401
Свои секреты есть даже у тех шедевров живописи, которые кажутся нам хорошо знакомыми. Все проекты: https://t.me/JaneAirr По всем вопросам: @zhanna_osipova
"Ева (Плач Евы)", Александр-Луи Лелор
Alexandre-Louis Leloir (1843–1884) — французский художник, специализировался на жанровых и исторических картинах.
В своих работах Лелор часто изображал сцены из литературы, мифологии и исторических событий, которые вызывали чувство ностальгии и романтизма. Особенно он был известен изображениями средневековой жизни, передающими суть рыцарства, придворной любви и повседневной деятельности того времени.
"Танец павлинов", Бальдомеро Ромеро Рессенди
1967 г. Холст, масло. Частная коллекция
Живописная манера испанского художника напоминает Гойю. "Танец павлинов"/La danza de los pavos - рискованная и новаторская композиция: скопление людей, танцующих во вневременной пустоте, неопределенном нереальном пространстве. Кажется, что тусклый свет исходит из эпицентра танца, ядра такта и центробежного движения, передаваемого картиной. Порой начинает казаться, что художнику удалояь изобразить саму музыку.
"Мсье Буало в кафе", Анри де Тулуз-Лотрек
1893 г. Гуашь, 80 х 65 см. Художественный музей Кливленда (Коллекция Хинмана Б. Херлбата)
Мы видим на картине мужчину грузного телосложения и в шляпе-котелке по имени Болло, который был торговцем железом. Возможно он был другом Лотрека, посвятившего ему эту работу, а может простым заказчиком, заплатившим художнику за свой портрет. Этот рисунок, передающий атмосферу жизни парижского кафе, был первым произведением французского художника-постимпрессиониста, попавший в коллекцию американского музея.
«Слепой нищий», Лоуренс Альма-Тадема
1856 г. Холст, масло. Размер: 63.5 х 54 см. Художественный музей Уолтерса
Английский художник Lawrence Alma-Tadema (1836−1912) считался одним из самых известных живописцев XIX века, писавшем на исторические и мифологические сюжеты. Сегодня его называют «певцом мрамора и женского изящества», а для критиков-современников он был художником, пренебрегавшим всеми канонами классической живописи.
Он не писал натюрмортов, у него почти нет темных картин. Море и солнечный свет царствуют на большинстве его полотен. И женщины — цветущие, молодые, красивые, беззаботные (ну, разве что озабоченные слегка).
Никаких следов личных трагедий и переживаний в его творчестве! Точнее — почти никаких. Среди его полотен есть одно, стоящее особняком. Это «Blind Beggar» («Слепой нищий»). Как пишут искусствоведы, это был первый большой заказ (чей заказ — неизвестно, был оговорен сюжет или нет — неизвестно).
Автору 20 лет. Он учится в мастерской профессора Луиса (Людвига) Ян де Тайе, который был знатоком классики, в течение трех лет был у него помощником.
Художник написал тяжелую для восприятия сцену: в коляске (тачка, приспособленная для перевозки инвалида) спит босая, с искореженными подагрой пальцами ног старая женщина, ее голова склонилась набок. Цвет лица — землистый, она или тяжело больна, или стоит на пороге смерти. Полуслепой подросток везет тачку от дома к дому, от деревни к деревне, от города к городу, собирая милостыню. Он постучался в окно, девушка подает ему несколько монет.
«Ефраимский левит», Габриэль Гуэй
Gabriel Guay (1848 – 1923) был учеником Жюстена Лекьена и Жан-Леона Жерома, у которых он научился отточенному мастерству французской академической живописи.
Сюжет данной картины навеян легендой о трагической судьбе наложницы Левита Ефраимскоого, изложенной в «Книге Судей Израилевых» Печальная и кровавая история описывается в главе 19.
Некий левит (потомок колена Левия), житель нижней части склона горы Ефремовой, берёт в наложницы (пилегеш/с целью получения потомства) женщину из колена Иуды. По пути домой они нашли гостеприимство у старика, который также был родом оттуда, откуда левит, но давно жил среди вениамитян.
Ночью злобные сограждане, движимые содомские желаниями, стучатся в двери и требуют у старика выдать им левита. Попытка старика предложить распалённой толпе свою единственную дочь-девственницу не увенчалась успехом. Тогда левит выставил свою наложницу. Всю ночь вениамитяне насиловали женщину.
На рассвете, скорее мёртвая, чем живая, она доползла до дома старика. Левит водрузил её бесчувственное тело на спину осла и возвратился домой. В истории не говорится, где и в какой момент умерла эта несчастная женщина.
"Лот и его дочери", Отто Дикс (1891–1969)
1939 г. Оргалит, смешанная техника, 195 х 130 см. Частная коллекция
В основе мифологической картины скандальный сюжет из Библии, который очень любили художники. Два города Содом и Гоморра были разрушены Богом за греховность и порочность их жителей. Их пороки достигли таких высот, что Бог решил уничтожить города пламенем. Лот и его семья были предупреждены Двумя ангелами, которых Лот пригласил в свой дом переночевать
Ангел Божий сказал Лоту, его жене и двум дочерям бежать из города на вершины гор, но не оглядываться на города, иначе они погибнут. Лот и его семья поняли это условие и бежали.
Однако жена Лота оглянулась и стала статуей соляного столба на месте где она находилась в этот момент.
В Бытие 19:26-38 говорится:
Лот и две его дочери покинули Сигор и поселились в горах, потому что он боялся оставаться в Сигоре. Он и две его дочери жили в пещере. 31 Однажды старшая дочь сказала младшей: «Отец наш стар, и нет здесь человека, который мог бы дать нам детей, как это принято по всей земле. Давайте напоим нашего отца вином, а затем переспим с ним и сохраним нашу семейную линию через нашего отца».
В ту ночь они напоили отца вином, а старшая дочь вошла и переспала с ним. Он не осознавал этого, когда она легла или когда встала.
На следующий день старшая дочь сказала младшей: «Прошлой ночью я спала с отцом. Давай сегодня вечером снова напоим его вином, а ты пойдешь и переспишь с ним, чтобы мы могли сохранить нашу родословную через нашего отца. И в ту ночь они уговорили отца выпить вина, а младшая дочь вошла и переспала с ним. И снова он не заметил этого, когда она легла или когда встала.
Итак, обе дочери Лота забеременели от своего отца. У старшей дочери родился сын, и она назвала его Моав; он отец современных моавитян. У младшей дочери тоже был сын, и она назвала его Бен-Амми; он отец современных аммонитян».
«Солдат и Смерть», Ганс Ларвин
1917 год. Военно-исторический музей (Вена, Австрия)
Во время Первой мировой войны венский жанровый живописец Hans Larwin (1873–1938), имея звание лейтенанта резерва, стал официальным фронтовым художником Австро-Венгрии. С 18 августа 1917 по ноябрь 1918 года Ларвин был в командировках на различных фронтах, некоторые из его работ этого периода теперь хранятся в Военно-историческом музее в Вене. Самым известным из них, пожалуй, является картина «Солдат и Смерть», написанная в 1917 году.
На ней изображён солдат, находящийся в самом эпицентре битвы. Вот только выжить ему вряд ли удастся, поскольку сзади уже подкралась Смерть.
Судьба и предопределённость – вот основной ее мотив. Игра на контрасте видимого и не видимого. Храбрый солдат отчаянно сражается, отстреливаясь от врагов из окопа. Вокруг всё застлано дымом боёв. И он, как и все солдаты, надеется вернуться домой из кошмаров войны. Это – видимое. А невидимое для него – Смерть, которая уже призывает его. И мы, находясь по другую сторону картины, можем только созерцать неизбежное, не в силах окликнуть солдата и изменить его судьбу...
Джулио Аристид Сарторио. "Сирена" (второе название "Зелёная бездна")
1893. Галерея современного искусства, Турин
В большей части своих работ итальянский художник Giulio Aristide Sartorio (1860–1932) подчеркивал приверженность к символизму, декоративным формам и украшениям, хотя многие его пейзажи, анималистические картины и портреты говорят о том, что Сарторио был представителем и академического реализма.
"Под венец", Константин Егорович Маковский
1891 г. Холст, масло. Размер: 279.4×373.4 см. Музей Почетного Легиона, Сан-Франциско
В 1893 году, и её купил Michael Henry de Young. Он оставил картину для музея, названного позднее в его честь: the De Young Museum, который вместе с Legion of Honor Museum образует потом Музеи изящных искусств в Сан-Франциско.
Существует два варианта картины. Первый был представлен на выставке в апреле 1890 года. В настоящее время картина находится в коллекции Серпуховского историко-художественного музея (на втором фото).
Самому художнику картина очень нравилась. И, спустя год, он написал авторское повторение. Вторая версия демонстрировалась в парижском Салоне в 1891 году.
Два варианта имеют несколько отличий:
Для картины "Под венец" из Серпуховского музея художнику позировал его сын Владимир. Что за мальчик на американской версии - доподлинно не известно.
Эта картина почти в 4 раза меньше американского двойника (136 х 183 см.)
На "нашей" картине меньше персонажей. Нет, например, одной подружки и девушки с косой. Она - спиной на американской версии. Зато на "российской" версии картины - есть персонаж с праздничным головным убором.
При желании вы можете найти еще несколько различий самостоятельно.
Вальтер Молино. «Побежденный розами»
1958 год. Журнальная иллюстрация.
Картина «Побежденный розами» со свирепой дамой, избивающей мужчину букетом, особенно часто мелькает в соцсетях на 8 Марта. Непременно в сопровождении шуток о неверно выбранном подарке. Но на самом она имеет совсем другое смысловое наполнение. Вальтер Молино создал эту эксцентричную картинку в качестве иллюстрации к новостному сообщению в популярном итальянском журнале La Domenica del Corriere (выпуск от 29 июля 1958 года).
В заметке сообщалось о незаурядном происшествии: возле станции Турин - Ланготто на пустынной тропинке синьорина Гвидо Кончетта Ринино, 28 лет, которая направлялась к своей родственнице с букетом роз, подверглась нападению незнакомого молодого человека. Девушка не растерялась и отхлестала нападавшего своим букетом. Лицо парня было исцарапано до крови шипами, и он в панике бежал.
Гуида обратилась в полицию, и эта история получила огласку. Нашли хулигана или нет, неизвестно, а вот иллюстрация и ее автор, изобразивший момент избиения цветами, стали весьма популярными.
"Констанция", Альберт Пинкэм Райдер
1896 г. Холст, масло, 70,8 х 90,5 см. Бостонский музей изящных искусств (Коллекция Шермана)
Американский художник-тоналист Albert Pinkham Ryder (1847–1917) обычно ограничивал свою работу очень маленькими панелями и холстами. Однако между 1885 и 1896 годами он написал пять картин, в том числе «Констанс» размером 70,8 х 90,5 см., что для него было монументальным произведением.
Эти картины рассказывают истории человеческой смелости и слабости в моменты, когда сверхъестественные силы берут под свой контроль жизнь и смерть. Сюжет данной картины взят из «Рассказа человека закона» - пятой части «Кентерберийских рассказов» Джеффри Чосера 1387 года.
Констанция, дочь римского императора, и ее маленький сын были брошены в море в лодке без руля и парусов. Им чудом удалось сохранить жизнь в течение пяти лет, пока их лодка не вернулась в Рим. Райдер, возможно, считал эту историю аналогом ветхозаветной истории об Ионе и ките.
На первый взгляд «Констанция» Райдера кажется несколько статичной и пустой, мало передающей эмоционального воздействия истории Чосера. Однако при ближайшем рассмотрении состав оказывается сложным. Вся картина построена таким образом, чтобы сосредоточить внимание зрителя на двух конкретных отрывках: выражении отчаяния Констанс, когда она лежит в лодке, прижимая к себе ребенка, и тонком ореоле доброжелательного света, окружающем лодку, за пределами поля зрения Констанс. Ранние фотографии этой картины показывают, что обе эти детали когда-то были гораздо более очевидными, чем кажутся сейчас, в результате ускоренного разрушения, от которого пострадало большинство картин Райдера.
Здесь очевидна нетрадиционная техника рисования Райдера. Краска тщательно наносится слоями на холст, особенно в области воды, где поверхность покрыта мельчайшими мазками пигмента, смешанного с лаком. Райдер пытался воспроизвести технику светящегося стекла, которую использовали Вашингтон Олстон и другие ранние художники-романтики. Желаемый эффект заключался в сцене, полной полупрозрачных теней, под которыми виднелись мерцания разных цветов. Этот кропотливый метод работы отражает преданность Райдера рисованию. Для него живописный стиль давал творческую свободу, которую нельзя было найти в других средах.
"Черное и красное", Джон Уайт Александер
1896 г. Холст, масло. Размер: 120.6×90.1 см. Частная коллекция
Глядя на эту картину сразу напрашивается сравнение с работами его современника Джованни Болдини. Виной тому время, мода или принятый тогда стиль художественного письма? Еще одна загадка живописи...
Красивая молодая дама, шикарное красное платье... Присутствие котика только усиливает все это великолепие.
«Легенда о Крите», Мастер Кассони Кампана
1500-1525 гг. Масло на панели. Музей Пти-Пале, Авиньон, Франция
Согласно легенде, Минос поручил архитектору и ремесленнику Дедалу спроектировать и построить лабиринт, в котором содержался Минотавр. Каждые девять лет чудовище кормили афинскими -девушками, но во время третьей такой кормежки дочь Миноса Ариадна помогла Тесею убить Минотавра.
На этой детали чудесного расписного кассона «Легенда о Крите», созданного примерно в 1500–1525 годах, изображён ставший популярным образ лабиринта, построенного Дедалом. В его центре Тесей только что обезглавил Минотавра, а Ариадна ждёт, держа нить, которая позволит ему вернуться к выходу.
"Шикарная дама", Хосин Зиани
2010 г. Масло на холсте. Частная коллекция (Германия)
Алжирский художник Hocine Ziani родился в Сиди-Дауде в 1953 году. Испробовал себя, почти, во всех жанрах: портреты, натюрморты, пейзажи, исторические картины, фантазии, большие батальные сцены, сцены из жизни Сахары во всем их великолепии, блеске и чрезвычайной простоте. В настоящее время он живет и работает в Страсбурге.
После десятилетия работы над исторической темой Зиани постепенно отошел от специализации и заинтересовался темой природных пространств, людей и фантазий. Затем он отдает предпочтение свободным пространствам, обработанным размытием, чтобы придать глубину своим композициям, в отличие от исторических полотен, которые очень переполнены.
Зиани создавал картины, в которых использовал богатую пластическую лексику, где взаимодействуют реализм, гиперреализм, импрессионизм и полуабстракция. Благодаря игре контраста между передним планом и фоном, его работы особенно характеризует вспышка света.
В своих работах он исследует все игры теней и отражений, контрастов и градиентов. Как фигуративный художник, он создает картины из реального мира, черпая свои художественные эффекты из ресурсов воображения.
«День рождения», Доротея Таннинг
1942. Холст, масло. 102,2 x 64,8 см, Филадельфийский музей искусства.
Картина-автопортрет, знаковая работа художницы. «День рождения» - образец раннего творчества Доротеи Таннинг, когда она находилась под сильным влиянием европейской школы сюрреализма.
Работа несет в себе ряд мотивов, которые будут впоследствии неоднократно изображаться и переосмысливаться художницей. Такова анфилада открытых дверей, анфиладой уходящих в бесконечную перспективу, сочетание природы и материальной культуры, которую Таннинг отобразила в своем костюме.
Викторианские пурпурные шелка и кружева, определенно - аллюзия на ее детские годы, проведенные в пуританском небольшом городке; обнаженная грудь – послание – вызов, демонстрация стремления избавиться от гнетущего прошлого, от страхов ее семьи за судьбу дочери-бунтарки. А юбка из листвы, напоминающей водоросли, может рассматриваться как стремление вернуться к природной гармонии. Но, возможно, эти корни, стремящиеся к полу, говорят: если не двигаться дальше, в неизвестное, можно «прорасти» в настоящем и увязнуть в нем. Прямой и открытый взгляд модели говорит о ее спокойствии и смелости предстать перед нами такой, какой она себя видит «здесь и сейчас». Возможно, завтра все изменится, но сегодня она – привратник у прохода, ведущего в бесконечность новых возможностей.
Поздравляю с великим праздником Пасхи Христовой! Христос Воскресе! Желаю помощи Божией, крепости духа, сердечного тепла, пасхального ликования, улыбок добрых лиц, здоровья близким, тепла дому, трепетной радости, благодати, милости, душевного просветления. Пусть Воскресенье Христово принесет свет, счастье, мир. Храни Господь!
@pozzdrav
#Пасха
"Одиночество бабы Анюты", Александр Михайлович Курзанов 1978 г.
Творчество воронежского художника было многогранным. Александр Михайлович Курзанов (1938-2022 ) был хорошим портретистом, автором исторических картин. Его жанровые полотна, к которым относится картина "Одиночество бабы Анюты", оказались настолько близки простым людям, что в 90-е годы прошлого столетия издавались календари и открытки с репродукциями картин Курзанова.
На стенах мы видим портреты тех, кто ушел из жизни бабы Анюты, оставив ей только воспоминания. А вот лица хозяйки деревенского дома – лица не видно, она смотрит в окно. Ждет ли она кого-то или уже некого ждать. Вся жизнь практически уже позади, пробежала, как вода через сито... Остались только воспоминания.
Впрочем, у бабы Анюты есть, по крайней мере один друг-котик, который тоже смотрит в окно. А впереди долгая зима…
«Русалки», Константин Егорович Маковский.
1885 г. Холст, масло. Размер: 33x30.5 см.
Картина написана по мотивам русского фольклора и под влиянием произведения Николая Гоголя «Вечера на хуторе близ Диканьки». Она буквально пронизан языческим мистицизмом, который обыгрывается не только сюжетом, но и каждой деталью произведения.
Данная работа не так известна и популярна, как одноименная мистическая картина, написанная Константином Маковским в 1879 году. Этот шедевр находится в коллекции Государственного Русского музея, Санкт-Петербург.
"Григорий Григорьевич Ге в роли Мефистофеля", Илья Ефимович Репин
Ок. 1900 г. Холст, масло, 61,1 х 51,4 см.Частная коллекция
Одно из величайших произведений мировой литературы, трагедия Гете «Фауст» привлекала многих выразительной силой характеров и драматизмом действия. Опера и ее драматическая обработка имеют долгую историю существования на театральной сцене.
На настоящем портрете Ильи Репина изображен один из самых интересных русских актеров конца XIX - начала XX века: Григорий Григорьевич Ге (1868-1942) в роли Мефистофеля. Выразительность игры Ге в этой роли привлекла внимание блестящего и привередливого критика Зинаиды Гиппиус, которая обратила внимание на оживленную остроту образа Ге, созданного для этой роли. Репина как художника так же впечатляла выразительность игры Ге, пластичность его движений, его преобразующий грим и костюмы. Наблюдение Репиным Григория Ге в роли Мефистофеля на сцене Александрийского театра совпало с собственной склонностью Репина к выразительности в своем искусстве, особенно заметной в произведениях, которые он создал между 1890 и 1910 годами.
Насыщенный, насыщенно-алый цвет плаща и капюшона, наклон головы, взгляда, приоткрытые в гримасной улыбке губы - все улавливает и создает на холсте тот образ, который Репин уловил в роли актера на сцене: глубокий цинизм и ненависть к миру. Энергия и пластичность мазков, быстро наносимых на холст, и рисунок, подчеркивающий живописную форму, помогают создать и завершить сценический образ, созданный Ге в роли Мефистофеля.
Хотя портрет кажется созданным мгновенно, в результате спонтанного впечатления, на самом деле настоящей работе предшествовал этюд меньшего масштаба; более того, художнику уже доводилось видеть фотографии Григория Ге в роли «Мефистофеля». Однако самое существенное влияние на артиста, несомненно, оказало непосредственное наблюдение за актером вживую на сцене.
Репин был хорошо знаком с Григорием Ге, племянником известного художника Николая Николаевича Ге. Фактически именно Репин посоветовал молодому Григорию Ге, первоначально намеревавшемуся поступить в престижную Императорскую Академию художеств, вместо этого попробовать свои силы в актерском мастерстве. В 1889 году, после окончания и недолгой работы в частной театральной школе Д.Д. Коровякова в Петербурге, Ге начал играть на сценах провинциальных театров Саратова, Астрахани, Вильнюса, Варшавы и Харькова, что было характерно для многих великих актеров того времени. В середине 1890-х годов Ге выступал в ролях на сцене Литературно-художественного кружка Петербурга, а в 1897 году его пригласили играть в Императорский Александринский театр, положив начало остальной его творческой деятельности.
«Мученица фанатизма (Сцена пытки женщины инквизицией)»,1895
Автор картины португальский художник Хосе де Брито (1855–1946). Известен использованием ярких цветов, которые передают свет, жизнь и энергию. В своих работах сочетает португальские корни с влиянием французских фовистов и калифорнийских импрессионистов.
На втором фото: Brodequin - 'Harbinger of Woe' (Official Album Stream )
"Уличный певец", Гелий Михайлович Коржев
1964 год, холст, масло, 200 × 150 см. Львовская государственная картинная галерея.
Одна из картин цикла «Опаленные огнем войны» (1962–1967), на которой изображен изувеченный мужчина; певец, глаза которого намеренно скрыты за очками. Данная серия, посвященная трагическим последствиям Великой Отечественной войны, несомненно, является одной из самых сильных в жанре, и определенно ключевой в жизни и творчестве художника Гелий Михайлович Коржев.
«Снятие с креста», Ловис Коринт
1895, холст, масло, 95 × 102 см, Музей Вальрафа-Рихарца, Кёльн
Lovis Corinth (1858–1925) — немецкий художник, в чьем творчестве уникальным образом переплелись разные стили и жанры. Картина Descent from the Cross принесла ему золотую медаль на вернисаже в Мюнхенском выставочном центре.
На картине изображена традиционная сцена снятия с креста мёртвого тела Христа, на которой присутствуют Иосиф Аримафейский и Мария Магдалина.
«Первое число, сцена из чиновничьего быта», Николай Андреевич Кошелев
1862 г. Холст, масло. Размеры 63 × 73 см. Донецкий областной художественный музей
Николай Андреевич Кошелев (1840 – 1918) - исторический, портретный и жанровый живописец. Обучался живописи в Императорской Академии художеств, где был награжден малой серебряной медалью за жанровую картину: "Первое число, сцена из чиновничьего быта".
Первоначально картина называлась «20-е число» (день получения жалованья). Донецкий эскиз приобретён в 1968 году у Н. С. Иванова (Ленинград). Вариант-повторение находится в Государственной Третьяковской галерее. По-видимому, существовал ещё один вариант, изображённый в картине Н. Т. Богацкого «Мастерская художника» (на последнем снимке).
Грустная картина, к сожалению знакомая многим женщинам России, даже и в наши дни. Хорошо отметил день получки отец семейства! А как жить на остатки жалованья печально задумалась его молодая жена.
«Жизненные амбиции», Альберт Генри Коллинз
На картине изображён композитор. Рядом с ним лежит скрипка. Мужчину окружают девушки, которые олицетворяют удовольствия земной жизни:
девушка с золотыми монетами в руках — богатство;
девушка с цветком — любовное удовольствие;
девушка с лавровым венком и пальмовой ветвью — наслаждение от славы и известности;
девушка с ребёнком — семейная жизнь, возможность стать отцом; 4
девушка-ангел — успокоение души.
Прекрасные дамы олицетворяют мечты мужчины, его амбиции. Главный герой очень хотел бы всего этого добиться, а получится ли это или нет — нам не ведомо.
Albert Henry Collings (1868–1947) - один из самых известных в Англии художников-портретистов
«Стога в Провансе», Винсент Ван Гог
Июнь 1888 г. Холст, масло. Размер:73×92.5 см. Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло
В конце 1880-х нидерландский художник особенно много работал на плэнере. Созданию данной картины предшествовали несколько рисунков. каждый из которых может считаться вполне самостоятельным и самоценным произведением. При их создании Ван Гог местами использовал тростниковое перо - инструмент японских рисовальщиков.
Четко обозначенный более темных цветом контур стогов, а также густые, плотные и энергичные мазки вызывают ощущение хорошо сделанной крестьянской работы - хотя сено, вроде бы, и пытается вырваться за пределы приданной ему людьми формы, стога производят впечатление совершенного в своем роде шедевра сельскохозяйственного труда, и фигура селянки на дороге слева - прямая отсылка к "авторам шедевра": тем самым простым труженикам, которым Ван Гог постоянно симпатизировал на протяжении всей своей карьеры и писал их, как мы знаем, часто и много.
Насыщенный желтый цвет, доминирующий в картине, подчеркивается и усиливается голубизной неба. Фанатичная привязанность Ван Гога к желтому, как предполагают ученые, может объясняться просто: широко известным пристрастием художника к абсенту.
«Дух равнин», Сидни Лонг
1897 г. Холст на дереве, масло. 62x131,4 см. Художественная галерея Квинсленда
Sydney Long (1871–1955) - австралийский художник-символист. Объединив элементы декоративного стиля с мифологической тематикой, Лонг создал серию картин, которые представили альтернативное видение австралийского пейзажа, рисуя его не с точки зрения его репрезентативных качеств, а превращая его в арену ощущений и эмоция. Триумфом Лонга стала картина «Дух равнин»
В этой работе художник перешел к откровенно мифологической тематике, изобразив нимфу, исполняющую хор танцующих броллов на фоне модернистского пейзажа. Синтезируя мерцающую визуальную форму, мифологический сюжет и музыкальные аллюзии, Лонг сформировал свое видение пейзажа как сказочной поэтической формулировки.
"Автопортрет с коротко остриженными волосами", Фрида Кало
1940 г. Холст, масло. Размер: 40 х 27,9 см. Музей современного искусства (MoMA), Нью-Йорк
Этот автопортрет знаменитой мексиканской художницы и иконы феминизма был написан после ее развода с Диего Риверой, художником-монументалистом, известным не только своим художественным гением, но и распутством. Кало изображает себя в кресле с остриженными волосами, в своей фирменной крестьянской блузке и юбке, замененных одеждой Риверы, эффективно превращая себя в подобие своего бывшего мужа.
Данная работа раскрывает оскорблённое чувство женской гордости художницы и её самобичевание за все неудачи в браке. Печальную сцену Кало сопроводила песней, в которой жестоко заявляет:
«Посмотри, если я любила тебя, то это было лишь за твои волосы, теперь же, когда ты практически лысая, я больше тебя не люблю».
Впрочем, в следующем году Кало снова вышла замуж за Риверу, так что это странно притягательное полотно также можно назвать памятником взаимной зависимости
«Леди Шалотт», Артур Хьюз
1872–1873 гг. Холст, масло, 95,5 x 160 см, частная коллекция
Эта леди живёт в замке, соединённом с Камелотом рекой. Она подвержена таинственному проклятию, которое заставляет её ткать изображения на своём ткацком станке и не смотреть прямо на внешний мир (хотя она может смотреть на него через зеркало). Однажды, когда она сидит и ткет, она замечает рыцаря Ланселота. Его внешний вид настолько поражает её, что она перестаёт ткать и смотрит из окна прямо на мужчину ее мечты, чем вызывает проклятие. Затем она покидает свой замок и плывёт на лодке вниз по реке в Камелот, но умирает, не доплыв до него. Ланселот видит её тело и немного поразмыслил и говорит:
«У неё прекрасное лицо;
Боже, в своей милости даруй ей благодать,
леди Шалотт».
На этом поэма заканчивается:
Для свой картину Хьюз выбрал кульминацию истории, но вместо сэра Ланселота тело леди Шалотт находят монахиня и четыре крестьянки.
«Харон, перевозящий души через реку Стикс», Александр Дмитриевич Литовченко
1861 г. Холст, масло, размер: 156 х 213 см. Русский музей, Санкт-Петербург
Картина была написана во время учебы в Императорской Академии художеств. Несмотря на критику со стороны коллег за довольно вычурные композиции, Александр Дмитриевич Литовченко (1835-1890) был награждён малой золотой медалью за изображение Харона, перевозящего души умерших в подземное царство.
Вместе с несколькими другими молодыми художниками он бросил вызов духу академизма, царившему в Академии, и в 1863 году покинул её, чтобы стать свободным художником. В 1876 году он присоединился к движению передвижников.
Картины, не дожившие до наших дней: "Леда и лебедь". Микеланджело. Ок. 1530 г
Мы даже представить себе не можем, сколько мировых шедевров погибло в пожарах, наводнениях, войнах, просто по недомыслию.
К ним относится картина "Леда и лебедь", которая была создана по заказу герцога Альфонса Феррарского. Однако посланец герцога, приехавший посмотреть на полотно, назвал его «пустяком», чем вызвал гнев художника, и он решил вместо денег герцога подарить картину своему ученику, Антонио Мини, который увёз полотно во Францию. Вскоре картина оказалась в резиденции французского короля Франциска I, во дворце Фонтенбло.
Дальнейшая судьба работы доподлинно неизвестна, но, по одной из версий, её уничтожили около 1643 года по приказу Анны Австрийской, которая сочла её чрезмерно сладострастной.
Несмотря на то, что шедевр Микеланджело не сохранился, до наших дней дошло несколько её копий. Самая известная хранится в Лондонской национальной галерее и предположительно принадлежит кисти Россо Фьорентино, служившего при дворе Франциска Первого.
