Mid-Century, More Than

13 июня 2024 21:17

В 1970 г., за пять лет до исторического союза с компанией «Villeroy & Boch», Луиджи Колани переосмыслил - на свой биодинамический лад – «самый красивый автомобиль всех времен и народов», «Ламборгини Миуру». Он взял заднюю часть кузова с двигателем от оригинала и присоединил к ней переднюю часть, спроектированную им самим от начала до конца. Чтобы добиться максимальной аэродинамики, Колани «спрятал» передние колеса под кузов и лишил их возможности поворачиваться. За повороты отвечали шарнирный механизм, которым были соединены части автомобиля наподобие сочлененного автобуса, и тяги, управлявшиеся при помощи джойстика.

А год спустя, в 1971 г., Колани спроектировал для немецкой компании «Obermeier» ванну, которая была подозрительно похожа на его «Ламборгини Колани», - посмотрите сами. Еще бы один шаг, и мир бы увидел «Ламборкуззи», «Ламборгини» с встроенной ванной, о которой так мечтал Барни из «Как я встретил вашу маму».

———

In 1970, five years before his groundbreaking collaboration with Villeroy & Boch, Luigi Colani gave the Lamborghini Miura, “the most beautiful car ever”, a biodynamic overhaul, thus creating the Lamborghini Colani. He took the rear part of the Miura, complete with the original engine and transmission, and attached it to the front part of his own design. To enhance the aerodynamics of the resultant vehicle, Colani hid the front wheels underneath the body. As none of the wheels could turn, steering was done via a joystick that set a system of tie rods and cables holding the two parts of the car together in motion so that the car maneuvered like a tandem bus.

Just a year later, in 1971, the designer came up with a Lamborghini Colani-like biodynamic bath tub for Obermeier. Had he made yet another step forward by fusing his Lamborghini and bath tub, Barney of ‘How I Met Your Mother’ would’ve had his Lamborcuzzi.

(photos: drives.today, autodesignmagazine.com, obermaier.de, museoauto.com)

Mid-Century, More Than

12 июня 2024 21:12

С творчеством ленинградско-петербургского художника и скульптора Анатолия Александровича Киселева знакомы многие из нас: кто-то знает его как автора соцреалистических памятников и крупных декоративных композиций в Санкт-Петербурге, кто-то помнит его абстрактные монументальные произведения, такие как стела, встречающая гостей пионерлагеря «Орленок» в Туапсе, кто-то наверняка держал в руках его фарфоровые статуэтки на сказочные темы, немыслимыми тиражами выпускавшиеся Ленинградским заводом фарфоровых изделий (ЛЗФИ), где Анатолий Александрович работал с 1954-го по 1969-й гг.

———

Most of you are probably familiar with the extensive and highly diverse body of works by Anatoly Kiselyov (1929-2017), a Leningrad and St. Petersburg artist and sculptor. Some must have seen his socialist realism memorials and outdoor sculptures in St. Petersburg and elsewhere, others may recall his abstract monuments such as the flame sculpture at the entrance to the Orlyonok children’s camp in Tuapse. Chances are many of you saw or even touched Kiselyov’s miniature porcelain sculptures with folk motifs - they were mass-produced in mind-boggling quantities by Leningrad Porcelain Products Factory the artist worked for from 1954 through 1969.

Mid-Century, More Than

11 июня 2024 21:06

Как известно, Брюс Ли призывал своих последователей брать пример с побегов бамбука или ивы, ведь сломать их сложнее, чем даже самое крепкое дерево. Выдающаяся итальянская архитектор и дизайнер Габриэлла Креспи, за свою долгую и успешную карьеру приложившая руку к самым разным материалам, от металла до стекловолокна, любила бамбук именно за это качество: сочетание прочности и гибкости. В 1972 г. она положила начало серии жизнеутверждающих предметов для дома, которая впоследствии получит название «Восход солнца» и будет включать в себя стулья, столики, светильники «Fungo», кровати, зеркала и пр.

«Я хотела создать дом солнца и не смогла придумать ничего лучше, чем использовать для этого нежно любимые мной ротанг и бамбук, материалы, которые являются одновременно прочными и гибкими, отличаются теплыми спокойными цветами и способны пропускать свет. Их длинные стебли создают ощущение незавершенности и неопределённости, совсем как тростник, тянущийся к небу в естественной среде».

P.S. Дополнительные материалы см. в комментариях.

———

Bruce Lee was known to preach learning to be like bamboo or willow as they can withstand what the stiffest of trees cannot. Gabriella Crespi, a celebrated Italian architect and designer who experimented with all kinds of materials, from metal to fibreglass, over her long and highly successful career, especially favored bamboo for the unity of strength and flexibility it provides. In 1972, she began working on what would later be known as the "Rising Sun" collection, a series of uplifting furnishings that included chairs, tables, Fungo lamps, beds, mirrors, and so much more.

“I wanted to create the house of the sun. I couldn’t help but do it with rattan and bamboo, materials of which I’m very fond and that combine strength and flexibility, the warmth of mellow tones, and the ability to be run through by light. Very long spokes give an impression of the infinite and indeterminate just as cane thickets that rise toward the sky do in nature.”

P.S. For more visuals, check out the comments down below.

(photos: cleocollects.com, dimoregallery.com, capitoliumart.com, drouot.com, churchboutique.com, mutualart.com, gabriellacrespi.it, piasa.fr)

Mid-Century, More Than

09 июня 2024 21:07

Вестник постмодернизма № 154

Швейцарский архитектор Вернер Шмидт (1953), в свое время учившийся у Ханса Холляйна, унаследовал от последнего интерес к трансформирующимся объектам и в 1980-1990-х гг. предложил целую серию складных и модульных предметов мебели: стульев, кресел, столиков и даже систем хранения, которые отличались остроумными конструктивными решениями и – иногда – названиями (желтый стул, например, был назван «Швейцарским сыром»).

Когда Шмидт, целую неделю не покидавший мастерскую, изготовил-таки свой первый складной стул, он был очень горд собой и похвастался изделием перед товарищем-архитектором, однако товарищ не испытал никакого восторга от увиденного и сказал: «Стул должен уметь сворачиваться в рулон». Так через некоторое время появился стул, изготовленный Шмидтом из старых жалюзи – еще один предмет в нашу копилку рулонов из деревянных реек.

P.S. Дополнительные материалы см. в комментариях.

———

Sunday Postmodernism,
issue No. 154

Swiss architect Werner Schmidt (1953) used to study in Vienna under the tutelage of Hans Hollein and may have thus inherited Hollein’s interest in transformations. In the 1980-1990s, Schmidt designed a series of folding and modular furnishings, including chairs,(rocking) armchairs, tables, and even storage systems that were quite ingenious in terms of their construction and, sometimes, naming (the yellow chair in this selection was called “The Swiss Cheese Chair”).

Once Schmidt spent a week in his workshop trying to produce his first ever folding chair and was very proud of himself when he ultimately succeeded. However, his friend, also an architect, did not share Schmidt’s enthusiasm about the chair, saying, “You should be able to roll it”. Annoyed, Schmidt promptly set to work, creating just that – a chair of an old roller shutter that continues our series of wooden rolls.

P.S. For more concepts, see the comments down below.

(photos: 1stdibs.com, quittenbaum.de, atelierschmidt.ch, artic.edu, auctionet.com, dorotheum.com)

Mid-Century, More Than

08 июня 2024 22:05

В 1965 г. Жерар Грандваль, будущий автор бруталистских «Кочанов и початков» во французском Кретее, спроектировал быстровозводимое шале для горнолыжников, взяв за основу принципы постройки катеров: быстрота строительства, комфортабельность, компактность и спортивный характер. Первый дом такого типа, собранный бригадой строителей из четырех десятков элементов заводского производства всего за четыре дня и вмещавший компанию из шести человек, появился на горнолыжном курорте Ла-Плань. За ним последовали и другие курорты.

———

In 1965, Gerard Grandval, who would soon become famous for his brutalist "cabbage houses" in Créteil, France, designed an experimental pre-fabricated Alpine ski chalet that was "like a boat - easy to build in a short time, comfortable, compact - and in every way a sports house". Erected in La Plagne, the first lodge was built of four dozens of pre-fabricated pieces in just four short days and accommodated a group of six skiers. Soon, other ski resorts followed suit.

(photos here and below: astudejaoublie.blogspot.com, danismm.tumblr.com, bubblemania.fr, francearchives.gouv.fr, archiwebture.citedelarchitecture.fr, LIFE, March 1968)

Mid-Century, More Than

07 июня 2024 21:04

Во время войны скульптор Хеннинг Коппель, к тому моменту успевший поучиться в копенгагенской Королевской академии изящных искусств и парижской Академии Рансона, был, как и многие его соотечественники, вынужден перебраться в Швецию, где создавал ювелирные изделия для компании «Svenskt Tenn». Сразу после войны он вернулся на родину и устроился на фабрику «Georg Jensen». Там он поначалу тоже занимался ювелирным делом, придумывая такие украшения, каких фабрика до того не знала даже несмотря на то, что ее основатель, тоже в прошлом выпускник Королевской академии изящных искусств, считал себя в первую очередь скульптором и соответствующим образом подходил к созданию самых утилитарных предметов. Вдохновленные творчеством Жана Арпа и Константина Бранкузи, некоторые из ювелирных работ Коппеля того периода были настолько необычны, что они либо отвергались руководством фабрики, либо не пользовались спросом среди датчан.

———

During WWII, Danish sculptor Henning Koppel, who had trained as a sculptor at the Royal Academy of Fine Arts in Copenhagen and Academie Ranson in Paris, had to follow many of his countrymen to Sweden where he worked as a jewelry designer for Svenskt Tenn. When the war was over, Koppel came back to Denmark and was employed by Georg Jensen to design jewelry at first, jewelry that had never before been produced by Georg Jensen even though its founder, also a graduate of the Royal Academy, had prided himself on creating even the most utilitarian things as a Sculptor. Inspired by the works of Jean Arp and Constantin Brâncuși, Koppel’s designs were so unorthodox that some of them didn’t make it to mass production or had little success with the Danes.

Mid-Century, More Than

06 июня 2024 21:00

За два с лишним десятилетия до появления легендарного «вязаного» кресла Марселя Вандерса и серии светильников «Rug» Гаэтано Пеше, которых связывает не только период времени, но и технология изготовления, французский художник и скульптор Франсуа Арналь создал для основанного им объединения художников «Atelier A» ряд светильников с использованием эпоксидной смолы. Как минимум один из них Арналь изготовил вместе с Андре Казенавом, известным нам специалистом по созданию светящихся камней из стекловолокна, а другие – единолично. Для производства последних отрезок материи пропитывался эпоксидной смолой, после чего, приняв нужную форму, отправлялся отвердевать. Затем внутрь помещалась арматура с лампочкой, и светильник был готов! А назывались эти модели, как вы понимаете, «Призраками».

———

In 1970 or so, French artist and sculptor Francois Arnal designed a few table lamps that were produced by Atelier A, an artist collective Arnal had founded a bit earlier, and used epoxy as the main material, predating the iconic and technologically similar Knotted Chair by Marcel Wanders and the Rug series of lamps by Gaetano Pesce by two and a half decades. One of Arnal’s lamps was created with André Cazenave, an expert in producing stone-like light sculptures of fiberglass and resin. The remaining ones, called Ghost lamps as one would expect based on their design, were sculpted by Arnal himself by impregnating a piece of cloth with resin and letting it dry and harden so that he could mount a light bulb inside.

(photos: 1stdibs.com, demischdanant.com, wright20.com, romainmorandi.com, artic.edu)

Mid-Century, More Than

06 июня 2024 16:00

А в продолжение вчерашнего разговора об отечественной керамике и художественном стекле делимся с вами ссылкой на 3D-версию выставки, организованной в марте во Всероссийском музее декоративного искусства нашими коллегами из 4ceramics. Если вам не удалось попасть на нее, теперь есть возможность ознакомиться со всеми экспонатами онлайн! Это все еще не реклама :)

———

As a follow-up to our yesterday’s note on Russian ceramics and glass art, we’re happy to let you know that our colleagues at 4ceramics have just posted a 3D version of the exhibition they held at the Russian Museum of Decorative Arts earlier this year. If you were unable to attend this wonderful event back in March, feel free to check it out online. This is still not an ad, mind you :)

Mid-Century, More Than

05 июня 2024 21:16

В 1960-х гг. в СССР были свои художники-радикалисты, взбунтовавшиеся против функционализма декоративно-прикладного искусства, причем советские мастера опередили итальянцев на несколько лет. Уже в 1964 г. известный керамист Владимир Николаевич Ольшевский представил две вазы, у которых было запаяно горлышко, что лишало вазу утилитарной функции, провозглашая ее единственной функцией декоративную. Год спустя Борис Александрович Смирнов, родоначальник художественного стекла в СССР, создал бесполезную в бытовом плане композицию «Пара чая», которую можно было бы по-магриттовски назвать «Это не пара чая».

В тот же период появляются стаканы без дна, чайники с запаянным носиком, а в 1968 г. на выставке «Декоративное искусство СССР» Юрий Михайлович Бяков, важный представитель ленинградской школы стекла, продемонстрировал декоративную форму «Тройка», вазу без дна (сначала этот экспонат назывался именно вазой), опрокинутую набок и удерживаемую в таком положении горизонтальным рисунком.

———

The 1960s saw the USSR experience its own radical design movement that protested against the excessive functionalism in applied arts, predating Italian radicalists by a few years. In 1964, Vladimir Olshevsky, a famed Soviet ceramicist, exhibited two vases whose mouths were intentionally closed to emphasize their uselessness as household items and celebrate their ornamental function. One year later, Boris A. Smirnov, one of the pioneers of Soviet glass art, created what he called “Two Teapots” (and what Magritte might’ve called “These Are Not Two Teapots”), sculptures that had no practical use as a tea set.

Other artists followed suit, designing glasses that had no bottoms or kettles whose spouts were closed. A bit later, the Applied Arts in the USSR exhibition held in 1968 included “A Troika”, an artwork by prominent glass artist Yuri M. Byakov. Initially referred to as a “decorative vase”, it was promptly reclassified as a “decorative sculpture” and represented a bottomless vase whose “proper” placement was dictated by the ornament.

Mid-Century, More Than

05 июня 2024 13:08

В продолжение нашего последнего поста информируем вас о том, что Родольфо Бонетто был одним из героев завершившегося вчера курса Артема Дежурко об итальянском дизайне. Хоть мы пару лекций пропустили, курс получился здоровским. Если вам интересно, доступ к нему открыт до 15 июня. Это все еще не реклама, если что - искренне делимся тем, что прослушали сами за свой счет.

———

As a follow-up to our last post, this is to inform you that Rodolfo Bonetto was mentioned yesterday by Artem Dezhurko in his final lecture on Italian design. Although we missed a couple of lectures, the course was definitely worth the money we paid for it. If this is something you wish to learn more about, Artem is kindly extending access to the recordings until June 15th. This is still not an ad, but a sincere recommendation.

Mid-Century, More Than

04 июня 2024 21:08

К сожалению, нам не удалось найти в свободном доступе пластинок конца 1940-х и начала 1950-х гг., благодаря которым можно было бы лично удостовериться в мастерстве профессионального джазового барабанщика Родольфо Бонетто, а потому приходится поверить специалистам на слово: этот музыкант был одним из ключевых представителей итальянского джаза в период его становления. За свою музыкальную карьеру Бонетто успел поработать в ведущих джазовых оркестрах Италии под управлением Энцо Чераджоли, Джампьеро Бонески, Джанфранко Интры и пр., а когда ему исполнилось 29 лет, он неожиданно оставил музыкальное поприще и стал дизайнером, причем настолько успешным, что, не имея профессионального образования, был удостоен восьми «Золотых циркулей» (последний из которых был присужден ему посмертно, за вклад в дизайн) и даже приглашен Томасом Мальдонадо в Ульмскую школу дизайна преподавать и руководить первым в истории школы курсом об автомобильном дизайне.

———

Sadly, we’ve failed to find any publicly available recordings from the late 1940s and early 1950s that showcase the musicianship of Rodolfo Bonetto, a professional jazz drummer, so we’ll have to accept this as an undisputed fact: Bonetto was one of the protagonists and founders of the Italian jazz scene; he earned himself a place in leading jazz orchestras, including those directed by Enzo Ceragioli, Giampiero Boneschi, Gianfranco Intra, etc. When he turned 29, Bonetto experienced a sudden change of heart and quit music to practice design. A self-taught designer, Bonetto was extremely successful on the Italian design scene as well – he received a total of eight (!) Compasso d’Oro awards (the last one was awarded posthumously for his lifetime achievements) and was even invited by Thomas Maldonado to teach at Ulm School of Design and was in charge of the school’s first car design course ever.

Mid-Century, More Than

02 июня 2024 21:17

В очередном воскресном «Вестнике постмодернизма» вернемся в Японию, где в 1985 г. выдающийся архитектор Казухиро Ишии (1944-2015), которому в этом году исполнилось бы 80 лет, построил для семьи Эномото «Головокружительный дом» в Токио. По словам автора проекта, заказчики пожелали, чтобы их дом получился необычным и был наполнен светом. Для этого архитектор решил прибегнуть к технологиям, известным в Японии с 12-го века. Речь идет о ресипрокальных, или самонесущих, конструкциях, позволяющих перекрывать значительные площади без использования внутренних опор.

Для создания каркаса этого трехэтажного дома Ишии использовал балки Виренделя, расположенные по принципу соединения четырех рук «в замок», например, для транспортировки пострадавшего. Кроме того, каждый уровень повернут на 15 градусов относительно предыдущего, что приводит всю конструкцию в движение (эффект, характерный для традиционной японской архитектуры) и создает у человека «ощущение близости к космосу».

———

For today’s issue of Sunday Postmodernism, let us once again take you to Japan, which is home to an important 1985 design by Kazuhiro Ishii (1944-2015), one of the leading Japanese architects who would have turned eighty this year. Dubbed the Spinning House, this dwelling was built in Tokyo for the Enomoto family who wished to have a non-conventional house that would have a lot of light. To achieve this, the architect based his design around a self-supporting, or reciprocal, frame, a technology that has been in use in Japan since the 12th century to create roofs requiring no center supports.

The frame of this three-level dwelling was built of Vierendeel trusses in the manner similar to a four-handed seat carry. What’s more, each truss level is rotated by 15 degrees in relation to the one before it, creating a spinning effect (a nod to the concept of movement in traditional Japanese architecture) and making "someone looking feel almost as if they have had a glimpse of the cosmos itself".

(photos: ofhouses.org, wikihow.com)

Mid-Century, More Than

01 июня 2024 21:24

…«Мне показалось хорошей идеей сделать так, чтобы более уединенное пространство в глубине класса сменялось более открытыми зонами, позволяя выбирать часть помещения в зависимости от характера учебного процесса. Например, занятия, не требующие высокой степени концентрации (лепка или рисование), могут проводиться в открытой части класса, а уроки математики и занятия по другим более сложным предметам - в изолированной части».

В интервью от 2016 г. Херцбергер упоминал своего учителя и «учителя многих современных архитекторов», Ле Корбюзье, которому было свойственно предусматривать в своих проектах такие детали, как, например, маленькая ниша в стене: «Если такая ниша устроена в бетонной стене, ее невозможно изъять, а значит человеку предлагается найти ей какое-нибудь применение». В школе Херцбергера одной из таких ниш стала утопленная зона в помещении детского сада, в которую укладывались табуреты и которую учащиеся могли использовать по своему усмотрению.

———

..."I thought it would be a good idea to have an area at the back of the classroom where you are more secluded and then gradually moving to the outside to correspond with the type of work that you’re doing. So when you’re doing work that makes concentration easy, like clay, painting etc., you are closer to the outside, and when you have to do mathematics and difficult things like that, you are closer to the back of the classroom."

In a 2016 interview, Hertzberger mentioned his teacher and "the teacher of most other architects today", Le Corbusier, who made it a point to design thinks like small niches, "If you have that niche in your house made of concrete, you cannot take it away and you are invited to do something with it." Similar niches can be found in this Delft school. For example, the floor of the kindergarten unit contains a recessed area filled with plywood stools that could also be used in various ways.

Mid-Century, More Than

31 мая 2024 21:03

В одном из предметов, демонстрировавшихся Артемом во время лекции о югославском дизайне, узнали кресло, которым нам посчастливилось пользоваться в детстве. Оно называется «Rex» и было создано в 1956 г. архитектором Нико Кралем (1920-2013), родоначальником промышленного дизайна в послевоенной Словении. Помимо этого кресла, в серию «Rex» входили и другие стулья и кресла, а также складная кроватка-трансформер для детского сада.

За свою долгую карьеру Краль стал автором множества изделий для дома, основал Институт дизайна и оставил после себя больше сотни патентов и десятки статей.

На последних снимках запечатлен стул, который Краль спроектировал в 1953 г. В те годы массовое производство этого стула было вряд ли возможно из-за технологических сложностей, и он поступил в продажу лишь в 2012 г., за год до смерти автора. По пятничному обычаю предлагаем желающим отгадать название этого стула.

———

Thanks to Artem’s lecture on mid-century Yugoslavian design, we finally learned the name and the author of an armchair we had been lucky to use in our childhood. Called the Rex, this lounge chair was designed in 1956 by Niko Kralj, a renowned architect and designer celebrated as a pioneer of post-war industrial design in Slovenia. Rex was the name of a series of household items that included other seats and a folding daybed conceived specifically for kindergartens.

Kralj was a prolific designer whose legacy comprises numerous domestic pieces, over 100 patents, dozens of articles as well as the foundation of the Institute of Design.

The chair shown in the last photos here was designed by Kralj in 1953. Technologically complex, the design did not make it to production at the time and was released only in 2012, one year before the designer passed away. As it’s Friday night, anyone willing is welcome to guess the name of this chair.

(photos: fototekamnzs.wordpress.com, delo.si, auktionsverket.com, rex-kralj.com, moma.org, bukowskis.com, bellelurette.eu)

Mid-Century, More Than

30 мая 2024 21:36

Свою статью, опубликованную в 1929 г. в интереснейшем издании «Типовые проекты и конструкции жилищного строительства», Эль Лисицкий, последовательно проводивший в жизнь принцип «Комната для человека, а не человек для комнаты», начал словами:

«Система оборудования жилья мебелью должна быть подвергнута самой коренной реконструкции. Мебель, полученная нами в наследство вместе с квартирами от буржуазии, по своим бытовым, функциональным, гигиеническим, физиологическим и формальным свойствам не соответствует тому назначению, которое определяется новым советским бытом. У нас еще до сих пор мебель называют “обстановкой”, как будто бы ею и сейчас “обставляют” квартиру не столько для употребления, сколько для показа».

———

In 1929, El Lissitzky, an ardent believer that “the room was made for man, not man for the room”, wrote an article for a highly influential book called “Model Housing Designs and Constructions”. The article began as follows:

“The way we equip our homes with furniture must be given a complete overhaul. The furniture we have inherited together with bourgeoisie dwellings is not domestically, functionally, hygienically, physiologically, or formally compatible with the household needs of the new Soviet state. We are still referring to movables as ‘furnishings’, as if we furnished our apartments for mere demonstration, rather than actual use.”

Mid-Century, More Than

12 июня 2024 21:12

Мы же знаем Анатолия Александровича прежде всего как мастера жанровой фарфоровой скульптуры, демонстрировавшего аналогичные стилистические колебания. Одной из первых работ Киселева в этом направлении стала скульптура «Впервые», выпущенная ЛЗФИ в 1954 г. Десять лет спустя Киселев войдет в группу Владимира Стерлигова, автора новой, «чашно-купольной», пластической системы, наследующей Малевичу, у которого Стерлигов в свое время учился, и воспевающей возможности кривой.

С тех пор Киселев будет считать последнего своим учителем и разбавлять реалистичные работы на производственные и иронично-бытовые темы минималистичными скульптурами, в которых прослеживаются не только концепции Стерлигова, но и супрематические отсылки к Малевичу (см. «Девушка с книгой», «Белые ночи» и «Корова»).

———

We became familiar with Anatoly Kiselyov thanks to his genre miniatures that showcased similar stylistic inclinations. One of Kiselyov’s earliest miniatures is "The First Day of School" he designed for the said factory back in 1954. Fast-forward ten years, and we’d see the artist join the circle of Vladimir Sterligov, a former student of Malevich and the author of a new painting philosophy he referred to as the "bowl-dome system". Essentially a variation of Suprematism, Sterligov’s system explored the potential of curvilinearity.

Kiselyov would follow in Sterligov’s footsteps for the remainder of his career, creating, amidst miniatures that realistically depicted working-class women or satirical genre scenes, truly minimalist pieces that embodied the artistic spirit of the Khrushchev Thaw and revealed the influences of Sterligov and even Malevich (see "A Girl Reading a Book", "White Nights", and "A Cow»).

(photos here and below: Valery Gulyakin, goskatalog.ru, babichevcollection.com, sergej-manit.livejournal.com)

Mid-Century, More Than

12 июня 2024 14:20

Друзья!

Мы очень долго сомневались и спустя три года и три месяца с начала ежедневного вещания наконец решились дать нашему сообществу новое название, Mid-Century, More Than, но прежде хотим выслушать ваши мнения.

Потенциальная перемена коснется лишь второй части прежнего названия (имя в течение жизни меняют редко, а вот фамилию, бывает, не раз) и никоим образом не отразится на содержании и ценностях канала. Новое название - Mid-Century, More Than - фонетически почти не отличается от старого, но представляется более точным с учетом охватываемого нами периода. Как вы могли заметить, мы нередко выходим за рамки, которые принято считать годами жизни «мидсенчури». Модернизм невозможно изучать в отрыве от предшествовавшей ему эпохи и сменившего его постмодернизма, поэтому мы постоянно заглядываем и за одну ограду, и за другую. Кроме того, изредка мы позволяем себе делиться с вами материалами, формально к модернизму не относящимися. Новое название избавит нас от угрызений совести, связанных с такими публикациями (например, о книгах, выставках или фильмах, которые хочется рекомендовать).

Будем признательны, если вы проголосуете по вопросу уточнения названия, воспользовавшись реакциями (👍 - за новое название, 👎 - против), и поделитесь своими мыслями в комментариях.

Всегда ваш, пока еще Mid-Century Modern

———

Dear Community,

It’s been three years and three months since we started a streak of daily posts in this channel and, after much thought and hesitation, we’ve finally resolved to give this community a new name, Mid-Century, More Than, but need to run this idea and rationale by you first.

The change we’re proposing will only affect the second part of the existing name (unlike last names that may change not once or twice, given names tend to stay the same for life) and will certainly not cause the content or values of this channel to change. The new name, Mid-Century, More Than, is phonetically very similar to the existing one, but seems more fitting considering our regular - but not incidental - detours beyond the tombstone dates of Mid-Century Modern. Clearly, one cannot explore the history of modernism without finding oneself in the realms of pre- and post-modernism. Moreover, some of our content may have no formal connection to modernism and the new name will spare us the remorse of posting e.g. reviews of books, movies, or exhibitions we’d feel like sharing with you.

We’d be grateful if you could use the reactions 👍 or 👎 to vote for or against the name change, respectively, and/or tell us what you think about the new title down below.

Yours truly always regardless of the name, Mid-Century Modern

Mid-Century, More Than

10 июня 2024 21:19

Для Наташиной рубрики «К сближениям» делимся двумя функциональными скульптурами, которые имеют важное отличие несмотря на аналогичный сюжет, даты создания и даже возраст создателей. В первом случае мы имеем дело, скорее, с сюрреализмом: пиджак подчеркнуто ненатуралистичен, да еще и является частью конструкции. Автор этой работы, французский художник Жан-Клод Бирабен (1933-2018), запомнился множеством остроумных скульптур, снискавших одобрение других сюрреалистов. Этот стул, в частности, он создал для конкурса, объявленного в 1975 г. тулузским мебельным магазином.

Вторая работа, «Стул со спортивным пиджаком», является, скорее, примером популярного в те годы гиперреализма. Эта скульптура, созданная выдающимся американским дизайнером Уэнделлом Каслом (1932-2018) в 1978 г., фактически является предтечей одной из самых известных его работ, появившейся в 1985 г. под названием «Часы-призрак», но это уже другая история…

———

We’ve come across two functional sculptures that can be seen as examples of artistic commonalities Natalia has been collecting for her amazing channel. Similar in terms of the concept, dates of creation, and even the age of their artists, these two pieces have one stylistic difference. The first one here, which was submitted for a design competition by a furniture store in Toulouse in 1975, falls under the realm of surrealism – the “jacket”, which is intentionally far from being too realistic, is part of the chair’s structural design. The chair was created by French artist Jean-Claude Biraben (1933-2018), who is renowned for multiple whimsical sculptures admired by surrealists.

The other sculpture here, “Chair with Sport Coat”, is an example of hyper-realism which was gaining traction at the time. Created in 1978 by Wendell Castle (1932-2018), a stellar art furniture-maker, this chair is a prologue to his world’s famous 1985 work, “Ghost Clock”, but that’s quite another story.

(photos: Pepe Gomez, burchfieldpenney.org, si.edu, R & Company, 1stdibs.com, sothebys.com, christies.com, twistedsifter.com)

Mid-Century, More Than

08 июня 2024 22:05

Примечательно однако не это, а то, что через пару лет Грандваль представил аналогичный проект на конкурс, объявленный Министерством молодежи и спорта в рамках - утопичной - программы «1000 молодежных клубов», которая была развернута правительством Помпиду буквально за год до известных событий 1968 г. Условиями конкурса, в котором также принял участие Жан Пруве, предусматривалось следующее: клуб площадью 150 кв. м. должен собираться из заранее изготовленных блоков, предоставляемых местным властям бесплатно под гарантии подготовки участка за счет местного бюджета, силами исключительно местных подростков.

Проект Грандваля победил в конкурсе, и несколько таких домов молодежи действительно были возведены: в частности, одна постройка появилась во Франконвилле под Парижем; местные школьники собрали ее для себя за неделю, работая на стройке после учебы. Такая вот партиципация!

P.S. А еще примечательно то, что в этих проектах участвовал друг Грандваля, знаменитый скульптор Морис Калка.

———

What’s more remarkable about this easy-to-assemble design is that, two years later, Grandval revamped it for a design competition announced by the French Ministry of Youth and Sports as part of Georges Pompidou’s highly ambitions, yet utopian "1000 Youth Clubs" program that was launched just a year before the infamous events of 1968. The competition, which also included an entry by Jean Prouvé, sought a pre-fabricated construction of 150 sq. m. that would be provided by the federal government at no cost to the local budget, except for earthworks, and assembled solely by local teenagers.

Grandval’s design was chosen as the winning entry and a few youth centers were indeed set up in the following years. Once such club was built in Franconville, next to Paris, by the local schoolchildren. It took them a week of after-school work to assemble the structure. How’s that for a participatory design?

P.S. Another remarkable thing about this project is that it involved contributions from Maurice Calka, a prominent French sculptor and a friend of Grandval’s.

Mid-Century, More Than

07 июня 2024 21:04

Представленные выше работы, многие из которых были созданы Коппелем в самом начале его работы на фабрике «Georg Jensen», наглядно демонстрируют новаторский и свободный подход дизайнера к ювелирной продукции. Поскольку сегодня пятница и мы не можем вас оставить без традиционного вопроса, предлагаем вам отгадать название этой серии работ, начало которой было положено в 1945 г.

———

We feel that the above pieces, some of which date back to the start of his career at Georg Jensen, are sufficient to showcase Koppel’s uninhibited and free-spirited ways as a jewelry designer. However, since it’s a Friday night and time for our usual quiz, we’re publishing a few examples of Koppel’s iconic series. Do you think you can guess the name these pieces are known under since 1945?

(photos here and above: ragoarts.com, bukowskis.com, collectors-gallery.com, hansonsauctioneers.co.uk, thegoodaygallery.com, janevining.net, modernity.se, artedeco.com.au, danamantique.com, worldantique.net, gooddesignshop.com, toomeyco.com)

Mid-Century, More Than

07 июня 2024 14:13

На правах рекомендации

Если вам тоже опостылели каналы, тренирующие «насмотренность», загляните в личный блог стилиста интерьеров и декоратора Даши Соболевой. В нем вы найдете честный личный взгляд профессионала индустрии с большим стажем, вехи которого не раз оказывались на страницах профильных журналов. Нам повезло знать Дашу не только с профессиональной, но и с личной стороны, и мы заверяем вас в искренности публикуемых материалов: все, что Даша делает по долгу службы (читай: по призванию), она неизменно пропускает через себя, и Дашин блог отличается таким же взаимопроникновением профессионального и личного, как и ее декораторские проекты, съемки, сервировки и лекции.

В канале Даша рассказывает о том, что ее вдохновляет, заставляет задуматься или расстраивает, не стесняясь называть вещи своими именами, делится тем, что можно купить или сделать своими руками, публикует непредвзятые обзоры выставок, книг, фильмов и ресторанов. Поэтому здесь памятник модернизма запросто соседствует с храмом в Гусе-Железном, а будни стилиста - с практическими советами по декорированию спален. Все это находит живой отклик у аудитории, которая, надеемся, после этого поста станет больше. Дашин канал без сомнения этого заслуживает!

/channel/daso_daso

———

If you’re looking for something more than aesthetically pleasing visuals and need human touch as well, do check out this channel authored by Dasha Soboleva, a talented interior stylist and decorator whose career to date has been long and impressive enough to earn her repeated bookings with leading magazines on design and architecture. We’re lucky to know Dasha both through her work and personally and can attest to the honesty of her publications, which, to the same extent as her styling projects, table decorations, photoshoots, and lectures, are deeply personal and reflect Dasha’s feelings and experiences.

This channel is thus an emotional collection of what Dasha has been enthused, moved, or dismayed by, first-hand purchase recommendations and DIY styling suggestions, as well as unbiased reviews of movies, books, exhibitions, and restaurants. Part lifestyle blog, part professional diary, Dasha’s channel is a patchwork of notes about hidden architectural gems such as a modernist memorial in Armenia or a church in Gus-Zhelezny, glimpses into Dasha’s daily life as a stylist and practical how-tos that reflect years of experience. Whatever she posts clearly resonates with the audience and most of her publications trigger lively discussions among her readership which, hopefully (and deservedly), will grow once you read this. A human touch is something that can hardly be faked, after all…

/channel/daso_daso

Mid-Century, More Than

06 июня 2024 16:06

Мы подготовили сюрприз для всех ценителей керамики!✨

Приглашаем вас посетить выставку Salon de 4ceramics!
Дада, это не опечатка, мы про то самое мероприятие, которое проходило 1-10 марта во Всероссийском музее декоративного искусства)

Теперь те, кто не смог попасть на выставку и полюбоваться искусством вживую, смогут стать её частью. Из любой точки планеты!
Все выставочные залы были отсняты на камеру 360° так, чтобы каждый экспонат можно было рассмотреть вблизи и в буквальном смысле прогуляться по залам галереи на Делегатской. 

Такой формат выставки керамики в России создан впервые. Вы можете разглядеть экспонаты под разными углами, увидеть их выставочную презентацию и задержаться на каждом столько времени, сколько вам необходимо. 

Это уникальный опыт, который стоит посетить и оценить подачу и мастерство каждого автора лично.

ПОЙТИ НА ВЫСТАВКУ

Mid-Century, More Than

05 июня 2024 21:16

Однако самым значительным высказыванием на тему внеутилитарности в среде декоративно-прикладного искусства принято считать ансамбль из цветного стекла «Праздничный стол», созданный упомянутым Борисом Александровичем Смирновым в 1967 г. и включающий 175 ярких и зрелищных изделий, которые своим совокупным видом передают настроение праздника, ярмарки, народного гулянья. Критики предсказуемо обвинили автора в создании «антивещей» и пропаганде «артистического индивидуализма и художественного самовыражения».

А нам кажется очень верным замечание Г. Капеляна: «Ясно, что ансамбль Б. Смирнова - целиком выставочное произведение, вне выставки не существующее. И это качество было бы отрицательным, если бы сам автор не осознал его так ясно. Если бы, освободив свое произведение от утилитарного смысла, он не наполнил образовавшуюся пустоту новым содержанием, выразившимся в свободной и увлекательной игре форм».

———

It was again Boris Smirnov who was responsible for the most convincing statement in this anti-functionalist rhetoric. Created in 1967, it was a set of 175 brightly colored glass pieces called “A Festive Table”. The set was practically useless as tableware, but it did create a festive spirit, an atmosphere of cheerful gatherings full of joy, bustle, and humor! It was not surprising that Smirnov was condemned of creating “anti-things” and promoting “artistic individuality and freedom of self-expression”.

There was, however, at least one voice of reason that belonged to G. Kapelyan, “It is clear that B. Smirnov’s ensemble is nothing but an exhibit that cannot exist outside of an exhibition. It would’ve been a bad thing, had the artist not realized that with such a clarity in the first place, had he not filled the void of utility with a new meaning, that of an unrestrained and captivating play of shapes.”

(photos here and above: artyx.ru, kuskovo.museum-online.moscow, art16.ru, glassceram.ru, academycrafts.ru, artinstitut.ru, sergej-manit.livejournal.com)

Mid-Century, More Than

05 июня 2024 13:08

Вот я и дочитал до конца курс по истории итальянского дизайна. Но на него ещё можно записаться! Купив курс, вы получите доступ к видеозаписям семи моих онлайн-лекций и море дополнительных материалов: интервью с дизайнерами, научные статьи, каталоги выставок и акуционов. Записи будут в доступе до 4 сентября, а купить их можно до 15 июня.

На фото: итальянские дизайнеры прощаются с Артёмом Дежурко.

Mid-Century, More Than

04 июня 2024 21:08

Родольфо Бонетто приложил руку к самым разным областям деятельности человека: он проектировал автомобили, станки, сантехнику, телевизоры, музыкальные инструменты, радиоприемники и, конечно же, мебель. В 1969 г., через десять лет после основания собственной студии, Бонетто создал для компании «Bernini» журнальный столик, состоящий из четырех пластиковых модулей и способный приобретать самые разные конфигурации и даже превращаться в стеллаж. Модель мгновенно стала символом итальянского дизайна 1960-1970-х гг. и даже экспонировалась на выставке «Италия: ландшафт нового быта» в нью-йоркском Музее современного искусства.

Есть в этом предмете что-то от музыкального прошлого Бонетто: джазовый квадрат (точнее, круг), создающий огромный простор для импровизаций. Собственно, и название столика, «Четыре четверти», намекает на его джазовые корни.

———

There’s hardly a field Rodolfo Bonetto did not contribute to as a designer. He was responsible for designing cars, machines, sanitary fittings, television sets, musical instruments, receivers, and furniture. In 1969, ten years after setting up his own studio, Bonetto produced a remarkable coffee table for Bernini. Made up of four identical plastic modules, the table could be configured into various shapes and even bookcases. This model instantly became one of the staples of Italian design of the 1960-1970s and even travelled to the US to be displayed at the “Italy: The New Domestic Landscape” exhibition at MoMA in 1972.

There’s something eerily musical about this piece, something that may have been inspired by Bonetto’s past as a jazz drummer. The way the four modules can be grouped together is reminiscent of the 32-bar forms of jazz. The name of the table, 4/4, only supports this belief…

(photos here and below: dailygreen.it, homeless.hk, lichennyc.com, b-line.it, hubfurniture.com.au, bonettodesign.com, architonic.com, quittenbaum.de)

Mid-Century, More Than

03 июня 2024 21:00

Сказали мне, что эта дорога меня приведёт к океану смерти,
И я с полпути повернула вспять.
С тех пор все тянутся предо мною кривые, глухие окольные тропы…

Ёсано Акико

Вчера свое 79-летие отметил английский художник-концептуалист Ричард Лонг, путь которого в искусстве начался с прямой, как стрела, тропинки, протоптанной им, 22-летним студентом Школы искусств Святого Мартина, в поле графства Уилтшир и ставшей одним из первых ленд-арт-объектов, которыми так славна Великобритания. На пути между школой и домом Лонг остановился на краю поля, несколько раз прошелся по траве, а после запечатлел мимолетную «скульптуру» на свой фотоаппарат, заставив критиков крепко задуматься о том, является ли увиденное перформансом или арт-объектом и что в последнем случае следует считать произведением искусства: нерукотворную тропинку или рукотворный снимок, названный художником «Протоптанная линия».

———

They told me that the road I took
would lead me to the Ocean of Death; and from halfway along, I turned back. And ever since, all the paths I have roamed were entangled and crooked and forsaken…

Yosano Akiko

Yesterday marked the 79th birthday of Richard Long, a UK-based conceptual artist whose journey in the world of art started in 1967 when he, then a 22-year-old student of Saint Martin’s School of Art, created a die-straight track in a field of grass in Wiltshire that would become one of the earliest and most important works of land art, something the UK is famed for. On one of his commutes between home and school, Long stopped by a grassy area, walked a path back and forth a few times, and photographed the fleeting “sculpture”, making it a tough job for art critics to classify and define this act of artistry. Is this a performance or a solid work of art and, in the latter case, what constitutes a work of art, the path Long created with his feet or the photograph he took with his hands and called “A Line Made by Walking”. So many questions…

(photo: richardlong.com)

Mid-Century, More Than

01 июня 2024 21:24

Вместо традиционного коридора Херцбергер предусмотрел общую рекреационную зону, своего рода «улицу», для которой можно тоже было придумать самые разные сценарии использования.

«Мне думается, что школа должна быть подобна небольшому городу. В каждом городе есть маленькие скверы, большие площади, укромные и полузакрытые места, видовые пространства и зоны для самых разных занятий. Если задуматься, школьникам еще по возрасту не положено одним отправляться на изучение жизни города, а потому их знакомство с миром вокруг должно происходить при посредстве школьного здания. Таким образом, архитектор должен способствовать созданию в школе максимального количества условий, которые подготовят школьника к взаимодействию с окружающим миром».

P.S. С днем защиты детей, друзья!

———

As for the corridor, Hertzberger created a common street-like space that offered multiple use-case scenarios.

"I think a school should be like a small city. In a city you have small places, large places, all sorts of secluded and semi-secluded places, you have vistas and you have all sorts of activities. In effect, these pupils are not yet of an age to go into the city and explore the life of the city but they should explore life through the school, so you must create as many conditions as possible in the school so that they experience the world through the school building."

P.S. Happy Children’s Day, everyone!

(photos here and above: arquitecturaviva.com, ahh.nl, core77.com, hicarquitectura.com, hiddenarchitecture.net, ivarskalvans.blogspot.com)

Mid-Century, More Than

01 июня 2024 21:24

Среди выдающихся модернистских построек не так много школьных зданий, как может показаться на первый взгляд. Одним из них является здание школы Монтессори в нидерландском Делфте, возведенное Германом Херцбергером в 1966 г., в самом начале его карьеры. В 1935 г. в Амстердаме разместилась штаб-квартира Международной ассоциации Монтессори, и школа, в которой учился сам Херцбергер, проводила в жизнь педагогические принципы Монтессори, поэтому в дальнейшем молодому архитектору было значительно проще понять, к какому результату следует стремиться при проектировании здания.

Не желая отказываться от классных помещений, Херцбергер тем не менее сознавал, что разные занятия требуют разных условий. Спроектированные им классы имеют Г-образную форму, разноуровневые полы, собственный выход на улицу и панорамное остекление, благодаря чему внутри одного помещения образуется три зоны…

__

One will be wrong if one thinks there are plenty of iconic school buildings among modernist chef-d'oeuvres, but there certainly are some. An important example is the Montessori School in Delft, NL, designed by Herman Hertzberger in 1960-1966, at the very start of his career. In 1935, Amsterdam became home to the HQ of the International Montessori Association and the school Hertzberger studied at did implement the Montessori system, making it much easier for the architect to see the final goal in his Delft project.

Reluctant to move away from the idea of classrooms, Hertzberger, at the same time, realized that different conditions were needed for different types of activities and designed classrooms as L-shaped spaces with an outdoor access, full-height fenestration, and different levels, thus articulating three different areas…

Mid-Century, More Than

30 мая 2024 21:36

В этой же статье он предлагает четыре основных категории мебели: типовая мебель массового производства, встроенная мебель, заранее продуманная архитектором, трансформирующаяся мебель и «комбинатная мебель». Собственно, первым в России примером «комбинатной мебели» служит набор из пяти простейших элементов, который был разработан самим Лисицким и включал в себя столик, этажерку, малый и большой шкафы, ящик и ножку-втулку. Поскольку все эти стандартные элементы являлись модульными, жилец мог «в зависимости от потребности, средств и места, составлять [из них] различные комбинаты». Кроме того, один и тот же предмет мог выполнять разные функции: например, всего лишь меняя положение малого шкафа, можно было превратить его в сундук или кушетку.

К выставке двухлетней давности Всероссийский музей декоративно-прикладного искусства подготовил масштабный макет этого комплекта и снял короткий ролик о его комбинаторных возможностях.

———

El Lissitzky then proceeds to propose four basic types of furniture such as standard mass-produced pieces, built-in furniture designed by the architect, convertible furniture, and “combination furniture”. The earliest Russian example of the latter is a set of five basic components, which was designed by El Lissitzky and comprised a table, a small bookcase, two wardrobes of different heights, a chest, and a leg. Since all of these standard elements were modular, the user could mix and match them, creating “different combinations depending on his/her needs, budget, and space”. What’s more, one and the same element could have different functions. For example, the smaller wardrobe could also be used as a footlocker or a daybed when placed horizontally.

A few years ago, the Russian Museum of Decorative Arts had a scale model of this set made for one of their exhibitions and published a short video to demonstrate the way this set could be used.

(photos here and above: litfund.ru, egorovs.art, architectguide.ru, booknik.ru, sazikov.livejournal.com, Behance user Yura Marin)

Mid-Century, More Than

29 мая 2024 21:01

За свою творческую жизнь Виинблад поработал в самых разных художественных областях: он иллюстрировал книги, рисовал плакаты и афиши, занимался художественным стеклом и проектировал столовые приборы, но наибольшую известность ему принесли керамические работы. В 1957 г. он устроился в компанию «Rosenthal», где был одним из ведущих дизайнеров без малого полвека. Для этой фабрики Виинблад создал множество сказочных (в прямом и переносном смыслах) изделий, часть из которых, как, например, серия ваз «Ева», выпускается до сих пор, а остальные являются предметами коллекционирования как в Дании, так и за ее пределами (к слову, работы Виинблада собирает, например, Арнольд Шварцнеггер).

Отдельного внимания заслуживают и другие серийные работы Виинблада, например, эти ежегодные рождественские тарелки или двенадцать кадров из одной истории любви, которые вы найдете в комментариях.

———

Wiinblad’s prolific career spanned many areas, from working as an illustrator of books and posters to glass art and silversmithing, but it was his ceramics that earned him international acclaim. In 1957, he was hired by Rosenthal, a famous porcelain manufacturer, and worked there as a leading designer for almost fifty years creating a lot of fairytale (both literally and figuratively) products. Some of them, like the Eva line of vases, remains in production to this day. Others are collectibles highly sought after by collectors in Denmark and elsewhere (in 1981, Arnold Arnold Schwarzenegger admitted to being a fan of Wiinblad’s ceramics).

Speaking of collectibles, we can’t help mentioning Wiinblad’s conceptual products, such as these annual Christmas plates he designed for Rosenthal or a 12-piece account of a love story we’re posting down below.

(photos here and above: bjornwiinblad.dk, rosendahl.com, pamono.com, wops.co.uk, c20ceramics.net, Scandinavia-design.fr, roundaboutantiques.com.au, worldantique.net, finnishdesignshop.com, connox.com, dphtrading.com, fleurdetroit.com, scandinavianshop.co.uk, l-art-copenhagen.com, mothersweden.com)