401
Свои секреты есть даже у тех шедевров живописи, которые кажутся нам хорошо знакомыми. Все проекты: https://t.me/JaneAirr По всем вопросам: @zhanna_osipova
«Одалиска», Мариано Фортуни-и-Карбо
1861 г. Холст, масло. Размер: 56×81 см. Национальный музей искусства Каталонии, Барселона
В переводе с турецкого «одалиска» означает «комнатная девушка» (от тур. oda — комната). На Западе (вследствие неправильного понимания турецкого слова) одалиски воспринимались как наложницы или сексуальные рабыни, хотя в большинстве случаев они были лишь обычными горничными и служанками.
Мариано Фортуни-и-Карбо (1838 -1874) учился в Академии изящных искусств Сан-Хорхе в Барселоне. После смерти великого Гойи имя этого испанского художника уверенно зазвучало во всей Европе 19 века Получил огромную популярность жанровыми «картинами, навеянными экзотикой Востока и красочным исп. бытом 18 в., незначительными по содержанию, но внешне занимательными и эффектными, виртуозными по исполнению, изощрёнными в передаче цветовых рефлексов и материальности аксессуаров. «Одалиска» – одна из таких картин.
Художник прожил два года в Марокко, куда был отправлен волонтером для зарисовок эпизодов испано-марокканской войны. Свои арабские фантазии Мариано Фортуни-и-Карбо рисует по воображению и по памяти с невероятной точностью натурных сессий. Именно за эту любовь к знойной экзотике и восточным мотивам рядом с именем Мариано Фортуни в книгах по искусству обычно пишут: "художник-ориенталист".
«Голод», Мартин Уитфут
Индустриальный пейзаж – один из ключей к разгадке скрытых смыслов, зашифрованных в картине, написанной в 2012 году. Когда с окружающей средой творится неладное, с животными происходят странные вещи.
Martin Wittfooth родился в Торонто, Канада, в 1981 году. В 2008 году он получил степень магистра изящных искусств в Школе визуальных искусств в Нью-Йорке.
"Двое на проходе", Эдвард Хоппер
1927 г. Холст, масло, 102 х 122,5 см. Художественный музей Толедо (Огайо)
Мастер тихого повествования, Edward Hopper (1882–1967) наполнил повседневные моменты обычной жизни психологической интенсивностью и сложностью. Зрители неизбежно оказываются вовлеченными в его тщательно составленные сцены, отождествляя себя с часто изолированными персонажами или размышляя о них.
«Двое в проходе» — первая крупная картина Хоппера, изображающая театральную сцену, тему, к которой он впоследствии часто возвращался. На первый взгляд перед нами простая композиция: три фигуры в пустом зале, как если бы Хоппер снял один-единственный кадр с кинопленки. Однако картина изобилует деталями, которые приглашают зрителя в окунуться в таинство театра.
Вместо того, чтобы запечатлеть действие на сцене или суету театральной толпы, Хоппер предпочитает сосредоточиться на тихом моменте перед действием. Здесь угол занавешенной сцены, часть сидений у прохода и изогнутая будка – все это обрамляет три одинокие фигуры.
Две фигуры явно являются парой: мужчина снимающий пальто и его спутница деловито расправляющая зеленую накидку на спинке сиденья. (здесь Хоппер изобразил себя и свою жену Джо). На переднем плане спиной к зрителю сидит молодая женщина, поглощенная программой. Создается впечатление, что все герои картины одиноки в своих психологических пространствах.
"Неравный брак", Фирс Сергеевич Журавлев
1880 год, холст, масло, 123 х 94 см, Екатеринбургский музей изобразительных искусств
Свадьба - одно из наиважнейших событий в жизни каждого человека. И художники, конечно, не могли обойти вниманием эту обширную тему. На картинах русских живописцев XIX века отражены брачные традиции и тенденции того времени, события, с которыми были связаны свадьбы.
В реалистических работах Фирса Журавлёва всегда изображалась настоящая жизнь, с бедами и радостями, надеждами и разочарованиями. Картина "Неравный брак"(используются названия "После свадьбы" "После свадебной церемонии" и "После венчания" продолжает серию работ мастера, посвящённых несчастливому замужеству. На ней изображена плачущая женщина в подвенечном наряде, в облике которой сквозит неприкрытое отчаяние: безвольная рука повисла плетью, глаза закрыты – так хоть на несколько мгновений отдалится роковая минута.
Пара вступила в неравный брак. Новоиспечённая жена свежа и хороша собой – это её единственное приданое. Однако достаток не волнует седовласого мужа, который в нетерпении выглядывает из алькова. Он имеет чин и соответствующее положению жалование. Его богато обставленному дому не хватает лишь молоденькой, приятной во всех отношениях хозяйки.
«Кастаньетта», Данте Габриэль Россетти
1863 г. Холст, масло. Размер:40,3 × 37,8 см. Частная коллекция
Ранняя работа английского художника- прерафаэлита Dante Gabriel Rossetti (1828−1882) La Castagnetta является одной из его самых динамичных картин. На ней изображена танцовщица, погружённая в страстный танец.
Встречаются также названия «Танцующая девушка» и «Дочь Иродиады». Второе предполагает, что на картине изображена одна из самых знаменитых мифологических роковых женщин Саломея, представляющая собой страстную, экзотическую и опасную натуру, красота которой смертельна для тех, кто сближается с ней.
Натурщицей для картины стала Агнес Манетти по прозвищу «толстушка Эгги», которая довольно часто позировала для Россетти в начале 1860-х годов. В мае 1866 года картину приобрел винный торговец из Брайтона, Дж. Х. Трист, который был покровителем прерафаэлитов, в частности Артура Хьюза.
«Леди Годива», Жюль Лефевр
1891 г. Холст, масло, 62 x 39 см, Музей Пикардии, Амьен, Франция.
Jules Joseph Lefebvre (1834–1912) — французский салонный художник, живописец, специализировавшийся на изображении привлекательных женщин.
Сюжет картины основан на легенде о леди Годиве, которая, согласно ей, проехала обнажённой по улицам города Ковентри в Великобритании ради того, чтобы граф, её муж, снизил непомерные налоги для своих подданных.
На первой картине леди Годива прикрывает грудь и, по-видимому, испытывая некоторое беспокойство. Её лошадь ведёт за собой служанка, а рядом летают три белых голубя. Она выглядит почти святой, словно испытывая своего рода психологическое мученичество.
На втором фото: портрет леди Годивы, написанный Жюль Жозеф Лефевром в 1906 году.
«Сцена Вальпургиевой ночи из "Фауста"», Фриц Рёбер
1910, холст, масло, 186 x 206 см, Музей аббатства Лизборн, Вадерсло, Германия
Fritz Roeber (1851-1924) — немецкий иллюстратор, литограф и исторический художник, связанный с Дюссельдорфской высшей школой искусств.
В своем «Фаусте» Гёте посвящает целую главу Вальпургиевой Ночи. Мефистофель ведет Фауста на вершину горы Брокен, чтобы стать свидетелем адских танцев демонов, ведьм и колдунов, к которым присоединяется сам Фауст.
На данной картине изображена сцена: Гретх
«Психея», Эварист Виталь Люмине
1886 г. Холст, масло, 52 x 82 см, Музей изящных искусств Нанта, Франция
Évariste Vital Luminais (1821–1896) — французский художник, известный своими работами, посвящёнными ранней истории Франции, за что получил прозвище «живописец галлов». Иногда переключался на мифологические сюжеты, как в случае с картиной «Психея».
Люмине взял за основу роман, написанный Апулеем во втором веке нашей эры, который был заново открыт в эпоху Возрождения. Психея отправилась на поиски своего мужа Купидона, который провел ее через череду испытаний, навязанных Венерой. Последним из них было взять шкатулку (по-гречески pyxis), чтобы получить зелье красоты Прозерпины, Королевы Подземного мира. Психея подошла к входу и заплатила Харону, перевозчику через Стикс, две монеты.
Люминаис решает показать, вероятно, ключевой момент всего романа: Психею, одетую в белое, Харон везёт в преисподнюю на лодке, полной мёртвых, но лишь живая девушка смотрит прямо на зрителя — необычайно мощный изобразительный приём.
Самые известные случаи вандализма в живописи
Нападение 28-летнего иконописца и приказчика в магазине Абрама Балашова на «Ивана Грозного» 30 января 1913 года потрясло всю культурную Россию. .
Он взглянул на картину Ильи Репина и бросился к ней, перескочил через шнур, крикнув: "Довольно смертей, довольно крови!". Затем достал спрятанный нож и сделал три глубоких разреза. Искромсал лица царя Ивана Грозного и царевича. Удары были столь сильны, что нож достал до перекладины подрамника.
Балашов резал бы картину и дальше, но служащий бросился на него и схватил.
На допросах Балашов производил впечатление человека слегка не в себе: не смотрел следователям в глаза, порой нес какую-то бессмыслицу. Когда его отправили к врачам, у него начались галлюцинации, настроение его постоянно менялось от спокойного к очень возбужденному и внезапно - к угнетенному. Он объяснял, что изрезал картину, желая прославиться. Психиатры же сочли, что в образах Ивана Грозного и его сына Балашов увидел отражение своих крайне напряженных отношений с отцом. Из больницы его выписали через год, передав отцу на поруки. Говорят, в последние месяцы содержания в больнице Абрам Балашов вообще перестал упоминать о нападении на картину Репина - казалось, что этот эпизод просто стерся у него из памяти.
«Смерть короля Артура», Джеймс Арчер
Ок. 1860 г. Холст, масло, размеры и местонахождение неизвестны
Картина шотландского художника James_Archer (1823–1904), написанная во вотрой половине XIX века. Артур (от кельтского "медведь"), великий государь королевства Логрес, самый знаменитый из кельтских героев, особую популярность приобрел в средние века, когда слава о его подвигах и подвигах его соратников, рыцарей Круглого стола, разнеслась по Западной Европе. Артур был сыном британского короля Утера Пендрагона и Игрейны.
Учёные не могут точно сказать, существовал ли король Артур на самом деле. Однако есть некоторые свидетельства в поддержку его исторического существования. Например, имя Артура упомянуто в «Анналах Камбрии» в связи с битвами при Бадоне в 516 году и при Камланне в 537 году, что указывает на то, что он жил в VI веке.
На картине Джеймса Арчера умирающего Артура окружают четыре женщины, а чёрная лодка приближается к берегу позади них. Справа материализуется призрачная фигура ангела с чашей в руках, как в популярном литературном произведении сэра Томаса Мэлори.
«Первые дни весны», Сальвадор Дали.
1929 год. Музей Сальвадора Дали, Сент-Питерсберг
Картина была создана во время ссоры с отцом, который становится все более разочарованным выбором профессии сына и его неортодоксальным поведением.
«Мама Берта держит малыша», Мэри Кассат
1900 год. Частная коллекция
Мэри Стивенсон Кэссетт (Кассатт, англ. Mary Cassatt; 22 мая 1844 — 14 июня 1926) — американская художница и график, писавшая в стиле импрессионизма. Она прожила большую часть своей жизни во Франции
«В путь («Навстречу переменам»)», Эдвард Джон Пойнтер
1886, холст, масло, 49,5 x 49,5 см, Галерея Тейт Британия (по завещанию Генри Эванса, 1904), Лондон.
Edward John Poynter (1836-1919) – английский живописец конца девятнадцатого – начала двадцатого века, мастер историко-мифологических сюжетов, член Арундельского общества.
Картина изображает двух мальчиков, играющих в небольшой скальной пещере на побережье. У них с собой бамбуковая удочка, и они сделали небольшую лодку, которая, кажется, плывёт через скальную арку слева в открытое море.
Хотя фраза Reach for Change в настоящее время чаще ассоциируется с движением, основанным примерно в 1941 году Куртом Ханом, а скаутское движение Баден-Пауэлла было основано только в 1910 году, в то время были сторонники, которые выступали за то, чтобы бедные переезжали из городов в сельскую местность и на побережье, где жизнь была бы более здоровой.
"Заклинание ведьмы", Алессандро Палья
Немецкий иллюстратор и концепт-художник Alessandro Poli живет и работает в Берлине. Работает в SIXMOREVODKA - это серьезная аутсорс-студия, которая создает визуальную продукцию для брендов мирового класса. Помимо этого, они занимаются выпуском своих проектов, один из самых известных - Degenesis.
Картина "Заклинание ведьмы" прекрасна, полна, без излишков.Слепой взгляд (не видит мирское), так как заклинательница видит «сердцем», сутью своей. Прикосновение тьмы, непонятной и неопределимой части мира .
«Падение Икара», Якоб Петер Гови
1635–1637 гг. Холст, масло, 195 x 180 см, Музей Прадо, Мадрид.
Среди классических божеств дар полёта в основном был присущ Гермесу, Купидону и олицетворениям ветров, небесных тел и событий. Дар полёта распространяется на ангелов и даже святых. Но люди также хотели летать, как птицы, хотя очевидно, что мало кто из птиц когда-либо хотел далеко ходить на двух ногах. Это стремление превратилось в легенды, среди которых самой древней является история о Дедале и его сыне Икаре. Отец был искусным мастером и ремесленником при царе Миносе на Крите. После создания Лабиринта, в котором содержался Минотавр, отец и сын оказались фактически заперты на острове и пытались сбежать, летая на крыльях, сделанных из перьев, скреплённых воском.
На картине Jacob Peter Gowy (1615–1661) показано роковое падение Икара. Его гибель, казалось бы, должна была отпугнуть всех желающих, однако безрассудные попытки взлететь не прекратились.
"Рыцарь и девушка", Ричард Берг
1897 г. Масло на холсте. Галерея Тиль, Стокгольм
Richard Bergh (1858-1919) – шведский художник-пейзажист и портретист. Искусствовед, педагог. Директор национального музея Швеции. Берг вместе со своими старыми друзьями по Академии Нильсом Крюгером и Карлом Нордстремом создал новый стиль пейзажной живописи, получивший название «Школа Варберга» (Varbergsskolan).
Впрочем, его больше привлекал романтический жанр; к которому он пристрастился во время пребывания в Италии с 1897 по 1898 год. Именно в то время была написана картина "Рыцарь и девушка".
Линдворм
Иллюстрация Дениса Гордеева для бестиария Сапковского
Lindwurm - бескрылый двуногий дракон с длиннющим хвостом, змеиной шеей и головой. Этимология слога «линд» («lind») – сомнительна, «вурм» же («wyrm», «worm») означает на германском (готском) языке змею или дракона, то же значение имеет нордический Орм (змей Мидгарда, охватывающий своими кольцами землю).
Линдвурм связан с алхимией (в которой, как и каждый дракон, символизирует materia ptima – первичную, нетрансмутированную материю либо металл), с медициной и фармацевтикой, правда, в символе последней чаще встречается змея, обернувшаяся вокруг чаши, однако в Германии до сих пор можно встретить аптеки, носящие название «Lindwurm Apotheke» и украшенные щитом с двуногим драконом.
Наиболее известная легенда о Линдвурме рассказывает о девушке, которая взамен на оказанную ей услугу (различную в зависимости от версии) соглашается стать женой линдвурма. В брачную ночь девушка сбрасывает перед змеедраконом-возлюбленным все свои семь одежек, а когда наконец раздевается до конца, линдвурм обвивает ее нежно змеиными кольцами. Дрожащая от возбуждения девушка видит, что змей начинает слой за слоем сбрасывать змеиную кожу. Когда падает последний слой, юная супруга обнаруживает, что обнимает ее уже не змей, а юный, чертовски обаятельный мужчина. Оказывается, линдвурм был королевичем, колдовством превращенным в дракона. Теперь же чары развеялись, разрушенные любовью и преданностью девушки. Супруги жили долго, счастливо и, разумеется, в полном достатке.
С легендой о Линдвурме совершенно явно связан «Гад» Болеслава Лесьмяна – стихотворение о девушке, которую в ольшанике застал врасплох змей. Когда после любовных игр змей собирается изменить свою змеиную внешность, девушка – в экстазе – говорит:
Не сбрасывай кожу, не надо, оставь!
Я счастлива тем, что не сон ты – а явь.
Люблю, когда жалом ласкаешь мне бровь
И с губ моих жарких смываешь мне кровь,
Когда ты свиваешься вдоль моих ног
И лбом ударяешь о лона порог,
Я груди свои наклоняю к тебе.
За то, что ты мой, благодарна судьбе.
Мне сладостны слюни, объятья твои…
Останься же змеем, ласкай и трави.
«Атомная Леда»
1949 г. Театр-музей Дали, Фигерас
Это было неожиданно. Гладкая, томная, до стерильности правильная Леда-Гала обнимает анатомически безупречного Лебедя-Зевса. Считывание классического мифа о Леде дается без всякого напряжения зрения, не требует знания тонкостей личной «далинистской мифологии» художника и всех значительных трудов Зигмунда Фрейда.
«Атомную Леду» написал художник, который до сих пор всегда писал иначе: обезглавленные женские тела, из которых кровь стекает в аккуратный бассейн, афганская борзая, лапа которой при пристальном рассмотрении превращается в вазу, а при еще более пристальном – в лицо поэта Лорки, мягкие часы и горящие жирафы, вытянутая ягодица Ленина, подпираемая костылем, антропоморфные руины и ребрышки ягненка у Галы на плече, бесформенные гигантские мягкие тела, парящие над пустыней. И вдруг – возвращение к классицизму. Что же произошло? Что стало причиной такого резкого поворота и был ли этот поворот сдачей сюрреалистских позиций?
В 1940 году в Америку уехал Дали-сюрреалист. А в 1948 вернулся в Испанию, в Порт-Льигат, Дали-католик и Дали-исследователь. Причем, одно другому не мешает. Этот новый Дали заявляет, что впредь собирается объединить классицизм, духовность и квантовую физику. И в этом не видит никаких противоречий.
8 лет, проведенные в Америке, стали для Дали временем шоу-бизнеса. Он написал очень мало картин за это время, но с азартом взялся за литературу: выходит автобиография «Тайная жизнь Сальвадора Дали» и даже роман «Скрытые лица». А кроме того Дали сотнями создает эскизы мебели, театральных декораций, витрин. К нему приходит скандальная слава, которая быстро приносит деньги, особый светский статус и привилегии. Война проходит как-то мимо него. И только атомные взрывы в Хиросиме и Нагасаки потрясают Дали и занимают отныне все его мысли. Мир для него перевернулся, все силы его блестящего ума и уникальной интуиции брошены на то, чтоб разгадать новый миропорядок, измерить собственным паранойя-критическим методом размер и суть больших перемен, случившихся с миром. Теперь он думает только о расщеплении атома и провозглашает новый период в творчестве - «атомно-мистический». И «Атомная Леда» станет первой картиной этого периода.
Конечно, Дали не становится реалистом, хотя отдельные элементы картины вполне узнаваемы, слишком узнаваемы и понятны. И как будто этого мало – Дали использует настоящие научные расчеты, чтобы выстроить композицию картины с геометрической точностью. На ней можно мысленно начертить пентаграмму – и центральное изображение впишется в нее безупречно. Но Дали использует один важный эффект, который включает мистическое ощущение и без которого этот сюжет стал бы просто скучной журнальной иллюстрацией или салонной картинкой. Здесь ничто ни с чем не соприкасается. Леда обнимает, но не касается лебедя, ноги Леды не касаются книг, море не касается берега, а словно нависает над ним, даже архитектурный декор не касается постамента, на котором не-восседает Леда.
Новейшие научные исследования, за которыми Дали тщательно следит и изучает, становятся для него источником нового художественного стиля. Антиматерия, расщепление атома… Вот она настоящая мистика.
В начале своей карьеры Daniel Sabater; Valencia (1880 - 1951) писал картины на военную тематику, но когда в 1912 году он переехал в Париж, где оставался около года, ему было поручено написать религиозные композиции для монастырской церкви Сен-Венсан-де-Поль, которые он выполнил яркими красками.
По возвращении в Испанию в его работах стали появляться жуткие сцены, населенные ведьмами и монстрами, а его цветовая палитра потемнела и приобрела болезненный сине-зеленый оттенок.
«Разочарованная Медея (Чародейка)», Паулюс Бор
Ок. 1640 г. Холст, масло, 155,6 x 112,4 см, Музей Метрополитен, Нью-Йорк
Начиная с эпохи Возрождения картины о приключениях Ясона и аргонавтов были очень популярными. Примерно в 1640 году малоизвестный голландский художник Paulus Bor (1601–1669) написал портрет Медеи, совершенно нехарактерный для общепринятого образа самой жестокой героиней древнегреческой мифологии, убившей брата, детей и мужа. Это скорее психологический портрет женщины, на которую обрушились жизненные несчастья.
Медея сидит, раскрасневшись, опустив голову на тыльную сторону правой руки. В левой руке она держит палочку из бамбука или ротанга — отсылка к её колдовству. Позади неё — небольшой алтарь Дианы, богини противоречий (охоты и природы, целомудрия и деторождения) и иррационального (луны и природы). Здесь она ещё не убила своих детей.
Возможно в основе сюжета картины лежит вымышленное письмо, о котором рассказывает Овидиий в «Героидах».Медея вкратце описывает их отношения с Ясоном, свою решающую роль в поисках золотого руна и то, как она изменила ему и предала свою семью. Овидий заканчивает поэму многозначительными строками о Медее, следующей за своим гневом, и о великих силах, действующих на её душу.
После картины Бора прошло почти два столетия, прежде чем была предпринята следующая серьёзная попытка изобразить Медею в это неспокойное время.
«Джо, красивая ирландская девушка (Красивая ирландка)», Гюстав Курбе
1866 г. Холст, масло. Размер: 54x65 см. Национальный музей Швеции, Стокгольм
Гюстав Курбе (1819–1877) – ключевая фигура французского реализма XIX века. Первое название картины французского художника : "Джо, «Прекрасная Ирландия»" ) Считается, что на данном полотне представлена одна из самых красивых женщин, когда-либо запечатленных Курбе. Для него позировала Джоанна Хефферман – возлюбленная и модель его друга, известного художника Джеймса Уистлера. Живописец познакомился с ней на побережье Нормандии в Трувиле в 1865.
Курбе показал девушку с зеркалом в левой руке. Она, рассматривая свое отражение, теребит правой рыжие кудри, именно они притягивают внимание зрителя. Композиция строится таким образом, что практически вся плоскость холста занята максимально приближенной к первому плану героиней, это рождает ощущение непосредственности и интимности происходящего. Манера, тонко написанные аксессуары и элементы одежды – все полно чувственности.
Художник создал несколько вариантов этой картины, которые мало отличаются друг от друга. Один из них находится в Метрополитен-музее в Нью-Йорке. Эта картина была подарена МЕТ в 1929 году как часть коллекции Хавмейера. Остальные три экземпляра находятся в Шведском национальном музее в Стокгольме, Художественном музее Нельсона-Аткинса в Канзас-Сити , штат Миссури, и в частной коллекции в Цюрихе
Иероним Босх, "Падение грешников" и "Адская река"
Правые панели «Видения о Страшном суде» живописуют мучения грешников, которые в зависимости от типа и тяжести порочных преступлений, спускаются глубже и глубже в инфернальную «шахту» мук и небытия.
На одной створке — грешники низвергаются в Ад, на другой — преисподняя, — огненная, зловонная бездна. Структура средневекового Ада так же напоминает многоуровневое строение, погружённое под землю, в пространство «низа».
Немецкий романтизм: Феликс Крейцер (Кройцер)
Уроженец Дюссельдорфа, сын художника и литографа родом из Марбурга Густава Крейцера. С 1851 по 1858 год изучал живопись в Дюссельдорфской академии художеств. Его учителями были Йозеф Винтергерст, Карл Фердинанд Зон и Ханс Гуде, в классе пейзажной живописи которого Крейцер учился с 1854 по 1858 год. В 1860 году он принял участие в академической выставке в Берлине, а с 1854 по 1864 год почти ежегодно выставлялся в Майнце.
Как художник, Крейцер предпочитал романтические пейзажные мотивы в ночном или сумеречном освещении, руины, церкви, лунный свет и побережья. В 1881 году в Дюссельдорфе родился его сын Адольф, который также стал художником-пейзажистом.
"Ещё одна весна без тебя", Андрей Шатилов
2010 г. Холст, масло. Размер: 90х70 см.
Андрей родился в 1987 году в городе Ахтубинске и с самых ранних лет проявил интерес к миру искусства. Родители отдали ребёнка сначала в художественную школу, а затем – в Астраханское художественное училище имени П. А. Власова.
Историю создания картины "Ещё одна весна без тебя" художник рассказал сам: «Я находился внутри этой старой, перестроенной заново моим отцом и дядей, старой деревенской "мазанки", когда увидел своего деда, сидящего на приступке, и смотрящего в пустоту. В последнее время его часто можно было застать на этих ступеньках.
Спутницей этой жизни стала верная ему Мария Семеновна Безуглова, дочь репрессированного отца, прошедшая через ужас войны медсестрой. Именно в те годы была сделана фотография, отражающаяся в окне. Она отвернута от зрителя. Мы видим лишь блик. Её не стало в 2005. Это была большая потеря для всех нас...Сейчас меня не покидает мысль, что в момент, изображенный на полотне, мой дед Павел Александрович Шатилов думает именно о ней. Это была еще одна и последняя его весна - без неё…»
«Утром», Сергей Андреевич Тутунов
1963 г.
Автор жанровой картины - советский и российский художник, член Союза художников СССР. Не будет преувеличением сказать, что Андрею Тутунову (1925-1999) суждено было стать одним из тех, кто достойно выстоял, полностью реализовал дарованный Богом талант и при этом наиболее полно выразил дух своей эпохи.
Он начинал как выраженный реалист, и становление его как художника произошло в рамках господствовавшего тогда соцреализма. Но задержался на этой стадии недолго. Диктат таланта, тонкая душа, настроенная на высшие небесные вибрации, жажда пребывания в Боге не позволили завязнуть в голом реализме, уже в послевоенный период заметно исчерпавшем себя как метод, способный адекватно передать дух времени. Такая относительно ранняя, но уже вполне зрелая картина как «Утром» (1963) свидетельствуют об отказе от прямого зеркального отображения живой действительности, о поисках новой эстетики, которую можно обозначить как неореализм или ирреализм.
Работа художника привлекает формой, цветом, светом. Краска, как слой воздуха, то густого, то разреженного, а сдержанные, зеленовато-голубые, охристые цвета отражаются в напряженных и динамичных силуэтах людей.
«Ариадна, наблюдающая за борьбой Тесея с Минотавром», Иоганн Генрих Фюсли
1815–1820 гг.Акварель, масло, гуашь,мел, камедь и графит на текстурированной, бежевой бумаге, 61,6 x 50,2 см, Йельский центр британского искусства, Нью-Хейвен, Коннектикут.
Швейцарский и английский живописец, историк и теоретик искусства. Henry Fuseli (1741−1825) считается одним из главных новаторов живописи рубежа XVIII-XIX веков, а его творчество, наряду с творчеством Уильяма Блейка, - ранним проявлением романтизма в английском искусстве.
Названия картин художника соответствуют изображенным на них сюжетам. В своём энергичном наброске «Ариадна, наблюдающая за борьбой Тесея с Минотавром» художник уловил динамику ситуации. Тесей выглядит почти как скелет, когда пытается нанести кинжалом смертельный удар. В свою очередь Ариадна на акварели похожа на призрак или дух. Мистика во всей красе!
«Отсечение главы Иоанна Крестителя», Никлаус Мануэль по прозвищу Дойч
1517 г. Темпера на панели. Размер: 33×25 см. Художественный музей в Базеле, Швейцария (Kunstmuseum Basel)
Пожалуй, самая известная работа известного в свое время художника. Niklaus Manuel Deutsch (1484-1530) считается самым значимым представителем Ренессанса в Швейцарии. Создавал эскизы для ювелиров, алтари, портреты и аллегорические картины. Его насыщенные цветами полотна изображают в основном мифологические и библейские сцены.
Каритна «Отсечение главы Иоанна Крестителя» является свидетельством драматического восприятия художником действительности, так как сцена трактована как современное художнику событие. Об этом свидетельствуют детали пейзажа и, в большей степени, одежды персонажей.
Особой экспрессии художник добивается в изображении вечернего неба с пробивающимися сквозь тучи лучами и радугой. Световые блики как бы выхватывают из темноты детали архитектуры и пейзажа, фигуры действующих лиц. От этого сцена наполняется ещё большим драматизмом и загадочностью.
Диссонансом, призванным подчеркнуть трагизм композиции, звучат фигуры двух роскошно одетых дам, стоящих рядом.
«Колесница Аполлона, или Феб Аполлон», Гюстав Моро (1826–1898),
(ок. 1880), холст, масло, 55,5 x 44,5 см, частная коллекция. Wikimedia Commons.
Gustave Moreau (1826–1898) – французский художник-символист, который отдавал предпочтение библейским и мифологическим сюжетам.
В греческих и римских мифах солнце движется по небу в колеснице Феба, запряжённой четвёркой коней, которых обычно называют Эос, Аэтон, Пирой и Флегон. Они изображены на картине Гюстава Моро в качестве предыстории к мифу о Фаэтоне, который потерял контроль над колесницей и сжёг мир, когда его приключение пошло не по плану.
«Бабье лето», Николай Иванович Терещенко (1924 – 2005)
Заслуженный художник РСФСР, родился в 1924 г., в деревне Матвеевка, Мценского уезда, близ Спасского-Лутовинова (бывшее имение И.С.Тургенева, ныне музей-заповедник). Девятилетним мальчиком он в 1933 году, подобно Ломоносову, на телеге дяди уехал в Москву, чтобы вопреки всему стать художником и остаться им до последнего вздоха.
Образ смерти в классической живописи
В преддверии трагедий 20 века
Чем ближе к веку двадцатому, тем чаще в сюжетах художников появлялась тема смерти. Начиная с символистов и далее, обязательно с захватом экспрессионистов, модернистов, сюрреалистов тема смерти становится крайне востребована, а трагедии - начиная с первой мировой войны и далее - только умножают количество полотен, посвящённых теме смерти и её воплощению.
Гюстав Моро - Ангел смерти, 1890г
Джордж Фредерик Уоттс - Время, Смерть и Правосудие, 1900г
Елена Лукш-Маковская - Смерть и время, 1902г
Одилон Редон - Зелёная смерть, 1905г Конечно же, под зелёной смертью в ту эпоху подразумевался абсент.
Константин Сомов - Арлекин и Смерть, 1907г
Яцек Мальчевский - Автопортрет со смертью, 1910г
Оскар Кокошка - Рыцарь, Смерть и Ангел, 1911г
Гюстав Климт - Смерть и жизнь, 1915г
Эгон Шилле - Смерть и дева, 1915г
Джон Сингер Сарджент - Смерть и Победа, 1922г
Сальвадор Дали - Рыцарь смерти, 1934г
Пауль Клее - Смерть и Огонь, 1940г
Эрнст Фукс - Апокалипсис. Появление смерти, 1947г
Вместо послесловия
Надеюсь, вам понравилась подборка картин известных художников различных эпох, посвящённой теме смерти. Конечно же, в данную подборку попали не все работы художников, которые как-либо были связаны с этой темой, а я отобрал для вас наиболее интересные. Но даже несмотря на это, заметно, что в 20м веке темой смерти были увлечены практически все.
