3208
Агрегатор лучших музыкальных постов Телеграма.
100 gecs выпустили долгожданный второй релиз, django django поделились новой партией треков с грядущего альбома, а u2 перезаписали свои любимые песни. в этом посте - коротко о том, чем еще нам запомнится эта музыкальная пятница, 17 марта.
yves tumor - praise a lord who chews but which does not consume; (or simply, hot between worlds)
свои способности музыкального хамелеона шон боуи, он же yves tumor, уже продемонстрировал на прошлом альбоме «heaven to a tortured mind». теперь он оттачивает их на свежем «praise a lord…», чей совершенный глэм-рок звук может составить конкуренцию самым известным творениям 70-х. единственное напоминание о старом ив туморе, когда-то вдохновленном autechre и сотрудничавшим с puce mary, осталось в треке «purified by the fire», но, вероятно, его глитчевую электронику (вполне оправданно) затмят стадионные гимны, как, например, «meteora blues» или «echolalia». под стать новому образу, в лирике шон боуи теперь говорит не только о любви, но и славе. и правильно делает - он это заслужил.
deathcrash - less
второй альбом лондонской группы deathcrash заставляет поверить в то, что красота внешнего мира способна проникнуть в музыку, глубоко укорениться и остаться в ней навсегда. записанный в студии, которая располагается в архипелаге гебридских островов (посмотрите, как там живописно), этот релиз звучит еще более умиротворенно в сравнении с дебютным «return». казалось бы, замедляться уже некуда, но deathcrash вновь превзошли самих себя - благодаря этому даже самые тяжеловесные моменты (например, когда ритм внезапно нарушает случайный хай-хэт) стали звучать тягуче и приглушенно - исключение составляет разве что вопль в финальном треке «dead, crashed», хотя и он постепенно растворяется в пространстве. давать прогнозы - дело неблагодарное, но вот увидите - спустя какое-то время deathcrash будут вспоминать с такой же любовью, как и slint.
m83 - fantasy
точки над «и» давно расставлены, и все же стоит повторить: ждать трюка, который когда-то произошел с выпуском сингла «midnight city» - значит питать себя напрасными надеждами. да и вообще со времен релиза культового «hurry up, we’re dreaming» (2011) французский музыкант энтони гонсалес гораздо больше продвинулся в создании саундтреков, нежели единоразово стрельнувших хитов. «fantasy» не претендует на звание сборника с подобными песнями, он и сам звучит как одна большая песня - эпичная, пышная и ретро-футуристичная (то есть такая, которая больше свойственна группе, чем проекту одного человека). приземленного звука здесь почти не встретить - на то это и фантазия.
death and vanilla - flicker
среди музыкантов, играющих дрим-поп, есть те, на которых не повлияли broadcast и stereolab, но по количеству они явно не доминируют. шведское трио death and vanilla тоже попало под чары вышеупомянутых коллективов на своем новом альбоме «flicker». правда, звуком дело не ограничилось - воссоздать получилось еще и особое настроение, этакую нежную меланхолию вкупе с задумчивостью и легкой ностальгией. ко всему прочему, на этом релизе гитары перевесили клавишные - их гулкий реверб будто перекрывает все остальные звуки. самодостаточности группа набирает в двух треках - это «find another illusion» с едва различимой флейтой и «looking glass» со сказочным звуком расстроенного органа.
flyying colours - you never know
австралийцы flyying colours вот уже с которым альбомом поддерживают шугейз-традиции классических британских групп - slowdive, lush и в особенности my bloody valentine. они не стремятся удивить слушателей неожиданными развитиями и вообще идут по давно протоптанной дорожке - гитары гудят, синтезаторы тоже гудят, вокал томится под слоем тяжелого звука. все треки на релизе «you never know» похожи между собой, но некоторые из них почти бесстыдно концентрируют в себе все фишки альбома mbv «loveless» - в частности трек «oh» вполне мог бы сойти за один из его бисайдов. если цикличность в музыке вам не мешает, то и песни flyying colours можно смело разбирать к себе в плейлисты.
Вчера умер Бобби Колдуэлл. Он был такой один.
Про него есть известная байка. Конец 1970-х, Бобби Колдуэлл почти в тридцать лет поехал в свое первое сольное турне, в поддержку своего первого альбома, который так и назывался — «Bobby Caldwell» (на «Яндекс Музыке» он под другим названием). Пластинку издала дочерняя фирма лейбла T.K Productions, на сто процентов ориентировавшаяся на темнокожую американскую аудиторию и черное радио. Бобби Колдуэлл же был белее снега. Когда он выходил на сцену, люди в зрительных залах не верили, что этот белый чувак — Бобби Колдуэлл. У них было полное непонимание происходящего. Ну не мог Бобби Колдуэлл — тот, который был им известен, — оказаться белым. До бутов не доходило: все сомнения отпадали, стоило лишь Колдуэллу запеть.
Да и потом, когда звезда Бобби Колдуэлла поугасла, многие молодые темнокожие американцы очень и очень сильно удивлялись, когда узнавали, что автор песни «What You Won’t Do For Love» — какой-то белый бородатый мужик. Я это знаю и опыта личного общения: у меня лично есть товарищ, который очень сильно удивился, когда я ему об этом поведал.
При этом нельзя сказать, что у Бобби Колдуэлла был голос, похожий на голос темнокожего певца. Просто он пел с душой, с таким пониманием музыки соул, которое нельзя сымитировать. Нельзя купить. Бобби Колдэулл поет, — и ты сразу понимаешь, что этот человек знает соул. Очень хорошо знает.
Бобби Колдуэлл не гнался за хайпом, за славой, за известностью. У него был в жизни период, когда его пластинки продавались большими тиражами, когда он был популярен, когда его любили по-настоящему многие и по-настоящему сильно. Японцы очень любят Бобби Колдуэлла, и у них он был отдельно всегда очень востребован. Но в целом, Бобби Колдуэлл просто занимался музыкой. И она всегда выходила у него превосходной.
Можно включить тот самый альбом «Bobby Caldwell». Это примерно лучший образец того, что через много лет назвали «яхт-роком» — очень богато записанной приджазованной и накокаиненной песенной музыки. Песни — идеальные, аранжировки — идеальные, исполнение — … А что говорить про исполнение? Послушайте песню «Love Won’t Wait» сами, и попробуйте сказать, что она вас не трогает, не играет на каких-то струнках души, про которые вы и сами уже позабыли.
А можно включить альбом 2015 года «Cool Uncle», который Бобби Колдуэлл внезапно записал с Джеком Сплешем, продюсером треков Кендрика Ламара или Джона Леджена. На альбоме гостят СиЛо Грин и Джесси Уейр. Понятно, что музыка — это не соревнование, не олимпийские игры, но все-таки, — уделывает ли молодых Бобби Колдуэлл? Уделывает, в одну калитку. Да и его собственные альбомы того времени, вроде «House of Cards» — тоже, по сути, грандиозные. Да, уже немного дешево записанные, уже немного «чизи», но вот когда играет песня «Game On», не хочется ли вам танцевать? Переживать? Любить? Вопрос риторический.
Бобби Колдуэлл любил луну. Это был его символ. Луна присутствовала на обложках большей части его альбомов. Он видел всю луну целиком.
50 лет назад не стало Владимира Вавилова, русского и советского композитора, лютниста и автора музыки к легендарной пластинке (на фото) с невероятной историей. Вавилов не без основания полагал, что "Мелодия" ни за что не выпустит целый альбом сочинений никому не известного лютниста. Поэтому Владимир Федорович, который очень хотел, чтобы его музыка нашла своих слушателей, пошёл на хитрость и приписал авторство своих произведений композиторам эпохи ренессанса и «неизвестным авторам». Лишь спустя время эта мистификация была раскрыта.
Пластинка была выпущена в 1970 и была многократно переиздана, в том числе и в наше время. Музыкальные фрагменты с этой пластинки стали музыкальным фоном множества радио- и телепередач и даже фильмов. Особенно полюбилась народу вещь "Канцона и танец" якобы авторства Франческо да Милано, на которую поэт Анри Волохонский написал стихи и получилась песня "Рай". Ее первоначально исполнил друго Волохонского Алексей Хвостенко, но вся страна узнала ее как "Город золотой" в исполнении группы "Аквариум". Другая композиция с той же пластинки, «Павана и гальярда», автором которой был указан Винченцо Галилей, стала мелодией ещё одной песни на слова Анри Волохонского, «Конь унёс любимого». Ее вы могли слышать на альбоме "Чайник вина" группы АукцЫон и того же Хвостенко.
Ну и, наконец, всемирное признание получила ария Ave Maria ( не шубертовская, а вот эта, якобы за авторством Каччини), вошедшая в репертуар звёзд мировой оперной сцены и популярной музыки.
Вот такая редкая удивительная история. Вавилов пожертвовал своим именем, чтоб его музыка была услышана. Но оно не было забыто, и Владимир вошел в вечность и как композитор, и как выдающийся мистификатор.
ДОЧЬ ТРАМПА ИЗОБРЕЛА ГИПЕРПОП!
Человечество знало много артистов, опережавших своë время, чьи песни поняли только много лет спустя после их выхода. Кто бы мог подумать, что таким человеком станет Тиффани Трамп, дочка 45-го президента США?
Тиффани родилась в 1993-м году, еë мама — актриса и телеведущая Марла Мейплз, вторая жена Дональда Трампа, с которой он расстался в конце 90-х. Ярче всего о Тиффани и еë детстве говорит то, что назвали еë в честь одноимëнного ювелирного бренда. Дочь одного из богатейших людей Америки, естественно, она росла не просто с золотой ложкой во рту, а сразу со всем сервизом.
В начале 2010-х Тиффани перешла в старшие классы одной из элитных калифорнийских школ и в какой-то момент решила, что хочет попробовать петь. Учитывая состояние еë семьи, можно было бы подумать, что ей сразу же сосватали какого-нибудь Доктора Люка или Макса Мартина, но нет. Мама Тиффани была знакома с продюсером Торстеном Штенцелем. Ничего особо сверхзначимого он никогда не писал, скорее был таким крепким ремесленником: с начала 90-х писал очень много разной электроники, делал ремиксы всяким знаменитым артистам вроде Моби, сочинял песни для сольника Тарьи Турунен и прочая, и прочая. Собственно, мать Тиффани предложила ему написать песни для дочери, тот согласился, началась работа.
В 2011-м году Тиффани пришла на шоу Опры Уинфри, чтобы рассказать о своей только что начавшейся певческой карьере и заодно презентовать первую песню. Она сразу сказала, что музыка для неё — это скорее хобби и, может быть, когда-нибудь она займётся ей посерьёзнее, а пока просто развлекается. Собственно, в эфире прозвучала и песня Like a Bird. И это было нечто. Минималистичная аранжировка. Странные вокальные сэмплы. Нездоровое увлечение автотюном. Неразборчивый текст. Кажущиеся неуместными инструменты. Меланхоличное настроение и слова про то, что Тиффани просто хочет спокойствия, пока все тусят на вечеринках. В песне были ещё и рэп-вставки, сделанные артистами Sprite и Logic. Первый в те годы часто тусил со всякими знаменитостями, а второй был знакомым Торстена Штенцеля и Марлы Мейплз. По сравнению с мейнстримом тех лет, супер-танцевальным, жгучим и ритмичным Like a Bird звучала как что-то очень чужеродное. Более того, это была даже не доделанная до конца песня, а всего лишь демо. Впрочем, это не помешало презентовать песню по ТВ на всю страну, а потом и выставить её на продажу в интернете. Реакция на такое, скажем так, необычное произведение была соответствующей: песню разнесли в хлам, но вирусным хитом, как та же Friday Ребекки Блэк, она не стала. Тиффани, судя по всему, такой реакции была не рада и решила с певческой карьерой подзавязать, сосредоточившись на учёбе.
Шли годы. Менялись тренды. Музыка становилась иной. Про Like a Bird все давным-давно позабыли, пока внезапно она не всплыла в Тиктоке в начале 2020-х. Только вот реакция на неё была абсолютно противоположной. Люди внезапно поняли, что песня звучит как музыка современных экспериментальных артистов вроде Граймс и вообще до боли напоминает гиперпоп. Абсолютно все стороны Like a Bird, которые 10 лет назад казались недостатками, теперь начали казаться преимуществом. Меланхолия, странности, минимализм, рэп-куплеты, гипертрофированный автотюн — всё это мы сегодня слышим у самых прогрессивных артистов. Только вот Тиффани Трамп делала то же самое задолго до того, как оно стало мейнстримом. Конечно, тогда никто из создателей Like a Bird не понимал, что опережает время, но судьба развернулась именно так.
Like a Bird, кстати, была не единственной песней, которую Тиффани сделала вместе со Штенцелем. Она готовила целый альбом: известно как минимум ещё о 8 песнях, которые должны были войти на него, однако до наших дней дожила только одна из них — Paranoia, записанная всё с тем же Sprite. Этот трек уже сильнее похож на мейнстрим начала 2010-х, он не так экспериментален, как Like a Bird, однако какой-то странный вайб в нём всё же есть.
Мораль традиционная: не надо хейтить музыку, если она не укладывается в ваши представления о прекрасном. Возможно, через 10 лет вы будете выглядеть идиотом.
Коллекционеры пластинок «Мелодии» чащего всего гоняются за всяческой экзотикой — малотиражными изданиями с краев советской ойкумены. Почетное место в списке таких «советских граалей» занимает «Белый остров» — последний альбом Кола (Николая Ивановича) Бельды, оставшегося в коллективной памяти исполнителем хитов «Увезу тебя я в тундру» и «А олени лучше». «Белый остров», на котором Бельды поет русскоязычные адаптации песен народов Дальнего Востока под минималистичный синти-фанк, заслуженно восхвален за свою редкость и странность — пластинку даже недавно переиздал некий австрийский лейбл Ebalunga, в каталоге которого есть и другие «советские граали» ( «Гунеш», «Дос-Мукасан» и другие).
Меньше внимания досталось остальным записям Кола Бельды, и совершенно напрасно. Например, мне лично пластинка «Хэйдже (Здравица)» (https://melody.su/catalog/estrade/71235/) нравится даже больше. В ней нет никакой шаманской мистики, которую пытаются найти в «Белом острове» иные чересчур чуткие меломаны, зато много освежающей чистоты, жизненной силы и психического здоровья, как в африканской музыке того сорта, что издают лейблы вроде Awesome Tapes from Africa.
Первое появление на всесоюзную аудиторию Кола Бельды произошло в провальном фильме классика советской музкомедии Григория Александрова «Русский сувенир» (1960). В «Русском сувенире» карикатурные иностранцы открывают для себя открыточный Советский Союз — и эта вампука, сделанная в духе сталинской пропаганды, возмутила своим уровнем искусственности даже советскую критику (60-летняя Любовь Орлова играла там молоденькую девушку). На дворе все-таки уже была Оттепель. Кола Бельды появляется в картине в эпизодической роли бурятского шамана, который на поверку оказывается обычным студентом. В этом амплуа Бельды проработал всю свою долгую жизнь на советской эстраде. Он представлял в официальной культуре почти все малые коренные народности СССР скопом и в этом качестве активно гастролировал по стране и за рубежом, появлялся на телевидении и радио и имел возможность записывать пластинки. Певец, по крови нанаец, пел и за чукчей, эвенков, ительменов, селькупов, кетов, удэгейцев, орочей, ульчей, нивхов, а также заодно и не за малочисленных якутов и бурятов (Бельды стал заслуженным артистом сперва в Якутии, а потом в Бурятии).
Свою посольскую миссию Кола Бельды нес ответственно и достойно. Он собирал и исполнял фольклорный материал коренных народов Дальнего Востока (пусть и адаптировал его), его ансамбль «Дуэнтэ» использовал традиционные инструменты, певец выступал в народных костюмах вместе с хореографическим коллективом — словом, делал шоу. Как оно выглядело мы можем себе представить, например, по этому фильму-концерту (https://youtu.be/nwFMNr5f9ZM): довольно впечатляюще, надо сказать, для СССР 1980-х. Наивно, но супер. Разумеется, это не аутентичный фолк нанайцев и ительменов, это попытка сблизить его с вкусами большого «белого» брата, впрочем, этим же занимается большая часть артистов, выступающих на фестивале WOMAD, который возник примерно в это же время.
Пластинка «Хэйдже (Здравица)» стала первой, на которой Кола Бельды полностью отказался ради этнографического материала от песен советских композиторов про славный труд рыбаков и оленеводов. Своим могучим голосом Николай Иванович поёт народные песни, полные любви к родной стороне, чаще даже непереведенные на русский, а ансамбль «Дуэнтэ» обеспечивает его камланиям гладкие и резвые фьюжн-аранжировки, в которых саксофон и синтезаторы сочетаются с хомусом и бубном, а ритуальное шаманское бревно (собственно, дуэнтэ) легко заменяет ковбеллы.
Олег Соболев написал о Берте Бакараке прекрасный текст. Личный и тёплый. Думаю многие, узнав о смерти Бакарака, думали сегодня о том же. Публикую с личного разрешения Олега.
———-
Берт Бакарак. 94 года. Почти столетие, в котором было все. Бакарак застал Вторую мировую, учился в Миллс Колледже у Мартину, Кауэлла и Мийо в послевоенной Америке, записывал песни с темнокожими певицами еще до принятия Закона о гражданских правах, в семидесятых уже был историческим мэтром песенной музыки США, наравне с Коулом Портером или Ирвингом Берлином. У него случилось неожиданное возрождение в девяностых: камео в «Остине Пауэрсе» и альбом с Элвисом Костелло. Он иногда появлялся публично после, но, в сущности, к тому моменту уже сказал все, что мог. В 2012 ушел из жизни поэт-песенник Хэл Дэвид, без которого творчество Бакарака невозможно представить. Теперь ушел сам Бакарак.
Знаете, не должно быть грустно, а грустно все равно. Вроде бы он прожил полную жизнь. Полнее не придумать. Дай бог такую каждому. Но песни Бакарака — это часть нас всех. Даже тут, даже в России, все равно очень и очень многие знают «Magic Moments», «Raindrops Keep Falling On My Head», «(They Long to Be) Close to You». Даже если не знают названий, не знают автора, не знают текста, — все равно знают мелодии. Наша эстрада, наши Зацепин и Тухманов и Пахмутова и Бабаджанян и Паулс и Гладков находились под серьезнейшим влиянием Бакарака; в чем-то они, оставаясь все равно уникальными в мировом масштабе композиторами, все равно принесли методы Бакарака, его находки, его стиль в нашу с вами культуру. Попробуйте представить «Луч солнца золотого» в несколько другой аранжировке, чуть-чуть ускорьте темп, добавьте немного джазового фортепиано, — выйдет почти Бакарак. А, скажем, «Tev, Mana Labā» Паулса — и так почти пятидесятипроцентный Бакарак. «Проснись и пой» в исполнении Ларисы Мондрус — Бакарак уже фактически стопроцентный.
Я не хочу сказать, что кто-то драл у Бакарака. Вообще не это хочу сказать. Я думаю, что, во-первых, стиль и почерк Бакарака вошел в словарный запас мировой поп-музыки, эстрадной музыки вообще везде. Во-вторых, что его собственная музыка легко поддавалась изменениям. Песни Бакарака мы знаем в тех исполнениях, над которыми он и сам работал, и в совершенно невообразимых версиях. Скажем, «Walk On By» в исполнении Айзека Хейса. Да, тут не обошлось без гения Хейса самого по себе — он умел и любил превращать короткие песенки в эпосы, — но для этого нужна была правильная короткая песенка. В которой была мелодия, способная не прекращаться и уводить за горизонт. В которой было чувство, способное заманить за собой на дно океана с головой.
Не обойтись и без личных переживаний. Одна из самых моих любимых записей на свете — «This Guy’s In Love With You» в исполнении Херба Альперта. Я ее услышал подростком, лет в 15, и мне в ней услышался космос. Безграничность. Невозможность преград для истинной любви. Потом, когда я узнал, что Бакарак и Дэвид написали ее для свадьбы Альперта, я осознал одну вещь: хорошей музыке не надо объяснений, она все и так сама говорит. И чудо же, что для совсем не умевшего петь Альперта написана такая вещь, сделана такая аранжировка, в рамках которой он все равно звучит как Скотт Уокер. «Say you’re in love/ In love with this guy». Пауза. «If not, I’ll just die».
Вечная память великому знатоку тайн сердца и музыки.
Gollu: карачаево-балкарский «джаз»
Карачаево-балкарская группа Gollu сформировалась как команда единомышленников: молодой инженер Азнаур Тоторкулов на фоне отсутствия движа на местной сцене заинтересовался историей музыки родного края и стал по крупинкам собирать информацию о ней в архивах, а затем выкладывать статьи и фотографии в заведённый для таких же неравнодушных исследователей паблик. Параллельно Тоторкулов воссоздавал привычные для традиции региона музыкальные инструменты: струнный смычковый кобуз, духовой сыбызгы.
Довольно быстро к нему присоединились другие энтузиасты — Мадина Лайпанова, Тенгиз Биджиев и Шамиль Узденов. Вместе ребята начали не только и не столько каталогизировать, но исполнять музыку, которую находили в архивах. Название «Голлу» взяли у обрядового танца. Так этнографические заметки превратились в этнографический ансамбль.
Группа сознательно не использует современные инструменты и не меняет исполнительскую манеру. Цель Gollu — реконструировать стиль и звучание максимально близко к оригиналу, но при этом всё равно спеть эти песни по-своему, через исполнение выразить своё отношение к традиции, её понимание и проживание. И по-моему, Gollu это удаётся, по крайней мере так — почтительно и вместе с тем свежо — звучит дебютный альбом ансамбля «Caz», что читается приблизительно как «джаз», а в переводе означает «весна». Альбом вышел на хорошо известном читателям этого канала нальчикском лейбле @ored_recordings, а в записи также принимали участие музыканты черкесской группы Myst Аслан Ташу, Гупса Паштова, Джанет Сиюхова и Иланд Хаджаев. Ну и не могу не заметить, какую радость и гордость за ребят вызывает у меня одно только наблюдение со стороны за появлением и развитием в регионе прочных горизонтальных связей, дружного и мощного музыкального комьюнити Кавказа. Поздравляю Gollu и Ored с релизом.
Слушаем!
UNDR INFLNCE "Navbahor" (2023)
Сегодня в это сложно поверить, но в 1970-х и 1980-х годах Узбекистан был важной точкой на советской джазовой карте. Фергана, где регулярно проходили крупные музыкальные фестивали, носила негласный статус джазовой столицы Средней Азии.
Да и Ташкент не стоял в стороне — в городе даже был свой джаз-клуб, солисты которого записали в 1978-м "Восточную сюиту", важнейший опус в истории центральноазиатского джаза. Имелись и свои локальные звезды — ансамбли "Сато" Леонида Атабекова и "Радуга" Бориса Сметанова, выдающийся гитарист Энвер Измайлов.
Московскую группу UNDR INFLNCE (ранее — Under Influence), собранную тремя выходцами из Ташкента — саксофонистом Игорем Теном, клавишником Санжаром Турсуновым и басистом Германом Тигаем, — очень хочется записать в продолжатели дела великих предшественников. Прежде всего потому, что они тоже отталкиваются от корней и пытаются интегрировать традиционную узбекскую музыку в джазовую импровизацию. Разумеется, с поправкой на современность: там, где "Сато" заигрывали с роком, UNDR INFLNCE кокетничают с хип-хопом и электроникой. Но придется сдержать импульс. Хотя бы потому, что несправедливо вешать ярлык "продолжателей" на совсем молодых музыкантов, которые явно еще ищут себя, свой язык и свою культурную идентичность.
Поиски себя — главное, что бросается в глаза, когда слушаешь альбом "Navbahor". Ташкентский костяк группы, основанной в 2016 году, к его записи сильно разросся. Среди прочих в ряды участников вошли два кубинца, братья Вейтиа Эчаварриа — трубач Карлос Энрике и перкуссионист Фидель Алехандро. Стартовая композиция "Chunga", пронизанная афро-кубинскими ритмами, — открытка их корням. Сразу отмечаешь старательность и воздушность исполнения, но, что называется, за душу эта вещь не берет, а настраивает на фоновое прослушивание легкого, обаятельного и совсем не обязательного джаза. Впрочем, уже следующий номер "Bomber" обнажает обманчивость первого впечатления. Здесь UNDR INFLNCE экспериментируют с фанком, хип-хопом и наложением синтезаторных слоев в духе передовиков британской джазовой волны (скажем, GoGo Penguin) — и создают музыку куда более фактурную, с нетривиальными соло духовых и заводным басовым риффом.
И совсем иначе группа звучит, когда ступает на родную землю. Она как будто прибавляет в весе; звук становится более округлым, насыщенным, свободным. В "Sarbozcha" солирует танбур (на нем мастерски играет Юнус Ражабий, выписанный из Узбекистана) — традиционный струнный инструмент, который исполняет народную мелодию, ничуть не отклоняясь от оригинала. Тему подхватывают и развивают в духе современного Гласпер-фьюжна, и узбекскому фолку модные аранжировки оказываются как нельзя к лицу. На "O’rik Gullaganda" и "Bukhara" группа повторяет прием еще раз. Вначале четко и ясно она представляет слушателям аутентичную мелодическую тему, а потом отклоняется в сторону и исполняет свой авторский материал, улавливая лишь настроение первоисточника.
Именно в эти моменты — когда UNDR INFLNCE слегка отпускает свою (несомненно, важную) миссию по ликбезу публики и включает фантазию — музыка и начинает по-настоящему сверкать. А музыканты, пусть всё еще ищущие, совершенно точно дают понять, что им есть что сказать.
◾️ Spotify ◾️Apple Music◾️ VK Музыка ◾️ Yandex Music
"Песня о Земле" Высоцкого в фильме "Навсикая из Долины ветров".
Сэйдзи Кано, Полное собрание сочинений Хаяо Миядзаки (Film Art, март 2006), стр 61.
Исао Такахата и Хаяо Миядзаки разделяли мнение о том, что им нужна настоящая песня для финала "Навсикаи", которая эмоционально завершит весь фильм. У Исао в голове звучала песня "Песня Земли" советского гитариста Владимира Высоцкого. Это был неизвестный шедевр, не изданный в Японии, который стал большим хитом в Советском Союзе, Франции и других странах, и Такахата, обладавший глубокими познаниями в музыке, рекомендовал его Миядзаки. Слова песни были пронзительны. (...) ↓↓
Что послушать в эту пятницу?
Первый дайджест в 2023! Считаю, что этот факт заслуживает отдельного упоминания. У нас на очереди: психодел-альбом самого инициативного из «лилов», возвращение Даниэла Сизара и новый релиз Fred again.. (куда без него?)
Подписывайтесь на мой плейлист в Spotify и слушайте релизы, недоступные на стримингах в определенных регионах, в соседнем телеграм-канале под названием «винамп». Ссылка в комментариях.
💿 Альбомы / EP
Lil Yachty — Let’s Start Here. | стриминги
Стив Лейси перепел Lil Boat, и теперь Lil Boat перепевает Стива Лейси. Получается куда хуже, чем у главной надежды нью-фанка, но надо отдать должное Майлсу. Он не зассал и выдал экспериментальный альбом за гранью трэп-бэнгеров «Poland», «Coffin» и «One Night». После такого можно и приставку «Lil» убрать из псевдонима.
Bēkon — You People (Original Soundtrack from the Netflix Film) | стриминги
Соавтор Кендрика Ламара («DAMN.» и «MM&TBS») записал саундтрек для нового фильма Джоны Хилла. 33 минуты терапевтического саунда с фокусом на лоуфайный хип-хоп и драматичную «пианинку».
Fred again.. — Actual Life 3 Piano EP (January 1 - September 9 2022) | стриминги
У Фреда есть такая привычка: переигрывать на пианино песни с нового альбома и собирать такие вот миньоны-послесловия. Если на «AL3» местами было просто грустняво, то здесь прямо царит всепоглощающая, умиротворяющая печаль.
📀 Синглы
Daniel Caesar — Do You Like Me? | стриминги
На новом альбоме Дэниэл обещает поменьше R&B и побольше фолка. Не сказать, что «Do You Like Me?» это подтверждает или удивляет каким-то другим образом, но оно и не важно. Сладкоголосый канадец вернулся и звучит потрясно.
ROSALÍA — LLYLM | стриминги
Новый готовый хит Розы: с припевом на английском, подбивающими повторять за собой хлопками из фламенко и двухнедельным подогревом в тиктоке.
Skrillex, Bladee — Real Spring | стриминги
Судя по «Real Spring» и «Way Back», один из двух новых альбомов Сонни обещает быть по-хорошему попсовым: без размаха «Jack Ü», но зато со своими приколюхами, осмысляющими главные тренды 2022-2023.
Q — LUV (I KNOW I WANT THIS FOR REAL) | стриминги
R&B-самородок уходит в дискотечный отрыв и на три минуты отбирает у Стива Лейси звание «Принс для зумеров». Когда уже альбом?
Rauw Alejandro, Daddy Yankee — PANTIES Y BRASIERES | стриминги
Робин от мира неоперрео добавил к прошлогоднему отличному альбому «SATURNO» совместную песню с «королем реггетона». Обычно в таких случаях пишут что-то про связь поколений.
KayCyy, BabyTron — MOTOWN | стриминги
Один из последних любимчиков-сонграйтеров Канье поделил песню с новой звездой американского панч-рэпа. За идею — пятерка, за исполнение — тоже пятерка. Очень крутой и свежий трек.
#ампдайджест
Самый недооцененный альбом всех времен
Вы удивитесь, но это альбом Пола Маккартни.
Вспомнил тут, как в 2001 году подарил отцу на Новый год кассету с новым на тот момент альбомом Маккартни «Driving Rain». Мы ее тут же воткнули и офигели: тревожное вступление с шагающим басом, нервные ударные и МРАЧНЫЙ вокал Макки, ближе к финалу открывающего трека «Lonely Road» срывающийся на тяжелые, прямо-таки болезненные стоны, сквозь которые артист причитает о том, что он не хочет продолжать этот жизненный путь в одиночку. Это даже не рычащий вокал из «You Know My Name (Look Up the Number)» – то пародия, а в «Lonely Road» мы услышали настоящий крик отчаявшегося человека. Хорошо помню свой и отцовский шок – к такому от самого мелодичного «Битла» мы готовы не были.
Это эпохальная пластинка для Пола Маккартни, его последний по-настоящему великий альбом, в который он вложил все силы, которым он закрывал одну эпоху и открывал другую. Возможно, это вообще самая важная, искренняя и прямолинейная сольная запись, которую он когда-либо делал. Это его собственный «Plastic Ono Band», вышедший тридцать лет спустя после альбома Джона Леннона. И про «Driving Rain» никто не вспоминает, я не вижу никаких поползновений в сторону общественного признания этой записи, и даже сам Маккартни предпочел забыть о том, что этот альбом когда-либо выходил.
Я же помню наизусть каждую песню с этого альбома. В нем на протяжении часа и шестнадцати композиций борются тьма и свет. В одних треках нашли отражение настроения, связанные со кончиной Линды Маккартни за три года до его выхода и болезнью Джорджа Харрисона (он скончлся через две недели после появления альбома), в других Маккартни находит утешение в лице своей новой пассии Хизер Миллс. Пикселизированная, размытая серая обложка – селфи Маккартни в туалете, снятое на часы Casio со встроенной камерой (было и такое) – походит этой непростой пластинке как нельзя лучше. Эмоции сложные, но Макка доносит их при помощи едва ли не лучших мелодий в карьере. Я даже не буду перечислять песни, на которые стоит обратить внимание – каждую я считаю запоминающейся и не похожей на остальные. Смотрю на треклист и треки сами начинают играть в голове. Но хороши не только мелодии: «Driving Rain» – первый лонгплей, записанный Маккартни вместе с группой, которая впоследствии станет его постоянным составом, с которым он прикатит на Красную и Дворцовую площади и будет ездить по свету и по сей день. Чувствуется, что классные музыканты (Расти Андерсон, Эйб Лабориэль-мл. и другие) придали импульс, на котором Маккартни движется до сих пор – особенно это чувствуется в финальном десятиминутном джеме «Rinse the Raindrops», в котором певец опять срывается на истошные вопли и выплескивает все эмоции, что у него накопились. По сокрушительности эту песню я могу сравнить разве что с «Let’s Call It Love» Sleater-Kinney с их (некогда) финального шедевра «The Woods» (2005).
Я годами гонял «Driving Rain» в детстве, выучил каждый звук с этого альбома, до сих пор регулярно к нему возвращаюсь, и он мне совершенно не надоел. Однако, у общественности на его счет иное мнение. В Англии этот лонгплей стал самым плохо продаваемым релизом Маккартни, добравшись лишь до 46-ой строчки чартов, в туре в его поддержку музыкант играл всего пару песен и больше к ним не возвращался, на четырех дисках ретроспективного бокс-сета «Pure McCartney» (2016) не нашлось места ни для одной песни из «Driving Rain». Недавно мне попалось видео, в котором какой-то блогер на протяжении двух часов расставлял все альбомы Маккартни от худшего к лучшему, и угадайте какой пластинкой открывалась эта подборка? Во-многом, тот видос и побудил написать этот пост.
Я даже не уверен, что «Driving Rain» когда-нибудь переиздадут: с ним у Пола Маккартни ассоциируются разом слишком много тяжелых событий. Мало того, что это альбом про смерть Линды, так еще Хизер Миллс оказалась той еще змеюкой, и обчистила Сэра Пола на много лямов во время развода.
Однако лично для меня это самая лучшая пластинка Маккартни и недавно я понял, что котирую ее даже выше «Ram» и «Band on the Run».
Китайская предприимчивость легла на острый культурный дефицит. В полусекретных магазинчиках или прямо на улице люди начали продавать дакоу-кассеты. Причем продавать сразу тоннами — их было так много и они поначалу были так дешевы, что позволить себе их мог практически кто угодно. Буквально за год в стране родилась новая серая индустрия: с большими и маленькими боссами, оптовыми поставщиками, перекупщиками, “байерами”, которые советовали, что продавать в первую очередь и по какой цене. И, конечно же, колоссальным уровнем коррупции — выигрывал тот, кто мог скупить груз напрямую у таможенников.
Самое интересное в дакоу — это то, что огромное количество музыки свалилось на китайскую молодежь абсолютно без контекста. У слушателей не было доступа ни к какой западной музыке; в громкоговорителях по стране транслировали в основном одни и те же восемь одобренных партией национальных опер. И вдруг этой музыки стало с избытком везде вокруг — но не было о ней никакой информации. Китайцы знакомились с ней с чистого листа, непредвзято, без предпочтений по жанрам, да и без представления, что какие-то жанры существуют в принципе. Дрим-поп, панк, метал, фолк, хип-хоп — все для них было едино. Поэтому, например, The Beatles и Боб Дилан не вызвали среди молодежи большого ажиотажа, а вот финская симфо-метал-группа Sonata Arctica стала сверхпопулярной. Для тех, кто торговал записями, это “no context” тоже сыграло роль — известна история про то, как один из оптовиков дакоу по незнанию выбросил кассеты группы Nirvana на свалку на сумму достаточную, чтобы купить дом.
Дакоу привело к взрыву в музыкальной жизни Китая. Как говорит Ли Чао из группы Zaliva-D, половина покупателей дакоу стала рекорд-коллекционерами, вторая — начала исполнять музыку. Свое становление в качестве музыканта он, как и, скажем, гитарист Мамер, лейбл Old Heaven Books и сотни других, связывает именно с дакоу. Экспериментальная природа китайского рока во многом проистекает из этого же явления. Мне очень понравился подкаст Radiolab, где появляется группа Demerit. Очевидец рассказывает, как она выходит на сцену — вся в кожанках и тяжелых ботинках — и начинает играть типичную очень панковскую песню, со ска-ритмом. А потом вдруг два гитариста принимаются пилить два длиннющих виртуозных соляка в метал-традициях, а под кожанками оказываются футболки Iron Maiden. Для сочинителей и исполнителей такая эклектика была совершенно естественной, никакого конфликта интересов или хронологических референсов в ней они не видели.
Говорят, людей, выросших в 1990-х на испорченных кассетах, в Китае так и называют — поколение дакоу. А прямо сейчас по тем временам в стране дико ностальгируют, хотя купить кассеты и диски с прорезями можно до сих пор.
Послушайте классный подкаст Radiolab на тему — а потом включите вот этот трек, где певица Фэй Ван перепевает Cocteau Twins, чего без дакоу тоже бы не случилось. Ван тут так хороша, что Элизабет Фрейзер и Роберт Гатри с ней потом даже немножко поработали.
Брендон Рэндалл-Майерс живет в Нью-Йорке, играет в ансамбле Гленна Бранки и сочиняет авангардную гитарную музыку для разных коллективов соответствующего круга — скажем, на альбоме «Dynamics of Vanishing Bodies» (довольно крутом, но сегодня не об этом) его музыку играл гитарный квартет Dither, в составе которого играет Гьян Райли. В целом в каталоге его записей и произведений стоит покопаться, потому что подходы у него довольно прикольные, но это потом — пока меня интересует альбом его проекта Scarcity, который вышел в прошлом году.
На альбоме Scarcity Рэндалл-Майерс играет металл, причем на всех инструментах сразу — с вокалом помогает Даг Мур из группы Pyrrhon, а всё остальное композитор делает сам. У альбома есть концептуальная история про то, как это размышление о скорби, навеянное пандемическими потерями — тексты Мура исследуют именно это сторону, и их в разных местах даже хвалили, но я, честно говоря, на этом так и не смог толком сфокусироваться. Из-за того, как Scarcity звучит — это, в общем, такая 45-минутная металлическая сюита в пяти частях, в которой авангардный композитор-умник предлагает свой взгляд на дум и блэк. Это круто, сложно, интересно и всё такое, но прямо сейчас мне важней всего сказать вот что — первые 18 минут этой записи просто очуметь что такое. Здесь авангардный композитор-умник складывает из блэка что-то такое огромное, геометрическое и сверкающее бесконечными острыми гранями, словно перед тобой взлетает и начинает складываться и раскладываться что-то из «Трансформеров», если бы их снимал дуэт Дени Вильнёва и Ари Астера. Дальше тоже много крутого, в финальной части есть классная духовая секция, но всё-таки вот этот старт какой-то совсем нечеловеческий.
Как 20 лет назад русская поп-музыка перестала быть модной
2003 – год нелепой битвы русского рока с “попсой”. После конфликта с Филиппом Киркоровым, дошедшего до рукоприкладства, Юрий Шевчук собрал рок-группу “Попса” и записал целый альбом с участием Горшка, Ильи Черта и других коллег. Как бы ни смехотворно это не звучало, но это протестный альбом, и так называемая “попса” здесь – объект ненависти, подлежащий, как минимум, высмеиванию, как максимум - уничтожению.
Однако русский рок и российская эстрада были тогда не настолько полярными мирами, как это принято считать. Продюсер выпустившей в 2003 году хит “Часики” Валерии Иосиф Пригожин до этого сотрудничал с “Королем и шутом”. Автором многих треков популярного в начале 00-х певца Оскара (в том числе и танцевального хита «Мажь вазелином») был основатель группы «Мёртвые дельфины» Артур Ацаламов, вообще-то игравший в своем коллективе альтернативный рок. Ну и спевший в рекламе “Ментоса” свою лучшую песню Валерий Кипелов – общеизвестный факт.
В том же 2003 году вышел дебютный альбом одной из важнейших российских рок-групп 00-х “Звери” “Голод” с песнями про секс и “районы-кварталы”. Основателем “Зверей” является продюсер и композитор Александр Войтинский, стоявший у истоков дуэта “Тату”, но отказавшийся в итоге от сотрудничества с группой из-за лесбийских мотивов.
Еще один поп-феномен 2003 года – придуманный Максимом Фадеевым проект Глюк’oZa, и если его визуальная часть явно была вдохновлена гремевшими тогда Gorillaz, то самая очевидная ассоциация, которая может возникнуть при прослушивании дебютника “Глюк’oZa Nostra” – конечно же, королева русского рок-н-ролла Жанна Агузарова. Ранние песни Глюк’oZa – своего рода музыкальный фанфик, будто бы созданный поклонником певицы, который представил, что бы она могла записывать в нулевые годы.
Возвращаясь к противостоянию русского рока и “попсы” – годом позже Земфира выпустит песню “Небомореоблака” с известным панчем “Эти серые лица не внушают доверия/ Теперь я знаю кому поёт певица Валерия”. Однако было бы некорректно ставить Земфиру рядом с Шевчуком – она действительно права в том смысле, что российской поп-музыке тогда будто бы резко увернули ручку яркости в угоду формату. В этом можно винить ряд факторов – и сменившееся руководство российского MTV, переставшего ставить слишком модную музыку, и появление ненавистной Шевчуку “Фабрики звезд”.
Факт остается фактом - самые прогрессивные российские поп-продюсеры конца 90-х, такие как Игорь Матвиенко (“Иванушки”), Павел Есенин (Hi-Fi, Шура), Юрий Усачев (“Гости из будущего”), к 2003 году перестали рисковать и адаптировать к отечественной эстраде новейшие западные жанры, а также поднимать в текстах песен “опасные” темы. Пресловутая русская “попса” будто вышла из клубов и решила отдохнуть, заняв место дома на диване перед телевизором.
Наверное, это действительно связано с сужением пресловутого формата на ТВ и радио, которое коснулось в том числе русского рока и “Нашего радио” – много ли ярких рок-звезд оно породило после 2003 года? Однако фактор личности в истории тоже мог иметь место – вот что писал Максим Фадеев, еще один герой 90-х и продюсер мрачнейших песен Линды, в своем посте, приуроченном к 20-летию альбома Massive Attack “Mezzanine”. “Я не побоюсь сказать, что после ее выхода музыка закончилась. Начали создаваться бренды”, - писал музыкант 5 лет назад. Не знаю, насколько этот пост был саморазоблачительным – но почему бы не предположить, что у тех же Матвиенко, Усачева и Есенина тоже было какое-то событие в жизни, скорректировавшее их отношение к поп-музыке (а может, они просто повзрослели).
Наткнулся вчера на занятную статью о том, что несмотря на бодрые отчеты, в 2022 году рынок современного винила достиг-таки предела и впервые за 17 лет показал рост всего на 4% против прошлогодних 95%.
Многие гонят на Тейлор Свифт за то, что та оккупировала заводы и согнала всех остальных в многомесячные очереди, однако на самом деле ее стоит поблагодарить – если бы не ее «Midnights», продавшийся тиражом в лям (!) пластов, скорей всего, цифры были бы и вовсе отрицательными.
Почему так? Автор приводит целый список претензий к рекорд-индустрии. Среди них позиционирование винила как «лакшери-продукта» вместо масс-маркета, с постоянно растущей ценой – $40 в рознице за новый релиз не удивляют никого и считаются нормой. И это притом, что инвестиций в развитие формата не делается практически никаких: компании просто досуха доят технологию, которой вот уже более 70-лет, не строят новые заводы и не подстегивают слушателей обзаводиться проигрывателями. Более 50% покупателей музыки в этом формате вообще не имеют вертаков и приобретают пластинки в качестве сувенира (а это значит, что покупают их в мизерных количествах).
В общем, если в двух словах, виноваты во всем жадность и лень.
Они могли бы быть больше, чем Daft Punk
Собирался написать пост про то, что дуэт Basement Jaxx обделен вниманием, но потом вдруг вспомнил, что когда Кайли Миноуг боролась с раком в 2005 году, они заменили ее на «Гластонбери» в качестве хедлайнеров.
А еще в том же году они выиграли «Грэмми» за лучший танцевальный альбом, а их треки звучали в куче видеоигр, среди которых есть даже такие, в которые играл я («SSX 3» на PS2, например). А еще их песня «Good Luck» была официальной темой Евро 2004 на британском телевидении, их ремикс трека Мисси Эллиотт («4 My People») стал одной из самых популярных песен в ее каталоге и они записывали совместные композиции со Сьюзи Сью, Йоко Оно и Робин. Так что все у них, в общем, было в порядке.
И все равно, на мой взгляд, стоило бы относиться к ним серьезней и почаще вспоминать. Я вот вспомнил, когда слушал хороший новый альбом Skrillex «Quest for Fire». Почему мне он так вкатил? Ведь я никогда не питал особой любви к EDM и Скриллексу (за исключением его продакшнов для Джастина Бибера), однако услышал в «Quest for Fire» нечто родное и знакомое, цепляющее на уровне подсознания. Основательно порывшись в музыкальной памяти, я в итоге выстроил параллели с Basement Jaxx. Вот у кого было такое же внимание к деталям, такая же точная калибровка звуков, из которых склеиваются барабанные «брейки» и «филлы», такие же лихие срывы из брейкбита в прямую бочку, такой же верный хаус-мотор под капотом из мешанины стилей и звуков.
Удивительно, но музыка Basement Jaxx за последние двадцать с лишним лет почти не устарела. Включите их трек «Breakaway» и офигейте от напора битов и проработанности саунд-дизайна. Это техно-фанк, доставленный прямиком из будущего! А затем посмотрите на год выпуска (2001) и офигейте еще раз. Теоретически, этот трек могла бы выпустить SOPHIE в 2018, его могли бы сварганить 100 gecs в 2019, его мог бы сделать Skrillex на пару с каким-нибудь DJ Snake в 2023. Однако вряд ли кто-либо из этих артистов смог бы выдать столько неожиданных хуков, сделать из этого звукового хаоса полноценную песню, рассказать историю, как Basement Jaxx. Не говоря уже о том, что почти весь EDM на фоне их ранних пластинок звучит безопасно и вылизанно, примерно как группа Twenty One Pilots на фоне The Stooges.
Стоит послушать три первые пластинки Basement Jaxx, выпущенные до того, пока они не начали делать откровенно коммерческую поп-музыку (и стали, при этом, менее коммерчески успешными). Просто включите их шедевр 2001 года «Rooty» и попробуйте усидеть на месте: дуэт Саймона Рэтклиффа и Феликса Бакстона ЗНАЕТ, как заставить задницы трястись, и безжалостно нажимает на все правильные кнопки. И при этом, их музыка устроена достаточно сложно для того, чтобы переслушать ее свежими ушами и обнаружить не слышанные ранее звуки, находчивые ходы, потаенные мелодии. Для меня Basement Jaxx – cамая изобретательная продакшн-команда «нулевых», которая наряду с The Neptunes переписывала правила игры в мейнстриме в те годы и вообще по-хорошему должна перечисляться через запятую с Daft Punk.
Они нанизывали на биты безумные конструкции из сэмплов, визгов и вздохов, и отголоски их «рубленного» стиля можно услышать повсеместно, от Diplo до лейбла PC Music. Они замешивали «глитч» с «мировой музыкой», но никогда не забывали про грув, танцы и мелодии. Basement Jaxx – олицетворение того, куда при помощи фантазии и смекалки можно уехать на смеси из поп-музыки и хауса. Они записали бэнгеров не меньше, чем Daft Punk и уступают им разве что в визуальной части. Если бы у них были классные костюмы роботов, они бы вообще всех порвали.
ужасно хорошая неделя - на этот раз свежими релизами поделились sleaford mods, fever ray и h. hawkline, шейна кливленд из la luz и молодая группа cowboyy. в этом посте - коротко о пяти других релизах пятницы, 10 марта, которые явно попадут в финальные списки года.
frankie rose - love as projection
фрэнки роуз начала свою карьеру в середине нулевых, играя в бруклинских коллективах vivian girls и dum dum girls - группах с характерно звонкими гитарами, лоуфайным звуком и бойким ритмом. но если тогда она была известна в первую очередь как талантливая ударница, то с выходом сольного дебюта «interstellar» (2012) фрэнки проявила себе еще и как достойная вокалистка. чем дальше, тем больше ее звук прогрессировал, обогащался объемом и парящими синтезаторными партиями. новый альбом «love as projection» довел эти стремления до пика, превратив музыку фрэнки в торжественные нью-вейв гимны. все песни здесь хороши, но главные среди них это, конечно, «sixteen ways» и «anything» - слегка готические треки под стать недавним каверам на the cure.
robbie & mona - tusky
робби и мона хотели бы жить в другом веке, они могли бы жить в нем. судя по песням их второго альбома «tusky», мир замер где-то в полуночном джаз-кафе. посетители уже не танцуют, прожектор направлен в пустой угол зала, а приглашенная для выступления группа явно замедлила темп. возвращаться домой все еще не хочется, к тому же бокалы полупусты - чем не повод остаться? нежные, слегка шумные бедрум-поп записи, которые бристольский дуэт представил на своем дебюте «ew» (2021), превратились в давние воспоминания. теперь их музыка - это аккомпанемент для интимного, романтического танца, где есть место лишь пианино, саксофону и томным поэтическим балладам. хайлайт - «sensation».
ulrika spacek - compact trauma
музыка лондонского квинтета ulrika spacek держится на гитарных хитросплетениях - это не мат-рок и не прогрессив, каждый инструмент здесь стоит обособленно, слегка в стороне от других. вместе они создают витиеватый узор звуков; гитары подпрыгивают и спотыкаются о похожие ритмы, звенят, трещат и наконец парят. третий альбом на счету группы «compact trauma» буквально испещрен затейливыми риффами - это результат работы фронтмена риса эдвардса (в том году он выпустил сольник под псевдонимом astrel k) и четырех его бессменных коллег. ключевые треки, как и положено, ждут слушателя под конец - это 10-минутная эпопея «stuck at the door» и следующая за ней «no design». релиз-пример того, что гитарная музыка все еще может впечатлять.
mspaint - post-american
когда deafheaven выпустили альбом «infinite granite», а turnstile записали «glow on», они изменили правила игры - пост-хардкор внезапно стал доступен массам. не следовать этим правилам было бы непростительной ошибкой, даже если трансформация звука произошла по инерции. участники группы mspaint долго, очень долго играли в местных хардкор-проектах, поэтому при создании новой формации их единственным желанием было не использовать гитары. дебютный альбом «post-american» возрождает к жизни давно забытый синт-панк, чьи жужжащие синтезаторы не уступают по мощи всем струнным. в лирике mspaint переосмысливают то, что значит быть жителем современной америки, но со столь захватывающими аранжировками нам вряд ли нужно вслушиваться в слова.
dutch uncles - true entertainment
как и многие группы до них, dutch uncles смешивали в своей музыке большое количество влияний - инди-диско и пост-панк, танцевальные ритмы дэвида бирна и кантри по мотивам долли партон. во главе этого эклектичного парада всегда стоял вокал - отличительно высокий голос фронтмена дункана уоллиса, который роднил его с орландо уиксом (the maccabees) и хейденом торпом (wild beasts). на свежем альбоме группы «true entertainment» рецепт успеха не меняется, но жанрово dutch uncles все больше олицетворяют собой каноничный софисти-поп. электронный фон и стаккато в припевах хорошо работают с текстами - уоллис как всегда наполняет песни отсылками, не забывая иронизировать над самим собой.
«Играем джаз». YouTube Гостелерадиофонда
YouTube-канал Гостелерадиофонда «Играем джаз» — это просто счастье какое-то. Тут вам и оркестр Юрия Саульского в заснеженном зоопарке со скэтом а-ля рюс (шипящие согласные в ассортименте; животные недоумевают), и взволнованный молодой виртуоз Виктор Зинчук, который не в состоянии сыграть джазовый стандарт, и прогрессивные мыслители (трио Ганелина, «Аллегро» Левиновского, etc.), и легендарные Алексеи — Козлов и Кузнецов, и хитмейкеры Паулс и Долина, и даже заморские VIP конца 80х – начала 90-х из разряда Сан Ра и Фредди Хаббарда.
Но мое поколение (род. 1985) будет особенно тронуто фрагментом программы «Марафон-15» 1990 года, где ведущий Жора Галустьян с флегматичным удивлением рассказывает о классе джазовой скрипки в музыкальной школе. Его вопросы очаровательно косноязычны и неторопливы.
— Я вот не особенно заметил, что у вас какое-то необыкновенное состояние такое. Ну, вот бывает вот тот самый… момент, когда у вас необыкновенное состояние и вы действительно можете по-настоящему, как взрослые, импровизировать? — спрашивает Жора. — У тебя бывает?! — с искренним удивлением добавляет он, глядя на мальчика лет десяти.
— Ну да, — спокойно отвечает мальчик. — Мы с папой, когда он… Он гармонии играет, а я импровизирую…
Чудо чудное.
#видео
С точки зрения суровой критики, «Хэйджэ» — это двойной колониальный стиль: певец изображает благородного дикаря с Дальнего Востока, в то время как его группа — нечто вроде экспортного джаз-фанк-ансамбля. «Хэйджэ» также аутентичен как яранга с холодильником и самоваром, в которой Бельды позирует на обложке альбома: с одной стороны, вроде и экзотизация, а с другой стороны, имеет полное право на существование — в конце концов, именно в таких ярангах и жили советские оленеводы конца XX века. Но по крайне мере, «Хэйджэ» почти очищен от советской идеологии, что делает альбом уникальным артефактом культуры той эпохи. Особенно для душного начала 1980-х, когда идеологическое давление в культуре и обществе достигло максимума. Любопытно, что своеобразным продолжением «Хэйджэ», на мой взгляд, является альбом «Родина» группы «Николай Коперник», предельно эстетская запись, одна из жемчужин московской новой волны. Лидер группы Юрий Орлов взял за ее литературную основу стихи поэтов коренных народностей севера СССР. Возможно, эту идею ему подсказали незамутненные песни Кола Бельды. Они, поэтизирующие дом и родину не как всесильную империю, оскалившуюся зубьями бойниц Кремля, а как глубокое озеро, на котором ловили рыбу твои предки, и сейчас (особенно сейчас) воспринимаются как отрезвляющий глоток холодной воды.
Читать полностью…
Я тут периодически рассказываю, как знаковые женщины поп-музыки заигрывают с рок-жанрами: то Мадонна сыграет рифф Pantera, то Долли Партон споёт дуэтом с Робом Хэлфордом. А вот на глаза мне попалось выступление Леди Гаги на фестивале Lollapalooza в 2010 году - и это что-то с чем!
Формально Гага выступала как бэк-вокалистка глэм-рок группы Semi Precious Weapons, но она безусловно «украла» их шоу - посмотрите, как полуобнажённая певица с размазанным по лицу гримом раз за разом ныряет в толпу как заправская панк-дива. Напомню - происходит это уже после релиза супер-успешного альбома «The Fame» и синглов «Just Dance», «Poker Face» и «Paparazzi»; собственно, на другой площадке Lollapalooza Гага выступила в качестве одного из хэдлайнеров, в более традиционном для себя образе.
На самом деле Леди Гага - давняя поклонница Semi Precious Weapons и в том же году даже спродюсировала их альбом «You Love You». А на Lollapalooza она впервые выступила за три года до этого - как солистка бурлеск-шоу «Lady Gaga and the Starlight Revue» с песнями рокеров 70-х. Не забывай свои корни!
Помните, я обещал рассказать о любимых сборниках би-сайдов? А вот же они!
Suede «Sci-Fi Lullabies»
Редкий в своем роде сборник би-сайдов, который фанатским консенсусом ценится выше половины альбомов. Без «Sci-Fi Lullabies» не обходится ни один обзор дискографии Suede, песни оттуда играются на концертах, да и сам Бретт Андерсон любит посокрушаться: почему многие песни отсюда не попали на альбомы?
«Sci-Fi Lullabies» не только символизирует творческую плодовитость и карьерную наглость (оставить в би-сайдах песню «Killing of A Flash Boy» — это вообще как?) Suede в 90-х, но и наглядно иллюстрирует, как уход гитариста и сонграйтера Бернарда Батлера развернул группу на 180 градусов: от мрака и боли — практически к поп-музыке.
Kent «B-Sidor»
Еще один сборник-таймлапс. В данном случае обратный: на сборнике би-сайдов шведские рокеры встречают нас на стадионе, буквально берут за руку и ведут сначала на студию, чтобы познакомиться поближе, а потом на первую репточку, где все начиналось.
Но лучше B-Sidor все-таки слушать от конца до начала: так можно понаблюдать, как Йоаким Берг ищет свой голос (а группа — звук) и как на смену грязному звуку и песням со строчками вроде «Я хочу, чтобы мой язык был там» пришли баллады дождливой стокгольмской тоски от лица вечно влюбленного и безумно одинокого шведа. А еще здесь есть та самая «Utan Dina Andetag», которая десятилетие томилась на сборнике би-сайдов, чтобы в итоге стать главным хитом.
Mansun «Kleptomania 2»
Mansun — самая интересная, умная и хитрая группа позднего бритпопа, которая находчиво притворялась то группой Japan макияжно-глэмовой эры, то заумным прог-роком с песнями по семь минут, то R&B, но сыгранным как постбритпоп (среди тех, кто выкупил фишку — Blood Orange, сделавший кавер на главный хит отсюда).
Сборник би-сайдов — отдельное удовольствие понаблюдать, как Mansun а) позволяли себе чуть больше б) начинали как базовые мерсисайдские гопники в панамах, которые слишком жадно смотрели на группу Oasis — но заигрались (и слава Богу!).
Немного нарушу собственный план. Но оставлю затравку для следующего того самого обещанного вдумчивого поста про очень крутой и необычный альбом. Для этого вновь вспомним пуэрто-риканского рэпера Residente.
«Somos Anormales» — дебютный сольный сингл музыканта, первая из представленных песен с его сольного альбома «Residente».
Песня пуэрториканского рэпера начинается с тувинского горлового пения. Поворот! Более того, она вовсе была записана в Туве, в Кызыле, куда Residente прилетел на одну неделю. Записана вместе с тувинским ансамблем «Чиргилчин». Лидер ансамбля Игорь Кошкендей, народный хоомейжи Республики Тува (почетный официальный титул, присуждаемый исполнителям горлового пения) значится соавтором трека. Вместе с Residente он получил Latin Grammy в 2017 году в номинации «Best Urban Song». Вот такое достижение российской культуры, если считать тувинскую культуру частью российской, пока Тува входит в состав РФ. В Википедии пишут, что текст Residente для того, чтобы «Чиргилчин» смогли записать свою партию, сначала был переведен с испанского на английский, а потом уже на тувинский. Такие трудности, не помешавшие коммуникации и пониманию тем не менее.
Residente, конечно, в плане представления того, как деколониальные идеи и смыслы воплощаются в музыке — артист показательный. «Анормальность» в песне он провозглашает не как изъян, а как то, чем нужно гордиться. В том, чтобы отличаться от других, нет ничего плохого. Это не повод для разногласий и конфликтов, а причина для объединения: «Если у нас есть что-то общее, так это то, что мы разные». Сила в многообразии и его принятии, а не в единообразии и единомыслии.
Справедливость этого утверждения и в уникальном звуке Residente. Соединяя разные культуры, разные жанры он это многообразие приумножает, одновременно создавая этим пространство для диалога, для взаимодействия, для взаимоуважения.
Клип впечатляющий огого как! Но включать с дисклеймером — содержание откровенное, для кого-то покажется шокирующим. Визуальные образы лобовые, жесткие. Срежиссировал сам Residente. Ну то есть там буквально из вагины матери-Африки извергается фигурально всё человечество. Но дети одной матери не находят согласия друг с другом. Для чувствительных — ссылка на песню без клипа.
Про горловое пение и пространство для диалога, для взаимодействия, для взаимоуважения продолжу в следующих нескольких постах.
↑↑
Такахата и Миядзаки хотели использовать "Песню о Земле" в финале фильма, но из-за смерти автора Высоцкого в 1980 году возникли проблемы с авторскими правами и другие препятствия для использования песни, и в итоге им пришлось отказаться от ее использования в фильме. Такахата, Миядзаки и Джо Хисаиси решили попробовать создать оригинальную тематическую песню. Сначала Хисаиси написал мелодию в стиле русского шансона, имея в виду "Песню о земле" Высоцкого, к которой Миядзаки адаптировал текст. Миядзаки написал следующие слова:
錆の砂漠の彼方から 風は来た
腐った海をこえて 風は見た
大地が固く心を閉じたのは
やき払われた悲しみから
種が石になって 死んだのは
ひきさかれた いたみから
白い翼をもった 胸高き風よ
はるかな地へ すぎゆく風よ
種は死にはしない
母は子等を見すてはしない
大地は 今 心をひらく
🤖
Ветер пришел из-за пустыни ржавчины
За гнилым морем ветер видел
Земля крепко закрыла свое сердце
От печали, которая была сожжена
Семя превратилось в камень и умерло
От боли, которая была разорвана
Гордый ветер с белыми крыльями
В далекую землю, ветер, который проходит
семена не умирают
Матери никогда не бросают своих детей
Земля теперь открывает мое сердце
Новая тематическая песня должна была быть исполнена Хамзой Эльдином, суданским поэтом, который в то время находился с визитом в Японии. Однако стиль пения Хамзы - это уникальная аранжировка, которая каждый раз неизбежно отличается от оригинальной мелодии, и даже после множества дублей дело не пошло, и в итоге время закончилось, и проект был заброшен.
В конце концов, было решено использовать песню "Легенда ветра", написанную Хисаиcи, в качестве концовки.
(От себя отмечу, что в 1983 году, за год до выхода «Навсикаи», «Песня о Земле» все же вышла в Японии на виниле)
Одна из величайших загадок музыкального мира — то, почему британцы Prefab Sprout так и не стали суперзвездами. В середине 80-х, говорят, было ощущение, что вот-вот всё у них получится: мир тепло принял дебютник Swoon, за ним последовал Steve McQueen — один из самых впечатляющих поп-альбомов в моей жизни, филигранно идущий по канату, с которого кто только не валился.
С одной стороны, он достаточно умный и разный, чтобы по-снобски настроенный слушатель не скривился. Поконкурирует на равных с монстрами утончённого попа, The Blue Nile, Scritti Politti... С другой, это чистейая поп-музыка, на которую тело моментально реагирует желанием танцевать. Бросит вызов самому Майклу Джексону?... Steve McQueen кажется мне самым точным музыкальным воплощением 1980-х, как я себе их представляю. Синтезаторы звучат вульгарно и смазливо, Пэдди МакАлун выдаёт идеальное сочетание чувственности с придыханием и плохого парня на мотоцикле и в кожанке.
И всё же успех не пришёл. С 1990 года каждого нового альбома фанаты Prefab Sprout дожидались годами. Тем удивительнее, что несмотря на явные усталость и разочарование МакАлун так и не опустил планку. Последний на сегодняшний день Crimson/Red вышел в 2013, и он... великолепен. Эту музыку не хочется любить, но любой скепсис она сносит бурным потоком жизни: например, открывающая альбом The Best Jewel Thief In The World это целый шпионский боевик с представлением героя, с размышлением о жизни, с кульминацией и погоней — и всё это умещается в четыре минуты чистого удовольствия. Как голос человека в 56 лет может звучать так чисто и наивно? «Они точат ножи, но у тебя девять жизней»!
На песню сняли близкий к тексту клип, и он показался... неудачным. Большинство комментаторов на Ютубе сходятся во мнении: «прекрасная песня, которая заслуживает видео получше». Интернет не подвёл, и кто-то из фанатов смонтировал нарезку кадров из хитчкоковского To Catch A Thief, которая настолько подошла к песне, что я не мог поверить глазам: нет, ну это же точно снятый специально клип? Двери хлопают на сильную долю, на словах о драгоценностях мы видим роскошное колье, а фирменные хитчкоковские крыши как будто только и ждали этих звуков.
https://youtu.be/5WnATZLcXuA
Release Day | 27.01.2023
The Arcs — Electrophonic Chronic
garage rock | blues rock
Группа Дэна Ауэрбаха из The Black Keys вернулась после долгого перерыва. Тем, кто любит первую запись и пластинки дуэта — априори зайдет.
Lil Yachty — Let's Start Here
hip-hop
Яхти можно любить или ненавидеть. Но он есть и это самое главное.
Hammock — Love in the Void
ambient | post-rock
Опытный эмбиент-пост-рок дуэт с новым альбомом. Как всегда красиво.
Fucked Up — One Day
punk
Канадские панки-мегаломаны с новым произведением. В этом случае, правда, они аппетиты поумерили. И очень правильно, не устанешь, пока слушаешь, минимум филлеров.
Kimbra — A Reckoning
pop
Любителям поп-солянок строго к приобретению. Разнообразно, порой со всякими гипер и другими попами. Мейнстрим-штаны на пятницу.
Samia — Honey
indie pop
Второй и прям легенький релиз от Самии Финнерти. Музыка и для себя, и для реклам кондиционеров.
Emarosa — Sting
alternative rock
Ребята из пост-хардкора уже несколько релизов как полностью ушли в поп-музыку. Причем, не самую интересную. Под конец дико тошнит от уже задолбавших ретро-вайбов.
Sightless Pit — Lockstep Bloodwar
industrial
Sightless Pit — это локация в Скайриме, а еще дуэт Ли Буфорда из The Body и Дилана Уокера из Full of Hell. Думаю, что тут дальнейшие рекомендации будут лишними.
SG Lewis — AudioLust & HigherLove
electronic
Британский битмарь наделал музыки и для танц-полов, и для чилла дома.
White Reaper — Asking for a Ride
garage rock
То ли ироничные, то ли не очень ребята продолжают гнать рокец.
Seer of the Void — Mantra Monolith
stoner rock
Стоунер греки со злым и угарным релизом. Ну а каким еще мог быть альбом с названием Mantra Monolith.
Fågelle — Den svenska vreden
experimental
У шведки Fågelle все шансы быть упущенной различными критиками, но вы хватайтесь. Арт-поп штука, записанная будто бы совсем где-то далеко от всех (но там, где есть клавишные и другие инструменты).
YEAR0001 — RIFT Two
electronic
Сборник от шведского инди-лейбла с большим количество интересных проектов. Хотели смачный микс, который можно год туда-сюда гонять? Вполне подходит.
Little North — Wide Open
jazz
200+ IQ музыка от умельцев импровизации из Дании.
Wolfgang Haffner — Silent World
jazz
Заслуженный немецкий джаз-барабанщик с новым альбомом. Максимально лаунджевый звук, чисто для расслабона.
...And Oceans — As in Gardens, So in Tombs
black metal
Финский коллектив, любящий иногда менять имена. По наполнению —лихой блэк с симфоническими приколами.
#emusicfridays
Måneskin – Rush! (2023)
> pop rock / glam rock / hard rock
Разговор будет долгий, и начну с минутки откровений: я смотрю Евровидение с детских лет и продолжаю смотреть по сей день, если есть на то возможность (и никогда не стеснялся этого факта).
Воспоминания о том, как мы с мамой оценивали выступающих артистов и трепетно ждали оглашения результатов голосования, железно отложились в моей памяти, и нет - я не воспринимаю этот конкурс как нечто серьезное и важное для муз.индустрии. Это масштабное, ультра-пафосное телешоу, дарующее шанс познакомиться с десятками абсурднейших артистов/групп со всего земного шара, и мне дико жаль, что с недавних пор его суть омрачена политической повесткой и судейскими оценками.
Подводя разговор к Måneskin, выскажу своё опытное мнение. Напомню, что это тот самый единичный случай наравне с условными ABBA и Селин Дион, когда победитель конкурса смог оседлать волну популярности и устоять на ней. После череды синглов 'средней руки' и пары лет дерзких выходок в угоду жёлтой прессы, четвёрка итальянцев таки дошла до выпуска первого альбома с пика славы «Rush!», и тот был умеренно обласкан критиками и втоптан в землю публикой. Что же думаю о нём я?
Я думаю, что Måneskin поступили предсказуемо: разменяли родной язык на английский и взяли в продюсеры Макса Мартина, работающего исключительно с поп-музыкой, отчего весь их образ полиаморных хард-рокеров из жаркой Италии развеялся на ветру, а на людях осталась кучка накрашенных ловеласов, поющих про секс, сплетни и рок-н-ролл. И...это всё ещё весело.
Поймите, «Rush!» всё ещё жутко затянут и лишён чёткой структуры, забит пресной рок-жвачкой и лирикой на грани с нонсенсом, но когда их формула работает - это хочется слушать. 'GOSSIP', 'BABY SAID' и 'SUPERMODEL' обладают заедающими хуками под стать радио-хитам, италоязычный 'MARK CHAPMAN' выливается в самый горячий номер с пластинки, а финальный 'THE LONELIEST' закругляет пластинку на пафосно-горькой балладе.
В остальном Måneskin страдают от кризиса идентичности и не могут определиться, куда же им стоит двигаться, отчего всю работу возложили на продюсеров, маркетологов и другой саб-персонал, дабы группа могла и дальше творить пошлости, отжигать на сцене и купаться в лучах славы. Сохранил бы «Rush!» фокус на итальянских корнях и не пресмыкался в пользу толстосумых дядечек - результат был бы в разы убедительней, но и без того это далеко не так плохо, как о нём пишут в сети. Такие пироги.
Слушать - по ссылкам
Cut it out and start again: история китайского дакоу
Последнее время много читаю про китайский рок и его невероятную эволюцию в 1990-х — по сути, произошедшую благодаря издержкам западного капитализма. История эта тесна связана с прелюбопытным явлением “дакоу”, определившим музыкальные вкусы, карьеры и судьбы миллионов китайцев, но за пределами страны почти неизвестным.
Дакоу — это кассеты и компакт-диски, которые с начала 1990-х отправляли в Китай, Тайвань и Гонконг на переработку лейблы из Европы и США. Рекорд-индустрия так устроена, что выгоднее было печатать альбомы каждого из музыкантов с большим запасом, огромными тиражами, а потом ждать, что какой-то из них выстрелит и отобьет затраты. При таком подходе у крупных лейблов, от Universal до 4AD, скапливались гигантские остатки нераспроданных кассет, а позже и дисков. Их продавали в Юго-Восточную Азию по бросовым ценам как пластиковый мусор, привозили по морю и особым образом маркировали — делали прорезь пилой в каждой кассете, чтобы ее невозможно было слушать или перепродавать. Термин “дакоу”, собственно, и переводится как “прорезанный” или “пропиленный”.
Но даже испорченные таким образом кассеты при желании можно было восстановить — развинтить, склеить пленку и переставить в новый корпус. С компакт-дисками еще проще: проигрыватель читает информацию от центра диска к краю, так что если прорезь не слишком глубокая, диск все еще можно слушать, потерянными окажутся только последние треки.
Чтобы понимать, что произошло дальше, потребуется немного социо-культурного экскурса. В 1989 году в Пекине на площади Тяньаньмэнь началась акция протеста; участники требовали демократизации политического режима. Студенты поставили палаточный городок и на полтора месяца устроили маму-анархию с выступлениями ораторов, стихийными концертами, голодовкой и периодическими столкновениями с властями. В июне протестующих жестоко разогнали (счет убитых и раненых шел по неофициальным данным на тысячи). А рок-музыку, как опасную для коммунистической идеологии, фактически запретили, она ушла в подполье. Ходят байки, что кассета Цуй Цзяня с песней “一无所有” (“У меня ничего нет”), гимном протестов на площади Тяньаньмэнь, была в те годы пропуском для китайской молодежи на первое свидание. Если у тебя ее не было, ни одна уважающая себя девушка пойти с тобой в свет не соглашалась.
В то же время китайцы пожинали плоды реформ Дэна Сяопина и по чуть-чуть разворачивались к взаимодействию с капиталистическими странами. Рок-музыка была под запретом, но баржи, груженные ненужными западным слушателям кассетами, прибывали в порты страны — оседая, кстати, главным образом в Пекине и небезызвестном городе Ухань.
Я неоднократно писал в этом канале про Мадонну - например, про её сотрудничество с Бьорк и про каверы на её музыку авторства Игги Попа и Sonic Youth. Но знаете ли вы, что сама Мадонна исполняла кавер на классиков металла?
Ну, то есть как кавер - несколько риффов. Зато не откуда-нибудь, а из трека Pantera «A New Level» с классического альбома «Vulgar Display of Power». И не единожды, а больше 50 раз во время тура Sticky and Sweet 2008 года - играя их собственноручно на Gibson Les Paul в мэш-апе с песней «Hung Up» (построенной, в свою очередь, на хуке из «Gimme Gimme Gimme» ABBA). Не верите? Вот пруф.
Как же этот внезапный метал-кунштюк попал в программу Мадонны? Дело в том, что певица очень хотела сыграть в «Hung Up» на ритм-гитаре - и обучавший её гитарист живого состава Монте Питтман показал ей риффы из «A New Level» в качестве тренировочного упражнения. В результате упражнение (и песня) так понравились Мадж, что она решила вставить кусочек в свою лайв-программу.
Кстати, Питтмана научил играть этот рифф сам Даймбэг Даррелл - так выдающийся металл-гитарист опосредованно (и, к сожалению, посмертно) поучаствовал в подготовке шоу королевы поп-музыки.
Конечно, теснее всего из музыкальных направлений реслинг связан с американским хип-хопом. Здесь не нужно выискивать концептуальные альбомы или перелопачивать старые интервью, про взаимное влияние этих двух пластов
культуры можно говорить бесконечно.
Snoop Dogg с 2016 года входит в зал славы федерации WWE, а его двоюродная сестра Саша Бэнкс — одна из популярнейших рестлерш в мире. Звёздный пуэрториканский эмси Bad Bunny участвовал в турнирах в команде с профессиональным борцом Дэмианом Пристом. Легендарный Джон Сина спас карьеру на ринге, согласившись на роль читающего рэп реслера.
Отдельно трогательным мне кажется, что в списках связанных с драчками на ринге хип-хоперов часто упоминается ушедший от нас в 2020 году загадочный гений MF DOOM — при этом, если я ничего не пропустил, ДУМ сам никогда на ринг не выходил. Но вся его легенда выглядит как отчётливо реслерская: броская маска и окутанная тайной личная жизнь (вплоть до так окончательно и не объявленной причины смерти), любовно конструируемый образ суперзлодея, постоянные отсылки к реслингу в текстах. Кто-то ДУМА называет the greatest heel of all time, кто-то и опускает слово heel.
Предлагаю посмотреть захватывающий, стилизованный под приключенческий комикс клип на трек, где MF DOOM напоминает, что писать о нём можно только так, капсом. Да, реслинга как такового здесь нет. Зато огромный мужчина в маске колотит врагов, как и всегда в этой эстетике — защищая беззащитного персонажа от приспешников зла.
https://www.youtube.com/watch?v=gSJeHDlhYls
Lords of Acid — Lust
Страна: Бельгия
Жанр: new beat / hardcore techno
Год: 1991
Из ньюбитеров Lords of Acid едва ли не дальше всех ушли от панка в сторону рейва. Если, например, 2 Body’s звучали по-хаусовому, но всё ещё электропанково, то Lords of Acid устроили секс-террор, близкий уже к хардкор-техно, пришедшему в начале 90-х.Среди машинолюдей Lords of Acid потрясали больше всех, их эротичные лязги били по ушам как шугейзовые стены звука но при этом звучали похоже на то, что мог бы создать человек.
Поверх этого вокалистки бешено стонали и устраивали развратные танцы, повторяя под вязкие, тяжёлые и кислотные синтезаторы фразы вроде i want to sit on your face. Механистичность их звучания напоминает не про заводские станки и злых роботов, а про механизмы из БДСМ-клубов. Слушать их — как получить в лицо камшот из электронного шума.
Хардкор-техно любят сравнивать с хэви-металом, но Lords of Acid мне напоминают скорее The Stooges: тяжёлый, плотный звук и агрессивная сексуальность. А главный бэнгер группы, I Sit on Acid, передаёт привет I Wanna Be Your Dog не только искусственной замедленностью, но и одинокими ударами по пианино.
ВК / Spotify / Apple Music / Яндекс.Музыка / YouTube Music
#Бельгия #НеделяБельгии #Европа #newbeat #hardcoretechno #techno
