401
Свои секреты есть даже у тех шедевров живописи, которые кажутся нам хорошо знакомыми. Все проекты: https://t.me/JaneAirr По всем вопросам: @zhanna_osipova
"Диана и нимфы, атакованные сатирами", Питер Пауль Рубенс
1640 г. Холст, масло. Размер: 129.5×315.2 см. Национальный музей Прадо, Мадрид
Сатиры, в греческой мифологии духи лесов, демоны плодородия, вместе с силенами входившие в свиту Диониса, в культе которого они играли решающую роль. Эти падкие на вино создания бородаты, покрыты шерстью, длинноволосы, с торчащими рожками или лошадиными ушами, хвостами и копытами; однако торс и голова у них человеческие. Хитрые, задиристые и похотливые, сатиры резвились в лесах, гонялись за нимфами и менадами, устраивали злые каверзы людям.
"Смерть едет на бледном коне", Гюстав Доре
Гравированная иллюстрация № 237 к Библии (1866 г.)
В 1866 году французский художник, гравёр и иллюстратор Гюстав Доре (1832–1883) опубликовал серию из 241 гравюры на дереве для нового роскошного издания французского перевода Библии Вульгаты 1843 года, широко известного как Библия де Тура. Это новое издание имело огромный успех. Иллюстрации Доре воспроизводились бесчисленное количество раз по всему миру, оказывая такое влияние на изобразительное искусство и массовую культуру, которое трудно измерить.
Четыре всадника Апокалипсиса — персонажи встречающиеся в рассказе о Судном дне — шестая глава Откровения, записанная Иоанном Богословом в период его изгнания на острове Патмос, которые символизируют различные формы бедствий и страданий. Их появление предвещает разрушение Земли и гибель человечества. Являются носителями первых четырёх печатей
На данной иллюстрации изображен Четвертый всадник Апокалипсиса — энциклопедия— Смерть, едет на бледном коне
Вот соответствующий отрывок из Библии короля Иакова:
«И когда он снял четвертую печать, я услышал голос четвертого зверя, говорящий: иди и смотри.
И взглянул я, и вот конь бледный, и имя сидящему на нем Смерть, и Ад следует за ним. И дана им власть над четвертой частью земли, чтобы убивать мечом, и голодом, и смертью, и зверями земными».
«Принуждение к проституции», Аксель Вальдемар Йоханнесен
1915 г. Холст, масло, 41 x 31 см, частная коллекция
В свое время норвежский художник-экспрессионист Aksel Waldemar Johannessen (1880-1922) был очень популярен. Известен своими жанровыми картинами с бытовыми сюжетами.
Одна из самых обсуждаемых и критикуемых его работ «Принуждение к проституции» затрагивает острую социальную проблему продажной любви. Сюжет ее прост и понятен. Сладострастный тип с отталкивающей внешностью обращается с непристойным предложением к бедной девушке, которая, по всей видимости, испытывает материальные трудности. Опустив свой взор, смущенная дама раздумывает над предложением. Чем закончится эта история, мы не знаем
"Куллерво, полный сожаления", Аксели Галлен-Каллела
1918 г. Бумага, гуашь, 69 х 69 см. Частная коллекция
Куллерво в финском эпосе "Калевала" - мстительный, психически больной, трагический сын Калерво. В детстве он подвергся жестокому обращению и был продан в рабство Ильмаринену. Жена Ильмаринена заставляет его работать и жестоко с ним обращается, которую он позже убивает.
Куллерво - заблудший и проблемный юноша, не в ладах с самим собой и своим положением. Он часто впадает в неистовую ярость и в конце концов совершает самоубийство.
Akseli Gallen-Kallela (1865–1931) — выдающийся художник, сформировавший и развивший финский национальный стиль в живописи.
"Индийский воин", Диего Ривера (1886–1957)
1931 г. Фреска. Музей современного искусства, Нью-Йорк
В декабре 1931 года в Музее современного искусства состоялась крупная выставка работ Риверы. Это была всего лишь вторая ретроспектива в музее, и она пользовалась бешеной популярностью, побив рекорды посещаемости за пять недель. Ривера уже стал международной знаменитостью. Он был самой заметной фигурой в мексиканском мурализме, крупномасштабной инициативе паблик-арта, возникшей в 1920-х годах после Мексиканской революции. Но его фрески — по определению закрепленные на одном месте — было невозможно перевезти.
Чтобы решить эту проблему, музей привез Риверу в Нью-Йорк за шесть недель до открытия выставки и предоставил ему импровизированную студию в пустой галерее. Там художник создал пять «переносных фресок» — отдельно стоящих фресок, посвященных событиям в истории Мексики. - - которые были широко представлены на выставке. После открытия, получив широкую огласку, Ривера сделал еще три фрески, взяв за основу современные сюжеты Нью-Йорка через монументальные изображения города во время Великой депрессии. роль в формировании дебатов о социальной и политической ценности паблик-арта в период экономического кризиса.
Из всех панелей, сделанных Риверой для Музея современного искусства, «Индийский воин» восходит к самой глубокой истории Мексики, к испанскому завоеванию начала 16 века. Ацтекский воин в костюме ягуара наносит удар конкистадору в доспехах. с каменным ножом. Стальной клинок испанца — эмблема европейских претензий на превосходство — лежит сломанным рядом. Рыцари-ягуары, члены элитного военного ордена ацтеков, согласно легенде, были известны своим боевым мастерством, благодаря своим устрашающим костюмам; им овладеть силой животного в бою. Резкое представление комиссии о праведном насилии послужило мезоамериканским прецедентом недавней революции в Мексике, а также ее продолжающейся борьбы.
«Маргарита на шабаше», Паскаль Адольф Жан Даньян-Бувре
1911 год. Холст, масло; 165,4×125,3 см. Муниципальный музей Коньяка, Франция
Картина, вдохновленная легендой о Фаусте, кому-то покажется излишне театральной, но выглядит она очень эффектно. В ней есть сила, потому она приковывает внимание.
История Фауста общепризнанно считается шедевром Гёте и величайшим произведением немецкой литературы. Паскаль Даньян-Бувре использует свет для усиления драматического эффекта в своей картине. Маргарита в отчаянии от того, что позволила Фаусту соблазнить себя, убила ребенка, рожденного от этого союза, и собирается покончить с собой. Но ее бросают в тюрьму.
Фауст, который бросил девушку, чтобы заняться другими удовольствиями, посещает шабаш в компании Мефистофеля. Внезапно, выходя из адского пламени, ему приходит видение: Маргарита, бледная, как привидение, встает с мертвым ребенком на руках. Это видение приведет его к покаянию.
Французский художник-реалист.представитель академизма Paskal Dagnan-Bouveret) (1852—1929) отображает этот момент, оставаясь очень близким к тексту Гёте ..
Желаю в Новый год вернуться в сказку
И в чудеса поверить, есть они!
Снять груз забот, усталости снять маску,
Зажечь скорей бенгальские огни.
Пусть под удары, что звучат в двенадцать,
Мечты, что глубоко живут в душе,
Начнут вдруг неожиданно сбываться,
Почувствовать себя на кураже.
Чтоб отпустили хлопоты, заботы,
Чтоб праздником пропитан был весь дом.
Почувствовать себя судьбы пилотом,
Чтоб отдыхать за праздничным столом.
Пусть Новый год в свой белый, чистый листик
Напишет план: Любовь, уют, успех
И счастье необъятное для жизни!
Пусть льется беззаботный, звонкий смех.
Пусть этот план по пунктикам исполнит.
И лишь с добром в дом поскорей войдёт.
Сердца любовью искренней наполнит.
Пусть чудо в Новой год произойдёт.
@pozzdrav
#новыйгод
«Новый год», Владимир Александрович Акиншин
2023 год. Холст, масло. Размер: 90х70 см.
На картине московского художника запечатлен момент из жизни семьи, где любят новогодний праздник и с любовью к нему каждый год готовятся. Котов и кошек всегда привлекают яркие, украшенные гирляндами и игрушками новогодние елки и нет для них нет более святой цели, чем уронить ее на пол. Возможно, герой этой картины также задумал что-то недоброе, хотя будет атака или нет, нам неведомо.
Константин Маковский (русский, 1839-1915) Русалки (1885)
Бумага, гуашь, перо и тушь, 44 х 30,5 см.
Частная коллекция
В 1879 году на седьмой выставке передвижников Константин Маковский выставил свою картину "Русалки" (ныне находится в собрании Государственного русского музея, Санкт-Петербург). Картина была написана в Качановке, имении украинского помещика В.В. Тарновского, где художник и его семья проводили каждое лето до 1888 года. Настоящее исследование является одной из великолепных вариаций художника на тему "Русалок", популярного сюжета, который он изображал множество раз.
"Дом Смерти (Дом Лазаря)", Уильям Блейк
Ок. 1795 г. Монотипия с цветной печатью, выполненная пером и акварелью, 48,5 х 61 см.Галерея Тейт Британия, Лондон
William Blake (1757–1827) - английский поэт, художник, философ.Трудно сказать, кем был Блейк «в первую голову» — художником или поэтом. Он не получил признания при жизни, критики считали Блейка почти безумным, но со времени его смерти становилось всё яснее: гениальный иллюстратор Данте, Мильтона и Библии был одновременно и гениальным поэтом-романтиком.
Источником сюжета для картины "Дом Смерти (второе название "Дом Лазаря")" является «Потерянный рай» Мильтона, книга XI, в которой архангел Михаил дает Адаму представление о том, какие страдания его проступок обрушит на его потомство. Бородатый мужчина с безумными глазами, парящий над несчастными прокаженными, — олицетворение Смерти. Строки 477–93 гласят:
... Сразу место
Перед глазами его предстало грустное, шумное, темное;
Похоже, это был лазарет; где были заложены
Число всех заболевших; все болезни
От ужасных спазмов или мучительных пыток,
От сердечной агонии, всех лихорадочных видов,
Судороги, эпилепсии, жестокие катары,
Кишечные камни и язвы, колики,
Демоническое исступление, стонущая тоска,
И лунное безумие, тоскливая атрофия,
Маразм и разрушительная моровая язва,
Водянки, астма и мучительные насморки.
Ужасно было метание, глубокие стоны; Отчаяние
Ухаживал за самыми занятыми больными с кушетки на кушетку;
И над ними торжествует Смерть, его дротик
Встряхнул, но отложил удар, хотя часто вызывал
С клятвами как главным благом и последней надеждой.
"Мои люди", Исаак Фридлендер
1942 г. Гравюра по дереву на кремовой бумаге, 48 х 35,5 см. Чикагский институт искусств (Коллекция Джойс Тернер Хилкевич)
Isaac Friedlander (1890–1968) родился в Митау, Латвия. В шестнадцать лет его арестовали и приговорили к смертной казни вместе с несколькими его одноклассниками за протесты против обязательного ношения униформы и комендантского часа по выходным. Его одноклассников расстреляли, а Фридлендеру приговор заменили пожизненным заключением. К счастью, сделанные им портреты тюремных надзирателей и их детей привлекли внимание местного функционера, который поспособствовал его освобождению.
Мать Фридлендера, опасаясь нового противостояния сына с властями, продала свои драгоценности и отправила его в Италию. Там, в Римской академии, он изучал живопись и гравюру — единственное формальное художественное образование, которое он когда-либо получал.
После свержения царского режима Фридлендер на деньги, подаренные ему Максимом Горьким, с которым он подружился, вернулся на недолговечную свободу в свою родную Латвию, где преподавал искусство на протяжении 1920-х годов. Затем, в 1929 году, при поддержке своего двоюродного брата Джозефа Хиршхорна, он начал свою долгую и разочаровывающую одиссею в качестве иммигранта, направлявшегося в Америку.
Когда он, наконец, прибыл в Соединенные Штаты, Фридлендер обнаружил вместо страны испытаний и возможностей страну, оказавшуюся в тисках Великой депрессии. Человеческие страдания, безработица и отчаяние были повсюду, куда бы он ни посмотрел. Однако для него лишения и человеческая борьба с ними были единственным известным ему образом жизни.
Действительно, его искусство прочно укоренилось в образах человеческих страданий и борьбы человека с невзгодами. Поэтому было вполне естественно, что его искусство в те годы депрессии сосредоточилось на жизни и страданиях угнетенных, которых он встречал бродящими по улицам Нью-Йорка.
В годы войны 1940-х годов он был глубоко обеспокоен сообщениями о страданиях и преследованиях своего народа по всей Европе, где доминировали нацисты. Почувствовав в юности на собственном опыте всю глубину бесчеловечности человека по отношению к своим собратьям, он теперь создал свои душераздирающие и сильные отпечатки Холокоста. Гравюра "Мои люди" является ярким выражением этой человеческой трагедии.
"Роза", Томас Аншуц
1907 г. Холст, масло, 147,3 х 111,4 см. Метрополитен-музей, Нью-Йорк (Фонд Маргариты и Фрэнка А. Косгроув-младших)
Американский художник, соучредитель школы Дарби Thomas Pollock Anshut (1851–1912) известен своими портретами и жанровыми сценами.
После Гражданской войны в США началась эпоха, которую Марк Твен назвал «позолоченным веком» — эпоха Дж. П. Моргана, Джона Д. Рокфеллера и баронов-разбойников. А там, где появляется новое богатство, наверняка найдется множество художников, нанятых для увековечения памяти его владельцев. В течение десятилетий после 1870 года американская портретная живопись достигла элегантности, которая могла соперничать с элегантностью британской портретной живописи XVIII века. и расточительность, которую предыдущие поколения считали неприличной.
Картина "Роза" - одна из серии впечатляющих изображений Ребекки Х. Уэлен, дочери попечителя Пенсильванской академии изящных искусств, где преподавал Аншуц. Свободная и красивая женщина с цветком — распространенная тема в американской живописи конца девятнадцатого века. Портрет, написанный Томасом Аншуцем, отражает современное определение собственно сферы женщины: досуг, красота и эстетика, а также гармониния домашней среды.
«Роза» отражает одновременное признание Аншуцем академической строгости и психологических исследований Икинса и живописной свободы Джона Сингера Сарджента. Изображая молодую женщину созерцательной, но в то же время интеллектуально и эмоционально активной, Аншуц также предвосхищает более приземленных женщин, нарисованных членами Школы Ашкана и другими реалистами двадцатого века.
"Прощание (Прощай)", Артур Хакер
1913 г. Холст, масло, 153 х 122,2 см. Частная коллекция
Arthur Hacker (1858-1919) - английский художник викторианской эпохи, писавший в стиле неоклассицизма. В своё время был популярен и финансово успешен.
Картина "Прощай" была написана ближе к концу долгой и успешной карьеры Артура Хакера и, казалось бы, почти в преддверии Первой мировой войны с ее необратимыми переменами, которые она вызвала. В этой неземной композиции две женщины молча расстаются в густом, атмосферном лесу. Страстоцвет, загадочно упавший на землю, а также трогательное название, вызывающее воспоминания, только усиливают драматический эффект.
"Лед ломается" (Радуга над Стекборном), Отто Дикс (немец, 1891–1969)
1940 г. Дерево, смешанная техника, 65 х 85 см. Фонд Отто Дикса, Вадуц
Творчество Отто Дикс (1891-1969) соответствует высоким традициям немецкого искусства. Его называют наследником великих немецких живописцев, таких, как Дюрер, Альтдорфер и Кранах. В эпоху авангардных художественных поисков и рождения абстрактного искусства всё, что его интересовало, - это одержимая, непредвзятая фиксация окружающей действительности, людей и ландшафтов.
В нацистской Германии Отто Дикс был отнесён к представителям так называемого «культурбольшевизма» и «дегенеративного искусства». После обыска и увольнения Дикс уезжает с семьей жить в деревню, в старый замок, который принадлежал бывшему мужу Марты, жены Дикса.
Он занимает денег у своего арт-дилера, чтоб купить печку и провести электричество – и начинает писать нейтральные пейзажи, среди которых пейзаж "Лед ломается" (второе название "Радуга над Стекборном"). В то время художник страдал от безденежья. Ему пришлось писать подобные картины, чтоб хоть немного подзаработать.
"Дракон и тигр", Хасэгава Тохаку
1606 г. Пара шестипанельных складных ширм; бумага, тушь, 154,2 х 340 см.
Бостонский музей изящных искусств
Японский художник Хасэгава Тохаку (1539–1610) считается одним из великих живописцев периода Адзути–Момояма . Наиболее известен своими складными ширмами бебу, такими как "Дракон и тигр".
Дракон и тигр, изображенные художником, олицетворяют элементы воды и ветра в китайской космологии: жуткий дракон вызывает дождевые облака, грозы и молнии, а тигр олицетворяет ужасную, непредсказуемую силу ветра.
Хасэгава Тохаку начал свою творческую карьеру как художник буддийских картин в своей родной провинции Ното. К 20 годам Тохаку стал профессиональным художником. Он изучал стили живописи тушью более старых периодов Сун, Юань и Муромати, исследуя свитки Му Ци и Сэссю Тойо. Тохаку разработал свой собственный стиль сумие, который во многом отличался от смелых техник, характерных для школы Кано, и отсылал к минимализму своих предшественников.
Школа, основанная Хасэгавой Тохаку, сегодня известна как школа Хасэгава. Эта школа была небольшой и состояла в основном из Тохаку и его сыновей. Они сохранили тихую и сдержанную эстетику Тохаку, которую многие приписывают влиянию Сэссю, а также его современника и друга Сэн-но Рикю.
"Обливание", Николай Иванович Фешин
1914 г. Холст, масло. Размер: 236 х 329 см. Государственный музей изобразительных искусств Татарстана, Казань
Николай Иванович Фешин (1881-1955) — русский и американский художник (живописец, график, скульптор, резчик), представитель импрессионизма и модерна. В детстве он чуть не умер от менингита. В 13 лет он поступил в недавно созданное Казанское художественное училище — филиал Императорской Академии художеств в столице Санкт-Петербурге.
В 1909 году Фешин получил высшее образование с высшим баллом, а его последнее конкурсное полотно принесло ему Римскую премию. Путевая стипендия позволила ему посетить и учиться в художественных столицах Европы в 1909 году. В следующем году он выиграл золотую медаль на ежегодной Международной выставке в Мюнхене. Фешина пригласили показать свои работы на международной выставке в Институте Карнеги в Питтсбурге, штат Пенсильвания, в 1910 году. В том же году он начал продавать свои работы в Соединенных Штатах через W.S. Стиммель, покровитель из Нью-Йорка.
Вернувшись из путешествия, Фешин возобновил преподавание в Казани, где преподавал десять лет. Он был популярным инструктором. У него был менее требовательный стиль уроков, чем изнурительные упражнения, которые его заставляли выполнять в Имперской Академии. Среди его учеников был Константин Чеботарёв.
В 1910 Фешин вошел в число основателей Коммуны художников. Выставлялся с Передвижниками с 1912 по 1922 год и с Товариществом художников революционной России (АХРР) с 1922 по 1926 год. Кроме того, с 1920 по 1922 год он оформлял декорации и другие сценические элементы для театра.
«Моя нянька и я», Фрида Кало
1937 г. Металл, масло. Размер: 30.5×37 см. Музей Долорес Ольмедо-Патиньо, Мехико #Story_symbolism Примитивизм (Наив)
Картина «Моя нянька и я» входит в серию работ Фриды Кало, запечатлевших главные события её жизни. Идею этого проекта подсказал Фриде ее муж - художник-монументалист Диего Ривера.
Темная, брутальная фигура кормилицы с доколумбовой погребальной маской на лице, воспринимается как продолжение грозного и тяжелого небо, которое поит природу каплями влаги. Женщина кормит безвольно лежащего младенца с головой Фриды Кало. Молоко стекает в ее рот с одной отмытой, светящейся узорами груди. Молочные капли из дргуой, темной груди падают на ноги ребенка.
«Моя нянька и я» - автобиографичная картина. После рождения Фриды ее мать заболела, ребенка некоторое время кормила индейская няня. Художница с гордостью говорила об этом факте: «Меня кормила индейская няня, чьи груди омывали каждый раз, как только я требовала молока».
Причина того, что Фрида-ребенок изображена с головой взрослой Фриды заключается, скорее всего, в том, что у художницы не сохранилось практически никаких детских воспоминаний, и она часто повторяла, что "родиласть уже взрослой". Эту картину можно воспринимать как мифический символ мексиканских корней художницы.
"Актер Итикава Итидзо III в роли Рокусабуро ", Утагава Кунисада (1786-1865)
1858 г. Цветная гравюра на дереве, 37 х 25 см. Музей Фицуильяма, Кембридж, Великобритания
Изображенная здесь фигура, смело борющаяся с гигантской рыбой, — это Плотник Рокусабуро, герой популярной японской пьесы Кабуки. Надпись слева от гравюры идентифицирует персонажа, чьи черты лица узнаваемы чертами почитаемого актера Итикавы Итидзо III. Эта гравюра была сделана для рекламы представления в театре Морита в Эдо (современный Токио) в июле 1858 года.
Кабуки зародился в Киото, но к моменту создания этой гравюры главным центром был Эдо, а точнее район Ёсивара. Это был квартал развлечений Эдо, центр так называемого «плавающего мира». Здесь были бордели и чайные, рестораны и кукольные театры. Большинство гравюр, созданных в Японии между 1603 и 1868 годами, когда закончился период Эдо, изображают сцены этого учтивого, беззаботного образа жизни. Они известны как укиё-э — «изображения парящего мира».
Актеры Кабуки были иконами в этом обществе. С 1629 года в пьесах Кабуки было разрешено играть только мужчинам, и это привело к появлению оннагата – актеров, специализировавшихся на женских ролях. Несмотря на периодические попытки правительственных реформаторов подавить то, что они считали аморальной формой развлечения, Кабуки процветал.
Утагава Кунисада был одним из самых плодовитых гравёров в Японии XIX века, и большинство его работ изображают актеров Кабуки, некоторые из которых были личными друзьями художника. В картуше слева, в правом нижнем углу гравюры, стоит его подпись: Тоёкуни га. Тоёкуни — это имя, которое Кунисада унаследовал от своего учителя; га означает «привлеченный». Справа — ранний триптих художника из Фицуильяма, изображающий легендарный поединок по борьбе сумо между Матано Горо Кагехисой и Кавазу-но Сабуро Сукеясу. Этот бой часто воспроизводился как предисловие к пьесам Кабуки о Кавазу и его сыновьях.
«Похороны египетской кошки», Джон Рейнхард Вегелин
1886 г. Холст, масло. Размер: 99 на 142 см. Художественная галерея в Окленде, Новая Зеландия
В одиннадцатом издании Британской энциклопедии John Reinhard Weguelin (1849–1927) упоминается как «один из самых искусных и выразительных художников, писавших фантастические сюжеты».
На картине «Похороны египетской кошки» изображена жрица предлагает еду и молоко духу умершего животного. На алтаре стоит мумия, а гробница украшена фресками, вазами со свежими цветами, цветками лотоса и статуэтками. Жрица преклоняет колени, направляя дым благовоний к алтарю. На заднем плане статуя Сехмет (Бастет), охраняющая вход в гробницу.
Со светлым праздником Рождества Христова поздравляем всех присутствующих! Пусть в ваших семьях царят добро и взаимопонимание. Пусть вас сопровождают успехи и процветание. Пусть в жизни найдется место для ежедневных добрых дел, и, самое главное, не теряйте веры. Ведь именно она — залог наших побед и основа наших надежд. Мы все хотим быть счастливыми и радостными каждый день, поэтому не забываем, что Господь говорил давать больше, чем брать, любить ближнего, а не только самого себя. Так пусть в этот праздник мы все будем ближе друг к другу, подарим родным и друзьям радость от общения, вспомним тех родственников, которым не успели уделить должного внимания. Пусть обиды и печали останутся в прошлом. Дарите друг другу свет божьей любви и не забывайте, что в этот день родился наш спаситель, который своей жизнью и своим воскресением доказал всему миру, что необходимо заботиться о людях более, нежели о себе. С Рождеством!
@pozzdrav
#рождествохристово #7января
«Голубой огонек» Гелий Михайлович Коржев
1976 год. Оргалит, масло. Размер: 50×57 см. Частная коллекция
В конце 1980-х и и в начале 1990-х в живописи Гелия Коржева неожиданно произошел переход от «сурового стиля» к монструозному. Во время перестройки художник начинает создавать совершенно нетипичные для своего прошлого метода картины. Его героями стали жутковатые на вид монстры — это бывшие люди, которых Коржев назвал Тюрликами.
Гелий Михайлович не давал пояснений, что изображено на картине «Голубой огонек», но выглядит она как высмеивание того, что происходило с искусством в то время. Примечательно, что на этих созданиях весьма роскошные и чистые одежды, а левый монстр вообще сидит без штанов.
«Моя леди Зеленые рукава», Данте Габриэль Россетти
1863г. Дерево, масло. Размер: 33 × 27,3 см. Художественный музей Фогга, Кембридж
Натурщицей для картины My Lady Greensleeves сталасупруга одного из ассистентов Россетти В. Дж. Ньюстаб. Художник начал работать над произведением ещё в 1854 году, когда создал первый карандашный эскиз. Ещё один набросок был сделан в 1855 году; моделью для обоих эскизов стала Эллен Смит.
Название картины взято из английской фольклорной баллады, известной с XVI века. На обратной стороны содержится стихотворение, написанное Россетти, оригинал которого хранится в архивах Музея Фогга.
Картина оставалась у Россетти до декабря 1863 года, тогда её купил Джордж Рэй. В 1943 году картина была выкуплена для собрания Музея Фогга
«Возьмите вашего сына, сэр», Форд Мэдокс Браун
1851-1857гг. Холст, масло. Галерея Тейт, Лондон
Одно из самых загадочных полотен эпохи прерафаэлитов так и осталось незаконченным. Первоначально Форд Мэдокс Браун планировал создать портрет своей будущей супруги Эммы Хилл. но спустя несколько лет совершенно изменил композицию, взяв за основу традиционное изображение Мадонны с младенцем Христом. Но какой же замысел художник скрыл в своем произведении?
На полотне изображена женщина, держащая в руках младенца. Она не то показывает его, не то протягивает крохотное обнаженное детское тело в направлении зрителя, словно вовлекая его в действие, делая его соучастником сцены, что придавало полотну оттенок скандальности. Исследователи считаю, что главной темой картины является судьба внебрачных детей. Тем более что в то время, когда художник начинал работать над картиной, их отношения с Эммой еще не были узаконены, а дочь Кэтрин родилась вне брака.
Однако на это полотно можно посмотреть и под другим углом. Браун очень хотел сына, и не исключено, что рождение двух сыновей в ходе работы над картиной повлияло на замысел произведения. В нем явно просматривается религиозная тема. Круглое зеркало позади головы женщины, в котором отражается силуэт мужчины, образует вокруг нее подобие нимба, символизируя святость материнства и придавая женщине сходство с Мадонной.
Художник не раз переписывал картину и менял ее композицию. О первоначальном размере полотна может свидетельствовать подпись, сделанная ниже и правее фигуры младенца. Моделью для женщины послужила Эмма, а ребенку на ее руках Браун предал сходство со своим сыном Артуром. Возможно, что именно его смерть в 1857 году стала причиной того, что художник так и не завершил картину.
«Дух прерий», Сидни Лонг
1914 г. Холст, масло. Национальная галерея Австралии и музей Канберры
Sydney Long (1871-1955) – австралийский художник-символист. Его произведения отличаются изяществом и сентиментальностью образов.
Картина «Дух прерий», выполненная в декоративном стиле, представляет собой миф о сотворении природы Австралии, сочиненный самим художником. Она принесла автору настоящий успех и международное признание.
В приглушённых коричнево-розовых тонах, словно сквозь романтическую дымку, вдалеке проступают эвкалиптовые деревья. По поляне движется обнажённая черноволосая девушка — лесная нимфа. Она играет на маленькой свирели, и за ней, танцуя, следуют птицы — изящные австралийские журавли.
Картина «Дух прерий» является не только олицетворением мифологического языка Австралии, но и символизирует всё самобытное изобразительное искусство страны.
"Вишневые деревья Кумои", Хироси Ёсида
1920 г.
Цветная гравюра на бумаге, 29,4 х 45,1 см. Художественный музей Толедо (Огайо) (подарок Х.Д. Беннета)
Японский художник и гравер Хироси Ёсида (1876–1950) считается одним из ярких представителей стиля шин-ханга. Особенно известен своими пейзажными гравюрами.
Гравюра Хироси Ёсиды «Вишневые деревья Кумои» - сказочный образ туманной красоты. Она основана на одноименной акварели художника, написанной в 1904 году. На ней изображены две женщины (моделями были дочери художника Каваи Синто), рассматривающие в лунном свете знаменитые вишневые деревья на горе Ёсино.
"Синяя и зеленая музыка", Джорджия О'Киф
1921 г. Холст, масло, 58,4 х 48,3 см. Чикагский институт искусств (Коллекция Альфреда Стиглица)
Искусство Georgia O'Keeffe (1887–1986) обращается к детерминантам, к тем вещам или событиям, которые заставили ее, спровоцировали ее творить. Эти потребности обязывали ее заниматься искусством, поскольку она пыталась изобразить ощущения, идеи и ситуации, которые для нее не могли быть выражены иначе.
Ее искусство редко представляет собой строгое повествование, но позволяет нам вспомнить то, что она видела, пережила или почувствовала, образы, основанные на подлинности. Она сознательно лелеяла свои воспоминания о событиях, давая им новую жизнь как искусство.
О'Киф сделала из цветка, при всей его хрупкости, постоянный образ, не подверженный сезону, увяданию и увяданию. Увеличенная и реконструированная маслом на холсте или пастелью на бумаге, он является средством чистого выражения, а не примером ботанической иллюстрации. В ее искусстве мимолетные эффекты природных явлений или личных эмоций становятся символами, постоянными ориентирами...
Картина "Синяя и зеленая музыка" относится к самым ранним работам О'Кифф, которые уже можно назвать зрелымиа. В основ это были это абстракции. Открытые, утомительные, но захватывающие произведения периода ее художественных открытий нашли точку фокуса к началу 1920-х годов. Теперь ее наблюдения за пейзажами, цветами и другими природными формами стали изобретательно двойственными. Они стали одновременно абстрактными и фигуративными, элементы сливались так, что на равнинах играли цветные полосы, вода поднималась по сифонному следу, ботанические детали наводили на мысль об анатомии человека.
"Искушения святого Антония Игумена", Квентин Метсис и Иоахим Патинир
1515-22 гг. Масло, панель, 155 х 173 см. Музей Прадо, Мадрид
Совместная работа двух фламандских художников: Квентина Метсиса (1465/66–1530) и Иоахима Патинира (1480–1524).
Пейзаж с острыми скалами на среднем плане и высоким горизонтом типичен для работ Патинира. Несмотря на то, что на этой картине есть только подпись Патинира, участие Квентина Массиса в изображении фигур было принято с середины шестнадцатого века. Модель старухи в чем-то похожа на героиню его картины «Старуха, рвущая на себе волосы».
Святой Антоний в центре обширного пейзажа окружен тремя прекрасными женщинами, которые пытаются заставить его съесть яблоко греха. За ними старый сводник олицетворяет обман и подстрекательство ко злу. Обезьяна, считающаяся таким же развратным животным, как молодые черти, тянет святого за одежду. На среднем плане расположены сцены из «Золотой легенды» Якопо де ла Воранье, в том числе разнообразные искушения Святого Антония, которым он подвергся от рук демонов или красивых обнаженных женщин, за которыми скрывается дьявол.
"Верный Ронин пересекает Длинный мост, чтобы отправиться в ночную атаку на Моронао", Утагава (Андо) Хиросигэ
Ок. 1840 г. Полихромная гравюра на дереве, 23,2 х 35,6 см. Сцена 1 из акта XI «Тюсингуры» (Месть верных вассалов)
Тушингура — это художественные рассказы в японской литературе, театре и кино, освещающих исторический инцидент с участием Сорока семи ронинов, миссия которых - отомстить за смерть своего хозяина Асано Наганори.
Японский художник-график Утагава Хиросигэ (1797-1858) не упустил возможность заработать на столь популярной теме. Его серия из шестнадцати гравюр — самое известное укиё-э истории Тюшингуры. В них он использовал те же приемы перспективы, которые использовал в своей знаменитой серии пейзажей Токайдо. Издатель добавил к каждому изображению рамку, на которой изображено повторение томо-э (семейного герба) Кураносукэ: двойные запятые в круге. Это было сделано в честь лидера сорока семи ронинов; но кадры служат еще и для того, чтобы усилить театральность каждой сцены и сделать зрителя зрителем сцен из пьесы.
"Вентимилья", Яцек Йерка
1992 г. Холст, акрил, 54 х 61,1 см. Частная коллекция
Яцек Йерка (урожденный Яцек Ковальский) — польский художник-сюрреалист из Торуни. Родился в творческой семье, оба его родителя окончили местную Академию изящных искусств. Его самые ранние воспоминания связаны с красками, чернилами, бумагой, ластиками и кистями.
В детстве Йерка любила рисовать и лепить скульптуры. Он ненавидел играть на улице и предпочитал сидеть с карандашом, создавая и исследуя свой собственный мир. Эта разница между другими детьми в его начальной школе привела к социальным проблемам со сверстниками, и Йерка описывает свою школьную жизнь как «серую, иногда ужасающую реальность». Однако позже Йерка стал «неприкасаемым» в своей школе из-за своих умных зарисовок худших школьных хулиганов.
Йерка никогда не собирался стать художником, как его родители, и подумывал заняться астрономией или медициной. Однако за год до выпускного экзамена он решил впервые попробовать работать с красками, в результате чего вместо этого решил изучать изобразительное искусство и графический дизайн. По словам Йерки, во время учебы в академии преподаватели заставляли его избегать деталей и реализма в пользу моды того времени, но он не сдался, придерживаясь скрупулезной классической фламандской техники, которая до сих пор является типичным примером его работ. Со временем они увидели в нем блестящий, хотя и проблемный, талант.
Его тематика варьируется от странных зверей до причудливых пейзажей, сочетающих в себе необычайную архитектуру, и включает в себя образы, почерпнутые из его детства, например, кухню его бабушки. Говорит Йерка: «Для меня 1950-е годы были своего рода золотым веком... Если бы я, например, рисовал компьютер, он определенно имел бы довоенную эстетику».
В 1990 году Йерка получила контракт с голливудским продюсером Рене Даалдер на создание фигур, машин-монстров и сюрреалистических пейзажей для научно-фантастического фильма «Земляничные поля». В фильме планировалось объединить творчество Йерки с песнями группы «Битлз», и ЕРКА участвовала в первом этапе его производства. Работа обычно переходит от графитового эскиза к рисунку карандашом, затем пастелью и, наконец, рисованию акрилом.
«Скорбен рассудком»
Русские художники, страдавшие психическими расстройствами
1. Павел Андреевич Федотов (1815–1852)
Когда автору «Сватовства майора» и других хрестоматийных полотен исполнилось 35 лет, его состояние духа начало стремительно ухудшаться. Если раньше он писал сатирические картины, то теперь они стали депрессивными, полными ощущения бессмысленности жизни. Бедность и тяжелая работа при недостатке света привели к ухудшению зрения и частым головным болям.
Весной 1852 года началось острое психическое расстройство. Современник пишет: «Между прочим, он заказал себе гроб и примерял его, ложась в него». Затем Федотов придумал себе какую-то свадьбу и стал транжирить деньги, готовясь к ней, зашел ко множеству знакомых и в каждой семье посватался. Вскоре Академию художеств известили из полиции, что «при части содержится сумасшедший, который говорит, что он художник Федотов». Его поместили в частное заведение для страждущих душевными болезнями венского профессора психиатрии Лейдесдорфа, где он бился об стену головой, а лечение заключалось в том, что его били в пять кнутов пять человек, чтобы усмирить. У Федотова были галлюцинации и бред, состояние его ухудшилось.
Больного перевели в больницу «Всех скорбящих» на Петергофской дороге. Его друг писал, что там «он в бешенстве кричит и буйствует, носится с мыслями в небесном пространстве с планетами и находится в положении безнадежном». Умер Федотов в том же году от плеврита. Наш современник психиатр Александр Шувалов предполагает, что художник страдал шизофренией с синдромом острого чувственного бреда с онейроидно-кататоническими включениями.
2. Алексей Васильевич Тыранов (1808–1859)
Бывший иконописец, которого подобрал Венецианов и научил реалистической живописи, позже поступил в Академию художеств и получил золотую медаль. Из пенсионерской поездки в Италию он вернулся в 1843 году на грани нервного срыва, как говорят — из-за несчастной любви к итальянке-натурщице. И на следующий год попал в петербургскую психиатрическую больницу. Там его сумели привести в относительный порядок. Следующие несколько лет он провел на родине, в Бежецке, а потом снова работал в Петербурге. Скончался Тыранов от туберкулеза в 51 год.
6. Пимен Никитич Орлов (1812–1865)
Любители русского искусства XIX века помнят Пимена Орлова как неплохого портретиста, работавшего в манере Брюллова. Он успешно закончил Академию художеств и выиграл пенсионерскую поездку в Италию, куда и уехал в 1841 году. Ему неоднократно приказывали вернуться на родину, но Орлову прекрасно жилось в Риме. В 1862 году 50-летний Орлов, к тому моменту академик портретной живописи, заболел нервным расстройством. Русская миссия устроила его в лечебницу для душевнобольных в Риме. Через три года он умер в Риме.
7. Григорий Васильевич Сорока (1823–1864)
Крепостной художник оказался одним из самых талантливых учеников частной школы Венецианова. Но его владелец, в отличие от хозяев многих других венециановцев, отказался дать Сороке свободу, заставлял его работать садовником и ограничивал как мог. В 1861 году художник наконец получил вольную — от Александра II Освободителя, заодно со всей страной. На воле Сорока защищал свою общину, сочиняя жалобы на бывшего барина. Во время одного из конфликтов 41-летний художник был вызван в волостное правление, которое его приговорило «за грубости и ложные слухи» к трехдневному аресту. Но по болезни Сороку отпустили. Вечером он отправился в горшечный сарай, где повесился. Как написано в протоколе — «от неумеренного пьянства и произшедшей от того грусти и с помешательством рассудка вследствие нажитого дела».
