401
Свои секреты есть даже у тех шедевров живописи, которые кажутся нам хорошо знакомыми. Все проекты: https://t.me/JaneAirr По всем вопросам: @zhanna_osipova
«Любовь ангелов в момент потопа», Эдуард Сибо
1834 г. Холст, масло. Размер: 200 х 243 см. Музей изобразительных искусств Бреста
Édouard Cibot (1799-1877) - французский художник и пейзажист. В начале своей карьеры он посвятил себя исторической живописи, создав множество священных произведений, несколько образцов которых можно увидеть в церквях Парижа.
Сюжет картины «Любовь ангелов в момент потопа» является отражением отрывка из Книги Бытия, в которой утверждается, что одной из возможных причин великого потопа стал противоречащий самой природе союз ангелов с земными женщинами.
На картине Сибо ангелы Шамхазай и Рафаил изображены несущими своих смертных возлюбленных, когда разрушительный потоп только начинается. Внизу полотна художник добавил символическое изображение Ноевого ковчега, как напоминание о грядущем спасении.
«Сирена», Луис Лоуб
1904 г. Холст, масло. Размер: 58 х 36,1 см.Частная коллекция
Известная картина американского художника-символиста Louis Loeb (1866–1909), который был очень популярен у себя в стране на рубеже XIX и XX веков. В данной работе мастер пейзажей и жанровых сцен обращается к мифологическому образу сирены (в древнегреческой мифологии — демонические существа, верхняя часть тела которых была женской, а нижняя — птичьей.). Согласно легенде, они своим обольстительным пением приманивали рыбаков, которые теряли рассудок и погибали.
На картине изображена сирена, сидящая на скале у моря. Её фигура элегантно вписана в окружающий пейзаж, который окутан атмосферой загадки и романтизма. Луоб использует приглушённые, мягкие оттенки, чтобы создать ощущение покоя и в то же время скрытой опасности. Взгляд сирены обращён в сторону моря, как будто она ожидает своих очередных жертв.
Этот сюжет был популярным в искусстве того времени, поскольку сирена символизировала человеческие страсти, соблазны и опасности, связанные с ними.
«Любовное письмо», Луиджи Крозио
1867 г. Холст, масло. Размер: 58 х 36,1 см.Частная коллекция
Luigi Crosio (1835–1916) - итальянский художник, мастер жанровой живописи. Писал в основном картины со сценами из повседневной жизни с акцентом на романтику и семейные отношения.
Картина The Love Letter - одна из самых известных работ итальянского художника. На изображена романтическая сценка с молодой дамой, ожидающей письма от своего любимого.
"Потерянный рай", Павел Петрович Попов
2004 г. Холст, масло.
После окончания средней школы автор картины служил на флоте, потом работал поваром, затем переехал в Москву и устроился слесарем на АЗЛК. В начале 1990-х произошло событие, кардинально изменившее его жизнь. Павел Попов вживую увидел картины Ильи Глазунова, после чего решил стать художником.
В 1994 он поступил в Российскую Академию живописи, скульптуры и архитектуры, где успешно учился в мастерской исторической живописи под руководством профессора Глазунова. Во время обучения стал читать Библию. Считает, что искусство помогло ему воцерковиться.
Картина «Потерянный рай, написанная в 2004 году, изображает момент осознания первыми людьми своего греховного поступка. По искушению змея, они вкусили запретный плод с дерева познания добра и зла. За это Адам и Ева были наказаны изгнанием из рая.
"Медуза", Франц фон Штук
1908 г. Дерево, масло. 72 x 82 см. Международная галерея современного искусства Ca′ Pesaro, Венеция
В основе сюжета картины — древнегреческий миф о Горгоне Медузе, взгляд которой обращал человека в камень. Когда Персей отсёк голову Медузы и успешно спасся от гнева её сестёр-Горгон, он спрятал отрубленную голову с волосами-змеями в сумку и полетел в сторону Африки.
Персей прилетел в царство Атласа, но титан встретил его очень недружелюбно. Всё потому, что когда-то Фемида предсказала ему, что сын Зевса похитит у него золотые яблоки. Гость сразу назвался Персеем, сыном Зевса, и был удивлён, когда ему приказали немедленно убираться. Разозлившись, Персей вынул из сумки голову Медузы. Атлас превратился в гору, подпирающую небосвод. Гора Атлас расположена на территории современного Марокко.
«Нефертари снова здесь», Валид Эбейд
Современный египетский художник Walid Ebeid (род. 1970), пишет тревожные картины с сюжетами, затрагивающими актуальные социальные и гендерные темы.
"На моих картинах в основном представлены женщины, поскольку они угнетены и лишены прав", – говорит Эбейд.
Нефертари — одна из самых могущественных и известных женщин за всю историю Египта, жена фараона и своего брата Яхмоса I. Иероглиф «нефер» в её имени означал «пригожая», «совершенная», «счастливая». Современные Нефертари на полотнах каирского художника Валида Эбейда (Walid Ebeid, род. 1970) тоже прекрасны, но далеко не счастливы. Обстоятельства их жизни неоднозначны, а перспективы выглядят крайне печально.
"Видение", Виктор Мадарас
1902 г Холст, масло. Размер: 68,5x55,5 см. Частная коллекция
Венгерский художник Viktor Madarász (1830—1917) был крупнейшим мастером исторической живописи. Известен романтико-патетическими полотнами по мотивам венгерской истории, жанровыми картинами и портретами.
Юношей он участвовал в революционно-освободительной войне, после ее подавления вынужден был покинуть Венгрию. Учился короткое время в Венской Академии художеств, затем в Париже в мастерской Л. Конье.
«Между богатством и любовью», Вильям Адольф Бугро
1869 г. Холст, масло. Размер: 106.5×89 см. Частное собрание #Story_academism
Картина знаменитого художника-академиста содержит в себе загадку, разгадать которую не составляет особого труда. Достаточно посмотреть на расположение героев. Похотливый старик находится слева, а влюбленный молодой челоек - справа. Это классическое для живописцев той эпохи расположение дьявола и ангела.
Девушка печальна. Ей сложно сделать выбор. Кажется, увещевания старика заставили ее задуматься. Как любой даме ей хочется богатой и красивой жизни, но сама мысль о ласках похотливого уродливого старца претит ей.
Скорее всего, она влюблена в красивого, но бедного юношу, который ничего не говорит девушке, а просто предлагает ей сердце. Да, он прекрасно играет на лютне и поет, но одними песнями, как известно, сыта не будешь. На песни не купить красивые платья, серьги, ожерелья, экипаж, запряженный красивыми скакунами.
Обратите внимание на то, как близко девушка находится к старику. Она даже слегка наклонена к нему, их волосы почти касаются друг друга.
К тому же она повернулась спиной к юноше и как бы отдаляется от него, причем сам юноша дальше от центра картины, чем старик, и дальше от девушки. Он почти уже уходит за пределы изображения, тогда как старик устремлен к середине его.
Получается, что девушка, скорее всего, уже сделала свой выбор. И этот выбор - богатство.Дьявол на этой картине победил.
"Дама, сидящая у вирджинала", Ян Вермеер (1632-1675)
Ок. 1673-75 г. Холст, масло, 51,5 x 45,5 см. Национальная галерея, Лондон
Эта картина была датирована на основании стиля примерно 1670 годом. Было высказано предположение, что она и «Молодая женщина, стоящая у вирджинала», другая картина Вермеера из Национальной галереи, являются парными картинами из-за схожего размера, даты и связанного сюжета. Однако их происхождение до 19 века различается, и Вермеер, как известно, исследовал вариации на тему в других случаях. В 19 веке обе картины находились в коллекции художественного критика Теофиля Торе, чьи статьи побудили повторно открыть Вермеера в 1866 году.
На переднем плане слева покоится виола да гамба со смычком, помещенным между струнами. На внутренней стороне крышки вирджинала изображен пейзаж, а на заднем плане — картина «Сводня» Дирка ван Бабурена (Бостон, Музей изящных искусств) или ее копия. Неясно, имеет ли сюжет «Сводни» отношение к смыслу всей работы. Вероятно, подразумевается более общая ассоциация между музыкой и любовью. Гобелен обрамляет сцену в верхнем левом углу, а плинтус в нижнем правом углу украшен делфтской плиткой.
"Распятие"/Corpus Hypercubus, Сальвадор Дали
1954 г. Холст, масло, 194,5 х 124 см. Метрополитен-музей, Нью-Йорк (Дар Честера Дейла)
Сальвадор Дали (1904-1983)— испанский живописец, график, скульптор, режиссёр и писатель. Один из самых известных представителей сюрреализма.
Изображенный на картине Христос имеет почти спортивное телосложение, без следов пыток. Жена художника Гала - религиозная фигура, свидетельница духовного триумфа Христа над телесным вредом.
27 марта 1953 года, по возвращении из Нью-Йорка, Дали объявил собравшимся вокруг себя репортерам, что собирается написать Христа ядерным и гиперкубическим. Он сказал, что это будет его первой картиной, написанной в классической технике и по академической формуле, но на самом деле состоящей из кубических элементов. Дали был убежден, что картина станет великой метафизической работой.
Дали начал эту работу в конце весны 1953 года в Порт-Льигате, но она датирована 1954 годом, годом, когда она была закончена и затем выставлена в декабре месяце в Галерее в Нью-Йорке.
«Метафизический, трансцендентный кубизм» — так Дали определяет свою картину. «Она полностью основана на «Трактате о кубической форме» Хуана де Эрреры, архитектора Филиппа II, строителя дворца Эскориал. Крест образован восьмигранным гиперкубом. Число девять идентифицируется и становится особенно единосущным с телом Христа.
Лики смерти в мировой мифологии: Донн (Ирландия)
В ирландской мифологии бог мертвых Донн ("темный", от протокельтского: Dhuosnos) обитает в Тек Дуинне ("доме Донна" или "доме темного"). На острове у юго-западного побережья Ирландии собираются души умерших. Фольклор о Донне сохранился до современной эпохи в некоторых частях Ирландии, где о нем говорят как о призрачном всаднике верхом на белом коне.
Ирландцы верят, что Донн вызывает бури и топит корабли, чтобы заполучить больше душ в свое царство. Считается, что Донн не всегда был богом – раньше он был смертным человеком. Он сын Милесиуса, который был убит в бою, когда вместе со своими братьями сражался за Ирландию. Изображали Донна чаще, как фигуру в чёрном балахоне с капюшоном.
«Рыбак и русалка» , Илайхью Веддер
1888–1889 гг. Холст, масло, 41 х 71,8 см. Музей Фогга (Гарвард)
Американский художник Elihu Vedder (1836 - 1923) считается символистом, который находился под сильным влиянием прерафаэлитов и Уильяма Блейка. Кстати, как и Блейк, Веддер был и художником, и иллюстратором, и поэтом. Известен, в частности, 55-ю иллюстрациями к подарочному изданию «Рубаи» Омара Хайяма в переводе Эдварда Фицджеральда на английский язык.
В данной работе художник исследует представляет свой вариант сирены - роковой женщины, архетип которой был очень популярным в творчестве символистов.
"Таубе", Кристофер Ричард Винн Невинсон
1916 г. Холст, масло, 63,8 х 76,6 см. Имперский военный музей, Лондон
Christopher R. W. Nevinson (1889-1946) был английским художником-пейзажистом, офортистом и литографом. Его часто называют его инициалами К. Р. В. Невинсон, он также был известен как Ричард.
Первая мировая война занимает особое место в его творчестве. Те годы были временем начала массового использования новых видов вооружения, из-за которых человек перестал играть ключевую роль.
«Таубе» (таубе переводится как «голубь», тауб — «смерть») был немецким самолетом-разведчиком, но нес бомбы, которые можно было бросать из кабины. На картине с таким названием изображена случайная гибель подростка. И название, и свидетельства взрыва бомбы подразумевают, что именно он стал причиной смерти ребенка.
Виновники его гибели намеренно исключены из кадра картины, поскольку они находятся вне поля зрения и далеки как физически, так и эмоционально от места происшествия, не имея возможности контролировать нападение или стать свидетелями его завершения. Распростертый на тротуаре, он совершенно беззащитен, и его смерть связана с нападением и войной. Однако название вызывает другие вопросы. Поскольку война требовала усилий целых стран, а технологии Первой мировой войны развивались, практически любая цель могла быть поражена, и ее легитимность была оправдана. Суд выносится не конкретно против отдельных пилотов, а против средств и методов войны. В своей автобиографии «Краски и предубеждения» Невинсон описывает эту сцену: «Дюнкерк был одним из первых городов, пострадавших от бомбардировок с воздуха, и я был одним из первых мужчин, увидевших убитого ею ребенка. Передо мной лежал маленький мальчик, символ всего, что должно было произойти».
"Вид с Ваекеро возле Христиании", Йохан Кристиан Даль
1827 г. Холст, масло, 60,5 х 96,5 см. Национальная галерея, Вашингтон, округ Колумбия
В 1811 году двадцатитрехлетний норвежский пейзажист Johan Christian Dahl (1788–1857) переехал из родного Бергена в Копенгаген, где стал учиться в Академии художеств. В своем творчестве Даль объединил интерес к голландским художникам-пейзажистам семнадцатого века, таким как Якоб ван Рейсдал и Алларт ван Эвердинген, с пейзажами своего современника Кристофера Вильгельма Эккерсберга, чьи работы он открыл для себя в Копенгагене.
В 1818 году Даль отправился в Дрездене, где попал под сильное влияние великого немецкого пейзажиста-романтика Каспара Давида Фридриха, с которым одно время делил дом.
Пйзаж "Вид с Ваекеро возле Христиании" был написан в Дрездене в январе 1827 года, после одной из поездок Даля в Норвегию. Картина проникнута меланхоличным, ночным настроением, часто встречающимся в искусстве Фридриха, и романтическими мотивами, которые часто встречается и в творчестве великого немецкого живописца: затянутая облаками луна, каменистая бухта, туманные холмы, призрачный корабль, стоящий на якоре, сохнущие сети и созерцающая пара. ночная сцена —
Сохранился аннотированный пейзажный рисунок, датированный июнем 1826 года (Национальная галерея, Осло), на котором изображен корабль и сети, висящие для просушки в Ваекерё.
"И бабочки начинают петь", Макс Эрнст
Иллюстрация к «La femme 100 têtes» 1929 г. Коллаж, 16 х 15 см. Штеделевский художественный институт, Франкфурт
В 1929 году художник-сюрреалист Max Ernst (1891–1976) опубликовал первый из серии романов-коллажей. Это был своего рода комикс, но не настоящий комикс, в котором собраны фрагменты гравюр на дереве из журналов, энциклопедий и тривиальных романов девятнадцатого века.
В коллажах разнородные элементы соединяются вместе, не образуя логического целого. Фактически, техника коллажа демократизирует их, поскольку ни один из них не доминирует над другими элементами. Без каких-либо связей нет иерархии.
La femme 100 têtes был первым романом-коллажем. Само название представляет собой коллаж значений: «Женщина со сто головами», а также «Женщина без головы». Девять глав «рассказывают» историю женщины, которую некоторые считают Марией. Ее зовут Виррварр,
Поскольку каждая страница содержит один отпечаток с кратким подзаголовком (легендой), читатель в основном следует по иллюстрациям. Хотя субтитры намеренно вводят в заблуждение, они имеют решающее значение. Например, в первой главе последовательные коллажи в целом, кажется, отвергают догму о непорочном зачатии.
«La femme 100 têtes», в которую входит представленный сегодня коллаж "И бабочки начинают петь", была опубликована 20 декабря 1929 года. Поскольку ее производство было дорогим, а продажи были низкими.
«В оккупации», Александр Александрович Дейнека
1944 г. Холст, масло; Размер: 100x195 см. Курская областная картинная галерея имени А. А. Дейнеки
А.А. Дейнека снова изображал войну. Эта была уже вторая война в его жизни... «День запаздывает. Вся земля покрыта пеленой туманов. Холод такой, что на остановках измученные люди не решаются присесть и ходят взад и вперед словно призраки, в сырой темноте. Колючий зимний ветер хлещет нас по лицу, подхватывает, уносит слова и вздохи». Барбюс А. Огонь. — М., 1967. С. 78.
Перед нами то ли шествие, то ли стояние. Первая композиционная диагональ идет слева направо. Вторая пересекает ее перпендикулярно. Все пространство заполнено едва ли не окаменевшими ликами скорби, надежды, безысходности, разочарования, горя, ненависти… Преимущественно женщины — мужчины на фронте. Лица открыты небу. Кто-то смотрит на них с неба. И как во множестве «странных» картин, созданных А. Дейнекой, этот кто-то — зритель.
Зрителю в очередной раз предложена несвойственная ему позиция. Естественная, свойственная позиция в данном случае позволила бы видеть всех только сбоку. И фигуры заслоняли бы друг друга, а отрытыми оставались только лица первого плана. Используя повторяющиеся контуры, так часто изображают людские массы. Дейнеке не нужен такой прием. Массовости он добивается, фрагментируя людскую колонну, сужая поле зрения и выхватывая из всей череды прямоугольный сегмент.
Лица и фигуры А. Дейнека подает так, как это делается в иконописи, например, в сцене «Успения Богородицы», где апостолы расставлены рядами друг над другом. Но в иконе пространство стремится к плоскости. У Дейнеки пространство глубоко и объемно.
«Икар и Дедал», Фредерик Лейтон
1869 г. Холст, масло, 138,2 × 106,5 см, частная коллекция
Британский художник XIX века Фредерик, лорд Лейтон (1830-1896) – представитель классического направления в живописи. Работал в разных жанрах, писал портреты и иллюстрации, но более всего он прославится своими картинами на античную тематику.
На картине «Икар и Дедал» он изобразил героев древнегреческого мифа на крыше башни с видом на побережье. Дедал примеряет крылья своему сыну и смотрит на Икара. Мальчик поднимает правую руку, отчасти для того, чтобы отец мог примерить крылья, а возможно, в знак силы и неповиновения, ведь вскоре они сбегут с Крита. Икар смотрит направо, предположительно в сторону материка, куда они направляются, а Дедал носит странную облегающую голову шапку, предназначенную для полёта.
Николай Александрович Сергеев (1855—1919)
"Леший и баба Яга"
Фон картины наполнен лесными пейзажами, где деревья, словно живые, прислушиваясь к разговору. Кажется, что даже они не могут сдержать улыбку, наблюдая за этой парой. Ирония ситуации заключается в том, что Леший, который сам по себе является существом, вызывающим страх у людей, пытается успокоить самую известную колдунью русских сказок.
«Гера, скрывающаяся у Океана и Тефии», Карел Фабрициус / Carel Fabritius
1645-1647 гг. Холст, масло. Размер: 77×67 см.. Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина
Судьба нидерландского художника Карела Фабрициуса (1622 - 1654) трагична. Он прожил всего 32 года, став жертвой катастрофы — погиб в результате взрыва порохового склада, расположенного недалеко от его дома в Делфте. Пожар уничтожил четверть города, в том числе дом и мастерскую художника, большинство его картин. Сейчас известно не более тридцати работ Фабрициуса (из них 17 живописных с подтверждённым авторством и несколько графических). Один из шедевров ученика Рембрандта и учителя Вермеера находится в коллекции Государственного музея изобразительных искусств имени А. С. Пушкина.
На картине «Гера, скрывающаяся у Океана и Тефии» изображена молодая женщина, которая прилегла на берегу водоема. Рядом лежит брошенный соломенный зонт… Казалось бы, ничего необычного в этой работе нет, но на самом деле — это иллюстрация одного из древнегреческих мифов. Женщина, изображенная на картине — богиня Гера, жена Зевса-громовержца.
Когда Зевс вступил в борьбу со своим отцом Кроносом за власть над миром, Гера спряталась у титана по имени Океан и его жены Тефии — именно этот момент и запечатлел художник. Одержав победу, Зевс забрал Геру с собой на Олимп, а благодарная богиня считала Океана и Тефию своими вторыми родителями и нередко мирила супругов, которые то и дело ссорились в своем дворце, расположенном на самом краю света.
«Допрос ведьмы», Томпкинс Харрисон Мэттесон
1853 г. Холст, масло. Размер: 97 × 137 см.
Существует две версии этой картины: одна находится в Музее Пибоди Эссексв Салеме, штат Массачусетс, а другая — в Портретной галерее Музея Дарвина Р. Баркера
На картине может быть изображен один из эпизодов Салемских процессов над ведьмами. В 1692 году были арестованы 150 женщин и мужчин, обвиненных в колодовстве, (19 из которых были приговорены к смертной казни). Среди осужденных была Мэри Фишер, допрос которой и изобразил американский художник.
Обратите внимание, как её позорно раздевают, чтобы определить, была ли она ведьмой, но на ней есть ведьмин знак, подтверждающий её вину.
Сюжет картины основан на цитате из книги Джона Гринлифа Уиттьера «Сверхъестественное в Новой Англии»: «Мэри Фишер, молодая девушка, была схвачена заместителем губернатора Беллингемом в отсутствие губернатора Эндикотта и позорно раздета с целью выяснить, была ли она ведьмой с меткой дьявола на теле».
"Давид и Ависага", Педро Америко
1892 г. Масло на холсте, Размер: 47 x 65 см. Частная коллекция
Педру Америку ди Фигейреду и Мелу (1843,-1905) — бразильский художник, писатель и поэт.
Сюжет картины взят из мифа о Ависаге Сунамитянки и царе Давиде. Молодую девочку-подростка, которая только-только начинает оформляться в прекрасную девушку, привозят во дворец к постоянно мерзнущему царю Давиду. Своим юным жарким телом Ависага Сунамитянка должна согреть дрожащего семидесятилетнего старика.
Скудость информации об Ависаге, загадочность ее отношений с Давидом, борьба за царский трон между сыновьями Давида, в которой она становится разменной пешкой, ее отношения с Вирсавией будоражат вот уже несколько веков фантазии писателей, поэтов и художников. Каждый из них дописывает, домысливает, дорисовывает...
Библейская история старика и молодой девушки в XVIII-XIX веке имела неожиданный поворот: она превратилась в прием омоложения: старики стали брать себе в любовницы или жены невинных молодых девушек, надеясь, что это продлит им жизнь. И назывался этот метод по имени Ависаги - «сунамитизм». Отсюда и русская традиция неравных браков - стариков с молоденькими девушками, корни которого вряд ли знакомы брачующимся.
"Остров Калипсо", Герберт Джеймс Дрейпер
1907 г. Холст, масло, 84 х 147,3 см. Городская галерея Манчестера, Великобритания
Последователь прерафаэлитов Herbert James Draper (1863 – 1920) получил широкую известность благодаря своим женским образам. Его волшебные дамы – это героини мифов, легенд и литературных произведений.
"Остров Калипсо -мМифологическая сцена с обнаженной женщиной на скалистом берегу, взгляд которой устремлен в темное море. Она сидит спиной к зрителю, темные волосы прижаты на голове и украшены красным плетением. В правой руке она держит зеркало, а в другой - коралловое ожерелье. На заднем плане видно скалистое побережье.
Кали́псо или Калипсо́ — в древнегреческой мифологии нимфа острова Огигия, куда однажды нелёгкая судьба занесла Одиссея. Нимфа влюбилась в героя и всячески пыталась удержать его рядом с собой. Пела очаровывающие песни, манила рассказами о вечной молодости. Таким образом Калипсо удавалось удерживать Одиссея в плену далеко 7 лет.
Тоскуя по родным краям, друзьям, по своей жене Пенелопе, он страстно желал вернуться домой. Вот только Калипсо желала абсолютно другого. И всё это продолжалось до тех пор, пока сама Афина не решила вмешаться. Благодаря её участию, Зевс пожалел героя и послал Гермеса на остров Огигский с приказанием вызволить Одиссея.
Интересная история
Однажды Тициан выронил из руки кисть…
На первый взгляд эта ничем не примечательная сцена (а вернее - её обстоятельства) вошла в историю, и исследователи спорят по сей день - не легенда ли это. Ведь она настолько любопытна:
Ведь именно в этот момент итальянский художник работал над парадным портретом короля Испании Карла V Габсбурга, императора Священной Римской империи. Вероятнее всего, правитель в этот момент сидел в кресле (1).
Так вот, когда кисть оказалась на полу, император тут же поднял её и сказал легендарную фразу: "Услужить Тициану почётно даже императору".
Вот как!
Эта история вполне может быть правдой, ведь императора и художника связывают долгие годы творческих взаимоотношений (3), а посол императора в Венеции отзывался о Тициане как о "лучшем на свете рисовальщике с натуры".
"Портрет Карла V в кресле" служил своеобразным противопоставлением чуть ранее выполненной картине Тициана, где правитель предстал в латах на коне в сражении при Мюльберге (2).
Карлу V 48 лет. Однако выглядит он, по мнению большинства исследователей, старше. Король уже думает об отречении. Монарха мучает подагра и глубокая меланхолия, однако прямо сейчас лицо озаряет лёгкая спокойная полуулыбка.
Испанский правитель изображён в интимной обстановке в тёмном одеянии без ярко выраженных атрибутов королевской власти. На его происхождение явно указывают лишь шпага и династический орден Золотого руна на шее. Испанские короли из рода Габсбургов всегда позировали с ним вплоть до первой половины XVIII века.
Бархатное кресло и настенный орнамент в пространстве большого зала служат своего рода метафорой трона. Во владении короля - земли, заметные вдали.
«Икар и Дедал», Шарль Поль Ландон
1799, холст, масло, 54 × 43,5 см, Музей изящных искусств и кружевной мануфактуры в Алансоне, Франция
Французский живописец, гравёр и историк искусства Charles Paul Landon (1760–1826) писал исторические сюжеты в псевдоклассическом духе Л. Давида. На данной картине он изображает момент, когда Икар взлетает с вершины башни, вытянув руки и отталкиваясь ногами от воздуха во время своего первого полёта. Дедал стоит позади, всё ещё держа руки вытянутыми вперёд после того, как он запустил своего сына.
Согласно легенде, пара пролетела над рыбаком, держащим удочку, пастухом, опирающимся на посох, и пахарем с плугом, поразив их своим видом. Они пролетели мимо Делоса и Пароса и приблизились к другим островам, но Икару слишком понравилось ощущение полёта, и он взмыл слишком высоко. Когда он приблизился к солнцу, воск, скреплявший перья на его крыльях, расплавился, и крылья распались.
Падая с неба, Икар позвал своего отца, прежде чем войти в воду в месте, которое теперь известно как Икарийское море, между Кикладскими островами и побережьем современной Турции. Всё, что Дедал мог видеть, — это перья, остатки крыльев, на поверхности воды.
"Закрытый сад", Дэвид Джонс
1924 г. Дерево, масло, 35,6 х 29,8 см. Галерея Тейт Британия, Лондон
Автор картины — британский художник и поэт-модернист David Jones (1895–1974). Его творческая жизнь во многом определялась двумя переживаниями. Во время Первой мировой войны он служил на Западном фронте, и это событие он считал эпическим и наполненным религиозным, моральным и мифическим подтекстом, в котором Божественная Благодать проявляла постоянное присутствие. Вторым опытом стало его обращение в католицизм в 1921 году.
Моделями для картины "Закрытый сад" стали сам Джонс и Гилла Петру. Картина была написана в честь их помолвки в июне 1924 года, когда Петре еще не исполнилось восемнадцати. Название отсылает к Песне Песней, глава 4, ст.12: «Сад закрытый — сестра моя, супруга моя». Огороженный сад также часто используется как символ девственности Девы Марии. Гуси, посвященные классической богине Юноне и ассоциирующиеся с молодыми девушками, убегают от обнимающейся пары, встревоженные их страстью. Кукла на земле может символизировать потерянное детство.
«Портал Руанского собора в утреннем свете», Клод Моне
1894 г. Холст, масло. Размер: 100x65 см. Музей Дж. Пола Гетти
Одна из картин французского художника-им прессиониста, вошедшая в знаменитую серию «Руанский собор». Всего в этой серии Моне написал 35 картин: 28 видов самого собора вблизи, 4 общих городских плана Руана с явной доминантой собора, 3 вида примыкающего к собору двора Альбана с пристроенным к собору домом и улицей Эписери, ведущей к собору.
Главная задача художника — демонстрация зрителям постоянства и изменчивости. Чтобы выполнить эту задачу, Моне организовал себе импровизированную студию напротив Руанского собора в передней комнате мастерской портнихи. Это дало ему возможность писать серию в любое время и погоду.
Из всех созданных картин художник выбрал около двадцати, которые счел наиболее интересными и законченными, для выставки в 1895. В их число вошло и полотно, представленное в экспозиции Музея Гетти. Серия была очень хорошо принята публикой и имела коммерческий успех.
"Мэрилин: Золотая девочка". Одри Флэк
1978 г. Холст, акрил, масло, 48 х 60 см.Галерея Гэри Снайдера, Нью-Йорк
Audrey Flack (р. 1931г.) — американская художница, фотограф и скульптор. Получила почётную докторскую степень Купер Юнион…
Уроженка Нью-Йорка Одри Флэк получила образование в Йельском университете В своих ранних работах художница отдавала предпочтение абстракционизму, затем перешла к «ироническому китчу», «новому реализму» и фотореализму, прежде чем создать свой собственный уникальный бренд — - то, что можно описать только как "необарочный поп-фотореализм".
На данной картине представлена трагическая королева коммерциализированной красоты Мэрилин Монро. Кинозвезда стала навязчивой идеей поп-художников, которые сделали ее «самой "нарисованной" женщиной» в истории искусства после Девы Марии.
Вот рецензия Джулиана Креймера на картину для «Искусства в Америке»:
В картине «Мэрилин: Золотая девочка» (1978) лицо кинозвезды в черно-белом изображении предстает один раз как полностью, а затем под косым углом, словно отражаясь в зеркале. Размещенный среди красочных тюбиков для губной помады, зажженной красной свечи и кексов с вишневым верхом, нарисованный биографический текст повествует о случае из детства Мэрилин, когда к ней неожиданно благосклонно отнесся учитель, который припудрил девочку нос вместо того, чтобы избить ее после того, как она убежала из школы. ее приют. Последняя строка гласит: «Потому что, пока пудра рассыпается и поднимается зеркало, она дает представление о будущем художнике, задумавшем великий план в мгновение ока — можно было бы превратить себя в инструмент своей воли». Словно иллюстрируя это, две радуги, густо нанесенные мастихином, ломают гладкую поверхность картины. Смелость Флэк заключается в том, чтобы относиться к иконе Мэрилин искренне, избегая любых насмешек и критики, а также в сочувствии, используя эти радуги, чтобы провести параллель между собственным изобретением Мэрилин и ее собственным.
Фотографии Флэка, наполненные предметами — часами, расположенными среди ярких фруктов и косметики на фоне свечей, — переосмысливают моралистический натюрморт европейской традиции и американский обман XIX века. (Вы можете увидеть подвесные веревки и провода, которые отсутствуют на картинах.) Что обезоруживает и, как следствие, мощно, так это отсутствие иронии в выборе, который она делает. Съемка в насыщенных, насыщенных цветах (ее изображения изначально были созданы в виде слайдов для рисования, но для этого шоу были напечатаны в формате Cibachromes), использование объектов, которые указывают на прошлое, но заметно современны: на оранжевом цвете написано «Sunkist», на игральных костях представляют собой прозрачную зеленую смолу — кажется, ей нравится видеть, как далеко она может продвинуть изображения, сохраняя при этом основную тему vanitas.
"Цирк", Джордж Уэсли Беллоуз
1912 г. Холст, масло, 86 х 111,8 см. Галерея американского искусства Аддисон, Андовер, Массачусетс (Дар Элизабет Пейн Меткалф)
На протяжении всего своего детства в Колумбусе, штат Огайо, George Bellows 1882–1925) большую часть времени проводил между спортом и искусством. После колледжа Беллоуз отклонил предложение о профессиональной спортивной карьере в бейсбольной команде «Цинциннати Редс», вместо этого сделав карьеру художника. Вопреки желанию отца, Беллоуз поступил в Нью-Йоркскую школу искусств в 1904 году.
В своих работах он старался отражать существующие социальные проблемы начала двадцатого века, особенно в Нью-Йорке. Его карт ины считались грубыми, а порой даже вульгарными. Критики отмечали специфический выбор тем — доки, уличные сцены и бои на ринге и без правил. Беллоуз при жизни пользовался успехом, благодаря боксерским изображениям, демонстрирующим его страстный интерес к спорту. Вторым увлечением художника был цирк. Эта страсть нашла отражение в в представленной сегодня работе, а также в других картинах.
"Белый кот", Махмуд Саид Бей
1948 Г. Масло, дерево, 26,3 х 32 см. Коллекция Barjeel Art Foundation, Шарджа
Считающийся одним из основоположников современной египетской живописи Mahmoud Said Bey (1897–1964) не был профессиональным художником. Его картины, изображающие космополитическое сообщество его северного портового города, занимают центральное место в истории современного искусства Египта. Его яркие полотна продолжают привлекать зрителей своим ошеломляющим разнообразием образов: от обнаженных египтянок до стилизованных ливанских пейзажей и гламурных александрийских аристократов.
Его стиль отличается упрощенными, почти декоративными композициями в насыщенных цветах, изображающими людей и места элитной александрийской общины, а также более «традиционных» египтян на фоне воображаемых пейзажей.
Саид представляет особое александрийское отношение к живописи, которая изображала космополитическое средиземноморское сообщество и избегала более откровенных националистических образов своих каирских коллег. Необычность его работ продолжает привлекать и мистифицировать зрителей и по сей день.
«Дома», Валентина Алексеевна Агабабаева-Шебашева
1955г. Холст, масло.Частная коллекция
Выпускница Алма-Атинского театрально-художественного училища и Московского государственного художественного института им. В.И.Сурикова Валентина Алексеевна Агабабаева-Шебашева известна, прежде всего, своими жанровыми композициями. Некоторые из них посвящены семейным ценностям.
На картине «Дома» изображена простая советская семья – молодые супруги и их первенец. Мать наливает воду в ванночку, чтобы искупать ребенка, которого бережно держит в руках счастливый отец. Сколько света и любви излучают простые лица героев картины, от которой веет теплом и уютом. Это маленькая идиллия семьи, выражающаяся в повседневных мелочах.
«Дом - это место, где тебя всегда ждут. Счастлив тот, кто счастлив у себя дома».
Л.Н. Толстой
Уважение, почитание семейных традиций (например, совместные чаепитие). Оно выражается в уважении к индивидуальности каждого члена семьи. Именно в окружении близких дети учатся правильно выражать свои чувства, доброту и щедрость, уважение и ответственности за свои поступки, любовь, доверие и честность.
