7961
Современная академическая музыка: интервью с композиторами, цитаты, выписки, анонсы концертов. Для связи — @mustt23.
Всем новым подписчикам, и тем, кому просто нужно успокоиться перед сной — одно из самых удивительных перселловских сочинений, «They tell us that you mighty powers above» из "Королевы индейцев". Почему-то она не считается таким же бронебойным хитом, как Music for a while или любой другой перселловский шлягер, по крайней мере, на всяких перселловских сборниках и вообще пластинках с его музыкой ее обычно нет, только на полных изданиях оперы. Ну, или я плохо искал (вообще-то хорошо).
Ну, в общем, вот она, в одной из версий, которая мне, пожалуй, больше всего нравится.
https://www.youtube.com/watch?v=DmlULJDG9pU
Или вот так, в живом исполнении Musicaeterna. Живьем это вообще сокрушительное впечатление производит
https://www.youtube.com/watch?v=Pacq0kgWuh0
Темпы, как видите, довольно сильно различаются. И, кажется, раньше как раз было принято играть ее в таком вот заторможенном виде. Послушайте версию Иегуди Менухина 1965 года — кажется, в таком виде она звучала в «Зеркале». Полвека прошло, и теперь это не то чтобы трудно слушать (хотя трудновато), но ведь, в общем, это совсем другая музыка, какой-то манекен с завитушками.
https://www.youtube.com/watch?v=JRKZh6RNgCc
Минутка рекламы: в воскресенье в 11-00 «Пионере» будут показывать «Маугли» (с пленки!), а перед этим я немного расскажу малым детушкам про Софию Асгатовну Губайдулину, а также про фруллато, аквафон, синтезатор АНС — в общем, о том, как устроен саундтрек в этом мультфильме. А потом обещают какао, печеньки и танцы.
http://pioner-cinema.ru/ru/film/maugli/
А вот сочинение Конлона Нанкарроу. Снято на телефон в этом самом музее пианол, извините за качество.
Читать полностью…
В Амстердаме есть отличный музей пианол, который, правда, работает только по воскресеньям и только три часа — но будете проходить мимо, имейте в виду. Мы как-то недооцениваем размах этого феномена, а ведь сто лет назад они продавались сотнями тысяч, на бумажных роликах выпускалась любая музыка на свете. Стравинский 15 лет (!) занимался музыкой для пианол, переписал для них большую часть своих ранних сочинений (есть его аранжировки «Петрушки» и «Весны Священной» для пианолы). Партия пианолы должна была быть в «Свадебке» — это отдельная история, впрочем. Подробно можно про это почитать вот тут:
http://www.pianola.org/history/history_stravinsky.cfm
И вот это тоже прекрасно: Филипп Гласс в нью-йорском метро.
Читать полностью…
Выписал некоторые концерты декабря.
22 декабря
Премьера «Орфея» Глюка (в редакции Берлиоза) в театре Покровского. Дирижер-постановщик — Геннадий Рождественский.
Самая популярная опера Глюка, «Орфей и Эвридика», в поздней французской редакции, сделанной Берлиозом почти век после премьеры специально в расчете на Полину Виардо — с этого начинается традиция исполнения партии Орфея женщинами. Судя по тому, что в титрах имеется видеохудожник (и наш хороший приятель) Ян Калберзин, над визуальной частью спектакля явно кто-то подумал.
Камерный зал филармонии
Й. Гайдн. «Семь последних слов Спасителя на Кресте» - семь сонат с Интродукцией и Заключением. «Академия старинной музыки» п/у Татьяны Гринденко.
23 декабря
Рождественские песнопения России и Европы, богослужебная музыка, духовные стихи, канты, колядки. Ансамбль старинной музыки «Узорика». Девушки поют, в общем. Очень хорошие.
Камерный зал Филармонии.
А также см. картинку.
25 декабря
Рождественское барокко: Вивальди, Гендель, Хайнихен, Зеленка. Исполняет ансамбль L'Esprit du Vent («Дух ветра»).
Камерный зал Филармонии.
Два детских концерта Полины Осетинской, в 12-00 и 15-00. Лист, Бах, Чайковский, Пелецис, Ребиков, Ляпунов. Это очень ми-ми-ми для самых маленьких (да и не очень маленьких)— Осетинская играет и рассказывает, на экране проецируется что-нибудь подходящее. В данном случае просто картины, а бывают еще песочные мультфильмы. Мы ходили с дочкой пару лет назад, было очень здорово, но она, правда, до конца не усидела (ей было 3). Лет с 4 можно запросто, думаю. Билеты обычно расходятся сильно заранее, но, может, вам повезет.
27 декабря
Alter ego. Шедевры контратенорового репертуара. Барочный консорт «Tempo restauro» и контратенор Сергей Власов. Бибер, Санчес, Бах, Гендель, Броски, Вивальди, Перголези, Порпора. Ну, кто не любит контратеноров, у того нет сердца (впрочем, про Сергея Власова лично я ничего не знаю).
Рахманиновский зал
28 декабря
Курентзис и Musicaeterna — «Золушка» Прокофьева. Ну, тут все понятно.
Большой зал консерватории.
Кстати, сняли еще один докфильм про Каравайчука, и будут показывать на следующий день после фильма про Курляндского, на том же месте, в тот же час. Коротенький, полчаса всего.
https://www.facebook.com/events/1858698984358625/
Кстати, похожую в чем-то штуку собирается проводить Дмитрий Курляндский, только в Москве и лично: это персональный вариант его проекта «Институт восприятия», который пока не запустился.
Он предлагает вот что: «Единичные, по полтора часа - 3т, блок из 4 встреч по часу (не чаще раза в неделю) - 10т. при этом лекции-беседы с художниками-режиссерами-композиторами, а также коллективные встречи раз в месяц-полтора (просмотр-обсуждение работ участников) - бесплатно. ближе к лету (или летом), как и предполагалось, проведем фестиваль восприятия»
А масштабный проект описывался так:
«Программа "института восприятия" предлагает рассмотреть восприятие, как активную индивидуальную творческую деятельность в отрыве от существующих локализованных институций, изолирующих искусство от частного пространства человека. "институт восприятия" вписывает восприятие в ряд художественных дисциплин и практик, наряду с музыкой, изобразительным искусством, танцем, театром, кино и пр.
программа состоит из общих лекций и индивидуальных занятий по созданию произведений искусства, художественных проектов и индивидуальных перформансов, творимых зрителями и/или слушателями в процессе активного творческого восприятия.
институт открыт для всех желающих, независимо от возраста, образования и профессии.
итоговые работы могут оказаться как музыкальными, так и хореографическими, литературными, философскими, визуальными или смешанными перформансами.
программа завершается фестивалем восприятия - презентацией и реализацией проектов слушателей института.
восприятие - это творческий акт: слушая, мы создаем то, что слышим; читая, мы создаем то, что считываем; наблюдая, мы создаем то, что видим.
восприятие - это не музыка, не танец, не литература, ни какое другое из известных искусств.
восприятие - это отдельный вид искусства.
восприятие - доступный всем механизм перевода повседневной реальности в художественную.
восприятие не требует социальных ограничительных надстроек - концертных залов, театров, касс, расписания.
в восприятии нет навязанного со стороны формата - будь то историческая традиция или эстетическая школа; формат восприятия персонифицирован - это сам воспринимающий, его биография и психофизика.
институт восприятия - это институт нового искусства.
мы вместе учимся восприятию, как творческому акту.
учимся себе.
учимся у себя.
программа:
лекции приглашенных музыкантов, хореографов, режиссеров, артистов и художников
индивидуальные занятия
коллективные показы
фестиваль восприятия
расписание:
раз в месяц лекция-беседа (2-3 часа)
раз в неделю индивидуальное занятие (1 час)
раз в месяц коллективное занятие / показ (4 часа)»
Учиться у композиторов! Классно, по-моему. Если кому интересно, пишите Курляндскому в фб (https://www.facebook.com/kourliandski/)
Топ-10 записей академической музыки 2016 года от Олега Соболева. Как раз вчера слушал именно эту запись Requiem Canticles, читая книжку Луи Андриссена про Стравинского — и правда отличная.
«Первые два пункта — с большим отрывом лучшие, но остальные тоже заслуживают внимания
Бен Джонстон — Струнные квартеты номер 6, 7, 8 (Kepler Quartet);
(a genius. music that is so overtly formally complex and yet absolutely astoundingly emotionally direct and simple is really hard to come across in modern composition. these quartets really made me glad i'm alive a couple of times this year).
Моцарт — Фортепианные произведения, том 8 и том 9 (Безуиденхут)
(последние два диска отличного цикла, сыгранного на фортепианно начала 19-го века. исполнение гениальное, выше всяких похвал).
Стравинский — Therni; Requiem Canticles (Херревеге/Collegium Vocale Gent);
Джон Блоу — Symphonic Anthems (Квинни/Choir of New College);
Куртаг — Струнные квартеты (Quartet Molinari);
Патриция Копачинская и The Saint Paul Chamber Orchestra — Death and the Maiden;
Шельси — Музыка для флейты (Джиоттоли);
Эдмунд Раббра — Хоровые произведения (Кристоферс/The Sixteen);
Францис Шагрин — Симфонии (Брэббинс/BBC Symphony Orchestra);
Гинастера — Ginastera (песни и камерные произведения) (Виллануэва, Ланго, Давид)»
https://www.facebook.com/oleg.sobolev/posts/10211348844980843
ДЕСЯТНИКОВ, ГУЛЬД И НЕНАВИСТЬ К МОЦАРТУ
Продолжу то, что и собирался — разбирать интервью Десятникова на любопытные фрагменты. Вот один из самых загадочных, про Моцарта:
«— Любопытно, что Моцарт — главный герой этой оперы, но моцартианской музыки в ней почти нет.
— Последняя картина, ему посвященная, идет минут пять. Либреттист оказался ко мне милостив. Вот если бы из-за требований сюжета мне пришлось работать с ним столько же, сколько с остальными, потребовались бы дополнительные усилия. Думаю, мне было бы тяжело преодолеть некоторое недружелюбие, которое я испытываю к его музыке.
— А что у вас с Моцартом?
— Эта тема заведет нас слишком далеко. Все уже сказано Гленном Гульдом, присоединяюсь. Гульд записал все клавирные сонаты Моцарта; тем не менее его отношение к этому автору можно охарактеризовать одним словом — неприязнь. Я мало что могу к этому добавить».
А что у Гульда с Моцартом? В его книжке «Нет, я не эксцентрик» есть кое-какие выпады, но относительно мягкие, хотя в целом понятно, что Моцарта он не очень. Но вот нашел его интервью 1979 года, целиком посвященное вопросу.
«Брюно Монсенжон: Глен, я думаю, что с самого начала я должен получить у тебя подтверждение некоторых твоих публичных высказываний. Ты действительно говорил все эти неслыханные вещи о Моцарте, которые тебе приписывают? Ты действительно презираешь его музыку? И думаешь, что он «заурядный» композитор, который «умер скорее слишком поздно, чем слишком рано»?
Глен Гульд: Ну, эти цитаты может быть подходят для заголовков газет, но безусловно они требуют немного более глубокого подхода. Все, что я «презираю» из произведений Моцарта, относится к позднему периоду – такие вещи, как «Волшебная флейта», соль минорная симфония…
БМ: …Или любой другой из его шедевров!
ГГ: Если угодно. Конечно, есть некоторые вещи из ранних 1780-х или поздних 1770-х, которые я выношу – такие произведения как «Сераль», например, – они влетают в одно ухо и вылетают из другого, но как музыку заднего плана я вполне могу ее терпеть.
БМ: Как великодушно с твоей стороны…
ГГ: Вовсе нет. Позволь даже добавить, что многая его музыка ранних лет меня действительно покоряет, так что на самом деле с моей стороны было бы правильнее сказать, что это композитор, пришедший в конце своего пути к посредственности
<...>
БМ: Но ведь ты должен был видеть еще с детства, что твое мнение о Моцарте не особенно разделяется окружающими.
ГГ: Сначала – нет. До тринадцати лет я был глубоко убежден, что все реагируют на всё точно так же, как я. Например, я думал, что совершенно очевидно все должны разделять мою любовь к небу, затянутому тучами. И было просто шоком, когда выяснилось, что некоторые люди предпочитают солнечную погоду. Даже сейчас не могу этого понять. Но это совсем другая история…
БМ: Были ли связаны эти два твоих представления? Согласен ли ты с образом Моцарта, созданным в 19 веке, связанным с чем-то солнечным, жизнерадостным?
ГГ: О да. Я всегда был согласен с этим, согласен и сейчас. Я думаю, что тенденция 19 века – рассматривать Моцарта с точки зрения внешних эмоций – гораздо ближе к правде, чем его образ как композитора, использующего внешние эмоции только как прикрытие для чего-то другого, более темного и глубокого. Но ты прав, между этими двумя идеями есть связь. В действительности мне всегда казалось, что в самом исполнении Моцарта есть изначально что-то легкомысленное и несерьезное, и для этого обязательно требовалось небо в тучах, или, в крайнем случае, – если таковое отсутствовало – опущенные шторы, чтобы играть его с требуемой концентрацией. И я отчетливо помню очень болезненное событие из моего двенадцатого года, когда Артур Шнабель, который был моим идолом, приехал в Торонто и играл К 333.
БМ: Но это должно было быть прозрением для тебя!
ГГ: Я не знаю, меня там не было. Несмотря на настояния моего учителя, я отказался идти. Все это закончилось тогда слезами и истерическими припадками ярости. Я просто не мог понять, как Шнабель мог так жестоко меня разочаровать».
http://gould-ru.livejournal.com/1510.html
Автор выходил на сцену и долго рассказывал, как он эти реле и автоматы выковыривал из лифтов и шахт и чем они друг от друга отличаются. Явно хороший человек, никогда прежде ни с ним, ни с его музыкой не сталкивался.
Читать полностью…
А мне больше всего понравилось сочинение Александра Чернышкова "Скорее всего” для двух шаговых электродвигателей, двух реле высокого напряжения и ансамбля. Там действительно в рояль засунута всякая электромашинерия и она как-то вибрирует и стучит, а ансамбль подыгрывает. Очень необычная и изменчивая вещь — то хаос, то какое-то джазовое техно.
Читать полностью…
Сходил вчера на «Машинерию» (а не на Лежневу, хотя это неочевидный выбор). Довольно любопытно. Вот, например, электроакустическая версия мосоловского «Завода». Звучит как нормальный math-rock.
Читать полностью…
Традиционный анонс в последний момент: сегодня в ЦИМе — отличный концерт МАСМа «Машинерия»: русские авангардисты начала века и современные композиторы воспевают машины.
«Проект «Машинерия» всматривается в образ машины и его трансформацию от заводского станка до компьютерной микросхемы на сравнительном примере музыки русского авангарда 20-х годов прошлого века и произведений наших современников.
Машина ХХ века — это поражающий воображение механизм, машина XXI века — миниатюрна и бесшумна. Первая вдохновила рождение «Завода» Александра Мосолова, «Стального скока» Сергея Прокофьева, «Рельсов» Владимира Дешевова, «Электрификата» Леонида Половинкина. Вторая предоставляет современным композиторам новые технологии для творчества.
В программе концерта «Машинерия» будут исполнены сочинения, появившиеся на свет благодаря машинам разных эпох. Это премьеры Владимира Раннева, Александра Хубеева, Николая Попова и Александра Чернышкова, написанные специально для проекта, а также новые электро-акустические версии бессмертных произведений Александра Мосолова и Владимира Дешевова.
Владимир РАННЕВ (р. 1970)
“Touch II” для ансамбля, интерактивного аудио и видео
Александр МОСОЛОВ (1900-1973)
“Завод” электро-акустическая версия
Александр ХУБЕЕВ (р. 1986)
““Luce”, мультимедийная композиция
Владимир ДЕШЕВОВ (1889 – 1955)
“Рельсы”, электро-акустическая версия
Николай ПОПОВ (р. 1986)
“Interferometer” для ансамбля, электроники, света и видео
Александр ЧЕРНЫШКОВ (р. 1983)
“Скорее всего” для двух шаговых электродвигателей, двух реле высокого напряжения и ансамбля»
https://www.facebook.com/events/1166525456763096/
Этим неловким заходом я пытаюсь предварить собственный репортаж про ребрендинг шахмат — шахмат, да, а не академической музыки. Но, как видите, все в мире закрючковано!
Заодно выяснил, что на знаменитом фестивале классической музыки в Вербье одно время была отдельная шахматная программа, которую курировал Крамник.
https://daily.afisha.ru/cities/3886-poznakomtes-s-shahmatami-samoy-modnoy-igroy-goda/
Не все знают (или догадываются), что военнослужащих в ансамбле Александрова было не так уж много, а состоял он во многом из замечательных академических музыкантов, которые в каких только проектах не участвовали. Юля Бедерова пишет про это на Медузе — и вообще про ансамбль как про культурный и музыкальный феномен.
«Ансамбль Александрова — не только военное формирование, но профессиональный музыкально-театральный коллектив, состоящий из ярких артистов. Музыкальный мир — при всей кажущейся безграничности — узок. Неудивительно, что у всех, кто имеет к нему хоть какое-то отношение, в самолете оказались друзья, ученики, педагоги, однокурсники, одноклассники, родственники или знакомые не через шесть, а через всего лишь одно рукопожатие.
Катастрофа произвела эффект гребня, вычесавшего значительную часть профессионального поля. Вокальный педагог Иван Столяр, солист театра «Новая опера» и Музтеатра имени Станиславского и Немировича-Данченко Оганес Георгиян, валторнист, выпускник Гнесинки Иван Крючков, Принц в спектакле Театра имени Сац «Любовь к трем апельсинам» (ведущий солист театра) Владислав Голиков, сам худрук ансамбля, авторитетный дирижер и пылкий музыкальный деятель Валерий Халилов. Очень многие имена в списке погибших александровцев известны не только по работе в ансамбле.
Еще 20 лет назад состав ансамбля не более чем на половину состоял из военнослужащих; сейчас этот процент значительно меньше, в основном это срочники (с давних пор служба в военном оркестре или хоре — вопрос профессионального выживания академических музыкантов). С 1990-х годов музыкальная жизнь изменилась настолько, что ни в одном ансамбле или оркестре, вне зависимости от его ведомственной принадлежности, не найдешь такого состава, который дружно сидит на месте. Все подрабатывают на нескольких работах. Среди погибших — отличные инструменталисты, востребованные певцы, участники неординарных музыкально-театральных проектов, артисты и солисты крупных и маленьких столичных и региональных театров».
https://meduza.io/feature/2016/12/26/antivoennaya-zhizn-voennogo-ansamblya
Кейдж: «Ни один немец не воспринимает всерьез французскую музыку. Когда Дебюсси, будучи в Вене, пришел к Брамсу, дверь открыл слуга. А Дебюсси не предупредил Брамса о своем визите. Какими-то судьбами оказавшись в Вене, он просто пришел к дому Брамса, постучал, и слуга подошел к двери и спросил, кто там. Он ответил: «Клод Дебюсси». И Брамс прислал слугу назад с вопросом: «Кто это?». Дебюсси ответил: «Французский музыкант». И Брамс сказал через слугу: «Такого понятия не существует». И отказался его принять».
Читать полностью…
Впрочем, вещь, специально написанная для пианолы, у Стравинского всего одна. Вот она:
https://www.youtube.com/watch?v=7hum6PgRk6k
Вот, кстати, такое будет событие в центре «Волхонка» (который что-то на глазах развил невероятную скорость по части всяких концертов). Я большой поклонник пианол и всего, что с ними связано (ну, и Айду, но этим мало кого удивишь), так что очень рекомендую.
https://readymag.com/artcentre/669317/
Финал «Галантных Индий». Рамо встречает триеровских «Идиотов». Хорошо, что в телеграме не банят за обнаженку.
https://vimeo.com/157784522
Идее конца времени композиторов скоро исполнится 20 лет, но интервью Владимира Ивановича по-прежнему любопытно читать. Ок, не все, но вот этот разговор с Феликсом Сандаловым местами довольно бодрый.
«Возвращаясь к восточным религиям: сейчас становится все популярнее секулярный буддизм и некоторые деятели культуры его активно продвигают. Насколько, на ваш взгляд, русскому человеку может быть близок буддизм, если наша культура предполагает страсть как основную движущую силу многих произведений?
Вы про Антона Батагова, что ли? Он милейший человек, но вы его не слушайте, он просто помешан на ретритах. Это все стерильная ерунда: в буддизме страсти тоже очень даже кипят — вспомните, например, Миларепу (Миларепа Шепа Дордже — знаменитый йог и учитель тибетского буддизма, живший в XI−XII веках нашей эры. — Прим. «Инде»), который из-за обиды уничтожил целую деревню. Тот буддизм, который сейчас льется в уши массам, не имеет никакого отношения к живой религии. Мне странно слышать о том, что сейчас что-то становится модным, — мое первое увлечение буддизмом случилось еще в конце 1960-х, когда были живы Октябрина Волкова, Иван Парфенович, очень мощные исследователи-буддологи и санскритологи.
Они были практикующими буддистами?
В том смысле, в котором практикует Батагов, — нет. Но то, что он делает, — это профанация. Понимаете, если я буду с четками Иисусову молитву читать и всем об этом рассказывать — это тоже не обязательно христианская практика. Все это такой нью-эйдж, причем он противоречит тому, что было в 1960-х, когда Индию открывали для себя западные музыканты — например Джордж Харрисон. Сейчас это происходит на индустриальной основе, на этом зарабатываются огромные деньги. Есть термин «медицинский туризм», а есть туризм буддистский — все эти ретриты, випассаны и так далее. Мы присутствуем при фундаментальном кризисе, который охватывает и буддизм, и христианство, и вообще все. Он заключается в том, что homo sapiens — это тупиковая ветвь эволюции. И все, точка».
http://inde.io/article/2465-kompozitor-vladimir-martynov-my-prisutstvuem-pri-fundamentalnom-krizise-kotoryy-ohvatyvaet-i-buddizm-i-hristianstvo-i-voobsche-vse
Ну, и чтобы два раза не вставать: 23 декабря покажут документальный фильм Екатерины Шипиловой, ученицы Марины Разбежкиной, про Курляндского. Это отличная серия «На ходу», где герои, натурально, трындят на ходу про всякое. Один из самых удивительных фильмов в серии был про Каравайчука (ну, легко представить).
«НА ХОДУ. Дмитрий Курляндский» (Школа документального кино и театра Марины Разбежкиной и Михаила Угарова, 2016 год), режиссер – Екатерина Шипилова.
Продолжительность: 1 час 2 мин
Герой документального фильма Екатерины Шипиловой – композитор Дмитрий Курляндский. Что происходит, когда теряешь границу между собственным телом и окружающей средой, чем Моцарт похож на Гайдна, а Курляндский на Лахенмана, что такое фильтрационные туннели, и как выйти за пределы того, что видишь – рассказывает один из ведущих авторов современной академической музыки.
«[Студенты] выбирают человека, известного если не всем, то хотя бы в своей среде, и снимают – нет, не традиционное журналистское интервью, а диалог или монолог о том, что волнует прежде всего студента. В молодости очень важно задать кому-то вопросы, на которые у тебя нет ответа.
Первое ограничение – быть одному, чтобы сохранить возникающую интимность между автором и героем. Вы – автор, оператор и звукооператор в одном лице.
Второе ограничение — снимать на ходу, чтобы у собеседника не возникло соблазна включить «пластинку», как это бывает у людей известных: отвязаться от диалога набором всем известных фактов и шаблонных истин».
/Марина Разбежкина о проекте «На ходу»/
https://www.facebook.com/events/184672135329323/
У композитора Бориса Филановского есть необычный сайд-проект — вебинары Creative Listening, на которых он учит желающих слушать и слышать музыку. И темы, и формулировки, и объяснения — совсем не такие, какие бывают на обычных лекциях. Сейчас, например, идет мини-цикл «Музыка как речь»: раз в неделю по два академических часа.
Вот как сам Филановский ее описывает: «Это семинары для тех, кто хотел бы узнать больше о музыке. О том, как и почему мы ее слушаем, что и почему мы в ней слышим – а также о том, что, стараясь это почувствовать и понять, мы можем лучше почувствовать и понять самих себя».
А вот так выглядят примерные темы на будущее, можно заказывать, как я понял. Трепещите и записывайтесь
«Музыкальная информация – Кратковременная память – Динамика восприятия в реальном времени
Хроностандарт – Биологическая размерность. Музыка как речь – Иллюзия сообщения – Синтаксис как фактор доверия
Звук и тон. Семантика – Физический и музыкальный звук – Контекст и синтаксис
Повторение и различие – Перцептивные основания европейской музыки – Историческая эволюция форм – Синтаксис и паратаксис. Минимализм
От устной традиции к нотации – Декартова система координат. Рождение партитуры – Хроматизм. Наименьшая синтаксическая единица
Композитор и его экспансия – Энергия и информация – От исполнительского поведения к композиторскому тексту – Феномен Кейджа
Обратная связь и фигура слушателя – “Язык чувств” –Сантимент и реакция – Наивный и идеальный слушатель
Мелосфера – Свое и чужое – Историческое сознание. Старое и новое – ХХ–XXI век: синхрония»
https://www.facebook.com/groups/creative.listening/
Гласс рассказывает Батагову о концентрации:
«Понимаете, когда я пишу что-то, у меня это постоянно в голове, и желательно работать не отвлекаясь, пока не закончу. А в разъездах пропадает столько времени. Вы по сколько часов можете работать? Подозреваю, что сколько угодно)…
Я киваю.
Он продолжает:
- Ну ясное дело. А я часто даже поесть забываю. Где-то к вечеру вспоминаю, что я сегодня только завтракал, а потом весь день работал. Ну пойду съем что-нибудь – и могу еще работать. По-моему, это совершенно нормально, потому что сознание нацелено на это, а тело подчиняется. Вообще странно, почему люди считают, что концентрировать сознание – это очень сложно, это якобы умеют только какие-то там просветленные мастера… Вот например, когда ты так увлечен девушкой, что всё твое воображение заполнено только ею, ты же не заставляешь себя о ней думать? Ты же вообще только о ней и думаешь, и весь мир для тебя собран в ее образе. И ты в этом состоянии можешь куда угодно пойти, поехать, полететь, можешь делать самые невероятные вещи. Вот тебе пожалуйста, это и есть полная концентрация сознания. Это я хорошо знаю на собственном опыте (смеется). И вы, я думаю, тоже знаете».
https://www.facebook.com/photo.php?fbid=10210037709892227&set=a.1170402473156.27153.1620816427&type=3
А чтобы вы поняли, что мир таких концертов — не всегда мед, вот вам отрывок из сочинения Александра Хубеева «Luce». Александр — молодой композитор из Перми и вроде бы самый или один из самых востребованных российских композиторов в принципе — его довольно часто играют на Западе, да и у нас тоже. Эта вещь сыграна, если я правильно рассмотрел, на плексигласовых листах и пластмассовых крышечках от масленок. При этом музыканты загораживают ими цветные прожектора, определенным образом запрограмированные, так что цвет, по идее, становится частью партитуры. Сам Хубеев объяснял это дело попыткой воскресить идеи Скрябина с его цветомузыкальными фантазиями. Ну, может быть, но местами было довольно мучительно — такая симфония несмазанных колодезных петель. К концу я ей почти проникся — этот скрип сложился в какое-то тяжелое дыхание земли, было в ней даже что-то от Ксенакиса — но все-таки хорошо, что вещь недлинная.
Читать полностью…
Вообще, эта вещь написана для симфонического оркестра (1922 год). Вот версия Рождественского. https://www.youtube.com/watch?v=0yQntB1-GWM
Читать полностью…
Не знаю, читаете ли вы колонку композитора Филановского на букнике, но если нет — очень рекомендую. Это такой уголок композиторской саморефлексии — что творится в голове у человека, который сочиняет музыку. У колонки всякий раз есть какой-то повод (например, Филановский послушал музыку, которую сочиняют нейросети, и пытается про нее что-то понять), но все равно в результате выходит про контракт сочинителя с самим собой.
«Вероятно, многие из тех, кто читает эту колонку, хотели бы оказаться, извините за выражение, творцами. Может быть, они удивляются, откуда берутся ноты, образы и слова. Не исключено, что и завидуют другим людям, в голове у которых все это откуда-то возникает. Мне, например, многие говорили, что завидуют.
Зря вы это, дорогие читатели, слушатели и зрители. Вы пробелы, вы воздух. Никакой среды и никаких творцов не существует без вашего восприятия. Того самого, которое просто так, между делом, низачем. Творцы будут убеждать вас, что пишут для себя, а вы им не важны. Так и есть, но это лишь полуправда.
Я, пожалуй, лишь сейчас начинаю по-настоящему чувствовать, насколько важно «ничего не делать», а только воспринимать.
Честное слово, мне очень хотелось бы не сочинять музыку и не писать слова, а только наблюдать. Иметь внутри неугомонную машинку, которая перемалывает наблюдаемое в художественный (а чаще всего в не очень художественный) продукт и никогда не отдыхает, – удовольствие ниже среднего».
http://booknik.ru/today/slova-avtora/nichto-nechelovecheskoe/
«Пепперштейн: В классической опере есть представление о том, что голос должен отделиться от певца, чтобы обрести свое собственное тело, висящее в воздухе на некотором расстоянии от производящего его человека. И в какой-то момент оно должно стать зримым для слушателя. Будучи совсем не похожим на тело того, кто его производит. Голос, как некий дракон или ласточка, вылетает из пещеры или из гнезда, которым является тело поющего. Поэтому можно сказать, что, конечно же, голос тоже является кротом. Он всегда прорывает себе ход.
Lisokot: И он слеп и чувствителен! Замечательно».
Совершенно неожиданный поворот и так-то не самой обычной беседы писателя Павла Пепперштейна и певицы Вари Лисокот. Беседа посвящена кротам (и вариной песне про кротов).
Беседа, песня и клип — тут:
http://www.colta.ru/articles/music_modern/13372
Ссылка вот, простите: http://en.chessbase.com/post/the-1937-prokofiev-oistrakh-match
Читать полностью…