12188
Художественные экспонаты со всех концов света. Удивительные и известные вещи и люди. Реклама: @neznayca или по ссылке: telega.in/c/exponat
Рабы
В числе самых ценных экспонатов Лувра две скульптуры Микеланджело: знаменитые "Умирающий раб" и "Восставший раб". Они были созданы в период с 1513 по 1519 г. для надгробия папы Юлия II, но так и не вошли в окончательный вариант гробницы.
По задумке скульптора, всего статуй должно было быть шесть. Но работу над четырьмя из них Микеланджело не закончил. Сегодня они находятся в Галерее Академии во Флоренции.
Две законченные луврские статуи - это противопоставление сильного юноши, пытающегося разорвать путы, другому юноше, бессильно повисающему в них. Побежденные, связанные, умирающие люди у Микеланджело, тем не менее, как всегда удивительно прекрасны и сильны.
По утверждению Вазари: «Пленники эти означали области, покоренные этим папой и подчиненные апостольской церкви; другие же разнообразные статуи, также связанные, — олицетворяли все добродетели и хитроумные искусства, изображенные там потому, что и они были подчинены смерти и не в меньшей степени, чем сам первосвященник, который столь успешно им покровительствовал».
В «Восставшем рабе» находили олицетворение архитектуры, а в «Умирающем» — живописи, так как у ног фигуры имеется незавершенное изображение обезьяны из афоризма Ars simia naturae.
Если любите Маяковского, ловите бот, который присылает по 1-2 стиха в день от великого поэта @mayakovskiybot
@exponat
Автопортрет с соломенной шляпой
Все автопортреты Ван Гога исследователи определяют как «романтическую деромантизацию образа». На картине «Автопортрет с соломенной шляпой» художник действительно показан зрителю как один из многих. Тем не менее фигура на полотне излучает такую уверенность, духовную полноту, что кажущаяся обыденность смывается будто сильным течением реки. Эта картина Винсента Ван Гога считается одной из крупнейших жемчужин художественного собрания Метрополитен-музея.
Все картины мастера на канале @vincent_vangog
Подпишись на Винсента Ван Гога
Моаи с острова Пасхи
Вам интересна наука и научно-популярное движение? Тогда будет полезен канал @brain_party Научно-популярные мероприятия Москвы.
А теперь о главном.
Остров Пасхи одно из уединенных мест обитания и расположен в Тихом океане, более 3700 км от ближайшего континента (Южная Америка) и в 2600 км от обитаемого острова (Питкейрн).
Несколько лет назад палеонтолог Дэвид Стэдмен и несколько других исследователей выполнили первое исследование острова Пасхи. Остров был заселен примерно в 400 г. н. э.
Совершенно необъяснимыми оказались около 200 гигантских каменных изваяний - "Моаи", расположенные на массивных постаментах вдоль побережья острова с жалкой растительностью, вдали от каменоломен. Большинство статуй располагались на массивных постаментах. Еще не менее 700, в разной степени готовности, были оставлены в карьерах или на древних дорогах, связывающих карьеры с побережьем. Складывалось впечатление, что скульпторы внезапно оставили свои инструменты и прекратили работу..
Далекие мастера вырубали «моаи» на склонах вулкана Рано-Рораку, расположенного в восточной части острова, из мягкого вулканического же туфа. Затем готовые статуи спускали вниз по склону и расставляли по периметру острова, на расстояние более 10 км. Высота большинства идолов составляет от пяти до семи метров, более же поздние изваяния доходили и до 10, и до 12 метров. Туф, или, как его еще называют, пемза, из которого они сделаны, по структуре напоминает губку и легко крошится даже при легком на него воздействии. так что средний вес «моаи» не превышает 5 тонн. Каменные аху — платформы-постаменты: достигали 150 м. в длину и 3 м. в высоту, и состояли из кусков весом до 10 т.
Авель
Город который покорил меня с первого вдоха это Питер. Было это так давно, что я боюсь посчитать какой это был год. Абсолютно всё там производит колоссальное, неизгладимое впечатление. Как жаль, что я не могу там побывать снова. Но не расстаться с детской мечтой мне помогает канал
"Питер сегодня" @pitergram. Всегда позитивные события, интересные жители города и полезные мероприятия. Максимум полезной информации о том, как провести время в компании, где устроить романтический вечер для любимого человека или где развлечь детей. Рекомендую подписаться!
Сегодня по теме Питера у нас:
Дюпре, Джованни. Скульптура Авель. Италия, 1844 г.
Мрамор, длина 235 см
Некоторые люди умеют создавать красоту буквально из ничего: будь то коряга, найденная во время прогулки, кусок камня или куча песка. К чему бы ни прикоснулись руки таких волшебников, из всего получаются самые настоящие шедевры, от которых просто невозможно отвести глаз!
Когда речь заходит о скульптуре, восхищает всё — от фантазии её автора до самого воплощения в жизнь идеи, рождённой в его голове. И конечно, не хватает никаких слов, чтобы передать это чувство восхищения, когда смотришь на эти каменные изваяния и кажется, что они живые и вот-вот заговорят.
Именно такие чувства посещают меня, когда я смотрю на творение Джованни Дюпре скульптуру Авель.
Кажется, он только упал и тело его ещё тёплое.
@exponat
Законы Хаммурапи
Ко́декс Хаммура́пи —законодательный свод старовавилонского периода, созданный при царе Хаммурапи в 1750-х годах до н. э. Один из древнейших правовых памятников в мире.
Основной текст свода сохранился в виде клинописной надписи на аккадском языке, высеченной на конусообразной диоритовой стеле, которая была обнаружена французской археологической экспедицией в конце 1901 — начале 1902 года в ходе раскопок древнего города Сузы на территории Персии. Современные исследователи делят Законы на 282 параграфа, регулирующих вопросы судопроизводства, охраны различных форм собственности и брачно-семейных отношений, а также частного и уголовного права. Около 35 параграфов были стёрты со стелы ещё в древности и в настоящее время частично восстановлены по копиям на глиняных табличках.
Законы Хаммурапи — результат крупной реформы существовавшего правопорядка, призванной унифицировать и дополнить действие неписаных норм поведения, зародившихся ещё в первобытном обществе. В качестве вершины развития клинописного права древней Месопотамии, Законы оказывали влияние на правовую культуру Древнего Востока на протяжении многих столетий. Система права, закреплённая вавилонским сводом, стала передовой для своего времени и по богатству нормативного содержания и используемых юридических конструкций была превзойдена лишь позднейшим правом Древнего Рима.
Несмотря на то, что они были созданы на раннем этапе становления ближневосточного сословного общества, что обусловило сравнительную жестокость установленных ими уголовных наказаний, Законы отличаются исключительной продуманностью и стройностью правового регулирования. В отличие от большинства других древних памятников Востока, для свода Хаммурапи характерно практически полное отсутствие сакрально-религиозной мотивировки отдельных правовых норм, что делает его первым в истории человечества чисто законодательным актом.
Создан
1755—1752 годы до н. э.
Язык оригинала
старовавилонский диалектаккадского языка
Место хранения
Лувр, Париж
@exponat
Целомудрие
Статуя «Целомудрие» выполнена Антонио Коррадини в 1752 году и представляет собой надгробный памятник матери князя Раймондо, умершей вскоре после родов.
Коррадини, неоднократно изображавший до этого людей, закутанных вуалью или тканью, достиг здесь вершины своего творчества. Ткань, как будто став влажной от масляных испарений от светильника, элегантно и естественно облегает женское тело.
Ткань настолько тонка, что подобна невесомой паутине, и должна поддерживаться на фигуре с помощью пояса из роз. Взгляд в сторону, невыразимая лёгкость позы, увядшее древо под ногами, разбитая мраморная плита с эпитафией - всё это, наряду с тканью, подчёркивает, что жизнь изображённой женщины должна была оборваться слишком рано.
Основными идеями памятника стали, с одной стороны, уверенность князя Раймондо в совершенствах и добродетелях матери, с другой же, вечная боль оттого, что он никогда не знал женщины, подарившей ему жизнь ценою собственной.
@exponat
Стены индийского храма состоят из тысяч скульптур
Индия — удивительная страна: веками ее народ создавал такие дворцы и храмы, каких не найти больше ни в одном уголке земли. Таков храм Минакши, расположенный в самом сердце старинного города Мадурай. Храм посвящен богине Парвати и ее супругу Шиве, и на стенах его в танце застыли яркие фигуры индуистских богов и героев, апсар и ракшасов.
Храмовый комплекс огромен, местные жители проводят здесь все праздники. Он увенчан 14 гопурами — башнями высотой до 50 м. Самая высокая (51,8 м) — южная башня, построенная в 1559 году. А самая древняя башня — восточная — появилась в 1216 году.
Все стены храмового комплекса покрыты тысячами тысяч каменных скульптур — животных, богов и демонов индуистской традиции. В этом заключен сакральный смысл: бесчисленные статуи — символ изобилия, величия и щедрости древней религии и культуры.
Все фигуры высекались из камня и раскрашивались вручную на протяжении поколений. Башни Минакши — самые высокие строения в городе, их видно над всеми крышами. По ночам башни освещены яркими огнями. Да, это Индия, так что с вами всегда готов поздороваться слон.
В храме есть внутренний дворик с бассейном, где можно отдохнуть. Рыба здесь не водится, зато с водой связана интересная легенда: если писатель принесет свою рукопись к пруду, опустит страницы на воду и те не утонут, то книга достойна остаться в веках. Если же бумага опустится на дно, то над книгой определенно надо еще поработать.
В Индии очень много чудес!
@exponat
Больше работ скульптора http://m.pikabu.ru/story/skulpturyi_iz_bumagi_ot_jeff_nishinaka_4141368
Читать полностью…
Работы мастера http://nevsepic.com.ua/art-i-risovanaya-grafika/13153-rezba-po-knigam-brayana-dettmera-125-rabot.html
Читать полностью…
Совет дня. Канал с картинами Ван Гога это бесценно @vincent_vangog
Давид — мраморная статуя работы Микеланджело, впервые представлен на флорентийской публике на площади Синьории 8 сентября 1504 года. С тех пор пятиметровое изваяние стало восприниматься как символ Флорентийской республики и одна из вершин не только искусства Возрождения, но и человеческого гения в целом. В настоящее время оригинал статуи находится в Академии изящных искусств во Флоренции.
Статуя Давида была сделана Микеланджело из куска белого мрамора, оставшегося от другого скульптора, Агостино ди Дуччо, который безуспешно пытался с этим куском работать, а потом бросил его.
Кстати, Давид, веками считавшийся образцом мужской красоты, не так уж и совершенен. Дело в том, что он косоглаз. К такому выводу пришел американский ученый Марк Ливой из Стэнфордского университета, обследовавший статую с помощью лазерно-компьютерной техники. «Дефект зрения» более чем пятиметровой скульптуры незаметен, поскольку она водружена на высокий пьедестал. По мнению экспертов, Микеланджело намеренно наделил свое детище этим недостатком, поскольку желал, чтобы профиль Давида выглядел идеально с любой стороны.
@exponat
Совет дня. Как известно, наука, которая объяснит почти всё, что происходит не только на Земле, но и во вселенной это физика. На просторах телеграмм попался один удивительный канал о физике.
@SciencePhysics
Много интересной теории, и не только. Подпишись - вдохни молекулу знаний.
А теперь о главном.
«Моисей» — мраморная статуя ветхозаветного пророка высотой 235 см, которая занимает центральное место в скульптурной гробнице папы Юлия II в римской базилике Сан-Пьетро-ин-Винколи. Над этой скульптурой с 1513 по 1515 годы работал Микеланджело. По бокам от Моисея стоят фигуры Лии и Рахили, выполненные учениками великого мастера.
«Моисей» представляет собой фрагмент грандиозного замысла гробницы Юлия II, который не осуществился из-за финансовых трудностей наследников понтифика.
Микеланджело изобразил на своей скульптуре Моисея с рогами. Многие историки искусства объясняют это неправильным толкованием Библии. В Книге Исхода говорится, что когда Моисей спустился с горы Синай со скрижалями, иудеям было трудно смотреть в его лицо. В этом месте в Библии употреблено слово, которое с иврита можно перевести и как «лучи», и как «рога». Однако по контексту однозначно можно сказать, что речь идёт именно о лучах света — что лицо Моисея сияло, а не было рогато.
@exponat
Одна из работ выставки.
Ольга Розанова Цветоконструкция
1917
Бумага, карандаш, акварель, тушь
51х45,7
Гиперреализм
Слово «гиперреализм» было придумано Isy Brachot в 1973 году как французский синоним слова «фотореализм». «Гиперреализм» стал названием большого каталога и выставки в Брюсселе в том же 1973 году. На выставке преимущественно были представлены работы американских фотореалистов, но также были включены работы ряда значительных европейских художников, таких как: Гноли (Gnoli), Герхард Рихтер, Клафек (Klapheck) и Делкол (Delcol). Почти тридцать лет спустя термин стали использовать для определения творчества новой группы художников.
Современный гиперреализм основывается на эстетических принципах фотореализма, но в отличие от последнего, не стремится буквально копировать повседневную реальность. Объекты и сцены в гиперреалистичной живописи детализированы, чтобы создать иллюзию реальности, но это не сюрреализм, так как изображенное вполне могло произойти.
Корни гиперреализма можно найти в философии Жана Бодрийяра: «симуляция чего-то, что никогда в действительности не существовало» («the simulation of something which never really existed»). Гиперреалисты создают ложную реальность, убедительную иллюзию. Как фотореализм симулировал аналоговую фотографию, так гиперреализм использует цифровые изображения.
Казалось бы, первоклассные снимки, а на самом деле — гиперреалистичные картины, на которых с поразительной четкостью запечатлена реальная действительность.
В погоне за техникой и детализацией, гиперреалисты достигли небывалой реалистичности. Однако немалое упорство и талант авторов делают эти портреты чем-то больше, чем просто копией фотографии.
Мастерство некоторых художников превосходит все границы. Они рисуют чем угодно: маслом, акриловыми красками, углем, шариковыми ручками или простым карандашом, - но их работы не отличить от фотографий. В них жизнь, видение художника, эмоции и иллюзия мира, в котором мы живем.
@exponat
Череп
Музей ван Гога, Амстердам (Van Gogh Museum, Amsterdam)
1887
41.5 x 31.5 см
@vincent_vangog
Я полагаю, что это поразительно, когда человек как крот вгрызается в землю и роет норы, прокладывает там рельсы и мчится по туннелям. Но человек не крот и свой подземный коридор превращает в сказочный подземный ход.
Стокгольмский метрополитен является одним из самых красивых в мире, часто столичное метро Швеции называют самой длинной художественной галереей мира. Система линий была открыта в 1950 году. Туристы, осмотрев великолепнейшее оформление некоторых станций, могут познакомиться с произведениями различных видов и направлений искусства.
В самом красивом метро мира представлены скульптуры классической архитектуры, оригинальные граффити и мозаики, настенные рельефы, видео-инсталляции, здесь часто проходят различные выставки. 140 художников создавали арт-объекты, чтобы украсить тоннели. Ни один турист не останется равнодушным, когда спустится в метро столицы Швеции на станции, которые вырублены в скалах, как пещеры, ему будет казаться, что он попал в сказочный грот.
http://www.fresher.ru/manager_content/images2/metropoliten-stokgolma/big/46.jpg
@exponat
Человек из Линдоу
Так назвали человека, умершего в эпоху железного века и обнаруженного в торфяном болоте Линдоу близ деревни Мобберли, графство Чешир, Великобритания. Является одним из наиболее сохранившихся болотных тел и одной из самых сенсационных археологических находок, сделанных в Великобритании.
Работники компании по добыче торфа, обнаружили под слоем торфа человеческую голову, настолько хорошо сохранившуюся, что в глазнице осталось глазное яблоко, а сквозь пробоину в черепе был виден мозг. После того, как экспертиза установила, что голова принадлежала женщине, полиция арестовала местного жителя, которого еще в 1950-х годах подозревали в убийстве жены и сокрытии её трупа. В результате он сознался в преступлении, а также в том, что расчленил тело и бросил его в болото. Вскоре повторная экспертиза, проведенная в лабораторииОксфордского университета, с помощью радиоуглеродного анализа установила, что голова принадлежала женщине, которая скончалась в первом или втором веке н.э.
1 августа 1984 года там же сделали еще одну находку. Под слоем торфа, покрывавшего, как сначала показалось, кусок древесины, обнаружили человеческую ногу и вновь вызвали полицию. Затем группа археологов обследовала не тронутую торфяными разработками часть трясины и на глубине 2,5 метров нашла тело, которое впоследствии назвали человеком из Линдоу (предыдущая находка получила имя - Женщина из Линдоу).
Учите английский язык, а познавательный канал @dailyeng вам поможет. Обучает английскому языку, даёт все необходимые материалы для изучения.
@exponat
Гробница Гомера
Поделюсь интересным из мира телеграмм. Канал @psyhologia
Самое интересное из мира психологии. Выбирает и комментирует для вас статьи практикующий психолог Екатерина Кузьминых
А теперь о главном.
В Эрмитаже очень много экспонатов загадок. Вот один из них. В зале Юпитера можно найти «гробницу Гомера». Она была вывезена то ли с острова Андрос, то ли с острова Хиос в ходе Первой Архипелагской экспедиции графа Орлова-Чесменского. Первым владельцем гробницы стал «заводитель дел необыкновенных» граф Александр Строганов, который писал: «В первую турецкую войну 1770 г. русский офицер Домашнев, командовавший нашим десантом на одном из островов Архипелага, привез этот саркофаг в Россию и подарил его мне. При виде этого памятника, я не мог не воскликнуть: «Не памятник ли это Гомера?» Фраза стала переходить из уст в уста, только, похоже, без вопросительной интонации.
Вскоре, авторитет Строганова как коллекционера неимоверно вырос. Еще бы, ведь он обладал предметом, за которым не одно столетие гонялись авантюристы со всего света. Впрочем, «гробница Гомера» — очередная красивая легенда, вроде Атлантиды или золота Трои.
Изучив барельефы, ученые с уверенностью заявили, что античная гробница была создана во II веке нашей эры, а это значит, что человек, которому принадлежал саркофаг, разминулся с Гомером лет на девятьсот. Но пока остается неразгаданной другая тайна гробницы: совершенно различная стилистика задней и лицевой стенок саркофага. Каким образом, где и когда эти стенки соединились – непонятно.
@exponat
Девушка с веслом
В век высоких скоростей нужно быстро усваивать информацию и реагировать на неё, вот тогда человеческая психика и может дать сбой, который называется депрессией.
@thenoondaydemon
о депрессии и других психических расстройствах. Как не впасть в депрессию, как выйти из этого неприятного и опасного состояния. Читайте в канале.
А теперь о главном.
Самое ранее упоминание о «Девушке с веслом» историки обнаружили в газете «Советское искусство» № 33 от 17 июля 1935 года. Журналист сообщал: «Скульптор Шадр заканчивает большую монументальную композицию «Девушка с веслом», которая будет установлена в центре фонтана на главной магистрали Парка им. Горького. Скульптура изображает юную советскую спортсменку во весь рост с веслом в руке. Высота фигуры вместе с бронзовым постаментом - около 12 метров»…
Скульптура Девушка с веслом — один из классических символов советской эпохи. Без гипсовой копии этого изваяния трудно было представить себе пионерский лагерь или профсоюзную базу отдыха. Производство Девушек поставили на поток ещё в 30-е годы прошлого века, чтобы приобщить к культуре и искусству широкие пролетарские массы.
Девушка и правда получилась «слишком живой». Её женственность и привлекательность оценили бы в другом месте и в другое время, но не в Советском Союзе 1930-х. На скульптора сразу обрушились критики. Им не понравилось абсолютно всё. Вот выдержка из «Вечерней Москвы» от 11 августа 1935 года:
«…Мы наблюдаем спекуляцию вульгарной эротической образностью. Весло здесь теряет свой бытовой смысл и становится очевидным фаллическим символом; оно отсылает нас к уключине, в которую вставляется весло… Наконец, следует помнить, что обнаженная девушка-гребец с эрегированными сосками стала украшением фонтана, который моделирует водометание как извержение спермы…». Скульптор прочитал отзывы и впал в депрессию.
Депрессия – рабочее состояние художника. Однако Иван Дмитриевич Шадр – особый случай, он много повидал на своем веку. Скульптору, после таких жизненных передряг, мнение столичных критиков – как слону дробина. Художник впал в депрессию от того, что его открытие - выстраданный эстетический идеал - было отвергнуто властной волей.
Депрессия художника продолжалась несколько месяцев. Он излечился только тогда, когда ему разрешили предложить свою Лолу (первый вариант «Девушки с веслом») любому городскому парку, который согласится ее принять. Транспортировку и установку двенадцатиметровой скульптуры должен был оплачивать сам автор.
@exponat
Нефертити
Бюст Неферти́ти — одно из наиболее известных произведений амарнского стиля и древнеегипетского искусства в целом, стилизованный скульптурный портрет Нефертити, супруги фараона-реформатора Эхнатона, правившего в Древнем Египте приблизительно в 1351—1334 годах до нашей эры.
Бюст Нефертити был обнаружен 6 декабря 1912 года в Тель-эль-Амарне на раскопках древнего города Ахетатона, археологической экспедицией под руководством немецкого египтолога Людвига Борхардта. Бюст находился в одном из помещений в доме древнеегипетского скульптора Тутмоса вместе с десятками других скульптур, изображавших фараона Эхнатона и его приближённых.
Основа бюста выполнена из известняка и покрыта гипсо-ангидритовой смесью, окрашенной в шесть цветов. Левая глазница является пустой, мнения специалистов относительно причин отсутствия левого глаза значительно расходятся. Скульптура представляет собой идеализированное изображение царицы, её лицо абсолютно симметрично. По мнению советского египтолога Милицы Матье, в бюсте Нефертити «особенно поразительно сочетание строгого, скупого отбора черт, необходимых для выразительности портрета, с той мягкостью трактовки, которая и придаёт всему произведению характер подлинной жизненности».
Великолепная сохранность уникального полихромного скульптурного портрета Нефертити, неоднозначная фигура руководителя обнаружившей его археологической экспедиции, не имеющее чёткого объяснения отсутствие у скульптуры одного глаза вызывали сомнения в его подлинности, и в конце XX — начале XXI веков несколько исследователей выдвинули теории о фальсификации бюста Нефертити в 1912 году, которые отвергаются и опровергаются официальной наукой.
@exponat
Медный всадник
Памятник, окруженный мистическими и потусторонними историями. Одна из легенд, связанных с ним, гласит, что во время Отечественной войны 1812 года Александр I приказал вывезти из города особо ценные произведения искусства, в том числе и памятник Петру I. В это время некий майор Батурин добился свидания с личным другом царя князем Голицыным и передал ему, что его, Батурина, преследует один и тот же сон. Он видит себя на Сенатской площади. Лик Петра поворачивается. Всадник съезжает со своей скалы и направляется по петербургским улицам к Каменному острову, где жил тогда Александр I. Всадник въезжает во двор Каменоостровского дворца, из которого выходит к нему навстречу государь. «Молодой человек, до чего ты довел мою Россию, — говорит ему Петр Великий, — но покуда я на месте, моему городу нечего опасаться!». Затем всадник поворачивает назад, и снова раздается «тяжело-звонкое скаканье».
Пораженный рассказом Батурина, князь Голицын передал сновидение государю. В результате Александр I отменил свое решение об эвакуации памятника. Памятник остался на месте.
@exponat
Тень в искусстве — тень обратна свету. В искусстве, также в философии тень связана с негативным началом, противоположностью положительного и солнечного, также с понятием «второго я».
Древние греки полагали, что именно благодаря тени возникла живопись. Как гласит старинная легенда, записанная Плинием Старшим (79 г. н. э.): коринфская дева, дочь гончара из Сикиона, обвела на стене профиль своего возлюбленного, отбрасываемый в свете свечи, и попыталась его сохранить. Так увидел эту сцену Джозеф Райт из Дерби в 1782 г. В период Возрождения, в живописи важную роль играет тень. Мазаччо делает тень главным составляющим композиции в росписи Капеллы Бранкаччи («Петр исцеляет тенью», 1424—1425 гг.) как источник божественной благодати. Если в средневековой живописи Бог, святой изображались в ореоле света, то во фреске Мазаччо святой появляется в ореоле тени. В эпоху Ренессанса тень приобретает, символическое значение, связанное с темой Благовещения. В работах Яна ван Эйка, Лоренцо ди Креди и Лодовико Карраччи тень, отбрасываемая архангелом Гавриилом или девой Марией, символизирует «тень Вседержителя», властью которого Иисус Христос воплотился в облике человека. Тень как самостоятельный философский образ использовал в своём творчестве Микеланджело Меризида Караваджо. На полотне «Ужин в Эммаусе» (1601 г.), где изображена встреча апостолов с Христом после его смерти, тень над головой Христа повторяет нимб своей формой, но не цветом.
@exponat
Скульптура из бумаги
Хочу посоветовать весьма полезный канал @freakbook, где каждый вечер выходят дайджесты самых информативных и познавательных статей дня. Часто нахожу там ссылки на статьи по искусству. Еще там бывают подборки с ключевыми идеями книг.
И продолжаем бумажную тему.
Истинные скульптуры из бумаги появились только во второй половине XX века. В наши дни таких мастеров уже довольно много, а бумажные скульптуры стали полноправной частью современного искусства.
В совершенно особой технике работает скульптор из Пекина Ли Хунбо. Он создает скульптурные изображения, которые можно растягивать и деформировать, как пружину. Такой необычный эффект создается путем очень сложного подбора и подгонки сотен, даже тысяч слоев бумаги, особым образом соединенных между собой. Эти уникальные произведения искусства кажутся выполненными из плотного матового материала типа мрамора, но стоит к ним прикоснуться, как вся конструкция приходит в движение.
@exponat
Резьба по книгам.
Современный художник Брайан Деттмер, родившийся в Чикаго и в данный момент проживающий в Атланте, штат Джорджия, создает удивительные произведения искусства из старых книг.
Используя ножи, щипцы и хирургические инструменты, Брайан тщательно расслаивает книги, создавая свои удивительные работы.
Деттмер получил признание критиков по всему миру, и его работы можно найти в многочисленных галереях и изданиях.
Вот что говорит о своих работах сам автор: «Век информации в физической форме увядает. Неосязаемые потоки информации становятся все быстрее, и материал и история теряются и забываются. Новые средства информации быстро меняют форму, не ограниченные весом материала и не имеющие ответственности перед историей. В реальном мире остается замерзший материал, однако в виртуальном мире материала может вообще не остаться. История утеряна, так как форматы меняются от физической стабильности до цифровой нищеты».
Богатство и глубину книги ценят во всем мире, и все же очень часто они остаются незамеченными, т.к. монополия формы и значимости информации увядает со временем.
Работы Деттмера можно увидеть на выставках в США, Мексике и Европе. Он не раз проводил выставки в Нью-Йорке, Чикаго, Сан-Франциско, Майями, Атланте и Барселоне, а его проекты украшают художественные галереи в Мехико, Берлине и Лондоне.
@exponat
Современное искусство для «чайников»
На просторах интернета много всего занимательного и не очень, интересного и скучного, красивого и отвратительного. Данный экскурс в современное искусство мне показался остроумным. Автор с юмором посмотрел на современное творчество человека.
1. Если видишь цветные загогулины и пятна, как будто художник с разбегу и от души ляпал краской, то это абстрактный экспрессионизм.
Джексон Поллок, «№ 5». Это самая дорогая картина в мире, продана за 140 млн долл. Обычно вместо названия у абстрактных картин номер или первые пришедшие в голову слова, например «Автомобильный сок № 689».
2. Если это унитаз, кирпич, экскаватор, мусор и другие скучные вещи, но их поставили под стекло и дали заумное объяснение, то это концептуализм.
Дэмьен Херст, «За любовь Господа» (платиновый череп с бриллиантами, показывает триумф религии золотого тельца). Йозеф Бойс, «Стул с жиром» (а это попытка «слиться с природой на мистически-шаманском уровне»)
3. Тот же унитаз, но без всяких объяснения — реди-мейд.
Художник просто взял унитаз и поставил на постамент, а все умно кивают головой: Да-да, мол, понимаем. И мы понимаем, а че тут не понять.
Марсель Дюшан купил писсуар в магазине (по другой версии, нашел на мусорке) и выставил под названием «Фонтан» и под псевдонимом «R. Mutt» (дурак). Между прочим, он был продан за 1 млн долларов с хвостиком.
4. Если увиденное на картине похоже на дурной сон, то это, скорее всего сюрреализм. А вообще, говорим «сюрреализм» — видим Дали. Говорим «Дали» — видим сюрреализм.
5. Когда кажется, что художник нагло схалтурил, выдав фотку за картину, это гиперреализм. А если все мокрые или голые, так вообще не сомневайтесь.
6. Кто-то взял картинку из глянцевого журнала и неумело раскрасил в Пейнте, а когда чуть-чуть осмелел, перерисовал комикс? И все ядовитыми цветами? Ну, это точно поп-арт.
7. Если вы задаете себе вопрос: это какое-то колдовство или я просто пьян, лопни мои глаза? Будьте уверены, что это оп-арт (еще вариант, что вы все-таки махнули перед встречей с искусством).
8. Если что-то вам подсказывает, что у художника в детстве было пять по черчению, будьте уверены — перед вами картина в стиле конструктивизма.
Джозес Альберс, Эль Лисицкий
9. Если художник играет на рояле вниз головой, танцует в костюме торта, обматывает себя питоном и лежит в центре горящей звезды — в общем занимается привычными для себя делами, но на глазах у всех, это называется перфоманс.
10. Хэппенинг — почти то же самое, что и перфоманс, только с участием зрителей. А еще у него нет сценария и никто не знает, куда это веселье заведет.
11. Вы входите в зал, где стоят стулья с гвоздями, а на них сидят манекены со страданием на лице — не пугайтесь, это инсталляция. Короче говоря, это такое произведение искусства, в которое можно войти и все там потрогать
@exponat
Начну с отличного совета! Канал о детских книгах. Таких немного, может быть, даже, один в телеграмм
@chitaem_detkam_channel
Обзоры на детские книги, отслеживают акции Лабиринта.
Надо подписаться!
А теперь о главном .
Эндрю Майерс получил образование в художественном Институте Южной Калифорнии, живет и работает в городе Лагуна Бич, штат Калифорния. Создавая три года назад барельеф с изображением святой Катерины в церкви, Майерсу пришла в голову мысль о создании 3D портретов из необычных материалов. Художник выбрал саморезы. «Мне понравилась идея использовать саморезы из-за индустриального аспекта и резкости, которая исходит при использовании этого материала», рассказал художник о своей работе журналистам.
На создание одного портрета автор тратит 2-3 дня и до десяти тысяч шурупов. Эндрю берет лист фанеры, делает набросок портрета простым карандашом, а затем начинает на разную глубину вкручивать шурупы, превращая плоский рисунок в объемный шедевр.
@exponat
Как известно искусство влияет на всё, что нас окружает. Вот, недавно, Леся Орлова ведущая модного канала @ole_op - о стиле, шопинге и вдохновении, поделилась со мной информацией о выставке «Эффект времени: влияние русского авангарда на современную моду». Достаточно, интересно и познавательно, как и сам канал. Советую подписаться!
Еще со времен Ренессанса мода имела в своем распоряжении сложную систему цитат и метафор, позволяющую буквально прочесть костюм, наделенный значением текста. Однако, в ХХ веке костюм больше стремится к чистой визуальности, все чаще прибегая к изобразительному искусству как к основному источнику вдохновения. Начиная с 1960х, дизайнеры увлеклись графической простотой работ авангардистов, заимствуя характерные, прежде всего, для художников четкие геометрические и абстрактные формы, плоскостные композиции и отсутствие прямой линейной перспективы. Можно сказать, что влияние изобразительного искусства на моду с этого времени достигло своего максимума - многие работы современных кутюрье сегодня напоминают трехмерные полотна, скульптуры, более наделенными ценностью артефакта.
На протяжении веков изобразительное искусство служило одним из инструментов изучения истории костюма. Наследие живописи и графики, а позже - фотографии, дает нам представление об эволюции парадного, военного, рабочего и других костюмов разных эпох.
Выставка «Эффект времени: влияние русского авангарда на современную моду» наоборот обращается к истории искусства через работы ведущих домов моды, которые используют схожие с произведениями русских авангардистов цветовые и композиционные решения, часто прибегая к заимствованию узнаваемых форм, деталей декора и орнаментов.
Выставка проходит в Москве по адресу - ул. Образцова, д.11, стр.1а
Ближайшие станции метро:
Марьина Роща, Достоевская, Менделеевская
С 4 июля – 4 сентября, пн–чт, вс 12:00–22:00, пт 10:00–15:00
Канал, который Вы сейчас читаете, в известной степени это канал об эстетике. Но я знаю канал не просто об эстетике, а об искусстве эстетики. И скажу Вам честно - там очень интересно.
Канал имиджмейкера Екатерины Грузиновой @buro_estetiki.
Персональный стиль. Актуальные тенденции. История моды. Психология восприятия. Эстетика бытия, данного нам в ощущениях.
А теперь о главном.
Известная художница-скульптор из Польши Малгожата Ходаковска живёт и работает в Дрездене.
Она создает не только удивительно женственные скульптуры, но и невероятные фонтаны, в которых бронза и вода дополняют друг друга
Изначально она вырезает скульптуры из дубовых стволов. Когда она только начинает, тяжело себе представить, как из огромного бревна может родиться утонченная женская фигура. Но Малгожата снимает лишнее, слой за слоем — и вот перед зрителем оказывается ее очередной шедевр.
Она экспериментировала во время своих поисков с различными художественными выражениями. В конце концов она выбрала фигуративные представления: "Когда я работаю над скульптурой, я чувствую себя ближе к человеческому телу и чувствую, что я могу сформулировать свой образ, своё представление линий, своё впечатление." сказала Малгожата в интервью
@exponat
Хотите почувствовать остроту, накал, страсть и вкусить картину ещё до её просмотра? Тогда вам нужно подписаться на Рецензорро!
@kinostudia
Отзывы, рекомендации, трейлеры, постеры, истории из жизни любимых актёров. Я уже подписался)
А теперь о главном.
Картину «Череп» Ван Гог написал в 1887 году. Этот период можно назвать периодом обучения и становления молодого художника. Ван Гог постоянно совершенствовался в мастерстве, в том числе под руководством более опытных живописцев.
Главной темой голландского периода творчества явилась тема крестьян. Именно любовь к человеку вдохновляла его на создание новых полотен. Но для рисования портретов требуется большой уровень мастерства и опыт. Как известно, Ван Гогу портретный жанр давался с трудом. На протяжении всей творческой жизни он стыдился своего неумения, и всегда стремился восполнить этот пробел с помощью постоянных тренировок.
Со времен Возрождения и по настоящее время рисование черепа, скелета и экорше считается необходимым этапом обучения начинающих художников. Это позволяет им лучше понять строение человеческого лица и фигуры, что положительно сказывается на умении рисовать человека. Через этот этап прошел и Ван Гог. Можно сказать, что он мастерски справился с поставленной задачей.
Африканские маски
Наткнулся на интересный канал @mythstory о мифах и их героях разных народов мира. Всегда интересовал тайный, скрытый смысл образов которые пришли к нам из древности и сопровождают по сей день. Я подписался, рекомендую и Вам.
А теперь о главном.
Собирательное название традиционных масок народов Африканского континента.
Произведения художественной пластики используются для отправления культа многими народами Африки. Так например, маски со спокойными лицами, глаза у которых обычно закрыты, изображают умерших родственников и используются в погребальных обрядах или во время празднеств.
Устрашающие маски, где человеческие черты лица зачастую соединялось с чертами зверя, надеваются членами тайных обществ во время традиционных празднеств или охоты за нечистой силой. Считается, что человек в маске даёт временное пристанище духу, которого эта маска изображает.
Кроме того, маски также используются во время охотничьих ритуалов; члены племени, надевая маски и шкуры животного, на которого предстояло охотиться, имитируют его поведение. Маски зачастую отображают в них определённых животных, духов или героев местной мифологии.
Европейские художники начала XX века ценили и собирали африканские маски. Как способ радикальной геометризации изображения человеческого лица африканская маска оказала влияние на становление кубизма.
Кстати, в Лувре есть целый отдел посвящённый Африканскому искусству, так что, будете в Париже, милости просим)
@exponat
