Mid-Century, More Than

19 апреля 2025 22:00

Как известно, в автомобилестроении трехцилиндровые двигатели обладают рядом преимуществ перед четырехцилиндровыми, главным образом, в части экономичности автомобиля. Когда в 1959 г. Анджело Манджаротти и Бруно Морассутти получили небольшой участок неправильной формы в миланском районе Сан-Сиро, а вместе с ним и заказ на проектирование девятиквартирного дома, архитекторы сделали выбор в пользу трехцилиндровой композиции, благодаря которой квартиры существенно выигрывали в инсоляции и соприкасались друг с другом лишь перекрытиями – лестница, лифты и холлы были вынесены за пределы жилых блоков и размещены в застекленном объеме между цилиндрами. Добиться такой компоновки получилось благодаря выдающемуся инженеру Альдо Фавини, придумавшему, как расположить каждый трехэтажный цилиндр на бетонной ножке, внутри домов продолжающейся четырехугольной сердцевиной из несущих стен.

Такое решение позволило, во-первых, освободить землю под домами и отвести ее под общественные нужды, во-вторых, организовывать пространство внутри цилиндрических квартир на усмотрение владельца и, в-третьих, при необходимости видоизменять фасад переносом окон и деревянных панелей. В общем, реклама не лгала, обещая «семьям настоящего - дома будущего!»

———

Car makers are very well aware of the advantages of three-cylinder engines over four-cylinder ones that mostly contribute to fuel efficiency and space-saving. When Angelo Mangiarotti and Bruno Morassutti received a commission to design a nine-apartment building on a small and irregularly shaped plot in Milan's San Siro in 1959, they also chose a three-cylinder composition to address the challenges in an efficient and space-saving manner. Such a design allowed the apartments to gain significantly in sunlight exposure and independence - the apartments had no shared walls, only horizontal slabs, while stairs, elevators, and hallways were outside the cylinders, housed in a transparent joint core. The cantilevered structure was devised by an outstanding engineer by the name of Aldo Favini, who chose to place each three-story cylinder on a mushroom-shaped leg that extended into the houses as a quadrangle of load-bearing walls.

An ingenious solution, this design had several advantages: first, it freed up the ground level for common use such as a playground. Second, it provided utmost flexibility in arranging the interior space of each round dwelling where only the kitchen and bathroom were anchored. Finally, as a curtain wall of glass and wooden panels was used for the facade, residents could modify the arrangement of these panels to their liking and needs. In general, newspaper ads of this residential block were not misleading when they described these apartments as “homes of the future for the married couples of today.”

(photos: sebastiaankaal.nl, Alba Deangelis, Angelo Mangiarotti via divisare.com, Filippo Romano viadezeen.com, loquis.com, fondazionefavini.it)

Mid-Century, More Than

17 апреля 2025 21:28

Благодаря материалам выставки, посвященной пластмассовой промышленности Восточной Германии в 1970-1980-х гг. и прошедшей недавно в Дрездене, мы выяснили, что роль «кресла Цоя» в свое время сыграло не кресло Эрнста Мекла, а кресло Ханса-Юргена Фаллея, выпущенное в рамках программы «Карат 8» (во всяком случае в Восточной Германии автором этой популярнейшей модели значился именно Фаллей). Кроме того, мы познакомились с рядом работ Рудольфа Хорна, пожалуй, главного дизайнера ГДР, который тоже активно участвовал в полиуретанизации страны.

В начале 1970-х гг. лишь несколько компаний во всем мире могли производить полиуретан и готовую продукцию из него. Осознав громадный потенциал этого материала, руководство ГДР сделало ставку на его использование в легкой промышленности: были построены заводы, на Западе закуплены станки, и налажено производство множества бытовых изделий. Таким образом, в 1970-х гг. ГДР стала мировым лидером по выпуску мебели из полиуретана.

В 1972-1973 г. упомянутый нами Хорн в соавторстве с Эриком Шубертом и Эберхардом Вюстнером спроектировал набор модулей для прихожей, выпускавшийся компанией «VEB Holz Naumburg». Низкая себестоимость и «космические» формы этих предметов сделали их востребованными в Восточной Германии. Правда, последствия нефтяного кризиса и сменившиеся эстетические предпочтения дали о себе знать, и в 1980-х гг., после того как ГДР выполнило заказ СССР на производство мебели к Олимпиаде в Москве, заводы переориентировались на выпуск другой продукции, а население дружно выбросило изделия Хорна и других дизайнеров на помойку. Однако это уже совсем другая история…

———

Earlier this year, Dresden’s Kunstgewerbemuseum hosted an exhibition titled "PURe Visions. Plastic Furniture Between East and West" that explored the history of polyurethane (PUR) in DDR in the 1970-1980s and challenged some of our beliefs. As it turns out, "Viktor Tsoi’s chair" previously attributed to Ernst Moeckl was in fact produced as Carat 8 and designed by Hans-Jürgen Falley (at least in East Germany). The exhibition also featured a few pieces by Rudolf Horn, the No. 1 designer in DDR who was not foreign to the country’s PUR campaign.

In the early 1970s, there was just a handful of manufacturers in the West and elsewhere capable of producing and processing polyurethane. Realizing the potential of this material, heads of DDR decided to make PUR the weapon of choice for the consumer-oriented sectors of the industry. After building plants, purchasing capital-intensive equipment in the West, and training thousands of workers, East Germany became the world’s leading manufacturer of household products made of polyurethane.

in 1972-1973, Rudolf Horn, Erich Schubert, and Eberhard Wüstner designed a set of wall-mounted modular elements shown in these pictures. Produced by VEB Holz Naumburg, this set was in demand thanks to its affordability and Space Age aesthetics, at least for a few years. However, the oil crisis and changing consumer preferences put an end to East Germany’s PUR program once a huge commission had been completed for the 1980 Olympics in Moscow and Horn’s designs as well as many other polyurethane furnishings ended up in dumpsters across the country. But that’s a whole other chapter…

(photos: Herbert Werner Brumm, brandenburg.museum-digital.de, global.museum-digital.org, brandenburg.de, kunstgewerbemuseum.skd.museum, smow.com, stiftung-industrie-alltagskultur.de, factor79.nl, mehlis.eu)

Mid-Century, More Than

15 апреля 2025 21:00

…К следующему десятилетию относятся работы Сабадина, в полной мере демонстрирующие полет фантазии дизайнера и уровень его ремесленного мастерства. Среди них знаменитый стул «Peota» (1970), состоящий из согнутого листа фанеры, нежно закрепленного между ножками, стол «Giotto» (1972), с легкостью превращающийся из квадратного в круглый, услужливый стул «Pala» (1973), штабелируемый «Esse» (1973), словно изготовленный из единого листа фанеры, стол «Martino» (1973), стул «Canossa» (1974) со спинкой из отреза холста или кожи, складной стул «Arca» (1974), стул «Fiona» (1979) и множество других менее легендарных работ – см. здесь и в комментариях к этому посту.
 
P.S. Обилием фотографий мы скромно надеемся компенсировать скудость информации об этом незаслуженно мало известном даже знатокам дизайна мастере.
 
———
 
…The 1970s saw Sabadin at the height of his career producing pieces that truly showcase his inventiveness as a designer and ability as a craftsman. Some of these designs include the Peota chair (1970) that consists of a piece of plywood gently attached to the legs, the Giotto table (1972) that easily transforms from a round table into a square one and back, the Pala chair (1973) eager to serve and please, the stackable Esse chair (1973) that looks as if it were made of a single sheet of plywood, the Martino table (1973), the Canossa chair (1974) with a piece of sack or leather for the back, the folding Arca chair (1974), the Fiona chair (1979) and many other lesser known pieces that we’re posting here and down below.
 
P.S. We’re hoping that the number of pictures would make up for the lack of factual information about this design visionary.

(photos here and above: anca-aste.it, pamono.eu, mutualart.com, morentz.com, incanto.auction, thesomersethouse.com, design-market.eu, ponteonline.com, arsvalue.com, viaantica.be, wright20.com, pandolfini.it)

Mid-Century, More Than

14 апреля 2025 21:22

На заглавных фотографиях - «Faemina», еще одно приспособление, претендующее на статус первой в мире домашней кофемашины. Этот агрегат появился в ассортименте компании «Faema» в 1952 г., чуть позже, чем компания «Gaggia» запустила в производство машину «Gilda». Однако есть данные, указывающие на то, что «Faemina», хоть первоначально и без названия, была выпущена небольшим тиражом в 1950 г. В отличие от своей конкурентки, «Faemina» была оснащена пружинным механизмом, требовавшим от пользователя простого нажатия на рычаг. Правда, стоило это удобство больше 40 000 лир!

Зато всего за 5 000 лир любители кофе могли приобрести другую инновационную разработку компании «Faema», ради которой мы и затеяли этот пост, - полностью механическую кофемашину «Faemina Baby», выпуск которой был налажен в 1956 г. Для приготовления эспрессо нужно было вскипятить воду, ополоснуть портафильтр, насыпать кофе, залить воду и потянуть за рычаги вниз – простота процесса подчеркивалась не только названием кофемашины, но и инструкцией-комиксом, входившим в ее комплект.

———

The opening pictures show the Faemina, yet another coffee-making contraption that claims to be world’s first domestic espresso machine. Released by Faema in 1952, shortly after Gaggia had presented its Gilda, this coffee maker was in fact produced in 1950, albeit in a limited number of copies and without a name. Unlike its primary competitor, the Faemina had a tension spring and the user only had to push the lever and the machine would do the extraction. The price tag for this automation was quite hefty, though – the Faemina cost over 40,000 liras!

Those with a tighter budget could opt for a 5,000-liras machine, also available from Faema starting from 1956. Just as innovative, this machine, which is actually the main subject of this chapter, was fully manual and required the user to boil some water, pre-heat the portafilter in it, add coffee and water, and pull the two levers down for one or even two cups of espresso. The simplicity of the process was referenced in both the name of this model, Faemina Baby, and the comic book with instructions that came with the machine.

(photos: thelevermag.com, vintage-shop.it, ingeniumcaffe.it, kaffeewiki.de, francescoceccarelli.eu, dimanoinmano.it)

Mid-Century, More Than

14 апреля 2025 13:43

Не рекламируем (Света в рекламе не нуждается), просто подтверждаем, что все сказанное Светой - чистая правда. Будет здорово, если кому-то из вас этот анонс пригодится.

———

This is not to advertise Sveta, but merely to confirm that everything she says down below is true and to raise awareness as her and Piotr Safiullin’s cycle of hands-on trainings in product design deserves a wider outreach.

Mid-Century, More Than

12 апреля 2025 21:09

Одним из шведов, помогавших переправлять свою родину от традиции к современности, был выдающийся архитектор Карл Бергстен (1879-1935). Правда, делал он это очень осторожно, как герой задачи о волке, козе и капусте, колеблясь между «традисом» и «функисом», т.е. неоклассикой и функционализмом. Например, в 1913 г. он спроектировал здание для художественной галереи Лильевальха, которое упрекали в «небрежности» и отсутствии монументальности, полагавшейся такому серьезному учреждению. Тем не менее, в этом проекте сложно не заметить традиционные детали, которые Бергстен мастерски изваял из нетрадиционного железобетона.

В 1925 г. Бергстен стал автором шведского павильона на Всемирной выставке в Париже, в котором конструктивная честность была смешана с классическими формами в такой уникальной пропорции, что для описания павильона и его наполнения потребовалось даже придумать новый термин, «Шведская грация».

В 1926 г. Бергстен подготовил проект здания для Городского театра Гетеборга, решив его в похожем стиле: неоклассический фасад, стримлайн-модерн в интерьерах и функционализм в планировках и технологической начинке. Правда, когда строительство было завершено, а произошло это в 1934 г., за год до смерти архитектора, театр уже выглядел слегка старомодно…

Продолжение следует…

P.S. Дополнительные изображения см. в комментариях к посту.

———

One of the prominent Swedish artists who contributed to guiding Sweden from tradition to modernity was Carl Bergsten (1879-1935), an outstanding architect and designer. That said, Bergsten was cautious with bringing the change, almost like the farmer in the proverbial wolf, goat, and cabbage problem, wavering between tradis and funkis, i.e., neoclassicism and functionalism. For example, in 1913, he designed a building to house the Liljevalch Art Gallery, which was criticized for its “carelessness” and lack of monumentality commonly expected in such a serious institution. However, Bergsten clearly drew on tradition when designing the gallery, but he did that using modern means such as reinforced concrete he chose for the columns.

In 1925, Bergsten designed the Swedish pavilion for the World’s Fair in Paris, a project whose honesty of construction was combined with classical motifs in such a unique proportion that even a new term had to be coined to describe the pavilion and all of its exhibits, "Swedish Grace.”

In 1926, Bergsten was commissioned to design Gothenburg City Theatre which he did in a similar manner, producing a neo-classical facade, Streamline Moderne vibes in the interiors, rational floor plans, and high-tech equipment. However, by the time construction was completed in 1934, just a year before the architect’s demise, the design felt slightly outdated already…

To be continued.

P.S. For more images, check out the comments down below.

(photos: ArkDes via lex.dk, picryl.com, Stockholms Stadsmuseum, arkitektur.se, itoldya420.getarchive.net, barnebys.se, AP, parismuseescollections.paris.fr, Flickr user Hans Nerstu, psrig.com, luigi-bevilacqua.com, europeantheatre.eu, JohansenWorld via advisor.travel, galasystems.com, stadsteatern.goteborg.se, Ola Kjelbye via goteborg.com)

Mid-Century, More Than

11 апреля 2025 21:09

P.S. А теперь рассмотрите фотографии и, дождавшись озарения, ответьте, как называется этот соусник?

———

P.S. Now that you have guessed the intended use of this piece, take a good look at these pictures and try guessing the name of this salad dressing bottle.

Mid-Century, More Than

11 апреля 2025 11:10

Друзья, мы с коллегами подготовили для вас еще одну подборку замечательных каналов про архитектуру и урбанистику!

———

Hi everyone, we’ve curated another list of architecture- and urbanism-oriented channels for you.

🌟 Drafting Design - здесь вы увидите проектирование, рабочку, шаблоны оформления и модели.

0️⃣ АИД - Архитектура и Дизайн. Мы приглашаем вас в увлекательное путешествие по самым удивительным архитектурным проектам разных эпох и дизайнерским решениям со всех уголков мира.

8️⃣ Архитектура | Architecture - канал об архитектуре. Готические соборы, средневековые замки, великолепные дворцы и другое. Подборки, тексты об архитектурных памятниках.

9️⃣ Mid-Century, More Than — единственный русско-английский канал о модернизме (в том числе пре- и пост-) в архитектуре, дизайне и культуре.

3️⃣ ReuseArch – истории о редевелопменте, реконструкции и самых неожиданных трансформациях устаревшей архитектуры.

❗️ Канал Архитектор покажет архитектуру со всех уголков мира. Подписывайтесь, чтобы узнавать новости и новинки архитектурных шедевров.

👩 Ваша ЛП @elenpudova. Все об урбанистике: конкурсы, воркшопы, новости и непрошенное личное мнение.

1️⃣ Журнал "Экоурбанист". Мы знаем как делать дождевые сады, зелёные крыши, как меняется климат в городе и как на это можно повлиять проектировочными решениями.

🔟 Откройте для себя архитектурные чудеса вместе с каналом Интересная архитектура. Необычные здания, выдающиеся архитекторы, смелые формы и визуальное вдохновение.

7️⃣ Ехал Грека по проспекту - урбанистика для всех: благоустройство, городская антропология, доступная среда, тренды, дизайн и что-то на личном.

🔢 Чат-сообщество для Архитекторов, Проектировщиков, Дизайнеров и Строителей.

Подписка на все каналы ✅

Mid-Century, More Than

09 апреля 2025 21:31

Закончив в 1949 г. отделение металлообработки Главной школы искусств и дизайна в Хельсинки, финка Нанни Стилл, а по приложенным фотографиям работ вы уже, наверное, опознали в них финское происхождение, хотела создавать изделия из серебра, но драгоценные материалы в послевоенной Финляндии были поистине драгоценными, и ей пришлось откликнуться на предложение поучаствовать в конкурсе, организованном стекольным заводом «Riihimäki».

Хоть познания Стилл в области стеклодувного мастерства были сугубо теоретическими, фабрика приняла художницу на работу и сотрудничала с ней вплоть до 1976 г., когда последствия мирового нефтяного кризиса и формирования Европейской ассоциации свободной торговли привели к упразднению на фабрике стеклодувного направления. Тем не менее, за время работы в компании «Riihimäki» Стилл создала великое множество как декоративных, так и функциональных изделий, часть которых удостоилась престижных международных наград и стала символами современного финского дизайна.

Продолжение следует…

P.S. Дополнительные изображения см. в комментариях к посту.

———
 
After graduating from the Department of Metal Art at Helsinki’s Central School of  Art and Design in 1949, Nanny Still, a Finnish designer, as you may have already guessed from these images, originally wanted to pursue a career in silversmithing. However, silver was literally very precious in Finland at the time, what with post-war shortages, and Still had to submit her entry into a glass design competition held by Riihimäki Glassworks the same year.

Even though her knowledge of glassmaking was purely theoretical, Still secured a position at the said factory and would continue to work there until 1976 when mouthblowing was no longer an option for the factory amidst the global oil crisis and changes brought about by the European Free Trade Agreements. Yet, over her time at Riihimäki, Still produced countless of functional and purely decorative pieces that earned her multiple international awards, becoming staples of modern Finnish glassmaking.

To be continued.

For more images, check out the comments down below.

(photos: bonhams.com, auctionet.com, kotona.com, wright20.com, hagelstam.fi, sigmarlondon.com, dishwareheaven.com, fargovintage.fi, sunadish.com,eclecticdesignlondon.com, bukowskis.com)

Mid-Century, More Than

08 апреля 2025 21:22

На этих фотографиях запечатлены некоторые предметы мебели, изготовленные шведской компанией «Nordiska Kompaniet» и экспонировавшиеся на Всемирной выставке в Барселоне в 1929 г. У этих изделий есть и еще один общий знаменатель - все они были созданы Акселем-Эйнаром Хьортом, шведским дизайнером, который в 1920-х гг. проектировал неоклассицистическую мебель с элементами стиля, благодаря Филипу Мортону Шанду известного теперь как «Шведская грация». Рассмотрите, пожалуйста, эти предметы, и мы вскоре продолжим…

———

These photographs show a few pieces of furniture by Nordiska Kompaniet that were displayed at the 1929 International Exhibition in Barcelona. Another common denominator for all of these items is that they were designed by Axel Einar Hjorth, a Swedish designer who produced a wealth of Neo-Classical designs in the 1920s incorporating elements of the style that came to be known as Swedish Grace thanks to Philip Morton Shand. We’re inviting you to take a close look at these pieces and we will continue down below…

(photos here and below: hgallery.com, galerieprovenance.com, modernity.se, twoenlighten.com, bruksmann.com, jacksons.se, bukowskis.com, digitaltmuseum.se)

Mid-Century, More Than

06 апреля 2025 21:12

Вестник постмодернизма,
выпуск №197

Еще один экспонат сингапурского музея Red Dot Design поступил из Саваннского колледжа искусств и дизайна. Его автор – теперь уже выпускница колледжа Милу Гарсия Брунелл. Под руководством Пола Макгрори студентка разработала малую архитектурную форму «Settee», мягкую и упругую вертикальную панель для отдыха в публичном месте, которую также можно использовать как доску для объявлений.

В более широком контексте стена Брунелл должна стать неким магнитом, в противоположность пинкфлойдовской «стене» формирующим поле для социального взаимодействия и вовлекающим горожан в жизнь района, аналоговой лентой новостей и даже платформой для организации выставок и мероприятий местного значения. Вот только неизвестно, как реагируют на этот объект сингапурцы, ведь одним из множества ограничений в стране является запрет на праздношатание…

———

Sunday Postmodernism,
issue No. 197

Another award-winning concept shown in Singapore’s Red Dot Design Museum was designed by Milú García Brunell, a former student of Savannah College of Art and Design, under the leadership by Paul McGroary. Titled ‘Settee’, Brunell’s concept is a piece of outdoor furniture, a vertical panel of varying cushion densities intended to be used as a resting place and announcement board.

Within a wider context, however, this wall may come across as a magnet that would create a powerful communication and participation field for the community bringing people together unlike Pink Floyd’s walls that set them apart. The Settee could also be perceived as an analogue newsfeed and an anchor that would turn a piece of cityscape into a gathering spot through local art exhibitions and other gigs. That said, we’re really curious how Singaporean visitors would respond to this exhibit, what with multiple public restrictions that are in effect in the country including a ban on loitering…

(photos: red-dot.org, milubrunell.com)

Mid-Century, More Than

05 апреля 2025 21:40

…Лишь в 1936 г., проектируя свой первый «типично американский» (англ. Usonian) дом для семьи Джейкобсов, Райт, к тому времени убедившийся, что гараж неизбежно становится хранилищем для хлама, добавит к нему автомобильный навес и произнесет знаменитую фразу: «Машина – не лошадь, и она не нуждается в конюшне. Нынешние автомобили достаточно надежны и не требуют особых условий хранения».

Аналогичное решение Райт предложит и Эдгару Кауфманну, для которого в 1935-1936 гг. будет проектировать знаменитый «Дом над водопадом» (на последнем снимке), и в дальнейшем будет использовать практически во всех своих проектах, благодаря чему автомобильный навес станет одним из символов американского модернизма. Символом, появлением которого американцы обязаны малоизвестному дом Слоунов…

P.S. Дополнительные изображения и планы см. в комментариях ниже.

———

It was not until 1936, when Wright was designing the Jacobs House, his first Usonian residence, that the architect chose to replace a traditional garage – something he had come to regard as synonymous with cluttering - with a carport, explaining his choice to Mr. Jacobs as follows, “A car is not a horse, and it doesn’t need a barn. Cars are built well enough now so that they do not require elaborate shelters.”

A similar carport was proposed and built for the famous Fallingwater Wright designed in 1935-1936 for Edgar Kaufmann (despite the latter’s demands to have an enclosed garage) and would be featured, in a variety of forms and sizes, in most of Wright’s dwellings that followed, becoming one of the symbols of American modernism, a symbol whose origins can be traced back to the much lesser-known Sloane House by Griffin…

P.S. For more plans and images, check out the comments down below.

(photos here and above: wrightchat.savewright.org, greatbuildings.com, Eric Milton Nicholls via nla.gov.au, AlbertHerring, franklloydwright.org, artandarchitecture-sf.com, docomomo-us.org, thecraftsmanbungalow.com, Columbia University via archdaily.com, archeyes.com, trystcraft.com, Gerda Peterich via currier.org, Rick McNees via mcnees.org, mazda.com.au, Houlihan Lawrence via archinect.com, houseandhome.com, architecture-history.org)

Mid-Century, More Than

04 апреля 2025 21:08

Перед вами серия работ, создание которых было для автора, Изабель Джампьетро-Нолль (1917-2010), «предлогом для того, чтобы продемонстрировать упругость, хрупкость, прозрачность и прочность, которых можно добиться в изделиях из хрусталя». За свою 92-летнюю жизнь эта американская художница итальянского происхождения успела пожить в разных странах: окончив школу в США, отправилась в Рим, где училась в Академии изящных искусств, а затем – в Швецию, где обучалась дизайну текстиля в стокгольмском Констфаке (1955-1956) и работала на стекольном заводе «Gullaskruf».

Эту же линейку, в 1958 г. удостоенную золотой медали Всемирной выставки в Брюсселе, она создала в период работы на стекольной фабрике «Royal Leerdam» в Нидерландах в 1956 г., а ее название имеет греческие корни. Сможете отгадать, как зовут эту коллекцию, не заглядывая в интернет?

———

This is a series of glass designs whose author, Isabel Giampietro Knoll (1917-2010), described them as “an excuse to show the tension, fragility, transparency and strength possible from crystal.” In her 92 years, Mrs Giampietro Knoll lived and worked in several countries. Born in Italy, she moved to the US at the age of eleven and, upon graduation, went to Rome where she studied at several institutions including the Academy of Fine Arts. She then travelled to Sweden to study textile design at the Konstfack in 1955-1956 and work at Gullaskruf as a glass designer. In 1956, the artist found herself working as a designer for Royal Leerdam in the Netherlands. It was there she created this series of glass that would earn her a Gold Medal of the 1958 Brussels World’s Fair and propel her to global acclaim.

The name of this series is just as well-known in all of these countries, yet it clearly alludes to Greece. Do you think you can guess this name without consulting the web?
 
(photos: mid2mod.blogspot.com, metmuseum.org, alicerobertstext.tumblr.com, botterweg.com)

Mid-Century, More Than

02 апреля 2025 21:45

По всей видимости, стулья консольные и кушетка, которые приписывают Роджеру Спрунгеру, были в действительности спроектированы американским дизайнером Чарльзом Гибильтеррой. Во всяком случае на это указывает публикация в ежегодном вестнике калифорнийского дизайна за 1976 г., в которой, к слову, упоминается еще одна работа дизайнера, модульная система «Matrix Series» (фото 2). К сожалению, информации об этом калифорнийском дизайнере в публичном доступе крайне мало, но его профессиональный путь можно проследить по проектам для разных американских брендов. Особенно интересно это сделать, ограничившись такой категорией, как консольный стул: разновидностей этого предмета в репертуаре Гибильтерры было и, возможно, еще будет много.

Мы намеренно выстроили эти модели в хронологическом порядке, опираясь на даты публикаций и патентов, чтобы можно было оценить движение мысли дизайнера. Завершает эту подборку современный нам стул, спроектированный Гибильтеррой совместно с Жюлем Генри в 2022 г. и выпускающийся компанией «Fr33form» под названием «Vibe». Как видите, вайб консольных стульев за сто лет никуда не делся...

P.S. Дополнительные материалы см. в комментариях к посту.

———

We can now safely confirm that the cantilevered chair and settee attributed to Roger Sprunger were in fact designed by another American designer by the name of Charles Augustus Gibilterra. At least that’s what we can surmise based on a few publications such as the 1976 California Design catalog, which also mentions Gibilterra’s modular Matrix Series (pic. 2). Regrettably, very little is known about the career of this contemporary designer save that he is based in California. Luckily, we can trace his professional achievements through the designs he produced for various American brands.

What’s more, even though he designed lots of other things, we’ve decided to confine this journey to Gibilterra’s cantilever designs only and are posting those chronologically, based on the dates of respective patents and production labels so that you could see the evolution of his design thinking. What’s even more, Gibilterra is still active as a product designer and, in 2023, teamed up with Jules Henry to produce yet another cantilevered chair which is currently available from Fr33form as Vibe. One hundred years on, the cantilever vibe is still there…

P.S. For additional chairs and patents, check out the comments down below.

(photos: edgebrookhouse.com, reddit.com, wright20.com, artsy.net, imgur.com, fr33form.com, craftinamerica.org, Google Patents, IG user simpatico_vintage_home)

Mid-Century, More Than

31 марта 2025 21:07

В начале рабочей недели продолжим изучать историю кофейных агрегатов и сделаем маленький шажок назад относительно изобретения братьев Бамби, первой в мире горизонтальной кофемашины. В том же, 1939-м, году компания «La Pavoni», стремясь сделать процесс приготовления кофе более быстрым и удобным, представила прототип машины «Multi Espresso», в основе которого лежала простая мысль: чтобы увеличить число кофейных групп (и соответственно производительность бариста), а также сделать машину, обычно размещавшуюся на барной стойке и не способствовавшую общению бариста с клиентами, менее громоздкой, необходимо всего лишь вытянуть ее по горизонтали.

Сказано – сделано: предложенная «La Pavoni» машина была оснащена четырьмя группами, каждая из которых имела три носика. Таким образом, одновременно можно было обслуживать двенадцать посетителей. Вот только горячее сердце «Multi Espresso», ее бойлер, по-прежнему было вертикальным и должно было размещаться под барной стойкой – совсем как раздаточные емкости с пивом. Тем не менее, начало было положено, а в 1948 г. компания выпустила одну из самых впечатляющих горизонтальных машин, «La Cornuta», но это уже совсем другая и рассказанная нами история…

———

Let’s start this working week with yet another chapter in the history of coffee. Having already featured ‘Marus’ by Giuseppe Bambi in a recent Friday quiz, we’ll now need to take a tiny step back and do justice to another 1939 invention, this time by La Pavoni. Aware of the need to steamline streamline the coffee-making process, La Pavoni displayed a prototype called ‘Multi Espresso’ whose concept was very straightforward. As existing coffee machines did not have sufficient group heads that would accommodate an increasing demand for espresso and, towering above the counter, did not welcome casual exchanges with customers, all La Pavoni needed to do was make a horizontal machine.

The Multi Espresso was thus composed of four group heads placed side by side and each head could have up to three nozzles producing up to twelve cups of espresso simultaneously. However, it was not yet a horizontal machine per se as it still had a vertical boiler that had to be placed under the counter, just like beer kegs. That said, the innovation certainly paved the way for fully horizontal machines in the years to follow such as La Cornuta released in 1948.

(photo: lapavoni.com)

Mid-Century, More Than

18 апреля 2025 21:09

Однажды французский дизайнер-самоучка Жан Роейер, известный своим незаурядным и игривым подходом к интерьерным проектам, создал барный уголок, основу которого составляли «хайбол-табуреты». Роль сидений в этих табуретах исполняли «готовые объекты», утяжеленные медицинские мячи, которые используются, например, в реабилитационных целях и, вероятно, были призваны остроумно напоминать владельцу о вреде сидячего-за-баром образа жизни.

Эти табуреты являются частью известной серии работ Ройера, включающей множество предметов мебели - стульев, кресел, столиков, которые в свое время проникли в самые разные интерьеры по всему миру и вызвали волну подражаний - к слову, вариации ройеровских произведений выпускаются до сих пор. Точную дату создания упомянутых барных стульев назвать невозможно - можем лишь предположить, что они были спроектированы после октября 1957 г., когда СССР запустил первый искусственный спутник. А вот название и стульев, и всей серии работ известно, и мы - на правах традиционной пятничной игры-викторины - предлагаем вам его отгадать.

———

Over half a century ago, Jean Royère, a self-taught French designer extraordinaire known for his unconventional and, often, playful approach to interior designs, produced a bar corner for one of his interiors that featured the "highball stools" you can see in the opening images. The seats of these stools were in fact "readymades". Some sources claim they used footballs, others state that these were weighted medical balls that are often used in rehabilitation. In any case, the seats were probably there to remind the user of the dangers of a sedentary lifestyle spent at a bar counter.

These stools are part of Royère's well-known series of furnishings that includes chairs, armchairs, tables, etc. Having found their way into various interiors from Paris to Tehran, these pieces inspired numerous imitations that are produced to this day as variations of Royère’s designs. We have failed to find the exact date these bar stools were created and can only assume they were designed after October 1957, when the USSR launched its first sputnik. The name these stools and the entire collection are known under is well-documented, and, in keeping with our Friday quiz tradition, we’re inviting anyone willing to take a guess now in the comments down below.

(photos: Decorative Art 60s, sothebys.com, christies.com, phillips.com, wright20.com, artsy.net, mutualart.com, selectionsarts.com)

Mid-Century, More Than

16 апреля 2025 21:17

Прошедший недавно аукцион познакомил нас с одной рубежной работой Натальи Яковлевны Данько. Речь идет о редкой вазочке «Футуристическая», созданной скульптором в 1919 г.
1-го августа того года Наталья Яковлевна, начавшая работать на Императорском фарфоровом заводе еще до революции, возглавила скульптурную мастерскую завода, к тому моменту переименованного в Государственный. А 3-го августа в Доме Мятлевых (Исаакиевская площадь, 9) открылась первая крупная выставка работ ГФЗ в послереволюционный период, задачей которой было показать, «что сделано на государственном фарфоровом заводе во время революционного периода, когда завод перестал быть императорским, т.е. перестал служить затеям двора, а превратился в народное достояние».

На этой выставке было представлено более 400 живописных и скульптурных работ, «в показательных целях» стоявших бок о бок с изделиями, «исполненными в последний период монархии», в том числе разновидность этой вазочки под названием «Ваза кубистическая». К сожалению, мы нашли лишь одну фотографию этой выставки, но рассмотреть на ней отдельные предметы довольно сложно. Кроме того, рубежной работу Данько можно назвать и потому, что в 1918 г. фарфоровый завод сменил не только название, но и клеймо, а Наталья Яковлевна фактически сделала новое клеймо трехмерным.

Однако, кажется, пора умолкнуть и дать вам насладиться авангардной работой великого мастера, продемонстрировавшего, что шестеренка и фарфор – вещи очень даже совместные…

———

A recent auction that took place in early April introduced us to one remarkable and pivotal work by Natalia Danko, a rare ‘Futuristic’ vase created in 1919. On August 1st of that year, Danko, who had been with the Imperial Porcelain Factory since 1914, its days before the Socialist Revolution, took over as head of the factory’s Sculpture Department. On August 3rd, the first major post-revolution exhibition of what was already known as the State Porcelain Factory opened at the Miatlev House in 9 Isaakievskaya Square to showcase “what has been done at the State Porcelain Factory after the Revolution when the factory ceased to be Royal, i.e., when it stopped catering to royal whims and became public property.”

This exhibition featured more than 400 avant-garde pictures and sculptures that were displayed – intentionally and “for educational purposes” – alongside various “pieces from the last years of the monarchy”. One of the new exhibits was a variation of this vase titled “A Cubist Vase”, also by Natalya Danko. Sadly, we have managed to get hold of just one photograph of the exhibition, but one can hardly identify individual pieces in it. Furthermore, we are referring to Danko's vase as a pivotal design because the factory not only changed the name from Royal to State in 1918 – its mark was also changed back then and Danko’s futuristic exercise is essentially a three-dimensional version of the new mark.

However, it’s time we stopped blabbering on the collectible value of this vase and let you enjoy the beauty of this avant-garde masterpiece by the great artist who showed that there’s nothing incompatible between something as industrial as a cogwheel and something as delicate as porcelain…

(photos: litfund.ru, lib.sptl.spb.ru, Vokrug Kvadrata, Exhibition Catalog dd. 2004)

Mid-Century, More Than

15 апреля 2025 21:00

В отличие от Эриха Дикманна, профессионального столяра, ставшего автором великолепных изделий из стальных трубок, дизайнер Джиджи Сабадин по образованию был слесарем, но работал в основном с древесиной и делал это с превосходным знанием материала. Эти и другие истории подтверждают, что истинный мастер может успешно переключаться между материалами независимо от первичной специализации, если в основе его творчества лежит любовь к материалу как таковому. Однако мы отвлеклись…
 
Сабадин выделяется среди итальянских дизайнеров не только прекрасным чувством сырья – каждое его изделие является триумфом остроумия и изобретательности, и уже не первый год нас удивляет полное отсутствие сведений о нем. Родился Сабадин в 1930 г. в средневековом городке Читтаделла неподалеку от Падуи и, хоть основная масса его работ приходится на 1970-1980-е гг., уже в 1960-х гг. создал несколько примечательных изделий, в том числе кроватку «Ninine», спроектированную для его дочери Марии в 1961 г., и стол «1+1», состоящий из двух раскладных столов (1967 г.)…

Продолжение в посте ниже.

———

Unlike Erich Dieckmann, who was a professional carpenter yet designed plenty of important tubular steel pieces, Gigi Sabadin, a much lesser known designer, trained to be a metalworker, but worked mostly with wood and very deftly at that. These and similar stories are proof that a true master can switch between media regardless of their background when guided by a genuine respect for the material as such. But we digress…

Sabadin stands out from a constellation of Italian designers not only thanks to his innate feel for the material; each of his designs is a masterpiece of imagination and wit. Hence whenever we come across a Sabadin at an auction, it makes us sad that there’s still almost no information on the designer. Born in 1930 in Cittadella, a medieval town near Padua, Sabadin was mostly active in 1970-1980, but some of his pieces date back to the 1960s, e.g. the Ninine cradle he designed for his daughter Maria in 1961 and the 1+1 table composed of two folding tables (1967)…

The story continues in the next post below.

Mid-Century, More Than

14 апреля 2025 13:43

#отпредметадобренда

Говорят, у меня синдром спасателя. Вполне возможно.

Я росла во время, когда взрослые не справлялись — приходилось брать на себя. Теперь на мне — знание дизайн-процессов от эскиза до стратегии и продвижения.

За плечами: рисование с 3 лет, архитектурный класс, Строгановка, мастерские, 20 лет преподавания, рекламный бизнес, редактура, кураторство, бренд предметов интерьера, конкурсы и так далее.

Для кого дизайн-лаборатория и курс «От предмета до бренда»?

В первую очередь — для меня самой. В институте нас учили исполнять, но не мыслить. Преподавание научило меня соединять детали в систему — чтобы понять самой и объяснить другим.

Потом был уход в рекламу итальянской мебели. И снова — режим спасателя: глядя на европейский опыт, не понимала, почему наши бренды так не могут.

Дальше родилась идея продюсерского центра для российских брендов. Многие откликнулись, но монетизировать его в 2017 году не получилось. Затем — конкурс «Придумано и сделано в России», потом несколько лет работы с ремесленниками в регионах.

Кто и зачем приходит на курс?

✦ Ремесленники. Много практики, но нет философии.

На курсе мы даем инструменты, чтобы выстроить авторскую коллекцию — со смыслом и актуальным визуалом.

✦ Художники и новички. Много внутреннего — мало структуры.

Помогаем превратить рефлексию в проект, который можно показать, продать и развивать.

✦ Дизайнеры с опытом. Есть продукт и команда, но нет стратегии.

Разбираем, как видеть проект в системе, формировать платформу бренда и внятно о себе говорить.

И для всех актуален вопрос: «Что я делаю и зачем?»

Сложный, но с него всё и начинается. Не с логотипа и не с мудборда, а с формулировки, в которую веришь сам.

Во что верю я?

→ Что эстетика — это способ мышления.
→ Что проект — это не только результат, но и возможность понять себя.
→ Что система не ограничивает, а освобождает — если она выстроена изнутри.
→ Что у российского предметного дизайна есть голос — нужно только научиться говорить ясно и точно.

📍Первый модуль курса — это два полных офлайн-дня в Москве, в шоуруме бренда Yaratam.

21 и 22 апреля, с 11:00 до 19:00. Стоимость блока — 33 000₽, можно взять только его, а не курс сразу.

Ссылка на описание курса: https://designlaboratory.pro/from-object-to-brand

Mid-Century, More Than

13 апреля 2025 21:00

Вестник постмодернизма,
выпуск №198
 
Мы питаем особые чувства к Антонио Читтерио, поскольку большая часть строк в этом канале пишется на консольном стуле «VisaVis», спроектированным этим итальянским архитектором в соавторстве с Гленом Оливером Лоу для компании «Vitra». Маэстро Читтерио действительно много работал с этим производителем как дизайнер мебели. Однако, закончив в 1975 г. Миланский политехнический, он стал дипломированным архитектор и состоялся в этом качестве, в том числе благодаря сотрудничеству с другой выпускницей упомянутого заведения, Патрицией Виль. В 2016 г. этот знаменитый архитектурный дуэт стал автором роскошного жилого комплекса «Arte» в Майями, строительство которого было завершено в 2020 г.
 
По словам Коби Карпа, сотрудничавшего с Читтерио и Виль, источником вдохновения для него послужил пляжный ландшафт Флориды, в частности, песчаные дюны, «нашедшие отражение в цвете каменных элементов и пирамидальной форме дома». Итальянцы же, проектируя этот объект, стремились «адаптировать его образ к местности, сохранив при этом его итальянскую сущность». Последнее действительно читается в том, как по-средиземноморски эта пирамида открывается океану консольными балконами и террасами из травертина, но нам в этом здании, в первую очередь, видятся месопотамские зиккураты и храмы майя и ацтеков. А вам?
 
———
 
Sunday Postmodernism,
issue No. 198
 
We are certainly biased towards and have been meaning to post a note on Antonio Citterio’s designs as most of the content for this channel is created on a highly comfortable cow-hide cantilevered chair Citterio designed together with Glen Olvier Low as part of their VisaVis series for Vitra. Citterio is renowned for numerous collaborations with the said manufacturer as a furniture designer, but he is first and foremost a professional architect who graduated from Milan Polytechnic in 1975 and set up a very successful architectural practice with Patricia Viel, another graduate of the Polytechnic. In 2016, the two designed Arte, a masterpiece of a residential building, which was completed in Miami in 2020.
 
According to Kobi Karp whom the Italian architects teamed up with on this project, the design was inspired by beach morphologies, sand dunes in particular, which are “reflected in the stone colors and the pyramid shape”. Citterio and Viel, on the other hand, wanted “to create an architecture able to perfectly adapt to the location, while preserving an Italian soul”. Although the building, with its cantilevered balconies and terraces that provide unhindered views of the oceanfront, is indeed reminiscent of Mediterranean architecture, we cannot unsee Mesopotamian ziggurats and, even more so, Mayan temples and are really curious to hear about your impressions.
 
(photos: blucom.de, Kris Tamburello via archpaper.com, dezeen.com)

Mid-Century, More Than

11 апреля 2025 21:13

Раз вы и с этим вопросом расправились, вот вам еще одна задача: отгадаете назначение этого устройства, спроектированного Арнаутом Фиссером тоже в начале 1990-х гг.?

———

Since you managed to crack the puzzles above, here is another one for you. Can you guess the intended use of this contraption also designed by Arnout Visser in the early 1990s?

Mid-Century, More Than

11 апреля 2025 21:02

В одной из наших викторин мы делились с вами историей об изобретательности Кэндзи Экуана, наделившего бутылочку для соевого соуса двумя носиками, а сегодня покажем вам еще один пример подобного подхода к созданию предельно бытовых вещей. В 1990 г., учась в миланской школе дизайна «Domus Academy», нидерландский дизайнер Арнаут Фиссер, который впоследствии станет известен на весь мир своими работами из стекла, придумал резервуар, который вы видите на этой фотографии. Позднее это изделие было выпущено выдающимся дизайнерским коллективом «Droog Design», основанным Гийсом Баккером и Ренни Рамакерс, и проникло в музеи современного искусства и дизайна по всему миру.

На правах пятничной викторины предлагаем вам разобраться в логике этого предмета и ответить, что это за приспособление и в чем состоит хитроумность замысла автора? Только, чур, не гуглить и не торопиться с ответом, если он вам заведомо известен.

———

One of our Friday quizzes featured an ingenious product by Kenji Ekuan, world’s famous Kikkoman soy sauce bottle that has two spouts. Today’s product is another example of such a science-meets-design vision applied to conceiving purely utilitarian everyday items. In 1990, Arnout Visser, then a student of Domus Academy Milan and, later, a prominent Dutch designer who would be renowned all over the world for his glass designs, came up with a double-spout glass bottle that would be commercially available from Droog Design, an extraordinary design collective founded by Gijs Bakker and Renny Ramakers, making its way to major art and design museums across the planet.

Since it’s also Friday today, do you think you can grasp the logic behind and identify the intended use of this contraption, guessing what set it apart from other products in the same class? As usual, please refrain from googling and posting if you already know the answer – let others think a bit first.

(photos here and below: thisismold.com, boijmans.nl, arnoutvisser.com, moma.org, Marsel Loermans, courtesy DMD)

Mid-Century, More Than

10 апреля 2025 21:19

Основанная в Бирмингеме в 1840 г., компания «Best & Lloyd» к началу 20-го века стала крупнейшим производителем светильников в мире. Лампы «Best &Lloyd», примеры которых представлены на первых фотографиях, украшали собой не только дома и общественные пространства по всему миру, но и, например, интерьеры «Восточного экспресса». Хоть ее продукция была довольно консервативна на вид, компания не была чужда инновациям: так, в 1893 г. она выпустила газовый светильник «Сюрприз», ставший прообразом знаменитой лампы «Anglepoise».

Обновление форм случилось в 1928 г., когда Роберт Дадли Бест, внук основателя компании, спроектировал настольную лампу. Учившийся металлообработке в Германии и активно путешествовавший по Европе, Бест познакомился с Вальтером Гропиусом и проникся «духом Баухауса», а во время поездки в Цюрих увидел «откровенно механистичный» светильник, подтолкнувший его к поиску более современной формы для настольной лампы. Выпущенный в 1930 г., светильник «Bestlite» поначалу не пользовался популярностью у широкой публики: основными покупателями были ВВС Великобритании и автомастерские. Однако когда статья об этой лампе, названной «первой ласточкой Баухауса в Британии», появилась в журнале «Architects Journal», все изменилось, и вскоре в клуб обладателей светильника вступил даже Уинстон Черчилль.

P.S. Дополнительные изображения см. в комментариях к посту.

———

Founded in Birmingham in 1840, Best & Lloyd had become the largest lighting manufacturer in the world by 1900. Aside from homes and public spaces across the globe, Best & Lloyd’s lamps could be spotted in the interiors of the Orient Express trains or ocean liners. Even though its lighting fixtures could hardly be describe as avant-garde, Best & Lloyd did produce forward-thinking designs such as the 1893 gas pendant called Surprise that predated the Anglepoise lamp.

It all changed in 1928 when Robert Dudley Best, the founder’s grandson, designed a table lamp. When he was studying industrial design in Germany and travelling across Europe, Best met Walter Groupius and was enchanted by the spirit of Bauhaus. Stumbling upon a lamp of “frankly mechanistic appearance” during his trip to Zürich, Best set to create a modern desk light. Launched in 1930, the resultant Bestlite lamp was far from being a commercial success and was mainly sold to the Royal Air Force and car mechanics. However, when the lamp was featured in the Architects Journal as the first British Bauhaus production, the Bestlite collection gained traction with the general public and one of them even landed on Winston Churchill’s desk.

P.S. For more images, check out the comments down below.

(photos: auctions.burstowandhewett.co.uk, original-house.co.uk, vinterior.co, nap.com.pl, connox.com, lumens.com, quittenbaum.de, the189.com, bukowskis.co, bestandlloyd.com, jonesantiquelighting.com)

Mid-Century, More Than

08 апреля 2025 21:22

…В начале 1930-х гг. Хьорт, продолжая сотрудничать с «Nordiska Kompaniet», совершил крутой поворот и последовал за многими своими современниками: обратившись к простым и доступным материалам, таким, как сосна, он начал проектировать лаконичную мебель с оглядкой на традиции шведских ремесленников. Отличающиеся простотой, надёжностью и долговечностью, эти изделия не скрывали за декором особенности конструкции, но так же наглядно, как и их предшественники, демонстрировали мастерство автора.

Хьорт создал несколько коллекций в духе сельского модернизма, получившие названия шведских островов. На этих снимках, в частности, представлены модели, входившие в линейку «Утё». Эта серия мебели была особенно востребована начиная с 1938 г., когда шведы в рамках строительства социального государства получили наконец право на оплачиваемый отпуск (сначала двухнедельный, а в 1951 г. увеличенный до пяти недель) и стали обзаводиться дачами. Кажется, что шезлонг, повторяющий конструкцию стульев викингов, был в высшей степени уместен в таких условиях.

———

…In the early 1930s, Hjorth, who was still working for Nordiska Kompaniet, shifted gears to follow in the stride of many of his contemporaries both in Sweden and elsewhere. Opting for simpler materials such as pine, he began creating pared-down furniture that respected ages-old traditions of Swedish craftsmanship. Simple and durable, his pieces of the early 1930s were free of any decor, exposing their structures honestly yet attesting to Hjorth’s dexterity as a cabinetmaker just like their 1920s predecessors.

This period saw Hjorth design several lines of furniture that exemplified the spirit of rustic modernism and were named after Swedish islands. These pictures show furnishings that belonged to the Utö series and were especially popular with Swedes starting from 1938 when paid annual leaves were introduced as Sweden was taking steps to become a welfare state and its citizens were purchasing land plots and building cabins in the countryside. While all of these items sold well, it seems Hjorth’s rediscovery of the Viking Chair was especially fitting under those circumstances.

Mid-Century, More Than

07 апреля 2025 21:15

Когда-нибудь потомки будут вспоминать 2025 год, как мы вспоминаем события пятидесятилетней давности, и напишут о триумфе Александра Овечкина, а мы на волне радостных новостей о вчерашнем рекорде и планов властей России и США насчет «хоккейной дипломатии» вспомним, как в 1983 г. Уэйн Гретцки по приглашению Владислава Третьяка побывал в Советском Союзе. Хоккеист отправился в СССР с «верительной грамотой» от Пьера Трюдо, премьер-министра Канады, о том, что выступает в роли «посла хоккея», чтобы укрепить взаимопонимание между народами. Об этом визите, в ходе которого Гретцки с Третьяком ездили по Москве, были в цирке, Третьяковской галерее, смотрели смену караула у Мавзолея Ленина (причем сам Гретцки из-за бессонницы пошел гулять по Москве до утра, и, как пишет его отец, каждый час возвращался на площадь – «посмотреть еще раз этот потрясающий ритуал»), был снят целый фильм.

Мы же ограничимся несколькими кадрами из этой «крайне насыщенной» поездки, запомнившейся 21-летнему Гретцки балетом и – несмотря на «языковой барьер» - оперой, тренировкой с детской командой ЦСКА («На льду был один парень, с которым Владислав меня познакомил, сказав: “Это наш будущий Харламов или Якушев”. Мальчику на тот момент было 11 лет. Звали его Павел Буре») и, конечно, русским гостеприимством с застольями в доме Третьяков, где Гретцки пробовал икру и пил водку – последнее, по словам Третьяка, было условием посещения его квартиры. Но главным, пожалуй, было то, что, помимо Уэйна, Москва приняла его братьев, девушку и родителей. Впоследствии Гретцки вспоминал, что «больше всего хотел совершить эту поездку ради отца», чтобы показать ему страну, из которой в свое время эмигрировал дед. Страну, дверь в которую радушно распахнул для молодого канадца его главный соперник, наш главный вратарь…

———

We will leave it up to our (grand)kids to look back on the year 2025, as we now recall events from fifty years ago, and write about Alexander Ovechkin's triumph. In the meantime, fueled by the joyful news of yesterday’s record and plans by Russian and US authorities to rejuvenate 'hockey diplomacy,' we’d like to remember Wayne Gretzky’s 1983 visit to the USSR at the invitation of Vladislav Tretiak and with a letter of credence from Pierre Trudeau, then PM of Canada, stating that Gretzky was acting as an ‘ambassador of hockey’ to strengthen mutual understanding between the nations. There’s a whole documentary about this icebreaking visit that saw Gretzky and Tretiak tour Moscow, visit the Circus and the Tretyakov Gallery, watch the Changing of the Guard at Lenin's Mausoleum (which Gretzky himself did multiple times when he couldn’t sleep and walked through Moscow until dawn, returning to the Red Square every hour to watch the ceremony again).

You are welcome to watch this movie here and we’ll confine ourselves to just a few scenes from what was “a pretty intense trip” with “really no down time”, which left a lasting impression on the 21-year-old Gretzky thanks to the beautiful churches, ballet and - probably less so because of the language barrier – opera, a day on the ice with Red Army’s youth team (“There was a kid on the ice that Vladdy introduced me to. He said, ‘This kid’s gonna be our next Kharlamov or Yakushev.’ At the time, he was 11. It was Pavel Bure.”)… And, of course, there was the famous Russian hospitality with dinners at the Tretiaks' home, where Gretzky tried caviar and vodka - according to Tretiak, the latter was a prerequisite for visiting his apartment in the first place. But most importantly, the hospitality was extended to Gretzky’s family: he travelled to Moscow together with his brothers, girlfriend, and parents. Later, Wayne would recall that he had “really wanted to do it for my dad more than anything” to show his father the country from which their grandfather had emigrated. The country whose door was welcomingly opened for the young Canadian by his main rival and Russia’s greatest goalkeeper (or, should we say, gatekeeper)...

(photos: Dmitry Donskoy, sputnikmediabank.com, thehockeybeast.com, Vyacheslav Un Da-Sin/TASS, championat.com)

Mid-Century, More Than

06 апреля 2025 17:00

В сегодняшнем «Воскре-посте», как обычно, делимся важными анонсами и ссылками на недавние публикации коллег.

18-27 апреля в московском Музее декоративного искусства пройдет уже третий Salon de 4ceramics!

Настя Ромашкевич добралась наконец-то до Милана и публикует впечатления от ежегодной выставки в своем закрытом канале - очень рекомендуем, особенно тем, кто хотел там быть, но не был готов добираться на перекладных с задержками и отменами рейсов.

По просьбе нашей дорогой подруги Даши Соболевой написали маленький гид по центру родной Петроградской стороны. В ближайшее время можно успеть оценить главный фасад дома Свирьстроя, который вскоре скроется за лесами на три года.

Давно хотели поделиться с коллегами-админами очень жизненным постом, который Варвара Щербакова-Литвяк опубликовала в своем великолепном канале «Медленная мода». Если вы не админ и не рекламодатель, очень рекомендуем ознакомиться с соседними материалами - уверены, что покинуть канал вам будет непросто.

———

Our Weekly Digest is back with several important announcements and colleagues' posts.

Moscow’s Museum of Decorative Arts will once again become home to the third Salon de 4ceramics that will take place from April 18th to 27th.

Anastasia Romashkevich has finally made it to Milan and is already publishing her impressions from the annual happenings in her private channel, which has a great value for money for, especially for those who wanted to be there but was not ready to go through all the visa hurdles and experience flight delays and cancellations.

A few days ago, our dearest friend Dasha Soboleva published a small guide about some of the highlights of Petrogradsky District in St. Petersburg we had put together for her wonderful channel. Those of you travelling to St. Petersburg can still have time to appreciate the main facade of the Svirstroy Building which will soon hide behind the scaffolding for three years, just like the rest of the building.

Finally, if you are an admin, here’s a great post on Telegram manners that our friend and colleague Varvara Shcherbakova-Litvyak published in her amazing channel. If you are not, check out the channel itself - it’s a treasure trove of slow fashion!

Mid-Century, More Than

05 апреля 2025 21:40

Если сравнить фотографии, на которых запечатлены два иллинойских дома в стиле «Школа прерий» - дом Уорда Уиллитса, спроектированный Фрэнком Ллойдом Райтом в 1901 г. (фото 1-5), и дом семьи Слоунов, спроектированный коллегой Райта, Уолтером Берли Гриффином, в 1909 г. (фото 6-8), а также их планы, то можно заметить одно концептуальное различие. Если вдруг вы не разобрались, что имеется в виду, то мы подскажем: дело в том, что в обоих этих зданиях, как и во многих других постройках Райта того периода, часть правого крыла отводится автомобилям. Вот только в проектах Райта мы имеем дело с въездной аркой (фр. porte-cochère), а в доме Слоунов – с открытым гаражом, являющимся, по всей видимости, первым американским примером того, что Райт, в будущем главный популяризатор этого архитектурного элемента, станет называть carport (англ. навес для автомобиля).

Симптоматично, что в том же 1909 г. Райт проектировал дом для инженера Фредерика Роби (см. последние снимки и дополнительные материалы в комментариях). Любитель автомобилей, за свою жизнь сменивший более чем 80 моделей, архитектор предусмотрел в этом здании закрытый (!) гараж для трех машин, а спустя некоторое время пристроил аналогичный закрытый (!) гараж и к своему собственному дому в Ок-Парк…

Продолжение ниже…

———

If you take a look at the pictures and plans of these two Prairie School residencies in Illinois, US, Ward Willits’ House by Frank Lloyd Wright (1901; pics 1-5) and Sloane House by Wright’s partner, Walter Burley Griffin (1909; pics 6-8), you will likely notice one similarity, which happens to be an important difference upon a closer look. The thing is that both of these dwellings, as well as many other Wright’s designs dating back to the same period, have a car parking space in the right wing. However, in the case of Wright’s Prairie School houses, it is almost always a porte-cochère, a structure for vehicle passage, while Griffin’s design features an open garage which seems to be the USA’s first example of a carport, the term which was later coined by Wright who would come to be one of the main proponents of this new architectural element.

Of note, the year 1909 saw Wright design a residence for engineer Frederick Robie shown in the closing pictures as well as in the comments down below. A known car enthusiast who owned over eighty different vehicles in his lifetime, Wright designed an enclosed (!) three-car garage for Mr. Robie and, in a little while, produced a similar extension, also enclosed, for his own house and studio in Oak Park.

The story continues below…

Mid-Century, More Than

03 апреля 2025 21:31

Когда мы впервые увидели эти стеллажи, переизданные в 2021 г. компанией «Agapecasa», мы узнали автора по его почерку: эта модульная система «Cavaletto», созданная для самостоятельного строительства стеллажей, а в дальнейшем расширившаяся до целой коллекции мебели, была спроектирована Анджело Манджаротти вместе с Бруно Морассутти в 1953 г., за пару лет до того, как архитекторы вернулись из США в Милан и основали там архитектурное бюро.

Отличительной особенностью творчества Манджаротти всегда являлось внимание к таким физическим «помощникам» дизайнера, как силы тяжести и трения: особенно это станет заметно в более поздних работах архитектора из мрамора, в которых статичность и стабильность соединений разных – тяжелых - деталей будет обеспечена исключительно за счет действия этих двух сил. В этой стеллажной системе, изготовленной из древесины, архитектор добился не только надежности и статичности конструкции, удерживаемой исключительно при помощи столярных соединений, но и удобства транспортировки модулей, а также последующей сборки и адаптации под меняющиеся потребности пользователя.

Отдельно хочется отметить живописный зазор между V-образными компонентами стоек, вызывающий в памяти крошечный промежуток между пальцами Адама и Бога на фреске Микеланджело…

P.S. Дополнительные изображения см. в комментариях к посту.

———

Seeing these bookcases for the first time in 2021, when they were re-issued by Agapecasa, we immediately recognized the original creator. This modular system, Cavaletto, which was originally intended for easy-to-assemble bookcases and later expanded into other furniture typologies, was designed by Angelo Mangiarotti together with Bruno Morassutti in 1953, two years before the architects came back to Milan from the US and set up their studio there.

The thing is that Mangiarotti was renowned for “enlisting the help” of physical forces such as gravity and friction. His signature style would become more evident in his later marble pieces whose parts that were joined with utmost precision were held in place by these two forces without any additional joinery. Made solely of wood, this shelving system was stable and sturdy thanks to woodworking joineries such as the dovetail joint that held several sections together. Assembled without any screws or bolts, the system could be transported as a set of modules and easily configured and re-configured by the user as needed.
 
One thing we especially like about this modular system aside from its structural ingenuity is the space between each set of V-shaped modules that calls to mind the tiny gap between the fingers of Adam and God in Michelangelo’s fresco painting…

P.S. For more images, check out the comments down below.
 
(photos: artedomus.com, contemporarydesignnews.com, italianways.com, angelomangiarottifoundation.it, chgallery.ch, v2com-newswire.com, yatzer.com, ifdm.design)

Mid-Century, More Than

01 апреля 2025 21:20

Благодаря дорогим друзьям наша коллекция недавно пополнилась вот таким редким графином с пробкой из пробкового дерева, созданным одним выдающимся мастером. Автором этой легенды дизайна был не Луиджи Бормиоли, как многие могли подумать, глядя на ребристое тело графина, а выдающийся датский дизайнер Йенс Ларсен (1950-2015), муж художницы Анны Нильсен, с которой познакомился еще во время учебы в Копенгагенской академии дизайна.

В начале 1970-х гг. Ларсен открыл небольшую студию в центре Копенгагена, где начал создавать изделия из фарфора и металла, опираясь на ремесленные традиции и руководствуясь современными тенденциями. Будучи уже состоявшимся дизайнером, в конце 1990-х гг. он размышлял над тем, как сделать традиции скандинавского дизайна еще более экологичными. Однажды, гуляя по берегу моря, он заметил, как «волны мягко перекатываются через гладкую гальку, оставляя за собой узоры на песке». Это, как утверждается, и вдохновило его на создание графина с рифлеными стенками, удобного в использовании и напоминающего о природе и ее гармонии.

Часть истории о Ларсене и графине мы намеренно скрываем и рекомендуем открыть ее, лишь в полной мере насладившись фотографиями.

Все бы хорошо, только вот история о Ларсене и его графине - ложь от первого до последнего слова, придуманная искусственным интеллектом по просьбе наших друзей. Кувшин, правда, настоящий - ребята купили его в «Максидоме». С Первым апреля вас, дорогие подписчики! Остерегайтесь подделок и цените настоящих друзей, как наши, которые после фарса с Ларсеном вручили действительно легендарный предмет - штоф No. 5, созданный Пером Люткеном!

———

A few months ago, our collection of design icons grew courtesy of our dearest friends who gave us a ribbed glass jar with a cork stopper created by a famous European designer. Contrary to your expectations, this is not a Luigi Bormioli - the jar was designed by Jens Larsen, a celebrated Danish designer who was also the husband of Danish artist Anna Nielsen whom he had met when studying at Copenhagen Design Academy.

After his graduation in the early 1970s, Larsen set up a small workshop in the center of Copenhagen and started designing porcelain and metal pieces that reflected his respect for artisanal traditions and modern trends. In the late 1990s, Larsen, already an accomplished designer, began looking for ways to make Scandinavian design even more environmentally friendly. He was once walking by the sea and noticed intricate patterns formed by sea waves that were rolling over pebbles. These patterns reportedly prompted Larsen to create a ribbed carafe that would be easy to use and remind the user of the harmony one finds in Nature.

We are intentionally hiding the continuation of this story about Larsen and would encourage you to experience the beauty of his design in these pictures before unhiding the text below.

Now, the only genuine element of this story is the jar itself. It was purchased by our friends from a general store nearby. As for Jens Larsen, everything about him is a lie our friends crafted using ChatGPT… Happy April Fools’ Day to you, folks, and all the best to our friends who did give us a true design icon after all, the No. 5 carafe by Per Lutken.

Mid-Century, More Than

30 марта 2025 21:18

Вестник постмодернизма,
выпуск №196

В продолжение вчерашней заметки и в контексте разговора о домах-книжках вспомнился выдающийся проект Доминика Перро, реализованный в рамках «Великих трудов» Франсуа Миттерана, - комплекс зданий Национальной библиотеки Франции, построенный в XIII округе Парижа в 1989-1995 гг. Интересно, что библиотечные здания укоренились не только, как сказал Миттеран, в городской почве – ища тишины и покоя, - но и во французской архитектурной традиции.

Этот ультрасовременный полупрозрачный комплекс из четырех многоэтажных башен, отсылающий к работам Миса ван дер Роэ (и неслучайно в 1996 г. награжденный премией Миса), в то же время является примером «говорящей архитектуры», феномена, известного благодаря трудам Клода-Николя Леду и Этьена-Луи Булле. Четыре башни представляют собой ни что иное, как книги, распахнутые внутрь двора-сада и ограничивающие собой ту самую зону покоя и тишины посреди бывшей промышленной зоны, которую сам архитектор охарактеризовал так: «Это не здания, а место»…

P.S. Дополнительные планы и снимки см. в комментариях к посту.

———

Sunday Postmodernism,
issue No. 196

Yesterday’s note and the book-like modernist COMECON building in Moscow have reminded us of another, albeit post-modernist, design by Dominique Perrault which became part of François Mitterrand’s Grands Projets, an ensemble of buildings completed in 13th Arrondissement in Paris between 1989 and 1995 to house the National Library of France. Interestingly, the new buildings burrowed not only, in Mitterrand’s words, into the soil “as if seeking silence and peace” but into the French architectural tradition.

An ultramodern, less-is-more kind of architecture alluding to Mies van der Rohe (and recognized as such in 1996 through the Mies van der Rohe Award), this Library is at the same time a nod to Claude Nicolas Ledoux and Étienne-Louis Boullée and the notion of architecture parlante, or speaking architecture, they created back in the 18th century. The four towers of the library were shaped like open books that face and embrace the inner garden, that place of “silence and peace” amidst what used to be industrial wastelands that Perrault himself described as “a place and not a building”…

P.S. More plans and images can be found in the comments down below.

(photos: Christian Richters, Georges Fessy, perraultarchitecture.com, arquitecturaviva.com, miesarch.com, archeyes.com)