42489
Мода ХХ века, фэшн-фотография, ретро образы. Реклама и все вопросы: @nickmargin Реклама: @snakemanager
Синди Кроуфорд и её родинка, изменившая стандарты моды!
В моде есть жёсткое правило: всё, что не вписывается в стандарт, предлагается «исправить». В конце 80-х, когда индустрия была влюблена в симметрию, углы, «безупречные» лица, любая деталь, нарушающая этот идеальный чертёж, считалась серьезной угрозой карьерным перспективам. Синди Кроуфорд столкнулась с этим в самом начале пути: агент сразу же посоветовал удалить родинку над верхней губой, а в школе её все время дразнили из-за неё. Логика была проста — чем незаметнее отличия, тем выше шанс «войти в нужные рамки».
Но решительный отказ соответствовать и стал её главным стратегическим решением. Родинка, которую ей так категорично советовали убрать, стала её фирменной «подписью». Она стала той точкой, которая собирает черты лица и задаёт характер. Без неё она была бы лишь одной из многих красивых моделей эпохи. С ней же Синди стала узнаваемой на любом расстаянии, под любым углом и в любом формате — от журнальных обложек и до рекламных щитов.
Окончательный момент закрепления произошёл в рекламном ролике Pepsi. Наверняка вы помните её белую майку, джинсовые шорты и заправку посреди трассы. Камера фиксировала не недосягаемую икону, а живую женщину «без попытки понравиться», чья красота была не «над» зрителем, а рядом с ним — на жаркой заправке с баночкой Пепси в руках. :)
Родинка перестала быть изъяном и окончательно превратилась в её точку сборки, в центр притяжения взглядов миллионов поклонников по всему миру.
Индустрия быстро подхватила этот сигнал. В 90-е бренды уже начали строить свои рекламные кампании на индивидуальности: веснушки, асимметрия и вообще выразительные черты больше не считались недостатком. Но именно Кроуфорд была одной из первых, кто показал, что личная особенность может стать ресурсом, а не проклятием. :)
Если немного порассуждать, то можно прийти к выводу, что женщина, которая сама решает что считать своей красотой, возвращает себе контроль над образом. Она не ждёт одобрения. Она формулирует новую норму изнутри, а не подчиняется устоявшимся догмам. И тогда то, что раньше называли недостатком, становится основой ее идентичности — твердой, уверенной и непоколебимой.
Именно поэтому Синди Кроуфорд — не только супермодель. Она — лицо эпохи, которая впервые разрешила женщине быть не идеальной, а настоящей. И если сегодня индустрия и говорит о принятии, разнообразии и «своей» красоте, то корни этого разговора — там, где одна девушка когда-то сказала: «Оставьте родинку. Это часть меня!»
Винтажная мода - Подписаться
Двое из ларца одинаковых с лица
Каждый из нас сталкивался с ситуацией, когда на улице или в гостях появлялась дама в таком же наряде. Это очень неприятно и выбивает из колеи.
А вот для звезд такое совпадение в нарядах — настоящая катастрофа. Ведь они изо всех сил стремятся к уникальности. Появиться под вспышки фотокамер в одинаковых платьях? Страшный сон! Но история знает десятки таких случаев.
Ирина Шейк и Наташа Поли
Наташа и Ирина — подруги в обычной жизни. И, похоже, взгляды на мир у них настолько схожи, что они не сговариваясь выбрали практически идентичные наряды. Судя по сдержанным улыбкам, «близняшкам» это не очень понравилось.
Пинк и Шакира
Balmain оказался настолько крутым, что его выбрали сразу две певицы. И обе пришли в одинаковых нарядах на MTV Video Music Awards в 2009 году. Когда звезды увидели друг друга, они рассмеялись, и уже фотографировались только вместе, привлекая внимание одинаковыми образами.
Сара Сампайо и Эмили Ратаковски
Год 2015-й, вечеринка Sport Illustrated. Две модели — Эмили Ратаковски и Сара Сампайо обнаружили, что пришли на вечеринку в почти одинаковых нарядах. Они, конечно, привлекли внимание папарацци, но вряд ли были рады такому совпадению вкусов.
Джейми Ли Кертис и Сигурни Уивер
В данном случае выход в одинаковых платьях больше похож на сговор. В фильме «Снова ты» Сигурни и Джейми Ли Кертис играли непримиримых соперниц. Придя на премьеру фильма в одинаковых нарядах, актрисы хотели показать, что в жизни соперницами не являются.
Джулианна Хаф и Оливия Манн
Как и в других ситуациях, появление актрис в одинаковых нарядах привлекло к ним внимание. Многие даже решили, что это было сделано намеренно. Но актрисы яростно отрицали преднамеренность такого пи-ар хода.
Джейми Кинг и Ники Хилтон
Черные туфли, леопардовый принт, светлые волосы… Если бы не разные прически и не широкий пояс у Ники, их можно было бы спутать.
Джулия Робертс и Элизабет Стюарт
А вот тут как раз тот случай, когда одинаковые луки — преднамеренный ход. Так актрисы хотели подчеркнуть дружбу между ними. И только цвет сумочек позволил разбавить такие одинаковые образы.
Обри Плаза и Элизабет Олсен
Примеру предыдущих подруг последовали Обри и Элизабет, появившись в одинаковых нарядах на премьере фильма «Ингрид едет на Запад». Встретившись на красной дорожке, дамы попытались сыграть искреннее удивление, но то ли удивление неискренним получилось, то ли актерского мастерства не хватило — их замысел был раскрыт.
Винтажная мода - Подписаться
Любимый дизайнер Грейс Келли, самый недооцененный креативный директор Dior – Марк Боан
Марк Боан возглавлял Дом Dior больше, чем кто-либо – целых 29 лет. Но несмотря на впечатляющую творческую биографию, его вспоминают не так часто, как его предшественника - Ива Сен-Лорана, проработавшего в компании всего два с лишним года. Мы постараемся восстановить эту историческую несправедливость. :)
За почти три десятилетия Марк Боан сумел пересмотреть стиль бренда, сформулировав его как «одежду для реальных женщин». Дизайнер привнес в философию Dior легкость и простоту.
Это время было самым спокойным в истории французского модного Дома. Боан не любил шокировать публику, зато вводил новые линейки с красивой и уместной в любых обстоятельствах одеждой. Возможно, его аккуратные пальто-трапеции и добротные шерстяные костюмы-двойки несколько теряются на фоне гротескных моделей Джона Гальяно, но именно они стали любимыми для клиенток Дома, которые доверяли Боану самые важные выходы в своей жизни — от красных дорожек до свадеб.
Именно в годы Марка Dior сотрудничал с Мией Фэрроу, Марлен Дитрих, Сильви Вартан, Марией Каллас и Грейс Келли. С последней модельера связывала теплая дружба. Постоянной клиенткой Dior княгиня Монако стала в 60-е — Марк создал для нее множество образов. «Она была символом моего стиля, – сказал Боан в одном из интервью. – Стиля, который привлекал внимание, но никогда не был агрессивным. Рубашки, блузки и крепдешин идеально подходили ее вкусу».
В 1967 году он предложил Грейс Келли стать «крестной матерью» детской линии Dior , поскольку в то время она и сама была молодой мамой. Бутик до сих пор расположен на том же месте, где были сделаны фотографии дизайнера и княгини.
Обожала Марка Боана и Элизабет Тейлор, которая получала «Оскар» в 1961 году в необычном платье его авторства с гипертрофированно узкой талией и пышной юбкой-баллоном, расшитой цветочным узором.
Кроме того, Марк Боан начал делать линию pret-a-porter. То есть предлагал готовые сезонные коллекции и «массовое» производство одежды, а не только пошив на заказ. Это позволило не растерять клиентуру и спасло модный Дом от финансового кризиса.
Также Боан вывел Dior на мужской парфюмерный рынок. Именно ему принадлежит идея первого аромата для мужчин: Eau Sauvage, выпущенного в 1966 году. Да-да, это тот самый парфюм, который за 20 миллионов долларов рекламировал Джонни Депп. А в 1970-м Боан дополнительно запустил линию мужской одежды Christian Dior Monsieur.
Винтажная мода - Подписаться
Приглашаю вас в мир уникальных вещей с историей!
В своем магазине ProSecond я предлагаю качественную одежду абсолютно разной стилистики и постоянно ищу что-то новое и необычное🧚
Вы найдете европейский винтаж: Баварию, Тироль, аутентичную Японию и Непал, классику, этнику, бохо, кэжуал, благородную шерсть, в том числе кашемир, шелк и лен и многое другое!
Жду вас🍁
Мастерская Lesage: когда стежки задают тон высокой моде
В истории кутюра есть мастерские, где рождаются не просто вещи, а сама эстетика высокой моды. Maison Lesage — бесспорно одна из таких мастерских. На протяжении века Dior, Balenciaga, Chanel, Schiaparelli, Givenchy, Saint Laurent, Lacroix и другие доверяют этому Дому самое тонкое в своих коллекциях — вышивку. Здесь она не просто украшение, а художественный способ придать характер силуэту, а ткани — глубину и световой рельеф. Казалось бы, никаких секретных технологий: люневильский крючок, ручные стежки, жемчуг, бисер, канитель и перья — но в Lesage они соединяются так, что ткань получает волшебный мягкий объём и выразительную игру света.
Ателье ведёт свою историю ещё от мастерской Michonet времён Второй французской империи. Современная же часть истории начинается в 1924 году, когда её приобрели Альбер Лесаж и Мари-Луиза Фаво, превратив мастерскую в лабораторию художественной вышивки. Именно здесь для Эльзы Скиапарелли выполняли смелые сюрреалистические решения, а для Мадлен Вионне — чёткие линейные мотивы, соответствующие её чистой конструкции кроя. После войны дом возглавил Франсуа Лесаж; при нём мастерская уже работала для Dior и Balenciaga, а затем — для Givenchy и Saint Laurent. Жакеты Сен-Лорана «Подсолнухи» и «Ирисы» (весна–лето 1988), вышитые Maison Lesage, по выразительности, пожалуй, уже ближе к живописи, чем к декоративному шитью.
Вы можете задаться вопросом, почему же модные дома не вышивают сами? Дело всё в том, что вышивка — это отдельная профессия со своей строгой дисциплиной, тактильной памятью и годами наработанного опыта. Чтобы мастер одинаково уверенно работал с органзой, тюлем и бархатом, чтобы «укладывал» блеск в нужном ритме, требуется не обучающий курс по машинной вышивке, а преемственность поколений умельцев, «передача руки» — от мастера к ученику. Поэтому модельеры приносят свои идеи и настроение, а мастера Lesage находят способы воплотить их в материале: определяет плотность, высоту рельефа, мерцание, паузы.
Кстати, в 1992 году Lesage открыл собственную школу, понимая, что ремесло живёт только в передаче опыта. А в 2002-м Дом вошёл в экосистему Chanel (структура Paraffection), при этом сохранив собственные техники и принципы. Сегодня мастерские Lesage расположены в парижском комплексе le19M — рядом с ателье перьевщиков, изготовителей искусственных цветов и плиссировщиков. Здесь старинные техники не консервируются — они развиваются, получают новые материалы и задачи.
Наследие Lesage — не в пайетках и не в перьях. Оно — в умении работать с тканью так, чтобы она приобретала глубину, ритм и характер. Пока такие мастерские продолжают своё дело, высокая мода не превращается в поток случайных трендов и распродаж, а остаётся искусством, где важны не только идеи, но и руки, которые их воплощают.
Винтажная мода - Подписаться
Николь Кидман в культовом платье Balenciaga 1950-х годов, вдохновленным танцем фламенко
Учитывая то, что название выставки Met Gala 2024 звучало как «Спящие красавицы: возрождение моды», целью мероприятия было вернуть к жизни хрупкие, но прекрасные архивные вещи. Однако мало кто из гостей справился с задачей так же хорошо, как это сделала Николь Кидман.
На усыпанные цветами ступени Метрополитен-музея 56-летняя актриса вышла в культовом платье авторства Кристобаля Баленсиаги – пусть и воссозданном.
Этот шикарный черно-белый наряд был показан в весенне-летней коллекции Кристобаля в 1951 году. Тогда же его увековечил в апрельском номере Harper's Bazaar знаменитый фотограф Ричард Аведон. Платье носила Дориан Ли, которую называли одной из первых супермоделей. Ее манера позировать напомнила дизайнеру пышные юбки с воланами, которые носили танцовщицы фламенко в его родной Испании. Именно эти кадры увидела Николь, и они ее впечатлили.
Оригинальный винтажный наряд продемонстрировать на ковровой дорожке не рискнули – слишком он деликатен. Поэтому платье для Кидман было в точности воссоздано Balenciaga под руководством дизайнера Демны Гвасалии.
Мастера использовали 150 метров воздушной ткани, чтобы изготовить 3000 «перьев», каждое из которых было вырезано, сложено, плиссировано и пришито вручную. На создание юбки ушло 800 часов работы и еще 400 часов понадобилось, чтобы превратить две отдельные вещи в цельное вечернее платье!
А как вам Николь в этом культовом образе 50-х годов?
Винтажная мода - Подписаться
«Эдвард Руки-ножницы»: тёмная поэтика ранимого романтика.
Когда в 1990 году вышел фильм «Эдвард Руки-ножницы», то зрителям запомнился даже не столько фантастический сюжет, сколько полюбился сам образ Эдварда в исполнении великолепного Джонни Деппа. :)
Костюм же, созданный художницей по костюмам Коллин Этвуд, стал визуальной биографией героя — историей ранимости, спрятанной под чёрной грубой кожей.
Комбинезон был собран из ремней, пряжек и вставок — так, будто его стягивали вручную, по деталям. Ничего гладкого и «готового» — только соединённые фрагменты, как отражение внутренней разорванности героя. Вблизи костюм напоминал вторую кожу, а издалека — жёсткую, неудобную конструкцию, которая своей формой определяла шаг и угловатость движений Эдварда. Каждый шов на костюме читается как отчаянная попытка удержать свою целостность.
Особенно выразителен контраст с окружением. Пастельные домики пригорода, ухоженные газоны, дружелюбные соседи — и среди них тёмная, тонкая фигура Эдварда. Его вид не пугает, а обостряет тему инаковости: ведь иногда «другой» просто не знает, как быть рядом с теми, кто живёт по устоявшимся и понятным им правилам.
Образ гармонично дополнили макияж и причёска: бледная кожа, тени под глазами, растрёпанные пряди — постпанк плюс романтическая хрупкость. Но грозная внешняя «броня» одежды являлась лишь оболочкой очень мягкого и ранимого человека. В этой хрупкости, пожалуй, и была заключена главная красота персонажа.
Кстати, Эдвард стал своего рода отправной точкой для разработки целой эстетики вокруг его художественного образа — от подиумных кожаных тотал-луков до портупей в уличной моде. Его цитируют и до сих пор, но главное то, что образ стал удачной метафорой: «не похожий на других» может быть любимым. И еще, простите за банальность, но «лезвия на руках» могут быть не так опасны, как злые слова окружающих тебя людей...
Винтажная мода - Подписаться
Обувь Таби от Maison Margiela: культ и тихий эпатаж.
В моде немного вещей, которые читаются и как часть истории костюма, и как личное высказывание. Обувь Tabi Мартина Марджела — безусловно, одна из них. В 1988 году разделённый носок традиционной японской обуви таби стал нервом дебютного показа Maison Margiela. Модели шли по белому подиуму и демонстративно оставляли на нем красные следы, будто заранее проставляя автографы в будущих учебниках по истории моды.
Форма Tabi построена на особой колодке: мягкая кожа повторяет стопу, а большой палец отделён, меняя таким образом саму механику шага. Походка становится чуть осторожнее, линия стопы — более чёткой. В этом и есть почерк Марджелы: предложить увидеть привычное иначе. Не эпатаж ради внимания, а тихое смещение угла зрения.
Понятное дело, что публика конца 80-х отреагировала по-разному: кому-то обувь казалась остроумной, кому-то — странной, кому-то же — гениальной. Но именно эта «пограничность» и сделала Tabi долговечной моделью. Она не навязывает себя, но заставляет заметить. В ней есть театральность, но без крика. Таби — это скорее пауза, чем действие.
Со временем Tabi стали кодом его Дома моды. Линейка расширилась: появились сапоги, балетки, мужские модели, вечерние варианты из лака и сатина. И даже после ухода самого Марджелы линия не растворилась — и разрезанный носок так остался узнаваемым элементом Maison Margiela. В 2023 году пара Tabi неожиданно стала вирусной из-за истории кражи, которая в Тик-Токе собрала десятки миллионов просмотров за считанные дни. Если вкратце, то девушка из Нью-Йорка рассказала у себя на страничке, что после удачного, как ей казалось, свидания парень, уходя из её квартиры, тихо сменил свои дешёвые кроссовки на её ботильоны Maison Margiela Tabi. Позже выяснилось, что он подарил украденные Tabi другой девушке, выдавая их за «винтажную находку» в надежде произвести на нее впечатление. Видео превратилось в массовое онлайн-расследование: зрители сопоставляли фотографии, татуировки и сторис, пока «та самая» девушка, которой ухажёр подарил эти таби, не связалась с хозяйкой, вернув ей пару. :)
После этой истории продажи таби резко возросли! :) Сегодня же, в 2025-м, коллекционные таби от Маржелы уже продаются не как модные аксессуары, а как полноценные арт-объекты, которым место за стеклом, а не на улице. :)
Почему интерес к Тabi от Margiela держится десятилетиями? Скорее всего, потому что их форма — это не чудаковатая странность, а взвешенное высказывание. В психологии есть даже понятие маркера идентичности. Это маленькая деталь, через которую человек подтверждает своё «я». Для многих Tabi являются именно таким маркером. Они не украшают, а таким образом высказываются.
И пока мода ищет язык разговора о личности и свободе быть собой, Tabi звучат удивительно современно. Да, шаг от таби может быть тихим, но вот след от него всегда заметен. :)
Винтажная мода - Подписаться
Как влюбить принца за 5 минут – «Платье Золушки» Кейт Миддлтон
Эпохальное событие произошло в 2002 году на благотворительном fashion-показе в Сент-Эндрюсском университете. Когда будущая герцогиня Кембриджская, еще студентка, появилась на подиуме в прозрачном платье, она вряд ли предполагала, что этот выход станет для нее судьбоносным. Миддлтон присутствовала на мероприятии в качестве модели, ей досталось прозрачное платье, созданное дизайнером Шарлоттой Тодд.
Как гласит история, принц Уильям был в зале и, когда он увидел Кейт, шагающую по подиуму в прозрачном наряде, влюбился с первого взгляда. По рассказам однокурсников Уильям заплатил тогда 400 фунтов, чтобы сидеть в первом ряду. Когда девушка проходила мимо, принц повернулся к своему другу Фергюсу Бойду и шепнул на ухо: «Вау, Фергюс, Кейт горяча!».
Друг супругов, Пэт Дункан, позже вспоминал: «Это был конец первого курса. Я был там, и, скажу честно, там было полно красивых девушек. Кейт была в очень смелом платье. Уильям сидел в первом ряду и не сводил с нее глаз».
В будущем за этот наряд Кейт не раз доставалось от королевских критиков. Тем не менее после того, как она стала законной супругой наследника престола, ее «платье Золушки» ушло с молотка за 180 тысяч долларов. Однажды Кейт даже пошутила на эту тему: «Надеюсь, вы никогда не будете участвовать в фэшн-шоу. Потому что никогда не знаешь, что тебе придется надеть!»
Винтажная мода - Подписаться
Лучшие образы 80-х годов на красной дорожке
Одри Хепберн на церемонии вручения премии "Lifetime Achievement Awards", 1988 г.
В 80-е годы Одри Хепберн появлялась на публичных мероприятиях не так уж часто, но все-таки пришла на церемонию вручения премии "Lifetime Achievement Awards", чтобы поддержать своего друга и соратника Юбера де Живанши. Одетая в красное платье с перьями из авторской коллекции дизайнера, знаменитая актриса выглядела как всегда элегантно и стильно.
Синди Лопер на вручении премии "MTV Video Music Awards", 1988 г.
Исполнительница хита «Girls Just Want to Have Fun» всегда привлекала внимание своими яркими и уникальными образами. На церемонии вручения премии MTV в 1988 году Синди была запечатлена в блестящем платье, которое дополнял металлический бюстгальтер – супертренд конца восьмидесятых.
Хизер Локлир и Том Круз на вечеринке "Entertainment tonight", 1982 г.
Немногие помнят, но звезда сериала «Район Мелроуз» Хизер Локлир и Том Круз крутили роман. И хотя их отношения продлились недолго, совместные выходы пары выглядели очень стильно. Например, этот скоординированный образ в цвете хаки.
Кортни Кокс на премьере фильма "Большое приключение Пи-Ви", 1988 г.
Восьмидесятые – это не только китч, что не раз доказывала Кортни Кокс в свою эпоху до "Друзей". На премьеру фильма актриса пришла в полосатом блейзере и юбке плиссе, дополнив образ мокасинами с пряжками. Белые носочки заслуживают отдельного комплимента от модных критиков.
Грейс Джонс на церемонии вручения "Грэмми", 1983 г.
Грейс Джонс, никогда не отличавшаяся стеснительностью, выбрала для церемонии "Грэмми" эффектный кожаный ансамбль. Модель и певица надела этот смелый наряд от Issey Miyake в комплекте с огромным головным убором в виде зонтика, чтобы вручить награду Рику Джеймсу. Последнему, кстати, то и дело приходилось уворачиваться, чтобы избежать столкновения с массивным аксессуаром.
Кристина Эпплгейт на церемонии вручения музыкальной премии "MTV Video Music Awards", 1989 г.
Юная актриса Кристина Эпплгейт надела невероятно милое цветочное платье длины миди и шарф на церемонию "MTV Video Music Awards" в 1989 году. Кстати, в то время девушка встречалась с Брэдом Питтом, который был старше ее на восемь лет.
Винтажная мода - Подписаться
Почему после ссоры нас тянет купить что-то новое?
Ссора — это всегда маленькое землетрясение. Мир вроде стоит на месте, но внутри что-то съезжает. «Я не в порядке», «меня не слышат» — психика тут же ищет способ вернуть контроль. И первым на помощь, конечно же, приходит шкаф. :) Новая вещь становится мини-ремонтом личности: чуть другая ткань, новая посадка — и вот ты уже ощущаешь, что можешь снова уверенно дышать.
В этот момент одежда превращается в терапию с быстрой доставкой. В когнитивных терминах — это самоподкрепление, то есть действие, которое возвращает чувство собственной ценности. А если надеть вещь, ассоциирующуюся с ролью, которой сейчас не хватает — «собранная», «спокойная», «уверенная», — то мозг обязательно вам подыграет! Он запустит ту самую версию вас, которой вы и хотите быть.
Есть и химия: новизна активирует дофамин, и покупка, к примеру, новой блузки ощущается как крошечная победа после эмоционального нокаута. Мозг радуется: «Я снова действую». А ткань делает остальное — плотная фактура возвращает границы тела, мягкая — отпускает зажимы, а идеально выверенная линия плеч будто собирает волю обратно в конструкцию. :)
Но речь не только про психологию, а ещё и про коммуникацию. Одежда ведь тоже язык. Заменив «растрёпанный» образ на аккуратный, мы как будто говорим миру: «Не переживайте, я снова в строю». Поэтому рука тянется к любимому фасону, но в новом цвете: знакомое снижает тревогу, а оттенок «свежего» даёт энергию. Так рождаются те самые «три одинаковых платья» — не от скуки, а от внутренней стратегии выживания.
Кино давно разгадало этот трюк. В «Сексе в большом городе» после ссор героини не просто примеряют наряды — они буквально перезапускают себя. Новая пара туфель — это не побег от эмоций, а способ вернуть голос, осанку и контроль над жизненным сюжетом.
Если делать это осознанно, то эффект можно превратить в ресурс, а не в шопинг-запой. :)
Итак, вот вам короткая, но действенная инструкция:
— придерживайтесь капсулы восстановления: один верх, один низ, один аксессуар — и всё в близких оттенках;
— знайте свои вещи-якоря — фасоны, в которых чувствуете себя убедительно;
— подбирайте фактуру по состоянию: мягкое — чтобы отпустить, структурное — чтобы собраться.
Главное помнить, что новая вещь все-таки не заменяет любовь и не склеивает отношения.
Зато она может вернуть вам вас, но уже более собранную, спокойную и готовую к разговору.
А иногда ведь именно этого и не хватает, чтобы услышать не только другого, но и самого себя. Согласны? :)
Признавайтесь, вы часто прибегали к шоппингу после ссор? И какие у вас были самые запоминающиеся покупки? :)
Винтажная мода - Подписаться
ОЛЕГ ЯНКОВСКИЙ: «голубая кровь» советского кино
Олег Янковский — секс-символ советского кино, чья привлекательность и обаяние завораживали зрителей по всему миру. Его выразительные глаза, элегантная осанка и неподдельная харизма делали его объектом вожделения для миллионов женщин.
Одежда, которую Олег выбирал для себя, только подчеркивала его сексуальность и мужественность. Он предпочитал облегающие костюмы, которые выделяли его стройную фигуру и подчеркивали мужественные черты. Янковский всегда был в тренде моды и умело сочетал стильные элементы современности с классическими деталями.
Одной из особенностей стиля Янковского было его умение подчеркнуть свою сексуальность и безупречный вкус с помощью аксессуаров. Он часто носил шляпы, актер также был известен своей любовью к солнцезащитным очкам и стильным часам, которые добавляли ему нотку роскоши и статуса.
Актер часто выбирал темные цвета для своей одежды: черный, темно-синий или темно-серый. Эти оттенки подчеркивали его серьезность и сдержанность. Он также умел сочетать разные текстуры и материалы, создавая интересные и оригинальные образы. А еще Янковский любил белые костюмы и пиджаки — в советское время это было супер-шиком, белое надевали только истинные модники.
По словам Александра Васильева, Янковский знал, как себя подать. Волевой подбородок, прямой нос, высокий лоб и сводящий с ума взгляд — вот типаж советского секс-символа, которому отвечали Янковский, Абдулов, Лещенко. Гремучая смесь «комсорга и плейбоя» кружила головы и завораживала зрителя.
Олег Янковский был не только официально признанной в 2008 году иконой стиля, но и символом свободы и независимости. Его образы всегда отражали его сильную личность и безупречный вкус. Он был идеальным сочетанием мужественности, элегантности и сексуальности, что делало его по-настоящему непревзойденным и неподражаемым.
Винтажная мода - Подписаться
Эльза Скиапарелли и шляпа-туфля (1937): мода, поставленная с ног на голову
В 1937 году Эльза Скиапарелли и Сальвадор Дали поставили моду… с ног на голову. В буквальном смысле. Они создали шляпу в форме туфли на каблуке — и этим простым жестом опрокинули весь модный пафос тридцатых. Пока другие дизайнеры пытались спасать женственность от скуки приличий, Скиапарелли взяла фетиш — женскую туфлю — и превратила его в насмешку над самим фетишем.
Идея, как водится, родилась из абсурда. Дали, великий провокатор, предложил: «А что, если надеть обувь на голову?» Эльза и глазом не моргнула. Не впервой, как говорится. Ведь были уже и омары на платьях, и губы-карманы, вот теперь и каблук на темени. В этой интерпретации туфля перестала быть символом соблазна и стала знаком иронии. Женщина в шляпе-туфле не стремилась понравиться — она играла с системой, которая ей это навязывала.
Сделано это, к слову, было не наспех. Чёрный войлок, выверенный крой, безупречный баланс: каблук создавал вертикаль, носок аккуратно обнимал затылок, а изящный изгиб подъёма превращал шляпу в арт объект. Сюрреализм, конечно, но с французским акцентом — точным, элегантным, холодным и остроумным.
Публика разделилась: одни ахнули, другие покрутили пальцем у виска. Но Эльза добилась главного — заставила моду подумать. В мире, где женственность измерялась количеством оборок, она показала: интеллект может быть самым сексуальным аксессуаром.
Шляпа-туфля стала символом свободы от серьёзности. Ведь в её форме — манифест без лозунгов: мода имеет право шутить, а женщина имеет право быть умной и смешной одновременно.
С тех пор дизайнеры регулярно цитируют этот жест. Сумки-телефоны, платье-мороженое, серьги-скульптуры — всё это прямые наследники той туфли, что когда-то осмелилась взобраться на голову. :)
И если присмотреться, то в этом таится глубина. Скиапарелли умело напомнила, что самое остроумное высказывание в моде — это то, после которого ты сначала улыбаешься, а потом начинаешь думать...
Винтажная мода - Подписаться
«Прозрачная блуза» YSL (1968): как всё начиналось.
В 1968 году Ив Сен-Лоран показал образ, который навсегда изменил отношение моды к женскому телу. На подиум вышла модель в прозрачной шифоновой блузе, надетой на голое тело. Пресса назвала её «блуза-насквозь» (see-through blouse), но это был не эпатаж, а смелый жест в защиту естественности. В мире, где корсет ещё недавно задавал форму тела, Сен-Лоран предложил новое прочтение, в котором женщина больше не обязана объяснять свою красоту.
Блуза выглядела просто, почти аскетично, но в этом и заключалась её сила. Тончайший шифон, муслин, почти невесомый шёлк — ткани, которые напоминали «сумеречный воздух», — сочетались со строгой линией плеча, аккуратным воротником и манжетами. Иногда дизайнер добавлял пояс из перьев, чтобы «заземлить» прозрачность. В итоге именно тело становилось частью композиции: не оголённость как таковая, а чистота формы, не дерзкий вызов, а спокойная уверенность.
Реакция была бурной. Мнения как всегда разделились. Одни видели в блузе излишнюю откровенность, другие — честность и новое понимание женственности без подпорок. Этот момент стал поворотным: мода окончательно отказалась от жёстких конструкций и вернула телу право быть естественным. С того показа началась целая эра прозрачных платьев, кружев без подкладки и лёгких тканей.
Ив Сен-Лоран удивительно точно почувствовал женщин и сумел передать в ткани мысль о том, что «можно быть хрупкой и сильной одновременно».
Сегодня прозрачные ткани на подиумах говорят не о соблазне, а о самообладании. Они про уверенность, про право быть видимой без страха. Шифоновая блуза 1968 года стала не просто страницей истории моды, а формулой достоинства — лёгкой, ясной и по-настоящему живой.
Винтажная мода - Подписаться
Все эксперименты с волосами Анджелины Джоли
1990-е
На старте своей карьеры Анджелина очень любила синие тени, тонкие брови (в то время это был супертренд) и короткие стрижки во всех возможных вариациях: от гарсона до пикси. Волосы она красила преимущественно в темные оттенки.
Столь смелые стилистические решения подчеркнули ее характер дерзкой бунтарки и помогли выделиться на фоне остальных.
Ближе к концу 90-х девушке надоел этот образ и она перешла на сторону теплого, медового блонда и мягких кудрей. Не исключено, что она вдохновилась иконическим стилем Мэрилин Монро. Резкая смена имиджа сделала актрису более женственной.
2000-2005
В начале нулевых Джоли вдруг стала ходить с длинными волосами цвета вороного крыла. Она их либо выравнивала, либо собирала в тугой пучок.
Этот период продлился недолго, и уже к 2004 году Энджи переключилась на теплые оттенки каштанового. И не зря! Это смягчило ее черты лица и красиво подчеркнуло цвет глаз (интересный факт: от природы актриса имеет голубые глаза, но любит носить цветные линзы).
2006-2012
С 2006 года Джоли стала настоящей поклонницей естественности: небрежные укладки, легкие кудри, слегка завитые кончики, объемные пучки с выбившимися прядками у лица. Цвета для окрашивания она выбирала опять-таки теплые и натуральные.
Начиная с 2008-го, актриса выходила на ковровые дорожки с прическами в стиле старого Голливуда, что добавило ей элегантности.
2013-2018
Это время сдержанных и спокойных причесок. В основном Джоли делала разные вариации пучка или низкий хвост. Значительно реже – распускала волосы.
2019-2024
Начиная с 2019 года актриса активно экспериментирует с карамельно-шоколадной палитрой, а также время от времени заметно укорачивает длину.
А вам какие ее прически нравятся больше всего? :)
Винтажная мода - Подписаться
Джанет Джексон и её total-black образы.
Винтажная мода - Подписаться
Глория Гиннесс: меньше значит больше
В 1963-1971 годы автором в издании «Harper's Bazaar» работала Глория Гиннесс. Признанная всеми модная дива и светская львица в 1964-м получила честь войти в International Best Dressed List Hall of Fame — Зал Славы самых элегантных модников.
Глория была красавицей с самого детства. Родилась она в Мексике в семье известного журналиста. С возрастом оказалось, что девушка обладает прекрасным чувством стиля. Кроме того, она была очень умна. Все это помогло Глории удачно выйти замуж. Причем, не один раз.
Первое замужество продлилось недолго: ее супругом стал директор сахарного завода в ее родном городе голландец Шольтенс. Затем Глория вышла замуж по любви — за графа Фюрстенберг-Хердрингена, и стала мачехой актрисы Бетси фон Фюрстенберг. А спустя семь лет стала женой египетского принца.
Уже будучи принцессой, Глория продолжила искать «своего единственного», и очередным избранником красавицы стал британский миллионер Лоэл Гиннесс, который, по словам Глории, так часто портил воздух, что она не могла спать с ним.
Почему же женщина ни с кем не могла ужиться? Утонченные манеры, грация, безупречный внешний вид, умение подать себя — всё это покоряло мужские сердца. А после свадьбы женщина начинала проявлять свой несносный характер и просто выносила мужьям мозг.
Но дела семейные — это ее проблемы. А общество воспринимало Глорию по одежке. Женщина была ужасной модницей и обожала Кристобаля Баленсиагу. Говорят, когда она пришла к мэтру заказывать платье, то стала указывать, как именно его следует кроить. Баленсиага возмутился, но Глория указала ему, что именно она оплачивает счета, а значит, может заказывать музыку. Кристобаль был вынужден согласиться, и раскроил платье так, как указывала клиентка.
Икона стиля любила минимализм. Ей подражали тысячи женщин. Дамы с удовольствием рассматривали фотографии Глории и читали ее колонку в «Harper's Bazaar». Ее снимали Сесил Битон, Ричард Аведон, Хорст П. Хорст, Слим Ааронс и другие. Ее одевали Кристобаль Баленсиага, Эльза Скиапарелли, Марк Боан в Christian Dior, Chanel, Юбер де Живанши, Ив Сен-Лоран, Валентино Гаравани, Халстон…
Эксперты утверждают, что именно она ввела в моду брюки-капри, хотя многие считают первопроходцем в этом Джеки Кеннеди. Многие дизайнеры вдохновлялись стилем Глории.
А еще хозяйка шести домов и обладательница огромного состояния была щедрой и не скупилась на благотворительность.
А сколько раз вы были бы готовы выйти замуж, чтобы стать состоятельной? :)
Винтажная мода - Подписаться
Жизель Бюндхен: выход моды из передоза 90-х.
Конец 90-х нарекли «героиновым шиком», в котором главным модным высказыванием стала эстетика измождённости с её бледной кожей, «утомлённым» взглядом и подчеркнутой худобой. В этом образе было много драматичности, но ничтожно мало живой энергии. На таком вот болезненном фоне появление восемнадцатилетней Жизель Бюндхен стало не просто дебютом новой модели, а настоящим изменением фокуса модной оптики. В Vogue тогда даже написали, что мир наконец-то дождался «возвращения сексуальной модели»! Но важна не сексуальность как таковая, а то, что вернулась здоровая телесность — живая и сильная.
Жизель никогда не играла в подчеркнутую соблазнительность. Её сила была в естественности: прямой шаг, уверенная осанка, загар и движение, в котором чувствуется энергия. На снимках у Марио Тестино и Стивена Майзеля её тело не позировало — оно жило. Это была красота не истощения, а здоровья и силы.
После десятилетия гранжа и моды на болезненную хрупкость общество устало от образа «исчезающего тела». Появилась потребность в женственности, которая не обесценивает себя и не требует быть слабее, чем она есть. Жизель как раз стала лицом этого перехода: уверенность без жёсткости, чувственность без театральности, здоровье как эстетика. Позже это назовут wellness-гламуром — когда тело воспринимается не как объект для оценки, а как часть здоровой, полноценной личности.
Индустрия отреагировала почти сразу. В бельевых и купальных коллекциях на первый план вышли поддержка, удобство и свобода движения. В рекламные кампании вернулись солнце, пляж, спорт, танец. Модели стали двигаться, а не «грустить и позировать». Кожа перестала быть болезненно бледной: вернулся мягкий загар и естественное сияние. Мода снова начала говорить не о хрупкости и усталости, а о живости и энергичности.
Сегодня мы намного шире понимаем, как могут выглядеть тело и красота. Но урок рубежа тысячелетий остаётся важным: мода способна поддерживать, а не истощать. Сила не отменяет нежность, а естественность не противоречит привлекательности. Шаг, дыхание, уверенная посадка плеч — это тоже стиль. И когда мода выбирает живость вместо утомлённости, она меняет не только силуэт, но и представление о том, что значит быть женщиной.
Винтажная мода - Подписаться
Сегодняшний флэшмоб - это мой чемодан! :)
Друзья, делимся в комментариях фотографиями ваших чемоданов!
А если же у вас есть снимки из ваших путешествий, где вы и ваш надежный чемодан вместе, то это вообще бинго и двойное комбо! :)
Винтажная мода - Подписаться
Pin-up: стиль радости и тёплой уверенности
В конце 1940-х пин-ап вышел за пределы армейских плакатов и автомастерских и стал одним из самых характерных образов XX века. Его сразу можно узнать по открытым плечам, подчёркнутому лифу, шортам или юбке с высокой талией, платку, повязанному на голову, и лёгкой, живой позе с улыбкой. Но за этой, казалось бы, простотой стояла эмоциональная задача того времени: послевоенная эпоха нуждалась в образах, которые бы обещали, что мирная жизнь обязательно станет прежней: близкой, тёплой и солнечной. Пин-ап не столько соблазнял, сколько давал надежду.
Основой силуэта стало бельё. В 1920-е стремились к прямой, почти «плоской» фигуре, но к концу 1940-х линия тела изменилась: появились бюстье, конусные чашки и корсетные пояса. Силуэт стал более объёмным и женственным: узкая талия, оформленная грудь, мягкое бедро. :)
Pin-up быстро распространился через массовую печать — открытки, журнальные вкладыши, обложки, этикетки чулок, рисунки на самолётах. Миллионы изображений создали узнаваемые визуальные намёки. Например, косынка, повязанная на голову, говорила о лёгкости и игре; красная помада — о желании быть яркой; поза вполоборота — о мягкой уверенности в своей привлекательности. Это была женственность, которая существовала параллельно с официальными нормами времени и оставляла место для более свободного самовыражения.
Да, у пин-апа действительно непростое происхождение: он появился в контексте мужского взгляда и военной пропаганды. Но причина, по которой этот стиль живёт до сих пор, не в ностальгии, а в том, что его приёмы по-прежнему работают. Высокая талия вытягивает силуэт, лиф на бретелях подчёркивает ключицы, небольшой локон или косынка придают лицу мягкость и выразительность. Всё это легко носить и сегодня. Наденьте, например, топ из хлопка и джинсы с высокой посадкой, наведите стрелки, выберите красную помаду, оставьте шею открытой и добавьте простые серьги — и вот ваш современный пин-ап образ готов. Он не кричит, а просто показывает вашу уверенность, которую отчетливо чувствуют все окружающие. :)
Винтажная мода - Подписаться
«Малхолланд Драйв» (2001): одежда как маршрут от света к тени
Одна из граней гениальности фильма «Малхолланд Драйв» в том, что костюмы в нём не украшают героиню, а работают как язык подсознания. У героини Наоми Уоттс нет «нарядов для сцены» и «одежды для жизни» — её гардероб становится маршрутом от мягкой мечты к тревожной глубине.
Светлая «Бетти», впервые появляющаяся в Лос-Анджелесе, одета так, будто её образ составлен из надежд: пастельные кардиганы, трикотажные топы, юбки с мягкой линией. Всё такое аккуратное, округлое, приветливое. Это одежда человека, который искренне верит в прозрачные правила успеха: будь доброй, старательной — и мир ответит тем же.
Когда же иллюзия начинает рушиться, костюм распадается вместе с ней. В образе Дианы — той же героини, но в состоянии утраты — появляются бесформенные футболки, халаты, вещи без структуры. Силуэт перестаёт поддерживать фигуру, так же как надежда перестаёт поддерживать жизнь. Ткань становится знаком усталости и внутреннего распада: одежда уже не собирает, а распадается — как речь человека, потерявшего нить рассуждений.
Контраст усиливает образ Риты. Чёрные платья, лаконичные линии, блестящий сатин — внешний мир обаяния, который не объясняется словами. Если Бетти — это свет, стремление понравиться, быть «правильной», то Рита — это уже тёмное притяжение, автономность, тайна. Их гардеробы — это не просто разные стили. Это две версии женской идентичности: та, что стремится соответствовать ожиданиям, и та, что живёт по своим правилам.
Линч строит костюмную драматургию на чистых психологических сигналах: пастель как наивность, чёрный же как притяжение, мягкие ткани как желание быть принятой, структурные — как установка границы. Одежда не иллюстрирует события — она предсказывает их, показывая разрыв между «кем меня хотят видеть» и «кем я оказываюсь на самом деле». Именно поэтому фильм так глубоко и запоминается. Об остальном же промолчим, чтобы ненароком не спойлернуть чего-нибудь критически важного. :)
Винтажная мода - Подписаться
Любимый парфюм Мэрилин Монро (и это не Chanel Nº 5)
Многие слышали знаменитую фразу Мэрилин Монро про «несколько капель Chanel Nº 5 перед сном», но не все знают, что это не самый любимый ее аромат. Актриса была лицом Chanel Nº 5 и по контракту не могла публично расхваливать конкурентов.
В реальности же единственным флаконом, который не покидал туалетного столика кинодивы, были духи старинного английского бренда Floris. Эта семейная компания, которая строго чтит традиции и управляется девятым поколением, уже давно ассоциируется с британскими монархами и политиками.
Фаворитом Мэрилин был аромат под названием Rose Geranium. Он относится к категории цветочных и отличается ярко выраженными нотками герани, розы, цитрона и кедра. Парфюм был впервые представлен еще в 1890 году, когда розовую герань добавили к уже существующему аромату Geranium.
Известно, что в период съемок мюзикла «Джентльмены предпочитают блондинок» Мэрилин доставили солидную партию Rose Geranium в ее апартаменты в Beverly Hills Hotel – строго конфиденциально, конечно же.
Так, во время пребывания в Лондоне в отеле Claridge's, Мэрилин совершила короткую прогулку в бутик Floris. Под псевдонимом мисс Дороти Бласс актриса заказала шесть флаконов Floris Rose Geranium 'Toilet Water', которые были отправлены в Калифорнию.
В музее Floris на 89 Jermyn Street даже сохранилась оригинальная квитанция, датированная декабрем 1959 года, первоначально выписанная на имя мисс Дороти Бласс, а затем измененная на Мэрилин Монро Миллер.
Примечательно, что долгое время этот свежий аромат был доступен только в формате эссенции для ванны. Однако сейчас его можно заказать в бутике Floris по той же рецептуре.
Так что имейте это в виду. :)
Винтажная мода - Подписаться
Франсуа́за Саган и ее тонкий интеллектуальный стиль без кокетства.
В Париже есть особый тип свободы — не театральной, не подчеркнутой, а как будто случайной. Именно такую свободу в 1954 году принесла в литературу девятнадцатилетняя Франсуаза Саган. Она написала «Здравствуй, грусть!» — книгу тонкую, как сигаретный дым, и честную до беспокойства. Критики морщились, публика же влюбилась моментально. Но полюбили они не только «голос» молодой писательницы — полюбили еще и её образ.
Короткая стрижка, прямые брюки, тонкий тёмный свитер и сигарета. Взгляд — чуть в сторону, ведь самые важные слова произносятся не для камеры, а для человека напротив. Никаких украшений, никакой игры в соблазнение. Только ум, внутренняя свобода и от этого почти физическое ощущение принципа «я живу так, как хочу».
Этот стиль не придумывали стилисты — он родился на улицах Парижа. Сен-Жермен, кофейни, джаз, разговоры до утра, рукописи на коленях, жизнь, в которой пишут не ради славы, а потому что не писать было бы просто невыносимо. Одежда здесь — это не костюм, а состояние. Свитер не обнимает тело, а даёт ему свободу. Мужской жакет не делает образ жёстче, а добавляет внутреннего веса. Прямые брюки не про моду, а про отсутствие желания производить впечатление.
На знаменитых снимках 1955 года Саган сидит за столиком в кафе. Поза простая, почти домашняя, а сигарета — как пауза, подчеркивающая ее слова. И именно эта простота оказалась новым тоном.
В середине XX века женщины вдруг начали говорить сами за себя. Дали понять обществу, что они могут быть не только музой, но и автором, не украшением сюжета, а его источником. Свитер стал своего рода символом права на мысль. Право не «обязательно выглядеть красиво», а право просто быть собой. Когда образ женщины больше не кричит: «я привлекательна», а мягко сообщает: «я выбираю себя». Привлекательность здесь не нужно доказывать. Она просто случается как побочный эффект внутренней свободы.
Франсуаза Саган дала нам урок, который не устаревает: если гардероб шумит громче ваших мыслей — значит, это не ваш гардероб.
Винтажная мода - Подписаться
Как Анна Винтур изменила концепцию обложек модных журналов
Конец 80-х. На обложках модных журналов царила скучная гармония: супермодели в бриллиантах, их позы отточены до сантиметра, а взгляды, словно у богини, которой уже всё надоело. Красиво? Да. Живо? Ни капли. И вот в 1988-м редактором американского VOGUE становится Анна Винтур, которая в корне меняет устоявшиеся каноны индустрии.
Её первая обложка для американского Vogue выглядела почти как ошибка печати. Модель в кутюрном жакете Christian Lacroix… и в обычных джинсах. Для модного мира это было как появиться на балу в кроссовках. Но Винтур знала: эпоха показной роскоши уходит. Женщины больше не хотят смотреть на недостижимые идеалы — им нужен реальный воздух, а не кристальная чистота вакуума. Вот так впервые в одном кадре и пересеклись подиум и улица!
А уже через год Винтур нанесла второй удар — на обложке Vogue появилась Мадонна! Не модель, не «лицо сезона», а человек, который жил, ошибался, скандалил, провоцировал. Для индустрии это было кощунством: «поп-звезда вместо манекенщицы?!» Но именно этот шаг сделал журнал живым. Мода окончательно перестала быть просто витриной, став уже больше сценой, на которой звучали голоса.
Дальше — больше. Вместо безымянных моделей — героини эпохи: Джулия Робертс, Николь Кидман, Бейонсе и другие. Vogue начал рассказывать истории через личности. Платье перестало быть просто вещью — оно стало частью сюжета. Читательница больше не хотела смотреть на идеальную картинку, она хотела узнать себя — пусть чуть гламурнее и красивее, но всё же себя.
Эта стратегия изменила всё. Другие издания поспешили за Vogue, модные дома переосмыслили отношения со знаменитостями, а границы между глянцем и шоу-бизнесом растворились. Так родился союз моды, медиа и маркетинга — тот самый трёхглавый монстр, который сегодня диктует, кто «на волне», а кто «за бортом».
И всё это — под контролем одной женщины, которая умело балансирует между коммерцией и культурой, брендами и искусством, как дирижёр большого оркестра. Её сила — в точности интонации, в умение превращать рекламный ход в культурное событие.
Теперь сложно представить глянец без знаменитостей на обложке. Но всё началось, как мы теперь знаем, с одного простого кадра на обложке — жакета, джинсов и мысли, что мода должна дышать. :)
Винтажная мода - Подписаться
Твидовый костюм Chanel: когда комфорт стал роскошью, а свобода — силуэтом
Когда Габриэль Шанель придумала свой костюм, она буквально взяла британский твид — ткань для охоты, яхт и скучающих лордов — и отправила его на курсы хороших манер. Твид послушно сменил акцент, стал мягче, изысканнее, и превратился в то, что позже назовут «униформой свободы». Без корсетов, без жёстких подплечников, без манерной театральности. Прямая юбка до икры, мягкий жакет, четыре кармана, золотистая цепочка по подолу, чтобы ткань держала форму, — и женщина наконец-то смогла «самостоятельно дышать».
Костюм Chanel стал революцией не на подиуме, а в движении. Он не мешал садиться в машину, не мялся на приёме, не требовал «держать осанку» — он создавал её сам. Это была одежда, в которой можно было работать, любить, спорить, командовать и оставаться собой. В 1950-е он стал формой «активного дня», а в 1960-е — символом женственности, которая больше не нуждалась в одобрении.
Технически костюм был гениален. Подкладка простёгивалась с твидом, превращая его в нечто вроде трикотажа — податливого, почти дышащего. Цепочка у подола — крошечный секрет идеального кроя — удерживала линию, как невидимая подпись Шанель. Тесьма по краю заменяла жесткую окантовку, а карманы делали жакет утилитарным, почти «рабочим». Такое сочетание практичности и изящества в итоге и стало ДНК бренда.
Когда в 1980-х у штурвала Дома Моды стал Карл Лагерфельд, он не переписал формулу — он добавил ей искры. Сделал твид легче, подружил его с пайетками, вышивкой, металлизированной нитью. Классика осталась узнаваемой, но зазвучала в новом тембре: чуть иронично, чуть дерзко, как, впрочем, и сама эпоха.
Сегодня твидовый костюм одинаково уместен на актрисе, враче, предпринимательнице и т.д. С балетками — мягкость, с грубыми ботинками — уверенность, с лодочками — статус. В нём нет ни капли показной силы — только внутренняя.
Именно поэтому твидовый костюм Chanel вне времени. Он не требует поклонения и не диктует роли. Он просто говорит тихо, но ясно: «Женщина не обязана выглядеть сильной, если она и так сильна».
Винтажная мода - Подписаться
Друзья, на данный момент канал держится исключительно на моём энтузиазме. Поэтому, как бы мне этого не хотелось, но примерно раз в месяц вынужден напоминать вам о том, что канал можно поддержать донатами любого размера. :)
Особых ожиданий на их счет, конечно же, у меня нет. Так как больше 200 рублей за месяц еще никогда не набегало :) Но все-таки считаю нужным хотя бы иногда просить вас внести свою лепту в развитие канале.
Заранее вас всех благодарю и желаю вам хорошего воскресного дня и легкого понедельника! :)
Задонатить можно через Трибьют любой картой в любой валюте: /channel/tribute/app?startapp=doUv
Винтажная мода - Подписаться
Этот образ принцесса Диана называла «платьем Элвиса»
Сегодня принцесса Диана – признанная икона стиля. Не проходит и года, чтобы кто-нибудь из монаршей семьи или селебрити не попытался повторить ее образ.
Леди Ди всегда отличалась оригинальностью и тонким чутьем моды, но раньше далеко не все ее выходы считались удачными. Бывший редактор Vanity Fair Тина Браун говорила: «В первой половине восьмидесятых она ошибалась так же часто, как и поступала правильно». Сама принцесса спокойно реагировала на критику и даже шутила над собственными аутфитами, как, например, произошло с жемчужным платьем, которое она прозвала «Элвисом».
Этот образ для Дианы разработала дизайнер Кэтрин Уолкер. Белый тонкий шелк она украсила жемчужинами благородного кремового оттенка (их было около 28 600), добавила укороченный жакет и посоветовала принцессе завершить образ тиарой «Узелки любви». Шелк и жемчуг должны были стать данью уважения китайской культуре во время визита королевской семьи в Гонконг.
Однако критики посчитали этот выход модным провалом. Легенда гласит, что и сама Диана рассмеялась, примерив платье: «Похоже на Элвиса!» Из-за сложного высокого воротника и обильной вышивки действительно возникали ассоциации с королем рок-н-ролла.
Тем не менее Диана надела это платье еще раз — на церемонию вручения премий British Fashion Awards в том же, 1989 году, но уже без тиары.
Годы спустя она решила выставить наряд на благотворительный аукцион. Куратор Christie’s Мередит Этерингтон-Смит вспоминала, как принц Уильям упрашивал принцессу: «Мамочка, это слишком ужасно, чтобы продавать».
Но вопреки опасениям принца, платье ушло с молотка за хорошую сумму — изначально его купила компания The Franklin Mint, которая занималась выпуском сувениров с изображениями леди Ди. Тогда именно «платье Элвиса» помогло собрать средства в пользу фондов, посвященных борьбе с раком и СПИД. Сегодня же оно хранится в лондонском музее Виктории и Альберта. Так, несмотря на спорный статус, этот выход стал одним из культовых.
Винтажная мода - Подписаться
Почему мы снова и снова покупаем одно и то же платье.
Вы наверняка это делали. Стоите в примерочной, держите в руках платье — точь-в-точь как то, что уже висит дома. Только это уже — не чёрное, а графитовое. Или не молочное, а сливочное. И вдруг ваш внутренний голос шепчет: «Ничего страшного, это же другое!» — и вы уже уверенно идете с ним на кассу. :)
Но на самом деле тут не про слабость. Тут — про вкус, психологию и, если угодно, про внутренний порядок.
Наш мозг обожает повторения. Всё знакомое кажется надёжным: и люди, и фасоны, и места, где подают ваш любимый кофе. Платье, в котором однажды удалось произвести впечатление или просто почувствовать себя собой, автоматически попадает в разряд «удачных решений». Увидев похожую модель, вы не ищете — вы узнаёте. А узнавание в этом случае греет лучше кашемира. :)
Есть и второй слой — усталость от выбора. Мода давно превратилась в супермаркет, где слишком много полок. Каждая покупка — это десятки микровопросов: длина, ткань, подкладка, сочетания. Повторение любимого фасона — способ дать мозгу отпуск. Когда форма проверена, остаётся лишь играть с нюансами: сатин вместо хлопка, карамель вместо бежевого. Это не лень, это стратегия.
А ещё это почерк. Повторяемость создаёт узнаваемость, а узнаваемость — стиль. Мир запоминает не тех, кто каждый день разный, а тех, кто каждый день точный. Маленькое платье-футляр, прямой жакет, свободная А-линия — каждая женщина выбирает свою формулу уверенности. И чем увереннее она в ней, тем тише кричит одежда.
Психологи добавили бы сюда еще и эффект Дидро, когда купив одно безупречное платье, мы стремимся выстроить вокруг него гармонию — туфли, шарф, новую вариацию той же линии. Это не зависимость от привычки, это эстетическая логика: как композитор, который пишет вариации на одну тему, потому что мелодия того стоит.
Так что такое повторение — это не застой, а зрелость. Это про тех, кто больше не тратит энергию на поиски себя, потому что уже нашёл! И каждое новое «такое же, только в другом цвете» — это не повтор, а дополнительный штрих к автопортрету. :)
Винтажная мода - Подписаться
«Бунты соломенных шляп» (Нью-Йорк, 1922): когда аксессуар стал поводом для уличных войн
Иногда история моды похожа на фарс, переходящий в трагедию. В сентябре 1922 года Нью-Йорк на восемь дней погрузился в хаос — из-за... соломенных шляп. По неписанному дресс-коду начала XX века мужчины могли носить канотье лишь до 15 сентября: с наступлением осени следовало переходить на фетр — «взрослый» материал для серьёзного сезона. Нарушителей высмеивали, а подростки превратили это в игру — срывали шляпы с прохожих и топтали их на мостовой под смех толпы.
Но в 1922-м всё вышло из-под контроля. 13 сентября, за два дня до «срока», группа мальчишек начала срывать шляпы с рабочих в районе Mulberry Bend. Те ответили дракой — и движение на Манхэттенском мосту остановилось. Уже на следующий день по городу бродили сотни подростков с палками и гвоздями на концах — «для удобства», как говорили они. Полиция задерживала десятками, но беспорядки ширились: на некоторых улицах собирались толпы до тысячи человек. Манхэттен оказался устлан обломками соломенных шляп.
Газеты писали о «шляпных охотниках» и «несезонных джентльменах», описывали аресты, травмы и ночные суды. Репортёры даже публиковали предупреждения: «Не рискуйте выходить в соломенной шляпе после 15 сентября».
За комичным сюжетом скрывался нерв эпохи. Эти бунты отражали усталость от социальных норм и переход времени — от викторианской строгости к новой городской культуре, где мода впервые стала делом личного выбора, а не общественного долга.
К концу десятилетия канотье исчезли из моды — и вместе с ними ушёл и сам ритуал. Но история «бунтов соломенных шляп» осталась в хрониках как напоминание, что даже самый безобидный аксессуар способен стать поводом для настоящего восстания, если в обществе уже накопилось слишком много социальной злости...
Винтажная мода - Подписаться
Versace «Miss S&M» (1992): барочная роскошь и сексуальная «запрещёнка»
Осень 1992 года стала поворотной для моды. Джанни Версаче представил коллекцию «Miss S&M», которая разделила общество и прессу. На подиум вышли супермодели в кожаных портупеях, корсетных лифах и платьях, перетянутых ремнями с пряжками. Но за внешней дерзостью стояла точная архитектура формы: Версаче превратил коды фетиша в инструмент высокой моды, подняв эстетику андеграунда на уровень кутюра.
Коллекция строилась на контрастах: чёрный шёлк и кожа, барочный блеск, нарочитая строгость, эротика и дисциплина. Ремни собирали силуэт, ошейники подчеркивали вертикаль, металлическая фурнитура ловила свет прожекторов, превращая подиум в сцену власти. Это была не «одежда-шок», а «одежда-уверенность», где контроль становился формой красоты.
Впервые фетиш оказался в высокой моде не как вызов, а как эстетика силы, уверенности и власти. Версаче, мастер телесности и роскоши, заговорил о желании как о языке — выразительном и благородном.
Реакция была мгновенной. Критики разделились: одни называли коллекцию гимном женской независимости, другие — угрозой достоинству. Сьюзи Менкес написала: «Я не хочу быть в бондаже». Версаче отвечал просто: если мода вызывает спор, значит, она жива. И оказался прав — уже через несколько месяцев ремни, чокеры и металлические застёжки стали частью массовой эстетики.
«Miss S&M» изменила язык моды. Она легализовала разговор о теле, власти и сексуальности, показала, что провокация может быть изысканной, а фетиш — утончённым. Сегодня, когда на подиумах вновь царят ремни, чокеры и открытые силуэты, легко забыть, что всё это началось там — на показе Versace 1992 года, где бунт впервые обрёл форму элегантности!
Винтажная мода - Подписаться