Mid-Century, More Than

24 декабря 2024 20:32

А сегодня предлагаем перейти от общего к частному и рассмотреть отдельные предметы мебели, появившиеся в нью-йоркской квартире Маргариты Мергентайм. Такие разные, обнаруживающие влияние Баухауса, сюрреализма и современного искусства с его биоморфными формами, характерными для Жоана Миро, Жана Арпа, Барбары Хепворт и других скульпторов, все они были созданы в 1933-1936 гг. одним и тем же человеком, Фредериком Кислером. Интересно, что практически все эти предметы, изготовленные в единственном экземпляре и на долгое время преданные забвению, как, собственно, и деятельность самой Маргариты Мергентайм, были воспроизведены и перевыпущены в наши дни. Так, сейчас можно заказать ансамбль из двух журнальных столиков, ставший результатом экспериментов Кислера с алюминием и отлитый из этого материала в модной в те годы форме человеческой почки…

———

Having taken a room tour of Marguerita Mergentime’s apartment in New York, we would now like to keep our promise and focus on selected furnishings. Extremely varied in their aesthetics, logic, and even materials, all of them were designed in 1933-1936 by Frederick Kiesler and, taken together, provide a glimpse into the tubular-steel age of Bauhaus, surrealist art, and biomorphic sculptures of Joan Miró, Hans Arp, Barbara Hepworth, to name just a few. Interestingly, almost all of the pieces that were originally produced as single copies and ended up in oblivion for decades, just like Mergentime’s oeuvre for that matter, have now been reconstructed and re-issued. One of the items that can be handcrafted upon request is this set of nesting coffee tables that was born out of Kiesler’s experiments with cast aluminum and, shaped in the form of the human kidney, a popular shape at the time, exemplifies free-form aesthetics of the period…

(photos here and below: architonic.com, wittmann.at, mutualart.com, artemest.com, wright20.com, whitney.org, moma.org, tangibleinteriors.com, mvsevm.it, wohnkultur66.de, artsy.net, daniellaondesign.com, switchmodern.com, phillips.com, dezyncle.com)

Mid-Century, More Than

22 декабря 2024 20:18

Вестник постмодернизма,
выпуск №182

30 сентября не стало выдающегося норвежского дизайнера Петера Опсвика, известного многим родителям благодаря «первому в мире» растущему вместе с ребенком стулу «Tripp Trapp» (1972). Вместе с тем Опсвик, увлекшись, как и многие другие дизайнеры 1970-80-х гг., эргономикой, создал множество настолько же инновационных стульев и кресел для взрослых, а в 2009 г. опубликовал книгу «Сидеть по-новому», в предисловии к которой были следующие слова:

«Длительное сидение на стуле является важным фактором риска возникновения многих нарушений в работе опорно-двигательного аппарата, и именно этот аспект поведения человека мне показалось нужным пересмотреть. На ум приходит два очевидных решения этой проблемы: человек должен либо меньше времени проводить в сидячем положении, либо менять это положение время от времени».

В 1983 г. Опсвик, стремясь совместить в одном предмете стул для работы и кресло для отдыха, спроектировал модель «Gravity», которая позволяла телу сидящего принимать как минимум четыре положения вплоть до горизонтального, ведь как учил этот неутомимый дизайнер, «полностью неподвижным человек становится, только когда умирает». Спасибо вам за эти уроки, Маэстро, и спите спокойно!

———

Sunday Postmodernism,
issue No. 182

With this detour into the 1980s, we’d like to pay tribute to Peter Opsvik who passed away on September 30th this year. A stellar Norwegian designer known to many of you who have kids thanks to Tripp Trapp, the “world’s first” chair that grows with the child, Opsvik contributed to improving adult environments as well. Embracing the 1970-80s trend for ergonomics, he designed a wealth of highly innovative chairs and loungers for adults and, in 2009, published a book called “Rethinking Sitting” that starts with the following premise:

“Long-term sitting is a major cause of many of our muscular and skeletal complaints, and it is this category of sitting that I felt it important to rethink. Two obvious solutions spring to mind. One is to spend less time sitting, the other is to vary your postures while sitting.”

In 1983, trying to combine an office chair and a lounger, Opsvik designed the Gravity chair that offered at least four sitting positions including lying down in a nearly zero-gravity state. After all, as the hard-working and highly prolific designer taught, “the only condition in which a human being is completely still is death.” Thank you for these valuable lessons, Mr Opsvik, and may you rest in peace.

(photos: opsvik.no, varierchairs.com, journals.sagepub.com, varierfurniture.wordpress.com, kiez-hypnose.de)

Mid-Century, More Than

21 декабря 2024 20:20

Одним из важных представителей Австрийского Веркбунда был архитектор, скульптор, сценограф и дизайнер Оскар Штрнад, обучивший немало будущих модернистов. В 1932 г. Штрнад стал автором сблокированного дома на две семьи в венском экспериментальном поселке Веркбунда. Считая, что планировка дома должна направлять человека, Штрнад большое внимание уделил организации внутреннего пространства, срежиссировав его, как и подобает сценографу, вплоть до мельчайших деталей, таких, как крючки для полотенец (см. лишь некоторые чертежи отдельных элементов дома в комментариях к посту). Ориентировав здание таким образом, чтобы окна первого этажа выходили на север, а двери на юг, он добился хорошей вентиляции всего нижнего яруса. Несмотря на привлекательность объемно-планировочных решений ни одна из половин дома не была куплена – цены на них были выше среднего, а в начале 1945 г. дом серьезно пострадал в результате бомбардировки и не был восстановлен.

P.S. Любопытно, что коллега Штрнада, выдающийся австриец Йозеф Франк, критиковал этот проект за зеркальность планировки – по его мнению, такое решение террасы второго этажа не способствовало уединению жильцов. Вместе с тем пятью годами ранее сам Франк стал автором аналогичного дуплекса (см. последние снимки) в не менее знаменитом штутгартском поселке Вайсенхоф, но это уже совсем другая история…

———

A professional architect, set designer, sculptor, and furniture designer, Oskar Strnad was one of the key members of the Austrian Werkbund who taught many a modernist at Vienna’s Kunstgewerbeschule. In 1932, Strnad designed a semi-detached house for two families for the Werkbund Estate in Vienna. A devoted advocate of floorplans that were supposed to guide occupants around the house, Strnad was meticulous about the organization or, better yet, staging of the space which he conceived as a total work of art, down to the tiniest details such as the placement of towel pegs (check out just a few of the numerous drawings he created for this house in the comments down below). He intentionally orientated the house so that its windows faced north and its doors south, contributing to proper ventilation of the ground floor. However, even though the house was a success in terms of modern architecture, neither of the parts was sold as the prices were above the average range. In early 1945, the duplex was severely damaged in an air raid never to be rebuilt.

P.S. Interestingly, this design was criticized by Strnad’s colleague, Josef Frank who felt the symmetrical plan provided limited privacy as far as the terrace was concerned. What’s more interesting is that Frank designed a similar duplex for Stuttgart’s Weissenhof Estate (shown in the closing images) back in 1927, but that’s a whole other story…

(photos: Martin Gerlach, Julius Scherb, Franz Mayer, werkbundsiedlung-wien.at, sammlung.mak.at, archinform.net, archweb.it, arkitekten.se)

Mid-Century, More Than

21 декабря 2024 14:57

Коллеги из Архитекстуры забрели на родную Петроградскую сторону и обратили внимание на корпуса завода «Красное знамя», судьба которых уже давно нас интересует.

———

Our colleagues of Architexture found themselves in St. Petersburg and went to see the now-defunct buildings of the Krasnoye Znamya factory in our beloved Petrogradsky District, the buildings whose fate is unclear at the moment…

Mid-Century, More Than

19 декабря 2024 20:34

В 1954 г. Марчелло Ниццоли был удостоен двух «Золотых циркулей», одного – за пишущую машинку «Lettera 22», а второго – за швейную машинку «Supernova», спроектированную для компании «Necchi». Плавными чувственными линиями, характерными для пишущих машинок, которыми Ниццоли ранее осчастливил женскую половину конторских служащих, «Supernova» радикально отличалась от угловатых моделей, которые до тех пор производило это предприятие – да и от продукции других производителей «Supernova» отличалась не меньше. Пленительность форм машинки подчеркивалась рекламными постерами, созданными, кажется, не без участия Ниццоли, и фотографиями, для которых позировала молодая Софи Лорен.

Можно сказать, что с этой машинки началась новая глава в истории компании «Necchi», но для истории швейной машинки как таковой «Supernova» стала лишь прологом. Дело в том, что, выступая в той же дисциплине (проектирование швейных машинок) в 1957 г., Ниццоли получил еще один «Золотой циркуль», на сей раз за создание машинки «Mirella», выпущенной тем же производителем годом ранее. В отличие от машинки Дзанусо оргкомитет премии объяснил свое решение следующим образом: «Премия вручается за передовые результаты в сопряжении технологии и эстетики, а также образцовое сотрудничество конструктора и производителя, сыгравшее в этой работе ключевую роль».

Облаченная в легкий алюминиевый корпус, под которым было скрыто множество технических инноваций, «Мирелла» в том же году получила гран-при Миланской триеннале, а в следующем году заняла место в постоянной экспозиции нью-йоркского Музея современного искусства, став образцом, с которого до сих пор снимают мерки не только производители швейных машин, но и промышленные дизайнеры en masse.

———

1954 was a rewarding year for Marcello Nizzoli who received a total of two Compasso d’Oro awards, one of which was conferred on him for his Lettera 22 typewriter and the other for the Supernova sewing machine designed for Necchi. Boasting sensual feminine curves, which had already set Nizzoli’s typewriters apart from competitors, the Supernova marked Necchi’s departure from its earlier heavyset designs and sparked competition among the manufacturers of sewing machines. Supernova’s appeal to a younger and design-conscious audience was underscored by an advertising campaign that featured Sophia Loren in photographs and posters which may actually have been designed by Nizzoli himself.

One might say the Supernova opened a new chapter for Necchi, but, more importantly, it was a prologue for the history of modern sewing machines. In 1957, competing with fellow artists in the same league of sewing machine designs, Nizzoli received another Compasso d’Oro for the Mirella machine released by Necchi a year earlier. In contrast to their motivation for Zanuso’s award, the jury bestowed the prize on the Mirella “for its novel interpretation of technology and aesthetics, along with the central importance of collaboration in design and production”.

Packed with technological innovations underneath a lightweight aluminum body, the Mirella earned Nizzoli the Grand Prix of Milan Triennale the same year and, one year later, was put up on display at MoMA setting a new standard for other designers of sewing machines and the design community as a whole to measure up to.

(photos: ventidiponente.it, moma.org, alfarohofmann.com, adidesignmuseum.org, are.na, Paolo Monti, design-is-fine.org, noonesnemesis.tumblr.com, sewalot.com, laprovinciapavese.gelocal.it)

Mid-Century, More Than

18 декабря 2024 14:30

Друзья, поскольку нам посчастливилось быть членами еще одного тайного сообщества, на сей раз блогеров-урбанистов, рады поделиться новогодней подборкой каналов об урбанистике, заботливо собранной Даниилом Ворониным.

———

Hi everyone, since we are happy to be part of another secret Telegram community that brings together all urbanism-oriented channels, we’re sharing another curated list of blogs for you, this time on urbanism, courtesy of Daniil Voronin. Happy Holidays!

Вороньи мысли @dnlvrnn — канал про урбанистику, личный опыт городских проектов и происходящее в мире

ReuseArch @ReuseArch — канал про «архитектуру повторного использования»: редевелопмент, адаптация, реставрация и прочее

urbanoise @urbanoise — саундтрек нашей повседневности. Здесь о том, что нас окружает каждый день: улицы, здания, детали, которые мы часто не замечаем

Лена Пудова. Ваша ЛП @elenpudova — все о урбанистике: конкурсы, воркшопы, новости и непрошенное личное мнение

Velonation @bike2coffee — если интересуетесь велотранспортом в Москве, России и других странах мира

Архитектор на каникулах @archinholy — архитектурные заметки о работе и жизни действующего средового архитектора в Санкт-Петербурге (и не только)

Ехал Грека по проспекту | про город @greka_progorod — урбанистика для всех: благоустройство, искусство, доступная среда, люди и личное мнение автора

Благоустройство городской среды: ландшафт, дизайн, архитектура @raketainspaces — как сделать город комфортным дли жизни и создавать качественные проекты благоустройства

Нейро Отличник @NeuroOtlichnikArch — канал архитектора, исследующего нейросети: примеры реальных проектов и концепции зданий будущего

Низкопольные поезда, средние платформы @ru_lf_train — простыми словами о безопасной и доступной среде на железных дорогах

Форма и хаос @formandchaos — канал дизайнера-урбаниста про городские визуальные коммуникации, цифровые продукты, преподавание и научную работу

КошкинГород @koshkingorod — канал о велоинфраструктуре, ОДД, городских транспортных системах, велотуризме, оценке проектов и разборе решений

Неуправляемые города @ungovernable_cities — канал политолога и студента докторантуры о городском управлении, гражданской партисипации

ЭБ|Экоориентированное благоустройство @Eco_Blago - канал про экологичный подход к благоустройству, учитывающий адаптацию к изменению климата

Подписаться! - а это папка со всеми перечисленными урбан-каналами.

Mid-Century, More Than

16 декабря 2024 20:23

В этот рабочий понедельник развлечем и, надеемся, мотивируем вас рекламно-интеграционной перекличкой двух «Правд» (ленинградской и московской), состоявшейся в связи с одним занимательным событием девяностолетней давности.

5 ноября 1934 г. газета «Ленинградская правда» опубликовала заметку под названием «Экзамен ботинку», в которой сообщалось о запланированном на 7-е ноября старте пешеходного перехода физкультурников по маршруту Ленинград - Москва, инициированного ленинградской обувной фабрикой «Скороход»: «По пути следования специальная походная обувная лаборатория будет вести наблюдения за состоянием ботинка, какие части больше подвергаются изнашиванию и т.д. Лаборатория будет находиться на мотоцикле…»

25 ноября 1934 г. московская «Правда» отчиталась о переходе, заметив, что накануне 12 лучших ударников-физкультурников в новеньких ботинках «Скороход» массового производства, предназначенных для повседневного ношения с галошами, добралась до Москвы, преодолев 725 км со скоростью 6 км/ч: «Первые итоги перехода превзошли все наши ожидания. Ботинки выдержали испытание, несмотря на тяжелые условиях - дожди, грязь, каменистую дорогу на большей части пути».

———

Let’s start this working week with a bit of motivational entertainment courtesy of two Pravda newspapers (the one in Leningrad and the newer one in Moscow) that published what can now be regarded as promotional accounts of an event that took place 90 years ago.

On November 5th, 1934, Leningradskaya Pravda posted a piece titled "Putting Your Shoes to Test" informing its readership about the start of a hiking tour from Leningrad to Moscow scheduled for November, 7th. In this tour, a group of athletes wearing everyday shoes produced by Leningrad-based Skorokhod would walk the distance while "a specialized field-testing laboratory would accompany the group on a motorcycle, monitoring shoes’ performance, wear and tear etc."

On November 25th, 1934, Moscow-based Pravda published a report on the tour claiming that factory’s twelve best athletes had completed the journey the day before having covered a distance of 725 km at an average pace of 6 km/hr, all the while wearing mass-produced Skorokhod shoes, the casual type one could also combine with galoshes: "The initial results of this hiking exercise exceed all our expectations. The shoes withstood the test despite the harsh conditions such as rain, dirt, and gravel that persisted for the most part of the journey."

(photos: MCMT, electro.nekrasovka.ru)

Mid-Century, More Than

14 декабря 2024 20:09

…Расследование обстоятельств катастрофы выявило многочисленные нарушения, допущенные при строительстве (в том числе использование газет и жестяных банок вместо цемента в ключевых узлах), а также неактуальность строительного кодекса 1952 г., которым руководствовался застройщик. В совокупности это привело к существенным изменениям в строительном законодательстве включая принятие мер для предотвращения «непропорционального обрушения»: «Конструкция зданий должна препятствовать аварийному разрушению, непропорциональному причине аварии».

P.S. Впоследствии здание «Ронан-пойнт» было усовершенствовано и вновь заселено. Правда, в 1986 г. чиновники постановили его снести - решение оказалось своевременным, поскольку оно вряд ли выдержало был Великий шторм, обрушившийся на Великобританию в октябре 1987 г.

P.P.S. Любопытно, что хозяйка квартиры, в которой произошел взрыв, не пострадала. Не пострадала и газовая плита - переселившись в новую квартиру, хозяйка перевезла ее с собой…

———

…An investigation was immediately undertaken that identified multiple engineering and construction flaws (such as the use of newspapers and beer cans instead of concrete in some of the joineries) and called for amendments to the 1952 construction code the developer had abided by. Combined, these findings led to a significant overhaul of the building regulations including measures to counter "Disproportionate Collapse": "The building shall be constructed so that in the event of an accident the building will not suffer collapse to an extent disproportionate to the cause."

P.S. In subsequent years, the construction of the Ronan Point building was meticulously inspected and strengthened and its residents moved back in. However, in 1986, a decision was ultimately made to demolish the building altogether, which happened to be a timely move as Ronan Point would have hardly withstood the Great Storm of October, 1987.

P.P.S. It’s noteworthy that the resident of the faulty apartment was unharmed by the explosion. Neither was her gas stove, which was ultimately relocated to her new address…

(photos here and above: Tony McGrath/The Observer, DAVID GRAVES/REX/Shutterstock, Daily Mail/REX/Shutterstock, Eric Wadsworth/The Guardian, Ken Saunders/The Guardian, Tony Prime/ANL/REX/Shutterstock, Michael Burnett/ANL/REX/Shutterstock via theguardian.com, eng-resources.charlotte.edu, layersoflondon.org, logic4training.co.uk, dezeen.com, RIBA Collections, failedarchitecture.com)

Mid-Century, More Than

14 декабря 2024 15:01

✨ Молния! Анонс года! ✨
С 4 по 6 января 2025 года вместе со школой КУСТ провожу онлайн-курс «Баухауз: творческая перезагрузка».

🎨 Что вас ждет?
Оригинальные упражнения трех великих художников-преподавателей Баухауза — школы, которая заложила фундамент современного искусства и дизайна XX века. Именно в этой школе, под руководством лучших мастеров, создавались новые подходы, оттачивались навыки и формировались свежие взгляды на творчество. Этот курс является уникальной возможностью попробовать себя студентом Баухауза!

👨‍🎨 Иоханнес Иттен — основатель вводного курса Баухауса
Основателем вводного курса Баухаус был Иоханнес Иттен — невероятно харизматичный, вдохновляющий художник и педагог, который сумел объединить, казалось бы, несочетаемые вещи: эзотерику и строгую рациональность, легкость и юмор с глубокой философской проработкой.

Задания Иттена поражают своей гениальной простотой: для них не нужно ничего, кроме бумаги, карандашей, ножниц и открытости к экспериментам. Здесь может найти себя каждый — от пятилетнего ребенка до опытного художника.

👩‍👧 Кому подойдёт курс?
Он рассчитан на взрослых и детей. Это отличный способ провести время с пользой и вдохновением, создавая совместные проекты всей семьей.

📚 Программа курса
Каждое из трёх занятий посвящено одному из преподавателей Баухауса: Иоханнесу Иттену, Йозефу Альберсу, Ласло Мохой-Надю. На каждом из занятий мы будем пробовать разные методики и чувствовать разницу в подходе каждого из художников.

Занятия проведёт историк искусства, исследовательница модернизма и Баухауза в частности, Дарья Сорокина.

Дополнительно 7 января для самых увлечённых участников — бонусное занятие!

⏰ Когда?
4–6 января, 12:00–13:00 по МСК
+ Бонус 7 января!

💾 Записи занятий
Все участники получат записи курса, чтобы возвращаться к материалу в любое время.

💰 Стоимость участия: 7500 ₽
Чтобы записаться, оставьте заявку, и мы с вами свяжемся!
❣️Уникальная возможность (только для моих дорогих подписчиков) - скидка 25%. Нужно просто сказать, что вы подписаны на мой канал, либо сказать кодовое слово KUSTFRIEND в комментарии к заявке.

📩 Не упустите возможность окунуться в дух Баухауза и начать год с вдохновения и новых идей!

Mid-Century, More Than

12 декабря 2024 20:19

Здорово, когда произведения именитых мастеров обретают вторую жизнь в новую эпоху, но еще отраднее, когда это происходит с талантливыми работами неизвестных мастеров. Первые два снимка, иллюстрирующие эту заметку, разделяет 77 лет: черно-белая фотография была сделана в 1946 г. и случайно обнаружена в архивах датской компании «Fritz Hansen» в январе 2021 г. Запечатленная на ней детская лошадь-качалка, «продукт любви, изготовленный, вероятно, одним из фабричных столяров в свободное от работы время, а после подаренный домочадцу», не могла не заинтересовать дизайнеров компании и вдохновила команду во главе с Мадсом-Ульриком Хусумом на поиски следов этой лошадки.

Ни единственного экземпляра, ни информации о его авторе найти не удалось, но почти три года спустя появился целый табун лошадок: в 2023 г. «Fritz Hansen» воспроизвела игрушку по фотографии и запустила ее в массовое производство отчасти как дань фабричной истории, ведь тело качалки изготовлено из гнутой фанеры, «материала, с которым в той же самой мастерской экспериментировал Арне Якобсен прежде, чем создал свой легендарный штабелируемый стул, хвостом качалке служит кусок корабельной веревки, такой же, какую использовал Поул Кьерхольм при создании кресел PK25 и PK4, а уши сделаны из обрезков кожи, остающихся в цехах компании, - мера, позволяющая минимизировать отходы производства».

———

It is always endearing to see lost or forgotten works by prominent masters resurface as new re-editions, but it is even more so when it comes to exquisite designs by unknown artists. The first two photographs here were taken 77 years apart; the black-and-white one dates back to 1946 and was suddenly discovered on the premises of Fritz Hansen in January 2021. The rocking horse shown in this picture, which was likely created by a craftsperson at the workshop “as a personal project for a child or grandchild. A labour of love”, inspired a design team led by Mads-Ulrik Husum to embark on a quest to trace the origins of this piece.

Regrettably, Fritz Hansen failed to find the only copy of the rocker or attribute it to any of its former cabinetmakers. On the bright side, however, this find gave birth to a whole herd of rocking horses almost three years later; in 2023, Fritz Hansen recreated the rocker based on the existing photograph and put it into mass production, partially as a tribute to the history of the company’s craftsmanship since “the body of the horse is made from moulded veneer – the same material that Arne Jacobsen experimented with in the very same location to create his iconic stacking chairs. The Rocking Horse tail is made of halyard – the same material used in Poul Kjærholm’s PK25 and PK4 chairs. And the ears are made using leftover leather from Fritz Hansen’s production facilities as a way to ensure the absolute minimum of waste.”

(photos: fritzhansen.com, scandinaviandesign.com, design-milk.com, flymee.jp)

Mid-Century, More Than

10 декабря 2024 20:59

В 1956 г. Озиш и Коман открыли фирму «Kare Metal», которая специализировалась на изготовлении металлической мебели. Хоть некоторые художественные решения по-прежнему заимствовались партнерами за рубежом, Озиш стал автором ряда самобытных изделий, на которые даже обратила внимание Флоренс Нолл (правда, их сотрудничество в конечном счете не состоялось).

Любопытно, что в отличие от зарубежных дизайнеров Озиш, Коман и примкнувший к ним в 1957 г. скульптор Шади Чалык были вынуждены работать в условиях ограниченных ресурсов, поэтому в ход шло самое разное сырье: водопроводные трубы, перфорированные листы для просеивания риса или орехов, арматура и даже рыболовная сеть. Вскоре Коман и Чалык покинули компанию, и до 1967 г. Озиш был ее единственным художественным руководителем, а потом и он окончательно переключился на скульптуру и больше к мебели не возвращался.

Продолжение следует…

———

In 1956, Öziş and Koman founded Kare Metal that would specialize in metal furnishings. Even though some of Kare Metal’s products were still very much reminiscent of mid-century design icons, Öziş did create plenty of highly original pieces some of which even caught the eye of Florence Knoll (their cooperation did not work out eventually, but still).

Interestingly, unlike their foreign counterparts, Öziş, Koman, and Şadi Çalık, another sculptor who joined the duo in 1957, were forced to work under the constraints of the country-wide shortage of materials and often resorted to ready-made products such as waterpipes, perforated sheet metal “used for the production of nut or rice sieves”, metal rods, and even fishing nets. After Koman and Çalık left the company in 1958, Öziş would remain its sole artistic director until 1967, at which time he also switched to sculpture never to design furniture again.
 
To be continued.
 
(photos here and below: sadiozis.com, archives.saltresearch.org, datumm.org)

Mid-Century, More Than

10 декабря 2024 12:58

#подборка ландшафтных проектов компании DEREVO PARK

🌿Проект «Лесная река»
Вдохновением для этого проекта, расположенного в центре Москвы, стала природа — извилистые реки и зеленые горные вершины. Плавные линии тропинок ведут к функциональным зонам: детским площадкам, чилаут-зонам, спортивным участкам и местам для выгула собак. Натуральные покрытия, всесезонное озеленение и монохромные оттенки усиливают ощущение природы. Проект получил Золотую награду Global Architecture Awards–2024 и серебряный диплом АЛАРОС.

🌿Проект «Роскошь единства»
Центральная идея — секретная улица, вдохновленная цивилизацией Атлантиды. Крупные каменные чаши в стилистике старинных амфор наполняют пространство естественностью и эстетикой. Композиции из растений подобраны так, чтобы сохранять визуальную привлекательность круглый год, включая зиму.

🌿Проект «Отражение в деталях»
Живописный частный сад на берегу Москвы-реки с набережной для катания на яхте и гидроцикле. Пространство дополняют зоны отдыха: банный комплекс, бассейн, барбекю и уютная диванная группа. Ландшафт объединяет уникальные решения и потрясающие виды, создавая атмосферу уединения и релакса.

На tg-канале компания рассказывает о своих проектах, делится советами по созданию сада и вдохновляющими идеями для вашего пространства.

Реклама. ООО "ДЕРЕВОПАРК", ИНН: 7806242150, erid: 2VtzqxhxgX3

Mid-Century, More Than

08 декабря 2024 20:03

Вестник постмодернизма,
выпуск №180

Кажется, что в отличие от других предметов интерьера, в руках затейников от дизайна вступавших в разные межвидовые связи, ковер всегда существовал как отдельный предмет. По крайней мере, до тех пор, пока на этот функционально-декоративный элемент не обратила внимание Бина Байтель, в 2006 г. закончившая Высшую архитектурную школу Франции с почетным дипломом архитектора (DPLG), а в 2010 г. представившая серию предметов «Under My Skin», в которую вошел гибрид светильника и вытекающего из него ковра натуральной кожи. Долгое время живя на Ближнем Востоке, Байтель хорошо изучила культуру региона, в том числе обычаи местных жителей использовать ковры для самых разных целей: от бытовых до религиозных, - и попыталась частично перенести эти обычаи в европейский контекст.

Примерно в то же время Байтель создала еще одну неожиданную комбинацию, журнальный столик-тумбу-ковер «Tarah» (tarah - араб. бросать на землю), а в 2012 г. похожий союз двух столиков и ковра под названием «Confluente» был удостоен первого приза на международном конкурсе гобеленистов в Обюссоне.

P.S. Раз уж мы заговорили о Бине Байтель, в качестве бонуса не можем не поделиться с вами еще одним любопытным гибридом ее авторства, светильником-зеркалом «Гримм» - см. изображения в комментариях.

———

Sunday Postmodernism,
issue No. 180

It seems that, unlike other types of furnishings that sometimes found themselves blended together into multifunctional hybrids courtesy of designers’ imagination, carpets had always been a category of their own, at least until Bina Baitel came around. After graduating from France’s most celebrated architectural school as an architect (DPLG) in 2006, Baitel founded her own design studio in 2008 and, another couple of years later, presented a line of furnishings called Under My Skin. Among other things, this collection featured an unexpected combination of a lamp and a genuine leather rug that looked like a spilled cup. Living in the Middle East for a long time, Baitel explored the local culture and habits, including the use of carpets for varied purposes, from mundane, “down-to-earth” tasks such as eating to religious rituals such as praying.

At around the same time, Baitel also designed Tarah (which is the Arabic for “tossing to the ground”), another outside-the-box hybrid that brought together a mattress and a coffee or bedside table. In 2012, a similar combination of two desks and a carpet called Confluente earned Baitel the first prize of the international tapestry competition in Aubusson.

P.S. Speaking of Baitel’s hybrids, we cannot help sharing yet another design of hers called Grimm - check out the comments down below.

(photos: Bina Baitel Studio, Louis Le Breton, Florian Kleinefenn, Daria Kraft, Mark Arrigo, cite-tapisserie.fr)

Mid-Century, More Than

07 декабря 2024 21:04

Сегодняшний архитектурный сюжет, обещанный какое-то время назад, служит хорошим примером того, что модернисты не были выведены в специальном инкубаторе, а появились в результате эволюции этики и эстетики, что, как мы помним, - одно и то же. Перед вами дом-студия Уортона Эшерика, который возводился скульптором в течение сорока лет и представляет собой «автобиографию» художника. Начав строиться в 1926 г., этот дом, как и творчество Эшерика, начинавшего как художник-импрессионист, а потом увлекшегося скульптурой и столярным мастерством, претерпел уйму стилистических метаморфоз, соответствовавших трансформации взглядов скульптора.

На старте Эшерик вдохновлялся эстетикой движения «Искусства и ремесла» и архитектурой Фрэнка Ллойда Райта, затем кубизмом, немецким экспрессионизмом, а после стал склоняться к более органическим формам, свойственным некоторым модернистам. Неизменными оставались лишь отторжение индустриализации и приверженность идеям «Искусств и ремесел», выражавшаяся в ремесленных методах строительства и по-модернистски честных конструкциях: все структурные элементы, узлы и крепления и оставлены на виду, чтобы было понятно, как этот сложный организм устроен.

———

Today’s architectural anecdote we promised some time ago is yet another demonstration that modernists were not a homogeneous species grown under controlled conditions, but a diverse group that evolved through crossbreeding of different aesthetic styles and inclinations. Please meet Wharton Escherick and his house and studio he built over the course of four decades to eventually become the sculptor’s “autobiography” in wood. Just like Escherick’s art that started with impressionist graphics and brought him to sculpture and woodworking, this house, was a work in progress since its inception in 1926, bearing witness to and transforming with the artist’s changing vision.

Initially an ardent exponent of the Arts and Crafts aesthetics inspired by Frank Lloyd Wright’s architecture, Escherick moved through different phases such as Cubism and German Expressionism to eventually develop a leaning to organic forms other modernists were embracing too at the time. Regardless of the phase, the sculptor would remain faithful to his Arts and Crafts beginnings in the methodological sense demonstrating a solid penchant for artisanal techniques and staying away from industrialization. Erected by hand, the house embodies Escherick’s belief in the power of traditional methods that were intentionally exposed in all of the joineries and load-bearing elements, contributing to the structural verity of the whole building, so typical of modernist architecture.

Mid-Century, More Than

06 декабря 2024 20:09

Раз вы так быстро справились с предыдущим вопросом, как насчет греческого имени, которое Массимо Мороцци дал этому стеклянному столу, созданному в том же 1982-м году для компании «FIAM», которая и выпустила его несколькими годами позже, освоив технологию гидроабразивной резки стекла?

———

Since you were very quick with the previous puzzle, how about guessing the Greek name of this coffee table, which was also designed by Massimo Morozzi in 1982 and released by FIAM in 1989 when the company had revolutionized their pipeline with the water jet cutting technology?

Mid-Century, More Than

23 декабря 2024 20:03

История дизайна знает немного предметов, которые остаются настолько же востребованными, как и при появлении на рынке. Еще меньше среди них таких, которые за прошедшие десятилетия совсем не изменились. Хорошим примером такого долгоиграющего дизайна может служить шариковая ручка «Cristal», выпущенная компанией «BIC» накануне Рождества 74 года назад и сохранившаяся практически в исходном виде. Своим успехом этот товар во многом обязан французскому художнику Раймонду Савиньяку (1907-2002), который отвечал за множество кампаний, вошедших в историю рекламы. В 1952 г. Марсель Бик, основатель упомянутой компании, предложил Савиньяку сотрудничество в продвижении новой шариковой ручки. Художник согласился, и в том же году рекламная кампания с придуманным Савиньяком слоганом «Elle court, elle court» (фр. ее не остановить!) получила соответствующий Оскар.

В 1961 г. Савиньяк стал автором кампании «Nouvelle Bille», рекламировавшей новый шарик из карбида вольфрама. Нацеливаясь в том числе на учащихся, для этой кампании он придумал образ школьника с шариком вместо головы. Годом позднее он предложил использовать этот образ в логотипе компании. По мере расширения ассортимента компании «BIC» Савиньяк прикладывал руку к рекламе и другой продукции, например, бритвенных станков, однако это уже совсем другая история…

P.S. Дополнительные рекламные материалы см. в комментариях.

———

The history of product design has not witnessed many designs that remain in demand decades after they were released, but what’s even less common is for such a design to remain virtually unchanged over the years. The BIC Cristal ballpoint pen is one of those long-lasting designs you are all extremely familiar with. Launched by BIC just before Christmas seventy-four years ago, this pen has remained largely intact to this day. Much of its success, BIC’s Cristal owes to Raymond Savignac (1907-2002), a French graphic artist that contributed to numerous promotional campaigns some of which are truly iconic. In 1952, Marcel Bich, the founder of BIC, reached out to Savignac to work on the promotion of BIC’s new ballpoint pen. The artist accepted the commission and, the very same year, the campaign he developed, “Elle court, elle court” (which can roughly be translated as “she is unstoppable!”), earned Savignac the French Oscar de la Publicité award.

In 1961, Savignac was responsible for the Novelle Bille campaign to promote the new tungsten carbide ball. Targeting children and young people, he came up with an image of a schoolboy with a pen’s ball for his head. One year later, this image would become an inseparable part of BIC’s logo, also courtesy of Savignac. As BIC’s product line grew, so did Savignac’s graphic contributions such as this witty razor ad in the closing image, but that’s a whole other story…

P.S. For more promotional images, check out the comments down below.

(photos: delcampe.net, ebay.com, eu.bic.com, hprints.com, firstversions.com, perry.auction, galerie123.com, vintagepostersonly.com)

Mid-Century, More Than

22 декабря 2024 14:20

🎄Ура! Теперь Новогодний Гайд можно купить на сайте!

Напоминаю, что это такой формат инструкции, в которой я рассказываю:
– как украсить елку и сочетать декор,
– какие тренды новогоднего оформления будут актуальными (без белого банта!),
– с помощью чего можно создать новогоднюю атмосферу,
– где выбирать подарки.

В Гайде более 100 ссылок на отобранные мной предметы и более 40 магазинов и брендов, где все это можно приобрести.

🔜 Купить Гайд 🔙

Mid-Century, More Than

21 декабря 2024 14:57

Питер. Корпуса завода Красное знамя.

Прогулки по Питер продолжаем на Петроградской стороне.

Здесь, недалеко от метро Чкаловская в 20-х годах прошлого века был построен новый комплекс дореволюционной трикотажной фабрики Керстена, получившей название "Красное знамя".

Новые времена диктуют новые правила - текстильной промышленности больше нет, а сами здания находятся в плачевном состоянии.

Корпуса обещают реконструировать, правда, что из этого получится, пока непонятно, очевидно, что как минимум частично сноса не избежать. Правда, есть здесь и удачные примеры, которые мы покажем в следующих постах.

#Питер

Mid-Century, More Than

20 декабря 2024 20:08

Функционализм был «болезнью» не только 20-го века, но и, например, 18-го. Именно тогда появились изделия, запечатленные на этих снимках и выпускавшиеся мебельщиками для состоятельных клиентов. Одним из производителей подобных предметов мебели был краснодеревщик, архитектор и декоратор Джордж Хэпплуайт, наряду с Томасом Чиппендейлом и Томасом Шератоном входивший в «большую тройку» английских мебельных мастеров. В частности, Хэпплуайт даже включил эскиз своей разработки в «Руководство для столяров и обивщиков мебели», опубликованное вдовой Хэпплуайта в 1788 г.

По пятничной традиции предлагаем вам ознакомиться с этими изображениями и ответить, для кого именно предназначались подобные изделия. Только, чур, не гуглить и не торопиться с ответом, если он вам заведомо известен.

———

Always being at the core of progress, functionalism “plagued” not only the 20th century. As you will see from these pictures, the 18th century was “affected” by functionalism as well. All of these and many other similar pieces were produced in the 18th and 19th centuries for rich clientele. George Hepplewhite, an English cabinetmaker, architect, and decorator who was one of the “big three” furniture-makers in England together with Thomas Chippendale and Thomas Sheraton, was known to manufacture such furnishings for his clients as well. What’s more, he included a drawing of one of such stools in his seminal book, “The Cabinet-Maker and Upholsterer’s Guide” published by his widow in 1788.

As it’s Friday today and time for our usual quiz, we’re inviting you to take a close look at these pictures and figure out who these and similar designs were intended for. As usual, please refrain from googling or posting the correct answer if you happen to know it already - let others think a bit.

(photos: lyonandturnbull.com, pegsandtails.wordpress.com, wellcomeimages.org, antiques-atlas.com, bidsquare.com, thedesignersconsignment.com, totoloveet.best)

Mid-Century, More Than

18 декабря 2024 20:19

В качестве мнемонического правила, которое должно помочь запомнить разницу между гололедом и гололедицей, делимся с вами одной из важнейших декоративных форм Натальи Михайловны Гончаровой, которую можно увидеть в Музее стекла на Елагином острове, созданном, к слову, именно благодаря Наталье Михайловне. Эта композиция под названием «Гололед» появилась в 1984 г., через десять лет после прихода Натальи Михайловны на Ленинградский завод художественного стекла, которым она впоследствии руководила как главный художник с 1986 г. до закрытия завода в 1997 г.

Четыре цилиндра, полученных методом свободного выдувания, украшены текучими хрустальными налепами и алмазной гранью, создающими непредсказуемую игру света и пейзажа, совсем как ледяная корка на ветках или проводах в солнечный зимний день.
 
«Стекло – это объятия льда и пламени. Жизнь пламени продолжается в толще стекла, завораживает и гипнотизирует подобно пламени. Столкнувшись со стеклом, проникнув в его суть, порвать с ним очень сложно…».

———

If you are just as bad as we are with memorizing the different types of icing conditions, let us share a mnemonic that will hopefully help get at least one English concept straight, namely “glaze” aka “glaze ice” or “glazed frost” or “verglas”. This eponymous crystal ensemble is an important work by prominent Russian artist Natalya Goncharova and is part of the permanent collection held by Yelagin Museum of Glass Art in St. Petersburg which Mrs. Goncharova was instrumental in founding back in 2000. This artwork was created in 1984, ten years after Mrs. Goncharova had joined Leningrad Glass Factory she would later head as the Chief Artist from 1986 to its closure in 1997.

Composed of four freely-blown vertical pipes with crystal tears and brilliant-cut ornaments that contribute to the intricate and dynamic play of light, reflection, and space similar to that seen with ice-glazed tree branches, power lines, or grass blades on a sunny winter day.

"Glass is a dance of fire and ice, with the flames continuing to burn deep inside the glass, captivating and mesmerizing one just like fire itself. Once you find yourself attracted to glass and get to the essence of it, these ties can hardly be severed..."
 
(photos: goskatalog.ru, mishanita.ru, dzen user Osenniye Tsvety, MCMT)

Mid-Century, More Than

17 декабря 2024 20:42

Утверждается, что на визитной карточке Фрица Хеннингсена (1889-1965) было написано «Элегантная мебель без претенциозности», однако подтверждения этому мы не нашли и, чтобы начать знакомство с этим датским мебельщиком, поделимся с вами другой визитной карточкой Хеннингсена, самым узнаваемым из его кресел. Эта работа появилась на свет в 1935 г., когда местная дизайнерская поросль проектировала для «уставших мужчин» совсем другие кресла, лишенные ушей и кабриолей. На то у Хеннингсена были причины: хоть дизайнер и призывал «держать руку на пульсе и развивать в себе критическое мышление, сопоставляя работы предшественников и современников», сам он исповедовал традиционалистский подход и оставался верен ремесленным истокам датского мебельного дела, до последнего изготавливая все свои предметы вручную - в отличие от других соотечественников вроде Карла Мальмстена, смирившихся в конце концов с индустриализацией этого ремесла.
 
Хоть это кресло и сложно назвать симпатичным, оно, безусловно, сыграло важную роль в воспитании подрастающего поколения датских дизайнеров. Как известно, посетив в том же, 1935, году выставку Копенгагенской гильдии краснодеревщиков, уважаемым членом которой был Хеннингсен, Ханс Вегнер вдохновился искусностью изделий, спроектированных местными архитекторами и изготовленных профессиональными столярами, и решил стать дизайнером. Однако это уже совсем другая история, как и история о Магнусе Лессе Стефенсене, который в то время был куратором выставки и добился того, чтобы на ней была представлена непретенциозная (!) мебель, созданная как раз-таки союзами архитекторов и мастеров-краснодеревщиков. К слову, в том же, 1935, году Стефенсен создал удивительное кресло, которое одной ногой – и совсем не кабриольной - уже находится в нашем канале…

———

The business card of Frits Henningsen (1889-1965), a prominent Danish furniture-maker, allegedly marketed his creations as “Elegant and Unpretentious Furniture”. However, as we’ve found no proof of that other than one mention on the web, let us share one of his signature and most acclaimed pieces with you. This armchair was created in 1935 when a younger generation of Danish designers was stepping on the toes of their older craftsmen with their own versions of Tired Man chairs, free from ear flaps and cabriole legs. However, Henningsen had his own reasons to continue embracing a more traditional aesthetic: even though he called for keeping one’s finger on the pulse and trying “to develop critical thinking by comparing previous and current designs", his designs remained rooted in the Danish traditions of craftsmanship and were always hand-crafted even when his colleagues such as Carl Malmsten finally succumbed to mass production.

Not scoring high in its appeal by today’s standards, the chair did play a significant role in cultivating respect towards Danish furniture heritage among younger architects. It is a documented fact that Hans Wegner was so impressed by the synergy between architects and craftsmen presented at the 1935 annual exhibition of Copenhagen Cabinetmakers’ Guild, which Henningsen was a respected member of, that he decided to become a furniture designer. However, that’s a whole other story, much like that of Magnus Læssøe Stephensen who curated one of the Guild’s exhibitions and would only accept unpretentious (!) furnishings designed by tandems of local architects and professional cabinetmakers. By way of a teaser, the same year, 1935, saw Stephensen design a markedly different chair, which is already stepping into this channel with one of its non-cabriole legs as we write this.
 
(photos: modernity.se, sothebys.com, gestaltnewyork.com, junait.dk)

Mid-Century, More Than

15 декабря 2024 21:01

Вестник постмодернизма,
выпуск №181

Перенесемся сегодня в нидерландский Амерсфорт, а точнее, в район Зилхорст, известный высокой концентрацией причудливых архитектурных объектов, поскольку в 1980-х гг. власти, сочтя окружающую застройку скучной, дали архитекторам добро на строительство нестандартных домов. Именно там в 1994 г. году появился сказочный жилой дом, построенный по проекту знаменитого Пита Блома, который считал, что архитектор «не должен упускать возможность рассказать сказку».

Дело было так: в репертуаре Блома всегда было крайне мало частных заказов, и за этот проект ему пришлось взяться из-за длительного отсутствия более масштабных предложений. В конце 1980-х гг. к архитектору обратился его хороший приятель, Герман де Вал, бывший директор крупной строительной фирмы, желавший построить для своей семьи дом. Отправившись с заказчиком и его женой, пианисткой Яной Пруша родом из Иркутска, в кафе, Блом занял место за столиком, а фрау Пруша села за фортепиано и стала играть. Вдохновленный музыкой, архитектор тут же сделал эскиз будущего дома на салфетке, отсылавший, с одной стороны, к древнерусской церковной архитектуре, а с другой, - к всемирно известным кубическим домам Блома, которые он проектировал в 1970-х гг. Де Вал внес в этот эскиз несколько изменений, в частности, попросив Блома сделать фасад победнее, чтобы он был созвучен неброской архитектуре Сибири, и в 1994 г. строительство «Русского дворца» было закончено.

Помимо основного здания, отличавшегося диагональной планировкой внутреннего пространства, окружавшего концертный зал высотой в девять метров, на участке были возведены сторожка с классом для музыкальных занятий и голубятня. В 1999 г. Блом скончался, и в своем концертном зале Яна Пруша дала в его честь фортепианный концерт…

———

Sunday Postmodernism,
issue No. 181

For a change, let’s travel to Amersfoort in the Netherlands and take a peek into Zielhorst, a small municipality renowned for its density of unconventional architectural designs. The thing is that, in the 1980s, the government of Zielhorst found neighbouring settlements stylistically boring and gave local architects carte blanche to build almost anything as long as it is uniquely whimsical. It was in Zielhorst that became home to a fairytale dwelling designed by Piet Blom who felt every architect should never miss out on a chance to tell a fairytale.

Blom is known to have rarely accepted private commissions, but, by the late 1980s, large-scale commissions had run dry and he agreed to design a home for a friend of his, Herman de Waal, an ex-director of a major construction firm. When de Waal and his wife, Irkutsk-born pianist Yennah Prusha, took Blom out to a cafe, Mrs Prusha sat at the piano and Blom, inspired by the music, quickly drew a napkin sketch of the future house that borrowed from both Russian churches and Blom’s earlier and world’s famous project, a set of cube houses he had built in Rotterdam in the 1970s. Seeing the sketch, de Waal made just a few minor observations such as asking Blom to tone down the lavishness of the facade to "radiate the poverty" of Siberian architecture and, in 1994, the house, now commonly referred to as the Russian Palace, was completed.

In addition to the main building whose interior boasted a diagonal floor plan and split-level organization of the inner space around a nine-meter-high concert hall, Blom also designer a gatehouse with a classroom and a dovecote. In 1999, the architect passed away and Yennah Prusha paid tribute to him by hosting a concert in her home…

(photos: Galen, P. (Paul) van, Braber, Cor van den, Verwoerd, Dirk, architectuur-fotograaf.eu, zoeken.nieuweinstituut.nl, indebuurt.nl, logbankje.nl, beeldbank.cultureelerfgoed.nl, utrechtaltijd.nl)

Mid-Century, More Than

14 декабря 2024 20:09

Описывая современное «системное» строительство и приводя в качестве примера лондонское здание «Ронан-пойнт», британский архитектурный критик Дэн Круикшэнк говорит, что «исключив [из витрувианской триады - MCMT] категорию «красота» […], архитектуру низвели до строительства». Собственно, в случае с Ронан-пойнт из триады исключили и «прочность», не оставив, как выяснилось, места и «пользе». Дело в том, что…

…это довольно невзрачное здание сыграло значимую роль в строительстве многоэтажных жилых комплексов в Великобритании и восприятии модернизма в целом. Построенное в 1966-1968 гг. в лондонском Ньюэме в рамках борьбы с жилищным кризисом при активном содействии чиновников разных мастей и партийной принадлежности, выступавших за вытягивание домов в высоту, а не в длину, здание частично обрушилось всего через два месяца после сдачу в эксплуатацию, унеся жизни четырех жильцов. Произошло это в результате утечки газа и последовавшего за ней взрыва, когда хозяйка квартиры в 18-м этаже ранним утром 18 мая 1968 г. решила вскипятить себе чайник. Взрывом выбило стену бокового фасада, что повлекло за собой обрушение всей секции 22-этажного дома…

———

Describing modern "system-building" and citing London’s Ronan Point as an example, British architectural historian Dan Cruickshank mentions that "by excluding the [Vitruvian - MCMT] concept of ‘delight’, much modern system-building has reduced architecture to no more than mere building". With respect to the Ronan Point building, the Vitruvian triad also lost the concept of ‘firmness’ thereby leaving the concept of ‘commodity’ simply irrelevant. The thing is that…

…this hardly delightful building had a major impact on high-rise housing units in Great Britain as well as the public perception of modernism in general. Built over the course of 1966 to 1968, this residential estate was a solution to the post-war housing crisis much sought after by public officials of different levels and affiliations who promoted high-rise architecture rather than down-to-earth terraced houses. Regrettably, the building partially collapsed just two months after the completion claiming the lives of four residents and injuring seventeen more. On May 18th, 1968, at about 5:45 am, a resident of a corner apartment on the 18th floor walked into her kitchen to put the kettle on. When she lit a match, an explosion caused by a gas leak blew out the flank wall triggering the collapse of all the living-room units in the section…

Mid-Century, More Than

13 декабря 2024 20:11

Раз уж мы посвятили итальянской компании «Richard-Ginori» два поста, посвятим ей еще один, тем более, что предметом этого поста будет работа первоклассных итальянских дизайнеров. В 1972 г. упомянутый производитель выпустил сервиз «Linea 72», созданный Джо Коломбо и Амброджио Поцци при участии Иньяции Фавата, ассистентки Коломбо, взявшей на себя руководство студией последнего в связи с его скоропостижной кончиной в 1971 г. Для этого заказа трио спроектировало не только серию керамической посуды, обжигавшейся при очень высокой температуре для обеспечения ее долговечности, но и комплект приборов из нержавеющей стали и несколько видов стеклянных бокалов.

Фарфоровая посуда оказалась настолько изящной и функциональной, что в 1973 г. на международной выставке керамики в Фаенце этот сервиз был удостоен золотой медали Президента Республики.

По пятничной традиции предлагаем желающим как следует рассмотреть фотографии этих предметов и ответить максимально точно, где использовался этот сервиз? Только, чур, не гуглить и не торопиться с ответом, если он вам заведомо известен.

———

Now that we’ve published two posts on Richard-Ginori’s ceramics, it is time for a third one now which will feature a few extraordinary pieces by a trio of first-class Italian designers. In 1972, Richard-Ginori produced a series of tableware, which was called Lines 72 and designed by Joe Colombo, Ambrogio Pozzi, and Ignazia Favata. The latter was Colombo’s assistant and took over his studio when he suddenly died in 1971. This set, made of high-temperature-fired porcelain for durability, was part of a larger commission that also included a series of stainless steel cutlery and a few glasses.

This tableware turned out to be as functional as it was elegant earning the designers a Gold Medal of the President of the Republic at the 1973 International Ceramics Competition in Faenza.

Typically for a Friday night quiz, we’re inviting to take a good look at all these pieces and guess, without googling, the exact setting they were to be used in.

(photos: meer.com, quittenbaum.de, wright20.com, arsvalue.com, penccil.com, mutualart.com, botterweg.com, museoginori.com, philamuseum.org)

Mid-Century, More Than

11 декабря 2024 20:49

В чем восточногерманский дизайн точно уступал западногерманскому – так это в тщательности документирования авторства изделий. В частности, скудные данные имеются о работах Клауса Куниса (1931-1996), начавшего свой трудовой путь литографом, в 1952 г. отправившегося изучать изящные искусства в Дрезден, а в 1960 г. закончившего берлинскую Академию художеств с проектом швейной машинки «Veritas 8017» в качестве дипломной работы. В том же году Кунис возглавил только что сформировавшийся отдел дизайна при комбинате «EBM», в 1964 г. отвечал за проектирование вокзальных камер хранения, удостоенных дизайнерской премии, в 1966 г. создал стиральную машину WM 66, распространившуюся миллионным тиражом по странам соцлагеря, а в 1971 г. – посудомоечную машину «AKA GA 4».

Однако самой известной работой Куниса была, конечно, пластиковая лейка, ставшая символом восточногерманского дизайна. Спроектированная в 1960 г., эта лейка долгое время производилась заводом «VEB Glasbijouterie Zittau», год за годом претерпевая изменения, продиктованные промышленными задачами и не улучшавшие ее эстетические качества (на последнем фото все известные модификации представлены в хронологическом порядке, справа налево).

P.S. Дополнительные материалы см. в комментариях к посту.

———

What definitely set West Germany’s design industry apart from that of DDR was greater attention to the authorship of designs, something often neglected in East Germany. For example, very little information is available on the products by Klaus Kunis (1931-1996), an East German designer who started out as a lithographer, studied fine arts in Dresden starting from 1952, eventually graduating from Berlin Academy of Art in 1960 with the Veritas 8017 sewing machine as his graduation project and joining VVB BBM as the head of a newly-established design studio. In 1964, Kunis was responsible for designing luggage storage units for railway stations. In 1966, he designed the famous WM 66 washing machine, which was sold in millions both in DDR and elsewhere, and, in 1971, he produced the designs of the AKA GA 4 dishwasher.

However, Kunis’s best-known contribution to the household industry was this plastic watering can that has become synonymous with East German design. Created in 1960, this watering can was manufactured by VEB Glasbijouterie Zittau and enjoyed an extensive production run with multiple versions released over the years in response to multiple mass production variables. Sadly, as you will see from these pictures (especially the closing one, which shows all available versions chronologically, with the oldest ones on the right and the more recent ones on the left), the later the model, the simpler and less aesthetically pleasing it is…

P.S. For more images, check out the comments down below.

(photos: daniellaondesign.com, ddr-museum.de, tapasmagazine.es, Stephan Schulz, installation, Yvonne Most, pictures, via werkleitz.de, antyki-galicja.pl,  Die Neue Sammlung, Alexander Laurenzo, kleinanzeigen.de,  Kommunale Galerie Berlin)

Mid-Century, More Than

10 декабря 2024 20:59

Недавняя командировка в Стамбул стала источником новых знаний о турецком мебельном модернизме, которыми мы спешим поделиться с вами. Если вы читали или посещали «Музей невинности» Орхана Памука, то, наверное, помните, какое внимание автор уделял описанию процесса вестернизации турецкого общества. Материально этот процесс воплотился в том числе в мебели, которую создавал стамбульский художник и скульптор Сади Озиш.

Окончив местную Академию художеств, в 1948 г. Озиш получил государственную стипендию и отправился учиться в Париж. Вернувшись на родину в 1952 г., художник стал заниматься скульптурой, поначалу на отделении металлообработки при Академии, а начиная с 1955 г. уже в собственном ателье, учрежденном так же при Академии вместе с Ильханом Команом. Параллельно со скульптурой Озиш начал проектировать функциональные предметы в том числе из древесины, первое время повторявшие модные изделия европейских и американских дизайнеров.

———

Our recent business trip to Istanbul exposed us to the Turkish variety of mid-century modern furniture and we cannot help sharing our discoveries with you. If you’ve read or visited Orhan Pamuk’s “The Museum of Innocence”, you must have noticed the lengths Pamuk went to showcasing the westernization of Turkey. Furnishings were certainly one of the tangible manifestations of this process and the person who brought modernity to Turkey was Sadi Öziş.

An artist and sculptor, Öziş graduated from Istanbul Academy of Fine Arts and in 1948 went to Paris on a governmental scholarship. When he returned home in 1952, Öziş took a keen interest in sculpture, first with a metal atelier founded at the Academy’s Department of Sculpture and, starting in 1955, at his own workshop he had set up with his friend Ilhan Koman on the Academy’s premises. In addition to sculpting, Öziş started producing household items, both of metal and wood, that were clearly inspired by the international furniture-making trends and designs by European and American artists.

Mid-Century, More Than

09 декабря 2024 20:00

Чтобы вы не могли заподозрить Генриха Цилле в художественном преувеличении, спешим поделиться с вами некоторыми из его фоторабот. Да-да, Цилле был еще и фотографом, а точнее одним из основоположников уличной фотографии. Дело было так: устроившись работать подмастерьем в литографскую мастерскую, Цилле начал заниматься в вечерней школе при Королевской академии искусств. Видя, что студента интересуют жанровые сценки, его учитель, Теодор Хоземанн, дал Цилле совет «идти в народ и не выдумывать сюжеты, а собственными глазами фиксировать происходящее».

Позднее, работая в фотографическом обществе Берлина, художник научился обращаться с фототехникой, приобрел себе бокс-камеру и стал документировать быт пролетариата в немецкой столице при помощи не только карандаша и красок, но и фотоаппарата. Вот только снимки свои он никому не показывал, поэтому, когда в 1966 г. в архивах Цилле нашли несколько сотен фотографий и стеклянных негативов, это событие наделало много шума, и некоторые исследователи даже не поверили в то, что авторство снимков принадлежит художнику.

P.S. Еще несколько фотографий публикуем в комментариях к посту.

———

What can be regarded as an artistically exaggerated view of the daily struggles of Berlin proletarians in Heinrich Zille’s drawings and cartoons is supported by his photographic accounts. It turns out that Zille was a skilled photographer and one of the pioneers of street photography. When he began his apprenticeship as a lithographer back in 1872, he started taking evening classes in painting with the Royal Academy of Art. Seeing Zille’s genre scenes, his teacher, Theodor Hosemann, suggested that Zille should better “get outside onto the street and observe” for himself instead of imitating.

Later, working with the Photographic Society of Berlin, Zille was trained to operate the camera and other photographic equipment and it was only natural that he purchased a box camera and started documenting the hardships of the German working class with both drawings and actual images. However, his photographs were never published and, when a few hundreds of prints and glass negatives were discovered in his estate in 1966, the news created quite a stir in the artistic community and some researchers argued that they had been taken by a different photographer.

P.S. More images can be found down below.

(photos: tagesspiegel.de, Public Domain, tip-berlin.de, all-about-photo.com, stadtmuseum.de)

Mid-Century, More Than

07 декабря 2024 21:04

По мере необходимости дом прирастал новыми помещениями, а участок – постройками, автором которых был сам Эшерик. В 1956 г. он обратился за помощью в проектировании новой мастерской к своему другу Луису Кану, который разделял многие воззрения скульптора, в первую очередь, стремление к уникальности в противовес массовости и воспроизводимости «Интернационального стиля». Вместе с Эшериком и Анной Тинг, своей спутницей в архитектурной жизни и за ее пределами, Кан построил студию, образованную тремя шестиугольными помещениями, прямолинейность которых была сглажена скульптором, к тому моменту обнаружившим в себе интерес к естественным формам.

Одним из самых выразительных и показательных элементов, демонстрирующих восхождение от кубизма ранних работ Эшерика к органическим мотивам более зрелых произведений, является винтовая лестница, которая в 1930 г. сменила значительно более прямолинейную предшественницу. Эта лестница дважды покидала дом скульптора, становясь музейным экспонатом. Им она остается до сих пор, только у себя дома, в доме-мастерской, ставшим после смерти Эшерика музеем.

P.S. Больше изображений см. в комментариях к посту.

———

As Escherick’s needs and output changed, the house grew and other structures designed and executed by the sculptor were built nearby. In 1956, however, Escherick sought help from his likeminded friend Louis Kahn in creating another studio. Having developed a personal idiom after breaking away from the International Style canon with its predilection for reproducibility and lack of uniqueness, Kahn readily accepted the commission and, together with Anne Tyng, his partner and collaborator, and Escherick himself, designed a new workshop made up of three interlocking hexagons. The sculptor softened the linearity of Kahn’s design with free-form elements he was already passionate about.

One of the centerpieces of the house that showcases Escherick’s progression from the cubism of his earlier artworks to the organic motifs of his later creations is the staircase he built in 1930 to replace a more conventional one. The new staircase was twice dismantled to be displayed at exhibitions and remains an exhibit to this day, being part of the museum Escherick’s house was turned into after his death.

P.S. For more images, check out the comments down below.
 
(photos here and above: Charles Uniatowski, finewoodworking.com, Wharton Escherick Museum, loc.gov, Wiki Commons, Mandy Palasik, Emma Lee/WHYY, Flickr users Buzz Anderson and Paul Soulellis, Atlas Obscura user Julius Spada, davelandblog.blogspot.com, Samuel Markey)

Mid-Century, More Than

06 декабря 2024 20:17

И напоследок еще один вопрос. Отгадаете название аккадского происхождения, которое Мороцци дал этому стеллажу, спроектированному для компании «FIAM»?

———

And here’s yet another question for you. Can you guess the Akkadian name of this bookcase, also designed by Massimo Morozzi and produced by FIAM?

Mid-Century, More Than

06 декабря 2024 20:02

В 1982 г. миланский архитектор Массимо Мороцци, бывший одним из отцов-основателей коллектива «Archizoom», открыл собственное бюро и создал целый ряд хитроумных предметов для дома. Одним из них стал набор для приготовления пасты, которым очень заинтересовался Альберто Алесси, поскольку, по его словам, хоть кастрюли с помещавшимся внутрь дуршлагом упоминались в итальянских источниках еще в 16-м веке, «никто еще не реализовал подобную идею на уровне товаров широкого потребления». Несмотря на отсутствие восторга относительно такого набора в фокус-группах компания «Alessi» запустила его в производство и «не прогадала, поскольку набор стал чрезвычайно популярным и оказал колоссальное влияние на рынок».

В том же году Мороцци спроектировал еще один предмет, модульный стол с местами для хранения, который в 1983 г. был выпущен компанией «Cassina», сотрудничавшей с Мороцци десятью годами раньше при разработке кресла «AEO», и позволял владельцу создавать самые разные конфигурации или использовать модули по отдельности. А теперь, по пятничной традиции, предлагаем поломать голову и отгадать название китайско-английского происхождения, которое дал столу дизайнер. Только, чур, не гуглить и не торопиться с ответом, если он вам заведомо известен.

———

In 1982, Florence-born and Milan-bred architect Massimo Morozzi, one of the co-founders of Archizoom, set up an independent design practice and designed a few ingenious domestic products such as this Pasta Set that piqued the interest of Alessi. Its owner, Alberto, claimed that even though “the solution of a boiling pan with an internal colander isn’t a new one because there are traces of it in a sixteenth-century text by Scappi, but as far as private use and gift objects go it was a totally new idea.” Although the market research interviews were not particularly promising, Alessi did release the Pasta Set, “and rightly so, because it became immensely popular, and in the following years it influenced the market enormously.”
 
The same year saw Morozzi design yet another innovative product, a table with storage compartments that was put into production in 1983 by Cassina that had previously collaborated with Morozzi on the AEO chair. The modular pieces composing this dining table could be arranged into countless configurations or used individually. Typically for a Friday night post, here is a puzzle for you – can you guess the name, of Chinese and English origins, Morozzi gave this table? As usual, please refrain from googling and posting the correct answer if you already know it – let others think a bit.
 
(photos here and below: bukowskis.com, leboncoin.fr, exquisit24.com, themodernarchive.com, renewfinds.com, pamono.com, furniture-love.com, 1stdibs.com, storeswiss.com, fiamitalia.it)