59104
У каждой картины есть своя история... Все вопросы — @nikfr0st Менеджер — @yuliyapic Наши стикеры: t.me/addstickers/pic_history Контент: https://artchive.ru/
Поговорим о планах на будущее?
В последние годы этот вопрос сложно воспринимать без иронии. Но именно сейчас важно держать фокус на тех аспектах жизни, что мы можем контролировать – отношениях с близкими, саморазвитии, финансовой безопасности.
Возьмем финансовый вопрос. В 2023 надежным объектом для вложений остается недвижимость. Но и здесь есть «слепые зоны» — например, поиски надежного застройщика, которому можно доверять в турбулентное время
Предлагаем рассмотреть девелопера Level Group. Команда сформулировала универсальные правила, помогающие сохранять устойчивость. Вот главные из них:
1. Подтверждать надежность цифрами
(оценка Level Group в рейтинге надежности ЕРЗ — 5 из 5)
2. Сдавать дома в срок и даже раньше
(проекты Level Причальный и Level Нагатинская сдаются на полгода и год раньше срока)
3. Давать весомые скидки и даже больше
До 31 марта Level Group дает скидку 25% на квартиры и апартаменты, которую на днях увеличили еще на 5%. Убедитесь сами — познакомьтесь с проектами на сайте.
"Симонисты"
1964 г.
Сальвадор Дали
Частная коллекция.
«Симонисты» – одна из ста иллюстраций к дантовской «Божественной комедии». Еще в 1951 году итальянское правительство заказало их Сальвадору Дали. Они готовились к роскошному изданию великого произведения в честь 700-летия его автора – Данте Алигьери. Дали с воодушевлением принялся исполнять заказ. Причем, по его словам, не только из-за денег. Сальвадор признавал и почитал талант великого итальянца.
@pic_history
Поцелуй Сирены — новый уникальный проект, посвященный нежному искусству 🌸
Полотна бесподобной красоты, что заставят ваше сердечко трепетать:
t.me/sirens_kiss_tg
«Мужчина с трубкой» – редкий пример тромплёя или «оптической иллюзии» (фр. trompe-l'œil, «обман зрения») в творчестве живописца. Традиционно художники использовали тромплёй, «приклеивая» к изображению скрученный ярлычок (cartellino), на котором размещали свою подпись. Здесь обманный эффект создаёт занавес, которым в Нидерландах в XVII веке защищали картины от света и пыли. Он сдвинут вправо, и являет зрителю изображение человека, курящего у окна. Важную роль в иллюзии играет утончённая техника Доу, который сделал почти осязаемыми тонко оттенённую ткань, кольца и карниз. Мужчина, чья тень ложится на каменное окно, кажется реальным, как и книга, лежащая поперёк подоконника. Но их «реальности» противоречит тонкая чёрная рама, окружающая изображение.
Большинство иллюзорных панелей Доу малы по размеру, и у зрителя не возникает сомнений, что он видит обманку. Здесь же оптический эффект создаёт полное ощущение реальности, поскольку «картина в картине» – объект этой работы – может быть любого размера.
Одно из самых популярных описаний тромплёя встречается в «Естественной истории» древнеримского автора Плиния Старшего. Он рассказывает о состязании между двумя живописцами – греками Зевксисом и Парразием. Первый написал столь реалистичные гроздья винограда, что птицы пытались клевать их. В ответ второй предложил сопернику поднять штору, скрывающую его картину. Оказалось, что ткань была нарисована. «Зевкис обманул птиц, а Парразий обманул Зевкиса», – сказал проигравший, признавая своё поражение.
Возможно, что занавес на переднем плане картины Доу – искусный и умышленный намёк на эту историю. Современник художника, поэт Дирк Траудениус, назвал его «голландским Парразиусом». Это была высочайшая похвала для живописца в те времена, поскольку и знатоки, и обыватели высоко ставили способность художника как создавать видимость реальности, так и развлекать зрителя.
#ГерритДоу #Портрет #Барокко
@pic_history
История — это не скучно 🤌
Не закатывай глаза, читать сотни книг и смотреть унылые лекции необязательно.
✅ Достаточно просто подписаться на канал Исторические Записки.
👌 Уникальные факты и заметки от разных авторов.
👌 События, о которых обычно не рассказывают.
👌 Разные мнения для любопытного анализа.
Если ты знаток или тебе просто интересно больше узнать о мировой истории — подписывайся и читай Исторические Записки.
"На меже. В. А. Репина с детьми идет по меже"
1879 г.
Илья Ефимович Репин
Государственная Третьяковская галерея.
@pic_history
«Трансфигурация Афины»///дерево, темпера, золотая поталь///
80см по диагонали///2023///
Первая работа этого года, но на самом деле это живописный вариант графического наброска, постил его раньше.
Снова обращение к древнегреческим мифам, богам, образы которых «пропущены» через призму научной фантастики.
В данном случае это Афина Паллада с картины Боттичелли, с переходом к более воинственной форме, синтезируя вокруг себя некий боевой скафандр , с чертами хищной птицы или совы , как одного из символов этого персонажа.
"Чаепитие"
1880 г.
Мэри Кассат
Бостонский музей изящных искусств.
«Чаепитие» относится к импрессионистскому периоду творчества Мэри Кассат. Картина была представлена на пятой выставке импрессионистов в 1880 году. Большинство критиков восприняло ее негативно: «Чаепитие» называли «плохо прорисованной» и «неоконченной» работой. Кроме того, Кассат упрекали за акцент на формальных элементах композиции. Тем не менее в 1881 году картину купил инженер, художник, коллекционер и лицейский друг Эдгара Дега Анри Руар. После смерти Руара в 1912 году «Чаепитие» продали с аукциона. Новый владелец любовался покупкой 30 лет, после чего за 6 тысяч долларов уступил полотно бостонскому Музею изящных искусств, где оно хранится по сей день. Сейчас картина считается одним из шедевров Кассат и, кроме того, входит во множество неформальных рейтингов лучших полотен, изображающих чаепитие.
@pic_history
"Мадам Матисс"
1905 г.
Анри Матисс
Национальная галерея Дании, Копенгаген.
@pic_history
Жана Эдуара Вюйара иногда в шутку называют придворным художником Таде и Мисии Натансон, основателей самого авангардного в Париже журнала La Revue Blanche. Вюйар познакомился и начал сотрудничать с Таде Натансоном в 1891 году, когда тот еще не был женат. Он рисует обложки журнала и иллюстрации, встречается с самыми знаменитыми и талантливыми авторами. Для 23-летнего художника это знакомство стало началом карьерного взлета, новым миром, светским крещением, а с появлением в доме Натансона Мисии – еще и ежедневным чудесным источником вдохновения.
Мисиа становится не просто очаровательной молчаливой моделью для всех шумных, спорящих, талантливых гостей и сотрудников редакции La Revue Blanche. Она задает уровень и оказывается мерилом вкуса, безупречно вычисляет гениев, виртуозно играет на фортепиано, собирает вокруг себя музыкантов, писателей, художников – и каждый второй в Мисию безответно влюблен, вздыхает и пишет бесконечные ее портреты. В эти годы она муза и модель Пьера Боннара, Анри де Тулуз-Лотрека, Феликса Валлоттона и, конечно, Эдуара Вюйара.
Весь год парижская квартира Натансонов с просторной гостиной – это и музыкальный салон, и редакция журнала, и место встречи друзей. Вюйар бывает у них теперь почти каждый день. А с наступлением тепла Натансоны уезжают в загородный дом в Вильнев-сюр-Йонне – и все лето у них гостят друзья, кто несколько дней, кто по несколько месяцев. Главный талант Мисии и почти физическая потребность – собирать вокруг себя людей.
Картина «Мисиа и Валлоттон в Вильневе» была написана в 1899 году, когда Вюйар проводил в Вильнев-сюр-Йонне уже четвертое лето. Почти все это время здесь живет и Боннар, а Феликс Валлоттон приезжает на уикэнды.
Мисиа – главная фигура и причина картины. Она в платье свободного кроя и желтом платке, скорее всего завтракает. И внимание ее ни к кому не обращено – ни к художнику, ни к беседующим за ее спиной Валлоттону и Таде Натансону, личность которого можно определить только по курительной трубке. Вюйар его практически исключил из картины, а значит – и из внешнего и внутреннего мира Мисии. Цветы, собака, шоколад или фрукты в фарфоровой вазе, картина на стене и даже насыщенный узор на шторах и обоях – все это активно присутствует и участвует в ее жизни. Перекликающиеся желтый платок на шее и желтый узор на обоях делают Мисию частью дома, а дом – продолжением ее самой. Даже Валлоттону (так же безнадежно влюбленному, как и сам Вюйар) в этом пространстве отводится значительное эмоциональное место, слегка беспокойное и напряженное. Когда картина Вюйара стала одним из главных лотов аукциона, арт-критики говорили, что это самое прекрасное изображение Мисии Натансон и лучшая картина Вюйара, которая когда-либо появлялась на торгах, к тому же, принадлежащая хронологически самому значительному периоду творчества художника.
13 ноября 2017 года картина «Мисиа Натансон и Феликс Валлоттон в Вильневе» была продана на аукционе Christie’s за 17,75 миллионов долларов и стала самой дорогой на тот день картиной художника. Предыдущим владельцем картины был профессор египтологии Уильям Келли Симпсон, один из самых выдающихся ученых в своей области и страстных коллекционеров. Он собирал египетские древности, американское народное искусство, среди произведений, хранившихся в его доме была работа Анри Матисса и картины художников группы «Наби», Боннара и Вюйара. После смерти Симпсона в марте 2017 года его коллекция была продана.
#ЭдуарВюйар #Постимпрессионизм
@pic_history
🎨 Микеланджело, Моне, Гойя, Айвазовский.
Собрали для вас лучшее из мира искусства и культуры!
Уникальные шедевры живописи, архитектуры, скульптуры из Мира Искусства в нашем канале!
Подпишитесь и наслаждайтесь прекрасным каждый день: @art_wrld
Если вы любите красивые интерьеры, интересные лекции об искусстве и дизайне, хотите знать, как проходят интерьерный съемки - то эта рекомендация для вас.
Интерьерный фотограф, Лиза Гуровская, делится своими работами и находками. На ее канале вы можете найти историю про дом Карла Лагерфельда, цикл лекций от ведущих искусствоведов и фотографии лучших интерьеров. Работы Лизы вы можете найти в зарубежных книгах, интерьерных журналах и на сайтах мировых изданий.
Разносторонне, красиво, про искусство🤍
Оставляем ссылку на канал @lizagurovskayaphoto
"Рассвет"
1922 г.
Максфилд Пэрриш
Частная коллекция.
@pic_history
Эту книгу будет весело и круто читать всем тем, у кого сумасшедшие родители. Ну, знаете, она будит такие, незабываемые воспоминания детства. Вроде мамы, лежащей в луже блевотины посреди горы пустых бутылок от водки. Или проникновенного родительского: «мы тут решили лишить тебя наследства; ну в самом деле, зачем тебе ещё одна квартира, ты же свою уже сама себе купила? не из-за воспоминаний о счастливом детстве и любимой бабушке же, в конце концов!».
Как говорится, «мой папа шизофреник, но я его люблю». Как хорошо, что есть психотерапевты на этом свете.
Итак, к делу. Мэри Бет Кин — крутая писательница, о которой я впервые услышала на курсе Виргинского университета по литературе. До этого я читала у неё роман о Тифозной Мэри (жаль, что экранизация с Элизабет Мосс так и не вышла, книга огонь), совершенно потрясающий.
«Да — тогда и сейчас» — это алкогольно-психиатрические Ромео и Джульетта, повествование о большой и чистой любви девушки из приличной семьи и парня, у которого папашка-алкаш, а мамашка с параноидальным психозом, биполяркой, шизоидным расстройством личности ну и ещё чем-то там (бинго свекрови, короче).
Ребят. На первом свидании лучше всё же интересоваться здоровьем родственников избранника(цы). Прям от души советую! Вот со мной, к примеру, опасно связываться. Муж — герой!
А то вот будет как в книге «Да — тогда и сейчас». Которую я прочитала часов за пять. Если бы я только такие книги и читала, тоже бы хвасталась, что читаю 666 книг в месяц, как любой нормальный книжный блогер.
По причинческим технинам Кормака Маккарти я пока поставила на паузу и некоторое время буду радовать вас вот такими «несерьёзными» книжулями.
А читается книга за пару часов, потому что дико увлекательная. Чернуха, написанная очень умным человеком. Как внебрачный ребёнок Дмитрия Нагиева и Андрея Малахова, приправленный Ларисой Гузеевой.
#мнение #продюсирование #песни #tip #production #musicproduction
Одна из главных особенностей в РФ : приоритет продюсерских решений исторически у артиста.
Так сложилось, что ресторанно-кабацкая и народно-артистическая эстрада в СССР сформировала восприятие музыки через солистов. Возможно, культы личности Ленина/Сталина сыграли свою роль, возможно — отсутствие конкурентного рынка, возможно проще было диктовать смыслы через лидеров мнений. Но факт в том, что артисты стали самой важной цепочкой при передаче музыки людям, так как "их показывали в телевизоре". Иронично то, что в СССР и худруки ансамблей, и композиторы, и поэты-песенники всегда упоминались на концертах (и ТВ, и не ТВ), но люди ходили на солистов, так как они были "голосами страны".
В перестройку появились первые коллективы "самодеятельности", которые стали сами-себе-продюсерами - это и Чернавский и ко, и весь рок клуб, и персонажи типа Титомира. И вот тут произошла революция, которая в мире тооооолько недавно сложилась в норму — артист = продюсер. Не было тогда института продюсеров, а за "саундом" начали гоняться все, "кто в лес, кто по дрова".
Каждый коллектив "самодеятельности" решал как вопрос самого песенного материала, так и решал вопрос производства фонограмм - синтезаторы, компьютеры и аппаратуру ввозили челноки, а первые "самоиграйки", благодаря MIDI функциональности и богатым запасам готовых "фирмовых" аранжированных ходов, становились сердцами студий и циклов музыкального производства.
90-е породили новый формат творческих объединений — "продюсерские центры". Это, по-сути, самодеятельность, сформированная на бандитский (или депутатский) доллар (рубли в 90-х были не в почете) — это и клипы, и песни, и ротации на радио. По таким цепочкам запускались 360° проекты "от и до", которые стали основой понятия "попса". В эту лотерею "залетели" и бывшие ВИА, и бывшие Народные Заслуженные, и самодеятельность с роком. И ПЦ, основываясь на слухах, плохо переведенных статьях о западных продюсерах, опыте "самодеятельности", создавали новых "звездочек", а люди, по привычке, считали, что вся музыка исходит именно от поющего на камеру человека, а десятки специалистов за кадром оставались в тени. Тем более, что Большие Артисты выбирали звук и принимали решения самостоятельно, а остальные были лишь "декорациями" и "руками". Депутатские и бандитские деньги сопровождались "хотим как у Мадонны, понял?"
Сегодня мы находимся в смешной ситуации — весь мир идет в сторону "инди"/ DIY подхода в качестве нормы, а мы всё пытаемся догнать их культуру при помощи создания образования в области продюсирования, которое корнями уходит в наших краях в DIY подход "самодеятельности".
Большие студии и живые музыканты пугают, до сих пор, артистов, так как не совсем понятно, что с этим всем делать, если у тебя вкус сформировался иллюзиями. Группа KLF с их книгой Manual, по-сути, описали то, что у нас в стране стало базовым подходом продюсеров, но мы всё это прошли "от сохи", а это было, скорее, исключением, на фоне Куинси Джонса и подобных "глыб" продакшена. И артисты, до сих пор, уверены, что так как именно они поют в народ, то явно лучше всех знают, что "прокатит", а что — нет.
Хотя, фактически, вся мировая индустрия, которую они пародируют, давным давно создается именно продюсерами, помешанными на звуке людьми, сидящими за DAW и мониторами больше, чем в ток-шоу на федеральных каналах своих государств.
Проект был рассчитан на 14 лет. Но примерно на середине работы итальянская общественность резко возмутилась, что иллюстрировать их национальное достояние пригласили испанца (вообще-то, каталонца, но кого это тогда интересовало?). Правительство не стало спорить с народом, и отменило заказ. Сальвадор Дали, тем не менее, продолжил писать акварели к каждой из ста песен «Комедии» – уж очень ему понравилась идея.
Как говорят мудрые люди: «Пишите не для денег, а для вечности и славы. Тогда и деньги придут. Может быть». К Дали они пришли. Вместе с вечностью и славой. Издатель Ле Эюр Клер заинтересовался работой Сальвадора и вызвался издать «Божественную комедию» с его иллюстрациями. По акварелям в течение 55 месяцев создавались ксилографии: двое мастеров задействовали 3 500 специальных досок, а Дали лично контролировал процесс изготовления пластин. Оригиналы-акварели его иллюстраций сейчас находятся в частных коллекциях в Германии. «Симонисты» в том числе.
Акварель иллюстрирует дантовский «Ад», демонстрируя и личное отношение Сальвадора Дали к греху симонии – продаже церковных должностей. Такому названию грех обязан волхву Симону, который пытался у первоапостолов купить священство.
«Тогда возложили (апостолы) руки на них, и они приняли Духа Святаго. Симон же, увидев, что через возложение рук Апостольских подается Дух Святый, принес им деньги, говоря: дайте и мне власть сию, чтобы тот, на кого я возложу руки, получал Духа Святаго. Но Петр сказал ему: серебро твое да будет в погибель с тобою, потому что ты помыслил дар Божий получить за деньги. Нет тебе в сем части и жребия, ибо сердце твое не право пред Богом. Покайся в сем грехе твоем, и молись Богу: может быть, отпустится тебе помысел сердца твоего; ибо вижу тебя исполненного горькой желчи и в узах неправды. (Деян. 8:17-24)».
«Узы неправды» Дали изобразил огромным валуном, сковавшим тех, кто покупал или пытался купить то, что дается даром и только по Божьей благодати. И хотя корыстолюбие всегда порицалось в христианстве, на деле торговля должностями шла полным ходом. Во время Данте симония переживала очередной расцвет. Сальвадор Дали впечатляюще написал это «ногатое» чудовище, которое предстает пред лирическим героем Данте.
Что же касается собственной религиозности, то о ней Дали говорил: «Я – христианин и католик, но чтобы быть художником ни того, ни другого не требуется».
#СальвадорДали #АллегорическаяСцена #Сюрреализм
@pic_history
Бесподобная красота Европейской Цивилизации 😍
Уникальное собрание шедевров европейской культуры теперь в Telegram!
🏛European Civilization - подпишитесь и наслаждайтесь прекрасным каждый день.
"Акробат и молодой Арлекин"
1905 г.
Пабло Пикассо
Частная коллекция.
@pic_history
"Мужчина с трубкой и книгой" (Автопортрет)
1650-е
Геррит Доу
Государственный музей, Рейксмузей, Амстердам.
Эта картина Доу в разных источниках носит альтернативные названия – «Мужчина с трубкой и книгой» (Национальная галерея искусств в Вашингтоне) или «Мужчина, курящий трубку» (Рейксмузеум, Амстердам). И хотя ни в одном из них официально нет указания на то, что художник изобразил самого себя, описание на сайте Рейксмузеума, где выставлена панель, содержит слова Zelfportret van Gerard Dou (автопортрет Герарда Доу).
@pic_history
Повысить квалификацию или получить с нуля навык цифровой иллюстрации в стиле реализма
— НА БЕСПЛАТНОМ мини-курсе по коммерческой иллюстрации уже завтра
С организаторов:
мастер-класс + сборник из 15 уроков в записи по отрисовке черт лица, тела, одежды и др.
➕ 15 способов быстрого поиска заказчиков
ЗАХОДИ ПО ССЫЛКЕ:
https://clck.ru/33pHZF
Антон Фролов - ростовский художник, работает в стиле «византийского футуризма». Инопланетные пришельцы стали уступать место людям и высоким технологиям далекого будущего. Вместо иконописных пейзажей — архитектура в духе социализма 70-х. Но иконописная пластика и лаконизм остались, дабы подчеркнуть возвышенность миров будущего. Так появился этот уникальный стиль, своего рода синтез духовности и высоких технологий.
Изначально проект назывался "Миллион лет назад" , впоследствии сокращен до "Леодр"- числительное "миллион" в древнерусском языке.
@byzantineradar
В конце XIX века приличным дамам, к числу которых относилась Кассат и все ее модели, не полагалось посещать кафе. А ведь именно там собирались художники, артисты и другие представители парижской богемы. Многие из них делали зарисовки на месте и увековечили любимые заведения в своем творчестве (можно вспомнить работы Анри Тулуз-Лотрека). У Кассат выбор декораций был невелик. На своих картинах она изображала женщин за небольшим кругом дозволенных им занятий: уход за ребенком, домашнее образование, поход в театр, дружеский визит.
Картина «Чаепитие» (другое название — «Пять часов») переносит нас в уютную гостиную. Полосатые обои, мраморный камин, искусно обрамленное полотно на стене, розовый диван — так выглядели квартиры буржуазии того времени. Старинный серебряный чайный сервиз — семейная реликвия Кассат, которую она привезла из Филадельфии (шесть предметов из набора сейчас находятся в том же музее, где и картина «Чаепитие»). Некоторые исследователи полагают, что изображенная гостиная тоже принадлежала художнице.
Мы видим обыденную жанровую сцену: одна женщина зашла на чай к другой. Вероятно, гостья спешит, поскольку не сняла шляпу и перчатки. Разговор уже иссяк: хозяйка гостиной, сидящая слева, погружена в свои мысли. Обе женщины смотрят в одну сторону, и можно предположить, что «за кадром» расположилась третья участница чаепития. Встречается мнение, что хозяйка гостиной — сестра Кассат Лидия, а гостья — друг семьи. Но более правдоподобна версия о том, что это модели.
Кассат запечатлела одно мгновение. Еще секунда — и гостья бы поставила чашку на блюдце, открыв нам свое лицо. Но художница предложила зрителям дорисовать лицо в своем воображении. Для модернистов, к которым относилась Кассат, внешнее сходство с действительностью было не столь важным. Кроме того, художница нарушила принятые в то время законы композиции, сделав акцент на неодушевленном предмете — сервизе, который вышел на первый план. Кассат мастерски выписала блестящие чайник и сахарницу и оттенила их с помощью матовой фарфоровой чашки. Овалы сервиза, чашек с блюдцами, подноса и шляпки гостьи уравновешивают полосатые обои и ножка камина. Этот контраст создает напряжение между передним и задним планом картины, придает ей динамику.
Как и многие другие работы Кассат, «Чаепитие» подкупает простотой и естественностью, к которой так стремились импрессионисты. С помощью сдержанных цветов и минимума деталей художница правдиво передала атмосферу чаепития, которое для женщин того времени было важным социальным ритуалом.
#МэриКассат #Импрессионизм
@pic_history
Бесподобная красота Европейской Цивилизации 😍
Уникальное собрание шедевров европейской культуры теперь в Telegram!
🏛European Civilization - подпишитесь и наслаждайтесь прекрасным каждый день.
Новые правила игры в Yappy. Приготовься ворваться в наш новый движ…10 апреля 🤫
#марафон
"Мизиа Натансон и Феликс Валлоттон в Вильнёве"
1899 г.
Жан Эдуар Вюйар
Частная коллекция.
@pic_history
"Портрет Кристины, моей сестры"
1928 г.
Фрида Кало
Частная коллекция, Мехико.
@pic_history
Настоящий феномен коммерческого успеха
«Рассвет» - одна из самых знаменитых и популярных картин американского художника. История создания работы такова. В 1920 году Стивен Ньюман из The House of Art сделал художнику заказ на большую работу. Заваленный работой, Пэрриш смог начать картину только через два года, хотя уверял клиентов, что «красивая белая панель, приготовленная для неё, всегда на стене передо мной…» «Рассвет», написанный масляными красками на деревянной доске в фирменной технике Пэрриша, был сдан заказчику к декабрю 1922 года.
Секрет Пэрриша заключался в поэтапной проработке картины, тщательных мазках и промежуточной лакировке работ. Так он создавал свой знаменитый бирюзовый цвет небес: смешивая кобальтовый синий и белую грунтовку, он покрывал их лаком, который под действием ультрафиолета давал нижнему слою краски желто-зеленый оттенок. В честь художника этот почти нереальный оттенок небесно-синего назвали его именем – «Parrish Blue». Когда художник заканчивал очередную картину, - на ее гладкой поверхности не было заметно ни одного мазка.
Впрочем, залог удачи картины – не только в технике ее исполнения. Совершенство композиции и волнующий сюжет – немаловажные слагаемые. «Я знаю, что публика хочет историю, чтобы знать больше о картине, чем картина говорит ей» - отмечал художник, - «но, на мой взгляд, если картина не рассказывает её собственную историю, то лучше иметь историю без картины... картина говорит сама всё, что необходимо, нет ничего более».
Три года спустя один из современников Пэрриша писал: «В 1925 году одна из каждых четырёх семей в Соединенных Штатах была обладательницей копии картины Пэрриша в своей гостиной. Количество её воспроизведений превзошло картины любого другого художника этого времени, за исключением работ Сезанна и Ван Гога». Литографии «Рассвета» оставили позади тиражи работ Энди Уорхола и Леонардо да Винчи, принеся фирме Reinthal & Newman огромные барыши. Оригинал приобрел анонимный покупатель и она исчезла из поля зрения публики; впрочем, количество литографических копий вполне компенсировало отсутствие возможности полюбоваться оригиналом. Лишь пятьдесят лет спустя стало известно, что «Рассвет» стал собственностью Уильяма Дженнингса Брайана, известного политика и представителя популистского крыла Демократической партии. Брайан заплатил за картину солидную сумму и не желал, чтобы его образ борца за права бедных был испорчен такой дорогой покупкой. Внучка Брайана – Кэйти Спенс – была одной из любимых моделей Пэрриша; с нее он нарисовал фигуру лежащей девушки, а для склонившейся над ней обнаженной фигуры позировала дочь художника – Джейн, ставшая впоследствии художником-пейзажистом.
Именно «Рассвет» побил рекорд цен на картины Пэрриша: в 2006 году работа была продана на аукционе Christie’s за 7,6 миллиона долларов США, а приобрела картину жена актера Мэла Гибсона, Робин. Четыре года спустя картина перекочевала в другую частную коллекцию, но уже за меньшую сумму – «всего» за 5,2 миллиона. Картина Максфилда Пэрриша «Рассвет» стала одной из сюжетных линий в клипе Майкла Джексона «You Are Not Alone» (1995).
#МаксфилдПэрриш #Символизм
@pic_history
Вы знали, что 84% стоимости брендовой одежды - это наценка за этикетку?
Об этом на конференции заявил директор Louis Vuitton в России Майкл Берк, который уволился из-за снижения продаж на одежду бренда.
Хорошо, что есть магазин, где Вы можете купить брендовые вещи в разы дешевле, чем в официальных магазинах!
Проверенные байеры работают с 2012 года. Они сотрудничают только с фабриками, где отшивают оригиналы, качество 1 к 1. Доставка по всему миру, а самые трендовые модели всегда в наличии.
👉 Покупатели остаются в полной конфиденциальности, а мы рекомендуем подписаться, чтобы не потерять байеров!
Оставляю ссылку на магазин - /channel/+4QgBMuID-XxmYmYy
(Заявку принимают сразу)
"Остатки банкета с мясным пирогом"
1635 г.
Виллем Клас Хеда
Национальная галерея искусства, Вашингтон.
👀 Смотреть в высоком качестве
@pic_history
В конце 1608 года Рубенс возвратился из Италии в город Антверпен, где в юности он обучался живописи. В дороге художник получил печальное известие о смерти матери, которое сильно повлияло на его душевное состояние: около двух месяцев он провел в добровольном заточении в монастыре. Некоторое время Рубенс колебался, решая вопрос: стоит ли ему остаться здесь, в Антверпене, или же лучше вернуться в Рим, откуда поступали весьма заманчивые для живописца предложения.
Брат Питера, Филипп, представил его герцогу Альбрехту, который не замедлил воспользоваться случаем, чтобы заказать новому художнику семейный портрет. Картина настолько понравилась герцогу, что тот возвел Рубенса в сан придворного живописца с хорошим жалованьем. Благодаря этому решению Питер остался в Антверпене, а мы получили возможность любоваться картиной Рубенса «Воздвижение креста», с описанием которой и предлагаем вам ознакомиться.
Заказ на это полотно художник получил от местного богача и покровителя искусств Корнелиса ван дер Гееста, который хотел преподнести картину в дар церкви Святой Вальбургии. Контракт был подписан в 1609 году, а сумма вознаграждения составляла 2 600 гульденов. Картина Рубенса «Воздвижение креста» была написана примерно за два года: по одним сведениям, художник завершил работу над полотном в 1610 году, другие источники утверждают, что заказ был выполнен в начале 1611 года.
Как бы там ни было, стоит признать: справиться со столь огромным объемом работы за такой небольшой срок мог истинный гений живописи. «Воздвижение креста» Рубенса — это не просто картина, а триптих довольно-таки огромных размеров. Высота центральной панели составляет 4,6 метра, ширина — 3,4 метра. Габариты каждой боковой панели — 4,6 х 1,5 метра. На полотне изображены 22 персонажа плюс животные и растения.
Во время своего пребывания в Италии Рубенс писал копии с античных произведений и работ современников-итальянцев, оттачивая таким образом свое мастерство. На картине Рубенса «Воздвижение креста» заметны следы влияния таких мэтров итальянской живописи, как Тинторетто, Микеланджело, Караваджо, однако ее нельзя назвать копией — это работа зрелого мастера с собственным стилем.
Сюжет полотна — казнь Иисуса, но если предшественники Рубенса изображали на своих холстах финальный момент распятия, то своим современникам художник отвел роль свидетелей самого процесса. Центром всей композиции является крест с распятым на нем Иисусом. Его руки воздеты к небу словно в немом призыве, взгляд ищет в небесах ответ на вопрос «Для чего Ты оставил Меня?». Девять палачей изо всех сил пытаются поднять крест: мышцы вздуты, лица напряжены, и кажется, будто все их усилия напрасны, что эта человеческая волна не в силах совладать с мощью распятого, но не сломленного Иисуса.
На левой части триптиха зритель видит людей, пришедших проводить Христа. Женщины и дети с ужасом наблюдают за происходящим: они не могут вмешаться, ведь с противоположной стороны стоят римляне, — солдаты и всадники — готовящиеся казнить двух других преступников. Вся сцена ярко освещена, несмотря на то, что в верхней части картины едва виднеется тусклый шар солнца, затянутый свинцовыми тучами.
Картина Рубенса «Воздвижение креста» — это произведение, наполненное глубоким философским смыслом. Она заставляет зрителя задуматься о том, какую огромную жертву принес Иисус во имя искупления грехов каждого человека. Сегодня этот триптих украшает алтарную стену Антверпенского Кафедрального собора по соседству с другими произведениями великого художника.
#ПитерРубенс #РелигиознаяСцена #Барокко
@pic_history
