.
Например, в каком году не было лета?
Какой год был самым долгим в истории?
Как выглядят самые необычные границы стран?
Скорее подписывайтесь на канал и сможете уже сегодня удивить друзей своими знаниями!
"Любовники"
1917 г.
Аксели Вальдемар Галлен-Каллела
Частная коллекция.
Это одна из финальных работ в творческом наследии живописца. Она создана всего за год до его смерти. И в самом начале, и в финале своего пути художник рассуждал о порочности, глупости человека, а также о бренной жизни.
На картине изображен юный злой карлик, который крадет кошелек у угрюмого монаха. Вор находится в сфере с крестом, что является символическим изображением пороков земного мира. Эта картина мастера исполнена сарказма, некоторой иронии. С первой попытки описания картины «Мизантроп» Питера Брейгеля сложно разобраться, что именно имел в виду художник, создавая данное полотно. Но когда рассматриваешь каждую изображенную деталь, приходит понимание общего посыла мастера.
На картине есть надпись, гласящая: мир настолько коварный, что следую в траурных одеждах. Буквы были написаны другой рукой – вероятно, позже, но принято полагать, что суть данного текста совпадает с тем, что желал сказать нам автор. На лицо монаха, находящегося в доминантном положении, надвинут капюшон. Из-за его края видно крючковатый нос, седую бороду. Кисти рук находятся в жесте молитвы, который специально декларирует благочестивость данного персонажа. Правда, она лицемерна: сзади из-под одежд монаха выглядывает плотно набитый кошелек, подобный по форме сердцу. Вероятно, тут мастер руководствовался афоризмом из Евангелия «Где кошелек, там и сердце».
Как бы монаху ни хотелось отрешения от всего мира, его нельзя достичь. Коварство демонстрирует не один лишь молодой воришка, но и три ловушки, которые размещены на дороге, по которой следует мизантроп. Двуличие этого персонажа – это намек на духовенство.
На плоскости равнины вдалеке видна небольшая фигура Пастыря, его окружает стадо мирно пасущихся овечек. У самого горизонта видим излюбленный мотив этого живописца – ветряную мельницу. Угрюмость монаха контрастирует с Пастырем, который охраняет овец – тот исполнен тревоги о своих подопечных. Согласно традициям, которые идут от времен Ветхого Завета, образ пастуха символизирует Иисуса Христа.
Круглая форма изображения не свойственна Брейгелю. Судя по его полотнам, которые дошли до нашего времени, он обращался к ней лишь два раза: в 1558-м при подготовке к «Фламандским пословицам», а также в «Мизантропе» 10 годами позже. Тут он вернулся к покинутой технике — работал не маслом по дереву, а темперой по холсту.
Брейгель как автор очень многолик – он и средневековый моралист, и пейзажист, как данное слово понимают сегодня. Это северный художник, живопись которого отмечена влиянием Италии. Величие мастера состоит в утверждении крепкой связи человека и природы, в глубоко человечном понимании христианской истории в качестве живой реальности.
#БрейгельСтарший #Возрождение
@pic_history
🎨 Винсент Ван Гог, Клод Моне, Иван Айвазовский. Культовыми художниками теперь можно наслаждаться в одном месте.
На канале "Nothing Book" публикуют лучшие полотна из Третьяковской галереи, Лувра, Эрмитажа, а также описание и интересные факты про них.
Рекомендуем подписаться на лучший канал об искусстве:
t.me/Nothing_Book_tg
Какая русская оперная певица стала "матерью" русской матрёшки?
Кто автор мультсериала, который называют "русским феноменом", переведен на 43 языка и набрал более 100 миллиардов просмотров на youtube?
Кто из русских модельеров сделала популярным в Европе русский национальный стиль в женской одежде?
Кому из русских в Риме был установлен бюст с надписью "Первый гуманист мира"?
Знать великих русских в лицо — значит знать себя, свою историю и культуру. Подписывайтесь на канал РУССКИЕ, где каждый день вы будете видеть пассионариев (художников, изобретателей, спортсменов, писателей, предпринимателей), которые определили ход истории в прошлом и меняют мир к лучшему сегодня.
Станьте частью нового времени здесь.
"Автопортрет с зажжённой сигаретой"
1895 г.
Эдвард Мунк
Национальный музей искусств, архитектуры и дизайна, Осло.
👀 Смотреть в высоком качестве
"Старый Королевский театр"
1889 г.
Густав Климт
Музей истории искусств, Вена.
Групповое изнасилование. Убийство. Сокрытие преступления.
Это не описание голливудского триллера, а обычный сюжет картины итальянского художника Роберто Ферри.
Искусство – это не просто пейзажи и банальщина, типа Моны Лизы. И лучший способ в этом убедиться – читать канал Галерея.
С ним вы легко запомните все мировые шедевры и их авторов, разбираясь картинах лучше их самих.
Добро пожаловать, это ваш музей прямо в телефоне – @galleryvtg
На канале Кинотека выходят обзоры на жемчужины кинематографа, главные новинки и недооцененные шедевры, о которых никто не слышал.
Автор работает в популярных редакциях, а теперь завел свой блог, где с большим трепетом и душой пишет про фильмы и сериалы, которые сам смотрит. Без спойлеров и без воды — что посмотреть и почему.
Подписывайтесь на канал, чтобы знать, что смотреть: @cinema_teka
"Жизнь"
1903 г.
Пабло Пикассо
Музей изящных искусств, Кливленд.
👀 Смотреть в высоком качестве
