Mid-Century, More Than

04 января 2025 20:19

Мы уже писали о том, кто ввел в американский словарь архитектурных форм букву А, а сегодня, в разгар горнолыжного сезона, напишем о том, кто расширил словарную статью, спроектировав первый А-образный дом на другом конце страны. Именно благодаря Хенрику Буллу, американскому архитектору норвежского происхождения, дома-шалаши стали повсеместно возводиться в качестве шале. В 1953 г. Булл, выросший на горнолыжных склонах и не представлявший свою жизнь без горных лыж, спроектировал для своего друга Джона Фендлера А-образную хижину в Вермонте. Примечательно, что первоначально этот дом планировалось строить на сваях, но банк отказал Фендлеру в кредите, сославшись на временный характер постройки, и в результате дом был поставлен на ленточный фундамент.

Хоть этот дом-шалаш и впечатлил местных жителей необычной формой и полностью застекленным фронтоном и принес Буллу множество заказов от горнолыжников, позволивших архитектору открыть собственное бюро, сам автор, вскоре перебравшийся в Калифорнию, больше не построил ни одного А-образного дома. По словам Джона Эшворта, партнера Булла по архитектурной практике, Булл не был удовлетворен тем, как А-образная конструкция ведет себя среди снегов: «Сход снега с крыши создает опасность для постройки, поскольку, ударяясь об землю, снег может рикошетом повредить дом. Кроме того, Хенрик осознавал, что накопление снега на кровле имеет ряд преимуществ, ведь снег в таком случае служит дополнительным утеплителем».

Однако все это присказка – сказка будет впереди… А пока желаем всем отличного продолжения отдыха – на склонах гор или диванов!

———

We have already posted a note about Rudolf Schindler who introduced the letter A to the American architectural lexicon and now, while the skiing season is in full swing, will follow it up with a note on Henrik Bull, a prominent American architect of Norwegian descent who expanded the lexicon further by designing, in 1953, America’s first ever A-frame on the East Coast thus pioneering the choice of A-frames as ski cabins. An avid skier whose number one passion was always skiing, Bull built his first and only A-frame chalet for his friend John Fendler in Vermont. While the house was initially designed to have a pier foundation, Bull had to opt for a concrete foundation and basement because banks were unwilling to provide a construction loan citing a temporary nature of the building.

Even though this A-frame did create a ripple effect thanks to its ingenious construction and fully glazed gable end and earned Bull many ski cabin commissions enabling the architect to set up his own studio, Bull, who shortly after moved to California, would never design a single A-frame in his career. According to John Ashworth, Bull’s architectural partner, Bull was not satisfied with the way A-frames addressed the problems of snow distribution on a particular site: “When the snow slides off the roof, it creates problems when it hits the ground and then can hit the building, Henrik also realized there were benefits to keeping the snow on the roof, in terms of insulation value.”

This is just a preamble, stay tuned to learn more about Henrik Bull! In the meantime, have a great festive season, whether you are hitting the slopes or sofas!

(photos: grassiandassociates.com, tahoequarterly.com, Henrik Bull Collection, Environmental Design Archives, University of California, Berkeley, CA)

Mid-Century, More Than

01 января 2025 20:02

«С Новым Годом и веселого ТОРжества!» - поздравлял в 1950 г. потенциальных покупателей гибридной стиральной машины «Automagic» американский производитель «Thor», название которого намекало на недюжинную силу выпускаемых им помощников по хозяйству. Гибридной эта машина была потому, что она позволяла не только стирать и отжимать белье, но и мыть посуду! Для использования этого агрегата в режиме посудомоечной машины нужно было лишь поместить в бак специальную подставку для посуды (и ни в коем случае не центрифугировать!) Выпустив эту – первую в мире гибридную - машинку в 1940-х гг., компания «Thor» в следующем десятилетии прекратила ее производство – хоть производитель и утверждал, что посуда не соприкасается с поверхностями, отвечающими за стирку белья, далеко не всем нравилось стирать одежду и мыть посуду в одной и той же емкости.

К слову, возможно, кто-нибудь из наших соотечественников узнал в этой машине советский агрегат. Действительно, аналогичная машина под названием «Харьков – ХЭМЗ» выпускалась Харьковским электромеханическим заводом, который скопировал американский оригинал один в один. Или даже так: Один в Один.

P.S. Дополнительные материалы см. в комментариях к посту.

———

“Merry Xmas and a happy New Thor!” said a 1950 ad that promoted the world’s first hybrid washing machine called Automagic, which was available from Thor, an American manufacturer of household appliances whose name implied that its products were a godsend. The Automagic was a hybrid because it could function as an automatic washing machine and a dishwasher. The dishwashing mode required the use of a designated rack, which was installed into the tub, and was activated at the turn of a switch (one only had to be careful not to select “Spin-Dry”). The Automagic was released in the 1940s and discontinued in the 1950s – even though the manufacturer claimed that none of the parts that touched clothes touched dishes, some people simply could not stand the idea of washing clothes and dishes in the same tub.

Interestingly, some of you may have seen a similar contraption in Soviet households. It was available from Kharkov Electromechanical Works as Kharkov – KhEMZ and was almost an exact replica of the American one.

P.S. For more images, check out the comments down below.

(photos: Daily Herald Archive/ Getty, housekeeping.academic.ru, automaticwasher.org, scootle.edu.au, museumsvictoria.com.au, archive.org, drewfamily.uk, Flickr user Sergey Vinokurov, cladriteradio.com, inhabitat.com)

Mid-Century, More Than

30 декабря 2024 20:14

Сорок лет назад вышел клип на песню «I Want to Break Free», по замыслу Роджера Тейлора пародировавший британский сериал «Coronation Street» и начинавшийся со сцены пробуждения героини, которую играл Брайан Мэй, под чарующие звуки приготовления чашки чая. Дело в том, что в 1960-1970-х гг. британцы любили просыпаться при помощи будильника, самостоятельно кипятившего воду и заваривавшего чай. Разновидностей таких будильников было немало, а их история насчитывает уже более ста лет. Первое подобное приспособление было изобретено в сентябре 1891 г. неким Чарльзом Мейнардом Уокером и, судя по его описанию в журнале «Work», представляло собой модифицированный будильник, который вместо того, чтобы издавать звуковой сигнал при срабатывании, зажигал спичку и таким образом воспламенял спиртовку, размещенную под резервуаром с водой. Когда вода закипала, звучал традиционный свисток.
 
В отличие от Уокера, не запатентовавшего свое изобретение, Самюэль Рауботтом в декабре того же 1891 г. подал патентную заявку на аналогичное устройство, только с запальной (то есть постоянно работавшей!) газовой горелкой, а в 1892 г. получил патент. В 1902 г. Фрэнк Кларк создал еще один такой будильник, который назвал не очень коротко, но очень ясно, «Часы, которые заваривают чай!». С распространением электричества, начиная с 1930-х гг. стали популярны электрические разновидности под более коротким названием «Teasmade» (первоначально – «Teesmade») – этим именем, ставшим нарицательным, называются они и теперь…
 
P.S. Справедливости ради группа «Queen» не первой высмеяла эту британскую привычку: уже в 1966 г. герой сериала «Pardon the Expression» жаловался на то, что не мог уснуть из-за одного такого гибрида, который, сломавшись, за ночь вскипятил 244 чашки!

P.P.S. За идею для поста спасибо нашей доброй коллеге и подруге Кате Улитиной, поделившейся с нами этим умопомрачительным изобретением!

———

2024 marks the 40th anniversary of Queen’s “The Works” and their official video to “I want to Break Free” which Roger Taylor conceived as a parody to the British soap opera Coronation Street and whose opening scene shows Brian May’s character wake up to the sounds of a boiling “teasmade”, a contraption consisting of an alarm clock and a kettle which was hugely popular with British consumers back in the 1960-1970s. There were numerous types of teasmades and their history spans over a century with the first documented invention of the kind created in September 1891 by a certain Charles Maynard Walker. According to the description Walker published in the Work magazine, his device combined an alarm clock that, instead of ringing, struck a match to ignite a spirit lamp underneath a small boiler. When the water boiled, the kettle produced a whistle.
 
Unlike Walker, who did not patent his invention, Samuel Rowbottom filed a patent application for a similar contraption just a couple of months later, in December 1891. His device, which was patented in 1892, had an alarm clock attached to a gas ring and pilot light (sic!). In 1902, Frank Clark designed another hybrid of an alarm clock and a teapot with a telling, albeit hardly laconic name, “A Clock That Makes Tea!” With the advent of electricity in the 1930s, electric devices became common in the UK. They were originally marketed as Teasmade tea brewers (originally Teesmade) and their name has turned into a common noun over the years and is still used to refer to this type of consumer electronics…
 
P.S. In all fairness, Queen were not the first to parody this modern British habit. As early as in 1965, a character of the TV series Pardon the Expression had a wakeful night as his Charmaster teasmade had gone berserk and was brewing tea all night – a total of 244 cups!

P.P.S. This post was put together courtesy of our friend and colleague Katya Ulitina who had introduced us to this contraption.
 
(photos: modip.ac.uk, emmarosetully.com, sciencemuseum.org.uk, thememoryboxfoundation.co.uk, thenostalgiashop.co.uk, auctions.leski.com.au, nzherald.co.nz)

Mid-Century, More Than

28 декабря 2024 20:15

Через год после окончания учебы в Делфтском техническом университете Герман Херцбергер устроился в рупор современной нидерландской архитектуры, журнал «Forum»: «Я научился обращаться с фотографиями. Я узнал, что снимки, сделанные с высоты, лучше помещать в нижней части страницы, а снимки с низкой [вероятно, имеется в виду «высокой» - MCMT] линией горизонта - вверху». Когда дизайнер Юриан Схрофер, разложив на своем «гигантском столе» множество фотографий Херцбергера, спросил у архитектора, нельзя ли было придумать более простой способ донести информацию до читателя, Херцгбергер придумал использовать спичечные коробки. Схрофер «тотчас же загорелся этой идеей» и вместе с архитектором довел ее до публикации в октябрьском номере журнала за 1959 г.

Наивная, но лишь на первый взгляд, концепция, предложенная Херцбергером, легла на плодородную почву: в Нидерландах как раз зарождалось движение структуралистов, активно противостоявшее общеевропейскому рационализму. Опубликованный макет здания, состоящего из повторяющихся типовых ячеек и насыщенного балконами, чтобы соседи могли общаться друг с другом, сопровождался манифестом, который призывал пересмотреть роль и сущность границ или областей, разделяющих внешнее и внутреннее, личное и общественное: «Наши поиски возможностей для совершенствования архетипического жилища будут напрасны, если мы не обратим внимания на взаимоотношения между соседями, между нашим собственным миром и общественным пространством. Задача, которую мы можем решить в первую очередь, состоит в переосмыслении границ таким образом, чтобы конфронтация сменилась встречей. Эти промежуточные зоны являются теми самыми мостиками, связывающими личность и общество».

P.S. Годом позже друг член редколлегии журнала Альдо ван Эйк, вероятно, приложивший руку к этим строкам, заметил Херцбергеру: «Ах да, эти твои спичечные коробки… Было бы лучше, если бы ты остановился на фотографиях…».

Продолжение следует…

———

One year after his graduation from Delft Technical University, Herman Hertzberger joined the Forum magazine, a bullhorn of modern Dutch architecture: “I learned how to deal with photos at Forum. I learned that photos taken from a high vantage point should be placed at the bottom of the page, whereas photos with a low [probably Hertzberger meant “high” - MCMT] horizon are best placed at the top of the page.” When designer Jurrian Schroferm placed the architect’s photograph on his “gigantic” table and asked Hertzberger if he could think of a simpler method of conveying his message”, the latter came up with an idea to use matchboxes instead. Schroferm “went for it hook, line and sinker” and collaborated with Hertzberger in publishing the concept in the October, 1959 issue of Forum.

What may seem naive at first glance was in fact an ingenious concept that exemplified the architectural community’s move towards structuralism which was gaining momentum in the Netherlands as Dutch architects were shunning away from pan-European rationalism. The matchbox model chosen for the publication consisted of repeating standardized units that abounded with balconies to promote interactions between neighbours and was supplemented with a manifesto of sorts calling for a reevaluation of the role and essence of "the threshold" that separated the inside and the outside, the private and the public: "We cannot possibly develop 'the home' any further if we do not concern ourselves with these relationships that exist between neighbours, between our own world and our common space. It is the threshold that we can contribute to so that a confrontation can become an encounter. The threshold is the bridge between the individual and the community."

P.S. One year later, Aldo van Eyck, a friend of Hertzberger's who co-edited the magazine, told the latter, "Ah yes, those matchboxes. It would have been better if you had used those photos after all."

To be continued…

(photos: springer.com, artgid.ru, zoeken.nieuweinstituut.nl, bouwmanenbouwman.nl)

Mid-Century, More Than

27 декабря 2024 20:10

И напоследок предлагаем вам еще один вопрос о значительно более новом новогоднем изобретении, запатентованном неким жителем Флориды по имени Даррелл Хадсон в 2009 г. Отгадаете, что находится внутри этой елочной макушки, которую неслучайно предполагается изготавливать в виде ангела-хранителя?

———

The third book we are giving away tonight will be sent to whoever is the first to guess the intended use of this Christmas tree topper patented back in 2009 by a certain resident of Florida by the name of Darrell Hudson bearing in mind that Hudson’s choice of a guardian angel to disguise the inner workings was not incidental.

(photos here and above: Google Patents, buy.motorious.com, supercars.net, doeandhope.com, atlasobscura.com, smithsonianmag.com)

Mid-Century, More Than

27 декабря 2024 20:01

Девушку, запечатленную на этом снимке 1933 г., зовут Эми Питерсон, и, хоть в руках она держит не шпагу, на голове у нее фехтовальная маска. Аналогичные маски действительно носили некие специалисты до тех пор, пока англичане не усовершенствовали «упаковку». Мы не просим вас отгадать, что у девушки в руках. Лучше будет, если вы назовете слово французского происхождения, которое роднит скрытый от вас объект с фехтованием.

———

The lady wearing a fencing mask in this 1933 photograph is not a fencer. Her name is Amy Peterson and she was one of the experts who did wear similar masks for protection until British scientists improved the “packaging”. Contrary to our usual practice, we are not asking you to guess what Amy Peterson is holding in her hands – instead, we’d like you to guess the French word which is commonly associated with the object we’ve blacked out for you and, at the same time, alludes to fencing.

Mid-Century, More Than

26 декабря 2024 20:33

Нам неизвестен автор этого светильника с заглавной фотографии, но видно, что к вопросу фотосинтеза он относился очень серьезно. А вот название производителя известно очень даже хорошо: этот светильник, как и многие другие, конструктивно аналогичные ему, выпускался чикагской компанией «Stiffel», основанной Теофилом Стиффелем (1899-1971). Музыкант по образованию, после Первой мировой войны Стиффель занялся проектированием световых приборов и в 1932 г. организовал свое собственное предприятие, которое начало выпускать переносные светильники, отличавшиеся необычной конструкцией.

Собственно, прославилась эта и ныне здравствующая компания торшерами, фиксировавшимися между полом и потолком при помощи запатентованных Стиффелем пружинных механизмов. Такие светильники были чрезвычайно популярны в 1940-1950-х гг. и предсказуемо вызвали волну подражаний, но о ней поговорим, возможно, в следующий раз.

———

We don’t know the name of the designer responsible for these lighting fixtures, but can see he/she took the matter of photosynthesis very seriously. What we do know, however, is the name of the manufacturer. These and similar lamps were signature designs of Stiffel, a Chicago-based company established by Theofile Stiffel (1899-1971). A musician by education, Stiffel switched to designing lights after World War One and, in 1932, set up his own business that focused on producing portable and affordable lamps with a unique structural design.

Active to this day, Stiffel is renowned for patented tension pole lights like this one that were highly popular in the 1940s and 1950s, spawning a number of copycats we’ll most likely dwell on next time.

(photos: Flickr user Steve, IG user Esthetic Vintage)

Mid-Century, More Than

24 декабря 2024 20:32

…Компания «Wittmann» несколько лет назад добыла чертежи стульев, которые, «уверенные в своем будущем, словно ждали подходящего момента, чтобы оказаться на современной дизайн-сцене», и выпустила их под названием «Mergentime Chair». Этот же производитель вдохнул новую жизнь в консольный стул Кислера, который теперь так и называется, «Консольный стул №2», а также в диван «для вечеринок» (Party Lounge), запатентованный Кислером в 1939 г. и названный так из-за трансформируемости, мобильности и вместимости (утверждается, что на нем могла уместиться компания из шести человек). Пожалуй, лишь сюрреалистический торшер сохранился в единственном экземпляре и находится сейчас в нью-йоркском Музее современного искусства, в получасе ходьбы от бывшей квартиры Мергентайм.

P.S. Для Кислера проект оформления квартиры художницы был в определенной степени спасительным: эмигрировавший в США в 1926 г. и получивший американское гражданство десять лет спустя, архитектор с трудом сводил концы с концами, поскольку Америка продолжала бороться с Великой депрессией, и архитектурные заказы были крайне редки. Зато, учитывая, что в гостях у Маргариты Мергентайм бывали многие светские персоны, можно предположить, что этот проект открыл для Кислера двери в мир дизайна. В частности, в 1942 г. к Кислеру обратилась Пегги Гугенхайм, частая гостья Мергентаймов, с просьбой оформить для нее новую арт-галерею, но об этом мы поговорим в следующий раз…

P.P.S. Дополнительные изображения см. в комментариях.

———

…A few years ago, Wittmann, an Austrian furniture-maker, got hold of Kiesler’s drawings for the chairs, “a design that gave the impression as if it was just confidently waiting to be included into the current world of design”, and reissued them as the Mergentime Chair. The same manufacturer breathed new life into Kiesler’s cantilever lounger, now available as Freischwinger NR. 2, and Party Lounge, which was patented by Kiesler in 1939 as a mobile and customizable solution to seat up to six people, hence the name. As it turns out, of Kiesler’s outstanding furnishings, only the surrealist floor lamp remains has not been mass-produced and is now held by MoMA, which is just half an hour walk from Mergentime’s former apartment.

P.S. The design of Mergentime’s apartment was “a lifeline” for Kiesler. After moving to the US in 1926 and becoming a naturalized American ten years later, Kiesler had a hard time making ends meet, what with the Great Depression hitting the country and few architectural commissions coming his way. Yet, since Mergentime’s apartment was frequented by the artistic circles of New York, it is safe to say that this project earned Kiesler acclaim among clients and peers. In 1942, Peggy Guggenheim, who was a friend of the Mergentimes, commissioned Kiesler to design her new art gallery, but that’s a whole other story we will touch upon some other time…

P.P.S. More images can be found down below.

Mid-Century, More Than

23 декабря 2024 20:03

История дизайна знает немного предметов, которые остаются настолько же востребованными, как и при появлении на рынке. Еще меньше среди них таких, которые за прошедшие десятилетия совсем не изменились. Хорошим примером такого долгоиграющего дизайна может служить шариковая ручка «Cristal», выпущенная компанией «BIC» накануне Рождества 74 года назад и сохранившаяся практически в исходном виде. Своим успехом этот товар во многом обязан французскому художнику Раймонду Савиньяку (1907-2002), который отвечал за множество кампаний, вошедших в историю рекламы. В 1952 г. Марсель Бик, основатель упомянутой компании, предложил Савиньяку сотрудничество в продвижении новой шариковой ручки. Художник согласился, и в том же году рекламная кампания с придуманным Савиньяком слоганом «Elle court, elle court» (фр. ее не остановить!) получила соответствующий Оскар.

В 1961 г. Савиньяк стал автором кампании «Nouvelle Bille», рекламировавшей новый шарик из карбида вольфрама. Нацеливаясь в том числе на учащихся, для этой кампании он придумал образ школьника с шариком вместо головы. Годом позднее он предложил использовать этот образ в логотипе компании. По мере расширения ассортимента компании «BIC» Савиньяк прикладывал руку к рекламе и другой продукции, например, бритвенных станков, однако это уже совсем другая история…

P.S. Дополнительные рекламные материалы см. в комментариях.

———

The history of product design has not witnessed many designs that remain in demand decades after they were released, but what’s even less common is for such a design to remain virtually unchanged over the years. The BIC Cristal ballpoint pen is one of those long-lasting designs you are all extremely familiar with. Launched by BIC just before Christmas seventy-four years ago, this pen has remained largely intact to this day. Much of its success, BIC’s Cristal owes to Raymond Savignac (1907-2002), a French graphic artist that contributed to numerous promotional campaigns some of which are truly iconic. In 1952, Marcel Bich, the founder of BIC, reached out to Savignac to work on the promotion of BIC’s new ballpoint pen. The artist accepted the commission and, the very same year, the campaign he developed, “Elle court, elle court” (which can roughly be translated as “she is unstoppable!”), earned Savignac the French Oscar de la Publicité award.

In 1961, Savignac was responsible for the Novelle Bille campaign to promote the new tungsten carbide ball. Targeting children and young people, he came up with an image of a schoolboy with a pen’s ball for his head. One year later, this image would become an inseparable part of BIC’s logo, also courtesy of Savignac. As BIC’s product line grew, so did Savignac’s graphic contributions such as this witty razor ad in the closing image, but that’s a whole other story…

P.S. For more promotional images, check out the comments down below.

(photos: delcampe.net, ebay.com, eu.bic.com, hprints.com, firstversions.com, perry.auction, galerie123.com, vintagepostersonly.com)

Mid-Century, More Than

22 декабря 2024 14:20

🎄Ура! Теперь Новогодний Гайд можно купить на сайте!

Напоминаю, что это такой формат инструкции, в которой я рассказываю:
– как украсить елку и сочетать декор,
– какие тренды новогоднего оформления будут актуальными (без белого банта!),
– с помощью чего можно создать новогоднюю атмосферу,
– где выбирать подарки.

В Гайде более 100 ссылок на отобранные мной предметы и более 40 магазинов и брендов, где все это можно приобрести.

🔜 Купить Гайд 🔙

Mid-Century, More Than

21 декабря 2024 14:57

Питер. Корпуса завода Красное знамя.

Прогулки по Питер продолжаем на Петроградской стороне.

Здесь, недалеко от метро Чкаловская в 20-х годах прошлого века был построен новый комплекс дореволюционной трикотажной фабрики Керстена, получившей название "Красное знамя".

Новые времена диктуют новые правила - текстильной промышленности больше нет, а сами здания находятся в плачевном состоянии.

Корпуса обещают реконструировать, правда, что из этого получится, пока непонятно, очевидно, что как минимум частично сноса не избежать. Правда, есть здесь и удачные примеры, которые мы покажем в следующих постах.

#Питер

Mid-Century, More Than

20 декабря 2024 20:08

Функционализм был «болезнью» не только 20-го века, но и, например, 18-го. Именно тогда появились изделия, запечатленные на этих снимках и выпускавшиеся мебельщиками для состоятельных клиентов. Одним из производителей подобных предметов мебели был краснодеревщик, архитектор и декоратор Джордж Хэпплуайт, наряду с Томасом Чиппендейлом и Томасом Шератоном входивший в «большую тройку» английских мебельных мастеров. В частности, Хэпплуайт даже включил эскиз своей разработки в «Руководство для столяров и обивщиков мебели», опубликованное вдовой Хэпплуайта в 1788 г.

По пятничной традиции предлагаем вам ознакомиться с этими изображениями и ответить, для кого именно предназначались подобные изделия. Только, чур, не гуглить и не торопиться с ответом, если он вам заведомо известен.

———

Always being at the core of progress, functionalism “plagued” not only the 20th century. As you will see from these pictures, the 18th century was “affected” by functionalism as well. All of these and many other similar pieces were produced in the 18th and 19th centuries for rich clientele. George Hepplewhite, an English cabinetmaker, architect, and decorator who was one of the “big three” furniture-makers in England together with Thomas Chippendale and Thomas Sheraton, was known to manufacture such furnishings for his clients as well. What’s more, he included a drawing of one of such stools in his seminal book, “The Cabinet-Maker and Upholsterer’s Guide” published by his widow in 1788.

As it’s Friday today and time for our usual quiz, we’re inviting you to take a close look at these pictures and figure out who these and similar designs were intended for. As usual, please refrain from googling or posting the correct answer if you happen to know it already - let others think a bit.

(photos: lyonandturnbull.com, pegsandtails.wordpress.com, wellcomeimages.org, antiques-atlas.com, bidsquare.com, thedesignersconsignment.com, totoloveet.best)

Mid-Century, More Than

18 декабря 2024 20:19

В качестве мнемонического правила, которое должно помочь запомнить разницу между гололедом и гололедицей, делимся с вами одной из важнейших декоративных форм Натальи Михайловны Гончаровой, которую можно увидеть в Музее стекла на Елагином острове, созданном, к слову, именно благодаря Наталье Михайловне. Эта композиция под названием «Гололед» появилась в 1984 г., через десять лет после прихода Натальи Михайловны на Ленинградский завод художественного стекла, которым она впоследствии руководила как главный художник с 1986 г. до закрытия завода в 1997 г.

Четыре цилиндра, полученных методом свободного выдувания, украшены текучими хрустальными налепами и алмазной гранью, создающими непредсказуемую игру света и пейзажа, совсем как ледяная корка на ветках или проводах в солнечный зимний день.
 
«Стекло – это объятия льда и пламени. Жизнь пламени продолжается в толще стекла, завораживает и гипнотизирует подобно пламени. Столкнувшись со стеклом, проникнув в его суть, порвать с ним очень сложно…».

———

If you are just as bad as we are with memorizing the different types of icing conditions, let us share a mnemonic that will hopefully help get at least one English concept straight, namely “glaze” aka “glaze ice” or “glazed frost” or “verglas”. This eponymous crystal ensemble is an important work by prominent Russian artist Natalya Goncharova and is part of the permanent collection held by Yelagin Museum of Glass Art in St. Petersburg which Mrs. Goncharova was instrumental in founding back in 2000. This artwork was created in 1984, ten years after Mrs. Goncharova had joined Leningrad Glass Factory she would later head as the Chief Artist from 1986 to its closure in 1997.

Composed of four freely-blown vertical pipes with crystal tears and brilliant-cut ornaments that contribute to the intricate and dynamic play of light, reflection, and space similar to that seen with ice-glazed tree branches, power lines, or grass blades on a sunny winter day.

"Glass is a dance of fire and ice, with the flames continuing to burn deep inside the glass, captivating and mesmerizing one just like fire itself. Once you find yourself attracted to glass and get to the essence of it, these ties can hardly be severed..."
 
(photos: goskatalog.ru, mishanita.ru, dzen user Osenniye Tsvety, MCMT)

Mid-Century, More Than

17 декабря 2024 20:42

Утверждается, что на визитной карточке Фрица Хеннингсена (1889-1965) было написано «Элегантная мебель без претенциозности», однако подтверждения этому мы не нашли и, чтобы начать знакомство с этим датским мебельщиком, поделимся с вами другой визитной карточкой Хеннингсена, самым узнаваемым из его кресел. Эта работа появилась на свет в 1935 г., когда местная дизайнерская поросль проектировала для «уставших мужчин» совсем другие кресла, лишенные ушей и кабриолей. На то у Хеннингсена были причины: хоть дизайнер и призывал «держать руку на пульсе и развивать в себе критическое мышление, сопоставляя работы предшественников и современников», сам он исповедовал традиционалистский подход и оставался верен ремесленным истокам датского мебельного дела, до последнего изготавливая все свои предметы вручную - в отличие от других соотечественников вроде Карла Мальмстена, смирившихся в конце концов с индустриализацией этого ремесла.
 
Хоть это кресло и сложно назвать симпатичным, оно, безусловно, сыграло важную роль в воспитании подрастающего поколения датских дизайнеров. Как известно, посетив в том же, 1935, году выставку Копенгагенской гильдии краснодеревщиков, уважаемым членом которой был Хеннингсен, Ханс Вегнер вдохновился искусностью изделий, спроектированных местными архитекторами и изготовленных профессиональными столярами, и решил стать дизайнером. Однако это уже совсем другая история, как и история о Магнусе Лессе Стефенсене, который в то время был куратором выставки и добился того, чтобы на ней была представлена непретенциозная (!) мебель, созданная как раз-таки союзами архитекторов и мастеров-краснодеревщиков. К слову, в том же, 1935, году Стефенсен создал удивительное кресло, которое одной ногой – и совсем не кабриольной - уже находится в нашем канале…

———

The business card of Frits Henningsen (1889-1965), a prominent Danish furniture-maker, allegedly marketed his creations as “Elegant and Unpretentious Furniture”. However, as we’ve found no proof of that other than one mention on the web, let us share one of his signature and most acclaimed pieces with you. This armchair was created in 1935 when a younger generation of Danish designers was stepping on the toes of their older craftsmen with their own versions of Tired Man chairs, free from ear flaps and cabriole legs. However, Henningsen had his own reasons to continue embracing a more traditional aesthetic: even though he called for keeping one’s finger on the pulse and trying “to develop critical thinking by comparing previous and current designs", his designs remained rooted in the Danish traditions of craftsmanship and were always hand-crafted even when his colleagues such as Carl Malmsten finally succumbed to mass production.

Not scoring high in its appeal by today’s standards, the chair did play a significant role in cultivating respect towards Danish furniture heritage among younger architects. It is a documented fact that Hans Wegner was so impressed by the synergy between architects and craftsmen presented at the 1935 annual exhibition of Copenhagen Cabinetmakers’ Guild, which Henningsen was a respected member of, that he decided to become a furniture designer. However, that’s a whole other story, much like that of Magnus Læssøe Stephensen who curated one of the Guild’s exhibitions and would only accept unpretentious (!) furnishings designed by tandems of local architects and professional cabinetmakers. By way of a teaser, the same year, 1935, saw Stephensen design a markedly different chair, which is already stepping into this channel with one of its non-cabriole legs as we write this.
 
(photos: modernity.se, sothebys.com, gestaltnewyork.com, junait.dk)

Mid-Century, More Than

15 декабря 2024 21:01

Вестник постмодернизма,
выпуск №181

Перенесемся сегодня в нидерландский Амерсфорт, а точнее, в район Зилхорст, известный высокой концентрацией причудливых архитектурных объектов, поскольку в 1980-х гг. власти, сочтя окружающую застройку скучной, дали архитекторам добро на строительство нестандартных домов. Именно там в 1994 г. году появился сказочный жилой дом, построенный по проекту знаменитого Пита Блома, который считал, что архитектор «не должен упускать возможность рассказать сказку».

Дело было так: в репертуаре Блома всегда было крайне мало частных заказов, и за этот проект ему пришлось взяться из-за длительного отсутствия более масштабных предложений. В конце 1980-х гг. к архитектору обратился его хороший приятель, Герман де Вал, бывший директор крупной строительной фирмы, желавший построить для своей семьи дом. Отправившись с заказчиком и его женой, пианисткой Яной Пруша родом из Иркутска, в кафе, Блом занял место за столиком, а фрау Пруша села за фортепиано и стала играть. Вдохновленный музыкой, архитектор тут же сделал эскиз будущего дома на салфетке, отсылавший, с одной стороны, к древнерусской церковной архитектуре, а с другой, - к всемирно известным кубическим домам Блома, которые он проектировал в 1970-х гг. Де Вал внес в этот эскиз несколько изменений, в частности, попросив Блома сделать фасад победнее, чтобы он был созвучен неброской архитектуре Сибири, и в 1994 г. строительство «Русского дворца» было закончено.

Помимо основного здания, отличавшегося диагональной планировкой внутреннего пространства, окружавшего концертный зал высотой в девять метров, на участке были возведены сторожка с классом для музыкальных занятий и голубятня. В 1999 г. Блом скончался, и в своем концертном зале Яна Пруша дала в его честь фортепианный концерт…

———

Sunday Postmodernism,
issue No. 181

For a change, let’s travel to Amersfoort in the Netherlands and take a peek into Zielhorst, a small municipality renowned for its density of unconventional architectural designs. The thing is that, in the 1980s, the government of Zielhorst found neighbouring settlements stylistically boring and gave local architects carte blanche to build almost anything as long as it is uniquely whimsical. It was in Zielhorst that became home to a fairytale dwelling designed by Piet Blom who felt every architect should never miss out on a chance to tell a fairytale.

Blom is known to have rarely accepted private commissions, but, by the late 1980s, large-scale commissions had run dry and he agreed to design a home for a friend of his, Herman de Waal, an ex-director of a major construction firm. When de Waal and his wife, Irkutsk-born pianist Yennah Prusha, took Blom out to a cafe, Mrs Prusha sat at the piano and Blom, inspired by the music, quickly drew a napkin sketch of the future house that borrowed from both Russian churches and Blom’s earlier and world’s famous project, a set of cube houses he had built in Rotterdam in the 1970s. Seeing the sketch, de Waal made just a few minor observations such as asking Blom to tone down the lavishness of the facade to "radiate the poverty" of Siberian architecture and, in 1994, the house, now commonly referred to as the Russian Palace, was completed.

In addition to the main building whose interior boasted a diagonal floor plan and split-level organization of the inner space around a nine-meter-high concert hall, Blom also designer a gatehouse with a classroom and a dovecote. In 1999, the architect passed away and Yennah Prusha paid tribute to him by hosting a concert in her home…

(photos: Galen, P. (Paul) van, Braber, Cor van den, Verwoerd, Dirk, architectuur-fotograaf.eu, zoeken.nieuweinstituut.nl, indebuurt.nl, logbankje.nl, beeldbank.cultureelerfgoed.nl, utrechtaltijd.nl)

Mid-Century, More Than

03 января 2025 20:04

Праздники продолжаются, поэтому мы к вам вновь с подарками! Завтра начинается семейный теоретически-практический курс о Баухаусе, подготовленный нашей давней подругой Дашей Сорокиной и командой KUST, и в традиционной пятничной викторине мы вручим один билет первому правильном ответившему на следующий вопрос. Остальным же дарим 25%-ю скидку по промокоду KUSTFRIEND.

Иоганнес Иттен, автор пропедевтического курса Баухауса, говоря о субъективных цветах, чуть ли не самом важном своем открытии, вспоминал: «Субъективными цветами одного из учеников были светло-фиолетовый, светло-голубой, голубовато-серый, желтый, белый и примесь черного. Его энергетическую основу, его “тонус” определялся именно этими жесткими, холодными и несколько ломкими цветами. Когда он обсуждал со мной выбор профессии, я сказал ему, что он имеет естественное предрасположение к металлу, главным образом, к серебру, и стеклу. “Возможно, что вы правы, но я решил стать столяром”, - ответил он». Мы не просим вас назвать имя этого ученика, ставшего впоследствии известнейшим дизайнером и архитектором. Вместо этого скажите, пожалуйста, как теперь зовут его самую известную работу.

———

The holidays in Russia are in full swing, so we’re back with another festive giveaway! Our dearest friend and colleague Daria Sorokina has partnered with KUST to develop a short course on the history of Bauhaus that will start tomorrow and, we have been told, will feature a bit of theory and lots of highly entertaining practical assignments suitable for kids and grown-ups, i.e. families. The first one to answer the following question correctly will win an entrance ticket. Also, a 25% discount is available to all our subscribers via the code KUSTFRIEND.

Johannes Itten, the author of the basic course at the Bauhaus credited with the concept of “subjective colors”, perhaps his most important contribution to the theory of colors, recalled that one of his students had shown preference to light violet, light blue, blue-gray, yellow, white and a touch of black as colours, so Itten had told him that he had a natural affinity to working with metals, especially silver, and glass. The student was not convinced at the time and said he much preferred working with wood. In our quiz today, we’re not asking you to guess the name of this student, who went on to become a prominent designer and architect. Instead, it would be great, if you could post the name his most famous design is now known under.

Mid-Century, More Than

31 декабря 2024 19:00

Друзья!

Таким для канала Mid-Century, More Than был уходящий год в цифрах. Однако наше сообщество - это нечто неисчислимо большее, чем количество подписчиков, просмотров постов и реакций. Цифрами сложно передать, как много этот канал и его успехи и неудачи значат для нас, как здорово благодаря нему заводить друзей, участвовать в важных мероприятиях, поддерживать полезные инициативы. И, конечно, цифрами невозможно измерить радость от общения с вами, дорогие подписчики, от чтения ваших умных и искрометных комментариев, критических отзывов, личных историй и слов благодарности!

Кроме того, цифры умалчивают о том, что уходящий год стал в каком-то смысле поворотным для нашего канала, поскольку его жизнь выплеснулась за пределы Телеграма, в первую очередь, в офлайн: мы приняли участие в нескольких интереснейших выставках, конференциях и семинарах, побывали на долгожданном открытии МАММ, начали сотрудничать с журналом «Интерьер + дизайн», опубликовавшим важную для нас статью-расследование о Ногучи и Нельсоне, и стали членами сообщества авторов Телеграм-каналов о дизайне, вместе с которым надеемся сделать отечественный дизайн лучше. Мы будем поддерживать этот темп и в следующем году и, не раскрывая секретов, скажем, что уже запланировали много нового и интересного, в том числе проектов, которые станут возможными только с вашим непосредственным участием!

Мы бесконечно счастливы в четвертый раз подряд встречать Новый год в вашей компании и желаем всем вам и вашим семьям здоровья, мира и благополучия! И пусть следующий год для всех нас будет наполнен добротой, смыслом и тем, что Алвар Аалто, на этой фотографии отмечающий Рождество 1927 года, называл гармонией формы и функции, то есть красотой!

———

Dear Friends,

Like many of our Telegram colleagues, we have taken a look back at Mid-Century, More Than’s 2024 in numbers and realized, once again, that our community is so much more than its subscriber count or the total number of posts, shares, and reactions, it is even more than the sum of all the above plus the efforts we have put into all of our daily publications. These numbers can hardly describe what this channel and all of its successes and failures mean to us, how wonderful it is to be able to make new friends, attend important events, and support good causes - all thanks to this amazing community!

These metrics do fail to reflect what went on beyond our Telegram presence in 2024 such as several exhibitions we proudly supported, the long-awaited opening of MAMM we were honored to be part of, our partnership with the Interior + Design magazine that published an important investigation we had done on Isamu Noguchi and George Nelson, as well as the co-founding of the Telegram design community whose mission is to make Russian design better. We’re certainly not going to wind down any of these collaborations and are hoping to strike more friendships in 2025. Now is not the time to reveal our plans for the new year, but please rest assured that we already have a few interesting real-life projects lined up that you will hopefully want to take part in, in addition to ‘read-and-write’ interactions!

What these numbers can certainly not express at all is the joy of having you around, learning from you, laughing at your jokes, reading your personal anecdotes and criticisms, and receiving words of recognition from you. We are deliriously happy to be celebrating what is the fourth New Year’s Eve for this channel surrounded by such an inspiring crowd of people and would like to wish you and your close ones a safe, peaceful, and prosperous New Year! May 2025 be filled with kindness, meaning, and what Alvar Aalto (shown in his Turku house on the Christmas Eve of 1927) defined as the harmony of form and function, beauty!

Mid-Century, More Than

29 декабря 2024 20:15

Вестник постмодернизма,
выпуск № 183

Мы уже как-то рассказывали об одной винодельне, в которой нам посчастливилось в свое время побывать. Сегодня продолжим путешествие по интересным с архитектурной точки зрения винодельням и перенесемся в Австралию, где в 2017 г. посреди виноградников в окрестностях Аделаиды вырос куб. Если бы какой-нибудь ликеро-водочный завод в России решил построить для своего предприятия здание в виде куба, это было бы забавным напоминанием о том, что русское словосочетание «перегонный куб» не имеет ничего общего с геометрической фигурой (слово «куб», проникшее в русский язык в результате искажения латинского «cupa», означало цилиндрический сосуд с шейкой). Австралийский же куб, если верить автору концепции, Честеру Осборну, эксцентричному виноделу в нескольких поколениях и владельцу знаменитой компании «d’Arenberg», призван напоминать о сложности архитектуры вина: «Я всегда считал виноделие головоломкой, которую надлежит решить. Это здание представляет собой такую же головоломку, внешние части которой складываются в идеальную фигуру – в идеале именно этого мы ждем от всех элементов вина».

Идея пришла Осборну в 2003 г., когда он увидел павильон, спроектированный Тое Иту и Сесилем Бальмондом для английской галереи «Серпентайн». Правда, в тот момент старшие члены семьи Осборнов не разрешили Честеру реализовать этот проект, и последнему пришлось ждать воплощения своего замысла более десяти лет. Тогда он привлек архитектора Ника Саливати из бюро «ADS Architects» и инженеров из компании «CPR Engineers», и 14 декабря 2017 г. здание, вмещающее в себя дегустационный зал, бар, ресторан и конторские помещения, было официально открыто, а в следующем году проект удостоился восьми архитектурных наград, в том числе премии «Good Design Award».

———

Sunday Postmodernism,
issue No. 183

We’ve already given you a quick tour around an Álvaro Siza winery we had a chance to visit ten years ago and would like to continue this wine and architecture journey in Australia, which in 2017 became home to another architectural landmark, a Rubik’s Cube-like winery that was built amidst the vineyards of McLaren Vale 30 km away from Adelaide. Should a Russian distillery wish to build a cube-like structure, it would perhaps be a witty reminder that ‘a distillation still’ commonly known in Russia as ‘a distillation cube’ (‘перегонный куб’) has nothing to do with geometry and refers to a cylinder-like narrow-neck vessel whose name, ‘куб’, was derived from the Latin ‘cupa’. As far as the Australian cube is concerned, its original designer, Chester Osborn, who happens to be a fourth-generation owner of the d’Arenberg winery, chose this shape to convey the complexity of the wine-making process: “I’ve always considered winemaking to be a puzzle that needs to be put together. This building is yet another puzzle to solve, the external patterns join together for a seamless solution, and ideally, all elements of wine should do the same.”

Osborn came up with this idea back in 2003 when he saw Toyo Ito and Cecil Balmond’s 2002 Serpentine Gallery Pavilion. At that time, however, the third generation of the Osborn family opposed to his concept and it took Osborn over a decade to make it happen. He partnered with architect Nic Salvati of ADS Architects and CPR Engineers and the d’Arenberg Cube, which now houses tasting rooms, a bar, a restaurant, and office spaces, was inaugurated on December 14th, 2017 earning its creators eight awards, including the Good Design Award, and lots of media exposure the very next year.

(photos: darenberg.com.au, southaustralia.com, Randy Larcombe for The New York Times, Dennis Bunnik via bunniktours.com.au, good-design.org, seedoeatreview.com, cprengineers.com.au, sarah.com.au)

Mid-Century, More Than

28 декабря 2024 14:30

Книга считается лучшим подарком, не потому что она на бумаге и буковками, а оттого что в ней куча знаний. Лекции в этом смысле ничуть не хуже. В этом декабре наше сообщество дизайн-админов провело первую онлайн конференцию «Всё, что нужно знать дизайнеру в 2025 году». Ее запись по-прежнему доступна на сайте конференции.

Ногие участники нашего сообщества имеют и собственные курсы на тему дизайна и архитектуры. Сделала для вас подборку мероприятий, которые можно купить в подарок себе и близким. Подробности смотрите по ссылкам: там есть записи и события, стартующие в недалеком будущем, лекции для профессионалов и широкой публики, которая интересуется творчеством.

1️⃣ Все, что нужно знать дизайнеру в 2025 году

2️⃣Коллекционный дизайн. Обзор рынка

3️⃣Трендбук: интерьер 2025-26

4️⃣ Pro письмо: архитектор, текст, AI

5️⃣ Национальная идентичность в дизайне: Россия и мир

6️⃣ От предмета до бренда

7️⃣ Bauhaus интенсив: зимний творческий перезапуск

8️⃣ Что читать, чтобы эволюционировать как дизайнер

9️⃣ Флористический декор интерьера

Mid-Century, More Than

27 декабря 2024 20:06

Раз вы так быстро ответили на предыдущий вопрос, вот вам еще один.

Человека, запечатленного на заглавной фотографии, зовут Ричард Дрю. В середине 1920-х гг., наблюдая за ростом популярности автомобилей, окрашенных в два цвета, он изобрел, а в 1930 г. получил свой первый патент на продукт, без которого сегодня не обходится практически ни один праздничный сезон. Назовете этот продукт заимствованным словом, ставшим именем нарицательным?

———

Since you were really quick with the previous puzzle, here’s another one for you.

The man pictured in the opening photo is Richard Drew. Witnessing a rise in popularity of two-tone cars in the early 1920s, he invented a product that enjoys a surge in demand amidst festive seasons and obtained his first patent in 1930. Do you think you will be able to guess, without googling, the name of this product, which has since turned into a common noun?

Mid-Century, More Than

27 декабря 2024 18:31

Сегодня в 22:00 по московскому времени мы, как всегда, проведем пятничную викторину, но на сей раз с соблюдением еще двух традиций: во-первых, мы устроим ее с нашей замечательной подругой и коллегой Дашей, автором лучшего и самого умного в Телеграме лайфстайл-блога «Субъективная журналистика», а, во-вторых, первым ответившим правильно мы вручим подарок, путеводитель «Новейшая архитектура Москвы. 2000–2024», составленный нашей доброй знакомой и коллегой Анной Мартовицкой, автором лучшего и самого красноречивого в Телеграме блога о современной архитектуре, в соавторстве с Юлией Шишаловой и ставший одной из главных книжных новинок уходящего года (мы уже отправили книги Анне, так что к победителям они приедут после Нового года, но уже с именной дарственной надписью).

Желаем всем удачи и до скорой встречи!

———

Since we’re about to have our last Friday quiz this year, we’d like to observe two of our traditions: we’ll be hosting it together with our friend and colleague Dasha and her Telegram’s best and wittiest lifestyle channel and we will also be giving away one of this year’s best architectural books, the guide on Moscow architecture in 2000-2024 authored by Yulia Shishalova together with our friend and colleague Anna Martovitskaya, the owner of Telegram’s best and most eloquent blog on contemporary architecture. Anna has already received the books and is waiting for the results to sign them for the winners!

Good luck to you all and see you here at 10 pm Moscow time!

Mid-Century, More Than

25 декабря 2024 20:30

Всех наших подписчиков, кто отмечает Рождество сегодня, поздравляем с этим праздником и желаем Веселого Рождества!

На рубеже 1950-1960-х гг. некоторые идеи в прямом смысле витали в воздухе. Мы уже писали о популярности среди дизайнеров и производителей штабелируемой посуды. Автором одного из таких комплектов был Ганс (Ник) Рерихт, в 1959 г. спроектировавший целый сервиз из более чем тридцати предметов в рамках своей дипломной работы. Проходя практику на фабрике «Rosenthal» во время учебы на первом курсе Ульмской школы дизайна, Рерихт задумался о необходимости обновления посуды, используемой «ресторанами, кафе и больницами», и благодаря системному подходу к освоению дизайна вскоре разработал простую, удобную и многофункциональную систему TC100, которая моментально была приобретена нью-йоркским Музеем современного искусства не только в целях пополнения постоянной коллекции, но и в сугубо практических целях: для использования в музейном кафетерии.

В 1962-1963 гг. Рерихт был членом группы дизайнеров E5, которые занимались созданием фирменного стиля «Люфтганзы», и отвечал за проектирование бортовой посуды. Предложив сначала более пластичные формы, он в конце концов остановился на штабелируемом «конструкторе», в основе которого лежали уже проверенные временем конусы и прямоугольники - именно они и взяли новую для дизайнера высоту в 10 км и закрепились на ней на следующие двадцать лет, за которые было изготовлено более 20 миллионов предметов…

———

We’re wishing a very Merry Christmas to those of you who are celebrating today!

Some ideas were literally in the air when the late 1950s and early 1960s came around, stackable tableware being just one of them. An iconic set comprising over thirty pieces was designed in 1959 by Hans (aka Nick) Roericht as his graduation project. Working as an intern at Rosenthal in his first year with Ulm School of Design, Roericht felt the need to reinvent the tableware used by “restaurants, cafes, and hospitals” and, being taught to approach design with a system-oriented mindset, came up with a simple, easy-to-use, and versatile set known as TC100 which was immediately acquired by MoMA both for its permanent collection and as expendables for the cafeteria.

In 1962-1963, Roericht was a member of the E5 task force entrusted with revamping Lufthansa’s corporate identity and worked on designing on-board tableware for its aircraft. Starting with curvilinear designs, he ultimately settled on a mix-and-match series of rectangles and cones that had already stood the test of time as the TC100 collection. This stackable tableware not only reached new heights - of 10,000 meters or so, - but remained there for the next twenty years with a total of 20 million pieces produced…

(photos: themilanese.com, moma.org, design-is-fine.org, Reddit user Modernist Architecture, roericht.net, northeastshop.jp, ataw.shop-pro.jp, nat.museum-digital.de)

Mid-Century, More Than

24 декабря 2024 20:32

А сегодня предлагаем перейти от общего к частному и рассмотреть отдельные предметы мебели, появившиеся в нью-йоркской квартире Маргариты Мергентайм. Такие разные, обнаруживающие влияние Баухауса, сюрреализма и современного искусства с его биоморфными формами, характерными для Жоана Миро, Жана Арпа, Барбары Хепворт и других скульпторов, все они были созданы в 1933-1936 гг. одним и тем же человеком, Фредериком Кислером. Интересно, что практически все эти предметы, изготовленные в единственном экземпляре и на долгое время преданные забвению, как, собственно, и деятельность самой Маргариты Мергентайм, были воспроизведены и перевыпущены в наши дни. Так, сейчас можно заказать ансамбль из двух журнальных столиков, ставший результатом экспериментов Кислера с алюминием и отлитый из этого материала в модной в те годы форме человеческой почки…

———

Having taken a room tour of Marguerita Mergentime’s apartment in New York, we would now like to keep our promise and focus on selected furnishings. Extremely varied in their aesthetics, logic, and even materials, all of them were designed in 1933-1936 by Frederick Kiesler and, taken together, provide a glimpse into the tubular-steel age of Bauhaus, surrealist art, and biomorphic sculptures of Joan Miró, Hans Arp, Barbara Hepworth, to name just a few. Interestingly, almost all of the pieces that were originally produced as single copies and ended up in oblivion for decades, just like Mergentime’s oeuvre for that matter, have now been reconstructed and re-issued. One of the items that can be handcrafted upon request is this set of nesting coffee tables that was born out of Kiesler’s experiments with cast aluminum and, shaped in the form of the human kidney, a popular shape at the time, exemplifies free-form aesthetics of the period…

(photos here and below: architonic.com, wittmann.at, mutualart.com, artemest.com, wright20.com, whitney.org, moma.org, tangibleinteriors.com, mvsevm.it, wohnkultur66.de, artsy.net, daniellaondesign.com, switchmodern.com, phillips.com, dezyncle.com)

Mid-Century, More Than

22 декабря 2024 20:18

Вестник постмодернизма,
выпуск №182

30 сентября не стало выдающегося норвежского дизайнера Петера Опсвика, известного многим родителям благодаря «первому в мире» растущему вместе с ребенком стулу «Tripp Trapp» (1972). Вместе с тем Опсвик, увлекшись, как и многие другие дизайнеры 1970-80-х гг., эргономикой, создал множество настолько же инновационных стульев и кресел для взрослых, а в 2009 г. опубликовал книгу «Сидеть по-новому», в предисловии к которой были следующие слова:

«Длительное сидение на стуле является важным фактором риска возникновения многих нарушений в работе опорно-двигательного аппарата, и именно этот аспект поведения человека мне показалось нужным пересмотреть. На ум приходит два очевидных решения этой проблемы: человек должен либо меньше времени проводить в сидячем положении, либо менять это положение время от времени».

В 1983 г. Опсвик, стремясь совместить в одном предмете стул для работы и кресло для отдыха, спроектировал модель «Gravity», которая позволяла телу сидящего принимать как минимум четыре положения вплоть до горизонтального, ведь как учил этот неутомимый дизайнер, «полностью неподвижным человек становится, только когда умирает». Спасибо вам за эти уроки, Маэстро, и спите спокойно!

———

Sunday Postmodernism,
issue No. 182

With this detour into the 1980s, we’d like to pay tribute to Peter Opsvik who passed away on September 30th this year. A stellar Norwegian designer known to many of you who have kids thanks to Tripp Trapp, the “world’s first” chair that grows with the child, Opsvik contributed to improving adult environments as well. Embracing the 1970-80s trend for ergonomics, he designed a wealth of highly innovative chairs and loungers for adults and, in 2009, published a book called “Rethinking Sitting” that starts with the following premise:

“Long-term sitting is a major cause of many of our muscular and skeletal complaints, and it is this category of sitting that I felt it important to rethink. Two obvious solutions spring to mind. One is to spend less time sitting, the other is to vary your postures while sitting.”

In 1983, trying to combine an office chair and a lounger, Opsvik designed the Gravity chair that offered at least four sitting positions including lying down in a nearly zero-gravity state. After all, as the hard-working and highly prolific designer taught, “the only condition in which a human being is completely still is death.” Thank you for these valuable lessons, Mr Opsvik, and may you rest in peace.

(photos: opsvik.no, varierchairs.com, journals.sagepub.com, varierfurniture.wordpress.com, kiez-hypnose.de)

Mid-Century, More Than

21 декабря 2024 20:20

Одним из важных представителей Австрийского Веркбунда был архитектор, скульптор, сценограф и дизайнер Оскар Штрнад, обучивший немало будущих модернистов. В 1932 г. Штрнад стал автором сблокированного дома на две семьи в венском экспериментальном поселке Веркбунда. Считая, что планировка дома должна направлять человека, Штрнад большое внимание уделил организации внутреннего пространства, срежиссировав его, как и подобает сценографу, вплоть до мельчайших деталей, таких, как крючки для полотенец (см. лишь некоторые чертежи отдельных элементов дома в комментариях к посту). Ориентировав здание таким образом, чтобы окна первого этажа выходили на север, а двери на юг, он добился хорошей вентиляции всего нижнего яруса. Несмотря на привлекательность объемно-планировочных решений ни одна из половин дома не была куплена – цены на них были выше среднего, а в начале 1945 г. дом серьезно пострадал в результате бомбардировки и не был восстановлен.

P.S. Любопытно, что коллега Штрнада, выдающийся австриец Йозеф Франк, критиковал этот проект за зеркальность планировки – по его мнению, такое решение террасы второго этажа не способствовало уединению жильцов. Вместе с тем пятью годами ранее сам Франк стал автором аналогичного дуплекса (см. последние снимки) в не менее знаменитом штутгартском поселке Вайсенхоф, но это уже совсем другая история…

———

A professional architect, set designer, sculptor, and furniture designer, Oskar Strnad was one of the key members of the Austrian Werkbund who taught many a modernist at Vienna’s Kunstgewerbeschule. In 1932, Strnad designed a semi-detached house for two families for the Werkbund Estate in Vienna. A devoted advocate of floorplans that were supposed to guide occupants around the house, Strnad was meticulous about the organization or, better yet, staging of the space which he conceived as a total work of art, down to the tiniest details such as the placement of towel pegs (check out just a few of the numerous drawings he created for this house in the comments down below). He intentionally orientated the house so that its windows faced north and its doors south, contributing to proper ventilation of the ground floor. However, even though the house was a success in terms of modern architecture, neither of the parts was sold as the prices were above the average range. In early 1945, the duplex was severely damaged in an air raid never to be rebuilt.

P.S. Interestingly, this design was criticized by Strnad’s colleague, Josef Frank who felt the symmetrical plan provided limited privacy as far as the terrace was concerned. What’s more interesting is that Frank designed a similar duplex for Stuttgart’s Weissenhof Estate (shown in the closing images) back in 1927, but that’s a whole other story…

(photos: Martin Gerlach, Julius Scherb, Franz Mayer, werkbundsiedlung-wien.at, sammlung.mak.at, archinform.net, archweb.it, arkitekten.se)

Mid-Century, More Than

21 декабря 2024 14:57

Коллеги из Архитекстуры забрели на родную Петроградскую сторону и обратили внимание на корпуса завода «Красное знамя», судьба которых уже давно нас интересует.

———

Our colleagues of Architexture found themselves in St. Petersburg and went to see the now-defunct buildings of the Krasnoye Znamya factory in our beloved Petrogradsky District, the buildings whose fate is unclear at the moment…

Mid-Century, More Than

19 декабря 2024 20:34

В 1954 г. Марчелло Ниццоли был удостоен двух «Золотых циркулей», одного – за пишущую машинку «Lettera 22», а второго – за швейную машинку «Supernova», спроектированную для компании «Necchi». Плавными чувственными линиями, характерными для пишущих машинок, которыми Ниццоли ранее осчастливил женскую половину конторских служащих, «Supernova» радикально отличалась от угловатых моделей, которые до тех пор производило это предприятие – да и от продукции других производителей «Supernova» отличалась не меньше. Пленительность форм машинки подчеркивалась рекламными постерами, созданными, кажется, не без участия Ниццоли, и фотографиями, для которых позировала молодая Софи Лорен.

Можно сказать, что с этой машинки началась новая глава в истории компании «Necchi», но для истории швейной машинки как таковой «Supernova» стала лишь прологом. Дело в том, что, выступая в той же дисциплине (проектирование швейных машинок) в 1957 г., Ниццоли получил еще один «Золотой циркуль», на сей раз за создание машинки «Mirella», выпущенной тем же производителем годом ранее. В отличие от машинки Дзанусо оргкомитет премии объяснил свое решение следующим образом: «Премия вручается за передовые результаты в сопряжении технологии и эстетики, а также образцовое сотрудничество конструктора и производителя, сыгравшее в этой работе ключевую роль».

Облаченная в легкий алюминиевый корпус, под которым было скрыто множество технических инноваций, «Мирелла» в том же году получила гран-при Миланской триеннале, а в следующем году заняла место в постоянной экспозиции нью-йоркского Музея современного искусства, став образцом, с которого до сих пор снимают мерки не только производители швейных машин, но и промышленные дизайнеры en masse.

———

1954 was a rewarding year for Marcello Nizzoli who received a total of two Compasso d’Oro awards, one of which was conferred on him for his Lettera 22 typewriter and the other for the Supernova sewing machine designed for Necchi. Boasting sensual feminine curves, which had already set Nizzoli’s typewriters apart from competitors, the Supernova marked Necchi’s departure from its earlier heavyset designs and sparked competition among the manufacturers of sewing machines. Supernova’s appeal to a younger and design-conscious audience was underscored by an advertising campaign that featured Sophia Loren in photographs and posters which may actually have been designed by Nizzoli himself.

One might say the Supernova opened a new chapter for Necchi, but, more importantly, it was a prologue for the history of modern sewing machines. In 1957, competing with fellow artists in the same league of sewing machine designs, Nizzoli received another Compasso d’Oro for the Mirella machine released by Necchi a year earlier. In contrast to their motivation for Zanuso’s award, the jury bestowed the prize on the Mirella “for its novel interpretation of technology and aesthetics, along with the central importance of collaboration in design and production”.

Packed with technological innovations underneath a lightweight aluminum body, the Mirella earned Nizzoli the Grand Prix of Milan Triennale the same year and, one year later, was put up on display at MoMA setting a new standard for other designers of sewing machines and the design community as a whole to measure up to.

(photos: ventidiponente.it, moma.org, alfarohofmann.com, adidesignmuseum.org, are.na, Paolo Monti, design-is-fine.org, noonesnemesis.tumblr.com, sewalot.com, laprovinciapavese.gelocal.it)

Mid-Century, More Than

18 декабря 2024 14:30

Друзья, поскольку нам посчастливилось быть членами еще одного тайного сообщества, на сей раз блогеров-урбанистов, рады поделиться новогодней подборкой каналов об урбанистике, заботливо собранной Даниилом Ворониным.

———

Hi everyone, since we are happy to be part of another secret Telegram community that brings together all urbanism-oriented channels, we’re sharing another curated list of blogs for you, this time on urbanism, courtesy of Daniil Voronin. Happy Holidays!

Вороньи мысли @dnlvrnn — канал про урбанистику, личный опыт городских проектов и происходящее в мире

ReuseArch @ReuseArch — канал про «архитектуру повторного использования»: редевелопмент, адаптация, реставрация и прочее

urbanoise @urbanoise — саундтрек нашей повседневности. Здесь о том, что нас окружает каждый день: улицы, здания, детали, которые мы часто не замечаем

Лена Пудова. Ваша ЛП @elenpudova — все о урбанистике: конкурсы, воркшопы, новости и непрошенное личное мнение

Velonation @bike2coffee — если интересуетесь велотранспортом в Москве, России и других странах мира

Архитектор на каникулах @archinholy — архитектурные заметки о работе и жизни действующего средового архитектора в Санкт-Петербурге (и не только)

Ехал Грека по проспекту | про город @greka_progorod — урбанистика для всех: благоустройство, искусство, доступная среда, люди и личное мнение автора

Благоустройство городской среды: ландшафт, дизайн, архитектура @raketainspaces — как сделать город комфортным дли жизни и создавать качественные проекты благоустройства

Нейро Отличник @NeuroOtlichnikArch — канал архитектора, исследующего нейросети: примеры реальных проектов и концепции зданий будущего

Низкопольные поезда, средние платформы @ru_lf_train — простыми словами о безопасной и доступной среде на железных дорогах

Форма и хаос @formandchaos — канал дизайнера-урбаниста про городские визуальные коммуникации, цифровые продукты, преподавание и научную работу

КошкинГород @koshkingorod — канал о велоинфраструктуре, ОДД, городских транспортных системах, велотуризме, оценке проектов и разборе решений

Неуправляемые города @ungovernable_cities — канал политолога и студента докторантуры о городском управлении, гражданской партисипации

ЭБ|Экоориентированное благоустройство @Eco_Blago - канал про экологичный подход к благоустройству, учитывающий адаптацию к изменению климата

Подписаться! - а это папка со всеми перечисленными урбан-каналами.

Mid-Century, More Than

16 декабря 2024 20:23

В этот рабочий понедельник развлечем и, надеемся, мотивируем вас рекламно-интеграционной перекличкой двух «Правд» (ленинградской и московской), состоявшейся в связи с одним занимательным событием девяностолетней давности.

5 ноября 1934 г. газета «Ленинградская правда» опубликовала заметку под названием «Экзамен ботинку», в которой сообщалось о запланированном на 7-е ноября старте пешеходного перехода физкультурников по маршруту Ленинград - Москва, инициированного ленинградской обувной фабрикой «Скороход»: «По пути следования специальная походная обувная лаборатория будет вести наблюдения за состоянием ботинка, какие части больше подвергаются изнашиванию и т.д. Лаборатория будет находиться на мотоцикле…»

25 ноября 1934 г. московская «Правда» отчиталась о переходе, заметив, что накануне 12 лучших ударников-физкультурников в новеньких ботинках «Скороход» массового производства, предназначенных для повседневного ношения с галошами, добралась до Москвы, преодолев 725 км со скоростью 6 км/ч: «Первые итоги перехода превзошли все наши ожидания. Ботинки выдержали испытание, несмотря на тяжелые условиях - дожди, грязь, каменистую дорогу на большей части пути».

———

Let’s start this working week with a bit of motivational entertainment courtesy of two Pravda newspapers (the one in Leningrad and the newer one in Moscow) that published what can now be regarded as promotional accounts of an event that took place 90 years ago.

On November 5th, 1934, Leningradskaya Pravda posted a piece titled "Putting Your Shoes to Test" informing its readership about the start of a hiking tour from Leningrad to Moscow scheduled for November, 7th. In this tour, a group of athletes wearing everyday shoes produced by Leningrad-based Skorokhod would walk the distance while "a specialized field-testing laboratory would accompany the group on a motorcycle, monitoring shoes’ performance, wear and tear etc."

On November 25th, 1934, Moscow-based Pravda published a report on the tour claiming that factory’s twelve best athletes had completed the journey the day before having covered a distance of 725 km at an average pace of 6 km/hr, all the while wearing mass-produced Skorokhod shoes, the casual type one could also combine with galoshes: "The initial results of this hiking exercise exceed all our expectations. The shoes withstood the test despite the harsh conditions such as rain, dirt, and gravel that persisted for the most part of the journey."

(photos: MCMT, electro.nekrasovka.ru)

Mid-Century, More Than

14 декабря 2024 20:09

…Расследование обстоятельств катастрофы выявило многочисленные нарушения, допущенные при строительстве (в том числе использование газет и жестяных банок вместо цемента в ключевых узлах), а также неактуальность строительного кодекса 1952 г., которым руководствовался застройщик. В совокупности это привело к существенным изменениям в строительном законодательстве включая принятие мер для предотвращения «непропорционального обрушения»: «Конструкция зданий должна препятствовать аварийному разрушению, непропорциональному причине аварии».

P.S. Впоследствии здание «Ронан-пойнт» было усовершенствовано и вновь заселено. Правда, в 1986 г. чиновники постановили его снести - решение оказалось своевременным, поскольку оно вряд ли выдержало был Великий шторм, обрушившийся на Великобританию в октябре 1987 г.

P.P.S. Любопытно, что хозяйка квартиры, в которой произошел взрыв, не пострадала. Не пострадала и газовая плита - переселившись в новую квартиру, хозяйка перевезла ее с собой…

———

…An investigation was immediately undertaken that identified multiple engineering and construction flaws (such as the use of newspapers and beer cans instead of concrete in some of the joineries) and called for amendments to the 1952 construction code the developer had abided by. Combined, these findings led to a significant overhaul of the building regulations including measures to counter "Disproportionate Collapse": "The building shall be constructed so that in the event of an accident the building will not suffer collapse to an extent disproportionate to the cause."

P.S. In subsequent years, the construction of the Ronan Point building was meticulously inspected and strengthened and its residents moved back in. However, in 1986, a decision was ultimately made to demolish the building altogether, which happened to be a timely move as Ronan Point would have hardly withstood the Great Storm of October, 1987.

P.P.S. It’s noteworthy that the resident of the faulty apartment was unharmed by the explosion. Neither was her gas stove, which was ultimately relocated to her new address…

(photos here and above: Tony McGrath/The Observer, DAVID GRAVES/REX/Shutterstock, Daily Mail/REX/Shutterstock, Eric Wadsworth/The Guardian, Ken Saunders/The Guardian, Tony Prime/ANL/REX/Shutterstock, Michael Burnett/ANL/REX/Shutterstock via theguardian.com, eng-resources.charlotte.edu, layersoflondon.org, logic4training.co.uk, dezeen.com, RIBA Collections, failedarchitecture.com)