144
Делюсь всякой музыкой и своим мнением. Новые посты (почти) каждый будний день в 10:00 Автор: @JeremyF
🇬🇧 Electric Wizard – Electric Wizard (1994)
#doom_metal #stoner
Я уже неоднократно упоминал, что стоунер был создан для лютого раскумара, но ещё ни разу не выкладывал реально кумарную классику. Сегодня я это исправлю, и выложу один из самых кумарных альбомов на свете – дебютный полноформатник Electric Wizard. Прекрасно понимаю людей, которые захотят его скипнуть и сразу окунуться в Dopethrone 2000 года, однако я всё же настаиваю на том, что погружаться в дискографию этой чудесной группы надо плавно. Да и сегодняшняя пластинка мне нравится даже больше остальных. Корни самого коллектива растут оттуда же, откуда у всего стоунера и дума – из Black Sabbath. Вдохновившись легендами тяжелой музыки, Джас Оборн из графства Уимборн в 1988 году основывает группу Lord of Putrefaction, которая после нескольких демо-записей, смен составов и названий, наконец превращается в Electric Wizard. Оборн не скрывал, что позаимствовал нейминг из песен Саббатов: Electric Funeral и The Wizard. В 1995 году на лейбле Rise Above Records пацанам наконец удаётся выпустить дебютник. Состав к тому времени насчитывал троих участников: помимо Джаса, который играл на гитаре, в Electric Wizard присуствовали басист Тим и барабанщик Марк. И это абсолютно идеальный состав, потому что затяжному кумарному стоунеру не нужны ни соло-гитары, ни клавиши, ни отдельный вокалист, бегающий по сцене с микрофоном.
О том, как звучит Electric Wizard, можно писать целые эссе, а можно просто молча включить любой трек. Это медленные, но при этом не скучные фуззовые риффы, давящий глухой бас и барабаны с упором на тарелки. Несмотря на то, что дебютник не считается такой же классикой, как некоторые другие работы коллектива, мне он нравится за блюзовость и психоделичность. Это буквально Samsara Blues Experiment, но с огромным влиянием традиционного дума. Последней точкой, сделавшей данную пластинку моей любимой, стал одноимённый трек. Да, тут мы имеем ситуацию, когда песня с названием Electric Wizard была записана группой Electric Wizard и выпущена на альбоме Electric Wizard. Она создавалась под большим впечатлением от Holy Mountain за авторством Sleep, и повествует о лютом психотрипе под руководством того самого электроволшебника, который прилетел на драконе и позвал с собой:
Colors swirling, sounds are drifting, thinking we were dead.
The wizard turned and spoke to us and, this is what he said...
Хотите узнать что сказал волшебник? А вот включите песню. Приятного путешествия.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 YUNG BAE – BA3 (2016) / B4E (2017)
#futurefunk #funk #disco
После череды депрессивных осенних альбомов, предлагаю ненадолго вернуться в жаркое лето и послушать практически классику современного фьючерфанка – Yung Bae. Однажды доберёмся до ещё более классической классики в лице Saint Pepsi и Macross 82-99. Но сегодня я решил так глубоко не копать и дать вам насладиться альбомами, которые очень люблю сам, а именно серией релизов под общим названием "Bae". Но сначала про артиста: его зовут Даллас Майкл Коттон, родился в 1994 году в Орегоне, поступил на инженера, но уже через 4 месяца бросил учёбу ради музыки. Сочинять и продюсировать учился по видео на ютубе, а увлечение аниме определило вектор будущего творчества. По словам Далласа, он рос на Сейлор Мун, Самурае Чамплу и Евангелионе, а сити-поп музыкой увлёкся в школе, когда ютуб ему подкинул Марию Такеучи в рекомендации. Проект Yung Bae задумывался как что-то, что привнесёт новое звучание в классику. То есть цель была не в том, чтобы присваивать себе эстетику 80-х и 90-х, а в том, чтобы посмотреть на неё с новой стороны, и это у Yung Bae получается очень достойно.
Свою серию "Bae" артист начал в 2014 с одноимённого альбома, и вот сейчас их уже 6 частей. Я с удовольствием оставляю ссылки на каждый из них: Bae, BAE 2, BA3, B4E, Bae 5, 6AE. Для поста выбрал свои любимые, третью и четвёртую. Первые два мне кажутся слегка сырыми, а последние два, наоборот, overproduced. Там артист даже отходит немного в сторону почти клубной музыки, но это всё равно замечательные работы. Известность Yung Bae уже давно вышла за пределы фьючерфанк-комьюнити, и Даллас успел записать фиты с Найлом Роджерсом из Chic, рэпером Method Man, Майком (не Владимиром) Познером и AWOLNATION. А совместных треков с коллегами по фьючерфанк-цеху у него выше крыши. Если вы забыли, то я уже выкладывал на этом канале ещё одного похожего артиста – Артёма Desired. Так вот, совместная композиция с ним тоже имеется! Yung Bae звучит как ностальгический поп из параллельной вселенной, где 80-е никогда не заканчивались. Он старается не зацикливаться на аниме-тематике, и многие его треки звучат вполне как западный диско и фанк. Что-то состоит целиком из сэмплов, а что-то (в основном на поздних альбомах) написано с нуля. В общем очень классная, яркая и позитивная музыка, обязательно ещё вернёмся к этому жанру в будущем
Слушать BA3 на доступных площадках
Слушать B4E на доступных площадках
🇮🇪 Van Morrison – Days Like This (1995)
#blues #rhythm_n_blues #folk_rock
В первом посте про Вана Моррисона я упомянаю один из своих любимых альбомов артиста – Days Like This. Данная пластинка для меня особенно дорога, ведь трек You Don't Know Me отсюда стал моим первым знакомством с творчеством Айвана. А когда я послушал пластинку целиком, то влюбился сразу. Помню как побежал скачивать дискографию с торрентов (это было настолько давно), и, увидев 60+ только студийных релизов, меня пробил холодный пот. Спустя 12 лет я так и не послушал все, но осилил точно большинство. И скажу, что Days Like This до сих пор входит в топ-5 любимейших. Треклист тут довольно разнообразный, есть вполне себе весёлые композиции, хотя даже они пропитаны какой-то меланхолией. Но прелесть альбома как раз в его неспешных балладах, из которых релиз состоит почти целиком. Вершиной всего этого пиршества меланхолии я могу без сомнения назвать песню Ancient Highway. Сука, как же она меня пробивает до сих пор, до мурашек каждый раз. Помню как слушал Days Like This, когда шёл на работу по осеннему Таврическому Саду, и, подминая ногами желтые листья, рассуждал что в моей жизни не так.
Альбом стал 23 по счёту студийником. Предыдущий опус Вана Моррисона под названием Too Long in Exile (1993) большинство критиков назвали слишком "терапевтическим", и многие считают, что Моррисон находился в некоем творческом кризисе. Тогда он вернулся в родную Ирландию, и в Windmill Lane Recording записал этот шедевр, посвящённый самоанализу. Как и на Too Long in Exile, здесь очень много рефлексии. Песни о чувстве потери, грусти, внутренней борьбе. В треке Songwriter Моррисон буквально говорит о своей профессии, и том, как она трудна, ведь тексты песен не посылает тебе кто-то сверху. А центральная композиция Days Like This, на самом деле, повествует про вполне себе хорошие дни, когда всё встаёт на места. Так что, несмотря на всю меланхоличность и местами даже депрессивность, альбом носит, скорее, позитивный характер, а нам всем это очень необходимо. Музыкально Моррисон возвращается в мои любимые 70-е с обилием духовых инструментов, которые теперь имеют более тёплую "подложку" в виде электро орга́на. И я, разумеется, не могу не обмолвиться про вокал. Ван Моррисон рычит как лев, кое-где превращая слова в набор звуков, через которые мы и чувствуем его боль и уязвимость. Именно манера пения в Ancient Highway и заставила меня так увлечься творчеством Вана Моррисона. Потрясающий альбом, абсолютная золотая коллекция и классика вне времени.
Слушать на доступных площадках
🇷🇺 ДДТ – Мир номер ноль (1999)
#hard_rock #industrial_rock
Какой же разговор про осень без ДДТ. И нет, это не тот альбом, откуда Что такое осень. Данный шлягер находится на Актрисе весне, которая, несмотря на свой тяжелейший бэкграунд в виде смерти жены Шевчука, очень лёгкая и тёплая. А вот "Мир номер ноль", наоборот, максимально тяжёлый и безжизненный. Он даже больше зимний, чем осенний, но я слишком давно хочу поговорить про ДДТ, чтобы оттягивать. Для начала скажу, что являюсь большим поклонником творчества Юрия Юлиановича. Не всего, конечно, слишком уж оно разнообразное, но "Мир номер ноль" точно входит в мою золотую коллекцию. Это плотный экспериментальный индастриал с обилием компьютерных технологий, сэмплов и электронных шумов. Во время записи коллектив покинул гитарист Андрей Васильев, не приняв новый вектор развития. Зато на его место пришёл клавишник Константин Шумайлов, привнёсший мрачную эстетику, похожую на Nine Inch Nails. Творческий поворот был поистине резким, ведь до этого ДДТ делали чаще всего ритм-н-блюз. Местами остросоциальный или юморной, но в центре всегда стояли гитарные аккорды, что соответствует тому, каким был весь русский рок тех лет. Но "Мир номер ноль" встречает слушателя совсем другим: механические барабаны Игоря Доценко и бас Павла Борисова режут на корню всю мелодичность, а электрогитара хоть и осталась, но была сильно искажена постобработкой. Вадим Курылёв выдаёт пауэр-аккорды на слегка расстроенных струнах, а соло-партии звучат нарочито фальшиво, как будто инструменты были найдены где-то на свалке. Изначально Шевчук хотел сделать альбом, состоящей целиком из "мёртвой музыки" (так он называл всё, что написано на компьютере), но в процессе записи живые инструменты решили оставить.
Лирика тоже претерпела изменения. Шевчук исследует человека на сломе эпох. Он говорил, что "Мир номер ноль" – это история о человеке, который приходит в мир, становится частью МЫ, примеряет различные социальные одежды, ищет любви, рассуждает о русской идее и ищет выход. Ключевой мотив – трансформация одиночества. Лирический герой почти сразу предстаёт перед нами частью некой машины или механизма (отсюда индустриальные мотивы), а к концу обретает долгожданную свободу. Это важный момент, потому что у пластинки две концовки. На студийной версии вас встретит песня Герой – растворение в бытовой рутине, грустный итог, который отлично перекликается с общей мрачностью нарратива. А вот на концертах последней песней всегда была Свобода, в которой герой умирает, но зато перестаёт быть винтиком системы. Шевчук говорил, что хотел дать людям надежду, поэтому при живом исполнении менял финал. Как бы вы ни относились к ДДТ, я крайне советую послушать "Мир номер ноль". Мрачное, тяжёлое и концептуальное произведение, актуальное по сей день.
Слушать на доступных площадках
🇬🇧 Gentle Giant – Gentle Giant (1970)
#progressive_rock #symphonic_rock
Группа Gentle Giant всегда была очень спорной в прог-рок-комьюнити. Кто-то называет их недооцененными алмазами, а кто-то, наоборот, считает самой скучной группой из мейнстримных. Конечно "мейнстримных" очень условно, это не уровень известности Pink Floyd или King Crimson. Но учитывая, как много в 70-х было прогеров, а особенно в Британии, Gentle Giant точно получили свою долю популярности, правда в основном уже после распада. Группу собрали братья Шульманы: Фил, Дерек и Рэй, все они были евреями и родились в Шотландии. Их отец, в период службы в армии, играл на трубе, и поэтому обучил детей основам джаза и ритм-н-блюза. Таким образом в 1966 году появилась группа Howling Wolves, они же Road Runners, они же Shulmans' Band. Фил, который взял на себя трубу и саксофон, кстати, успел повыступать с Элтоном Джоном. Рэй играл на гитаре и скрипке, Дерек пел. Начинали парни с поп-соула, пока не услышали The Beatles и Pink Floyd. Тогда, в 1970 году, группа сменила название на очень классное Gentle Giant, и села за написание одномённого дебютника, который мы сегодня и будем слушать.
Продюсировать "Gentle Giant" взялся Тони Висконти, человек, ответственный за лучшие альбомы T.Rex и раннего Дэвида Боуи. Позже он спродюсирует ещё сотню шикарных пластинок в соврешенно разных жанрах, но к 1970 году его послужной список был не так велик. В основу пластинки легла та же музыка, что и у коллег по жанру, то есть блюз и психоделический рок, однако отличительной чертой Gentle Giant было использование духовых инструментов, а также большое влияние соула и классической музыки. Лучше всего это слышно в песне Alucard, мне очень нравится её интро, сочетающее в себе практически хард-рок, с такими чисто вампирскими синтами и джазовым саксофоном. Вообще кайф. Из минусов же могу отметить, что альбом не имеет не то что общего сюжета, а даже хоть какой-то концепции, а это большая редкость для прога тех лет. Впрочем, это парни исправят уже достаточно скоро, на моём любимом Three Friends (1972). Да, несмотря на то, что у меня есть более любимые пластинки Gentle Giant, я считаю, что их стоит начинать слушать именно с дебютника, так как он демонстрирует тот необычный фьюжн инструментов, за который группу полюбят и назовут чуть ли ни первым в истории симфопрогом. Но это случится сильно позже, а в самом 1970 году альбом остался незамеченным, не попал ни в один чарт и не получил ни одну награду. Впрочем, даже сейчас можно встретить мнение, что "Gentle Giant" – это набор бессвязных атональных зарисовок, и группа не может понять кем хочет быть, но я так не считаю. Да, не шедевр на все времена, но точно заслуживает внимания всех фанатов прога, и является отличной точкой входа в творчество коллектива.
Слушать на доступных площадках
🇬🇧 Radiohead – The Bends (1995)
#alternative_rock #post_britpop #grunge
Сегодня у нас необычный пост! Мы давно общаемся с автором канала Закопайте кавербенд поглубже, и советуем друг другу хорошую музыку. И спасибо Анатолию за то, что наконец открыл мне вселенную Radiohead, ведь до этого я слушал только Pablo Honey, и боялся браться за другие альбомы, учитывая их легендарность. Однако The Bends, второй релиз Radiohead, оказался отличной смесью бритпопа и гранжа, и не даёт заскучать с первой до последней песни. Материал создавался в спешке, потому что лейбл NME дал парням всего 6 месяцев, или контракт будет разорван. Том Йорк записал несколько демок и показал их Джону Леки, очень уважаемому продюсеру, который ранее работал с The Stone Roses и The Verve. Джону совсем не нравился Pablo Honey, зато новые демки его заинтересовали, и они решили вместе их развивать. Как и предыдущую пластинку, эту записывали в три гитары, чтобы создать плотную стену звука, но партии разделили. Благодаря этому гитары на The Bends звучат слегка психоделично и космически, что отлично работает на атмосферу. А агрессивные гранжевые песни это сделало только более гаражными и тяжёлыми. Сама запись проходила в студии Abbey Road в Лондоне, а сводил всё сам Джон Леки.
В итоге у группы получилась пластинка, которая вошла в историю как один из самых экспериментальных бритпоп альбомов. А всё потому что Том Йорк не держал себя в жанровых рамках, и вместе с другими участниками написал 12 потрясающих, ни на что не похожих песен. Мне даже сложно выбрать любимую, к The Bends хочется возвращаться целиком, особенно, когда настроение слегка мрачное или мечтательное. А сейчас я передаю слово Анатолию, который также расскажет за что любит The Bends:
Чем дальше я иду по тропе радиоголового фанбойства, тем больше понимаю, насколько крут альбом The Bends как песенно, так и идейно. Сейчас особенно нравится выслушивать, как Радиохэд взламывают актуальные в девяностых гитарные жанры: гранж проверяют на прочность нагромождением аккордов, а брит-поп доводят до клинической депрессии. Что получилось в итоге? Первый лонгплей в жанре Radiohead) Скромная (на фоне каталога RH, конечно) классика рока, которая отвоёвывает заслуженную долю славы у Компьютера и Радуги.
Вот такие дела. А о ком написал Анатолий на своём канале, читайте по ссылке. Вас ждёт достаточно интересный рассказ про одного из моих любимых поэтов-песенников, и к нему я также оставил свой многозначительный комментарий.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 Noah Kahan – The Great Divide (2026)
#folk_rock #heartland_rock
После поста про It It Anita, я решил побольше времени уделить альбомам 2026 года. И свежак от Ноа Каана я ждал с нетерпением. Несмотря на достаточно сухую, хоть и хвалебную рецензию на его прошлый лонгплей, на самом деле за последний год я очень проникся данным артистом. Ноа Каан начал вызывать у меня какую-то тоску по деревням и сёлам, по простым людям, по школьной любви. Его темы простые и понятные, и запросто вас коснуться даже если вы не живете в Соединенных Штатах Америки, духом которых был пропитан Stick Season. И это приводит нас к логическому жанровому развитию: из инди-фолк артиста Каан превратился в хартлэнд-рокера. Больше электрогитар, меньше акустики, песни о чём-то добром с отсылками к родным местам музыканта. Идеальная формула. И сам Ноа Каан чувствует себя в таком амплуа предельно комфортно, поэтому у меня нет никаких претензий к тому, что The Great Divide зазвучал местами как Брюс Спрингстин. Продюсировал пластинку Аарон Деснер – гитарист The National. Кстати, в этом же году он спродюсировал новый альбом Mumford & Sons, но те, что иронично, наоборот, вернулись в фолк-звучание.
Оценки у релиза на данный момент в основном положительные, Spill Magazine даже поставили ему 10/10, и The Great Divide успел стать дважды платиновым в Канаде. Канадцы, если вы вдруг не знали, огромные фанаты всякого бро-кантри и фолк-рока. Самая сильная сторона новой пластинки, как и предыдущей – тексты. Они очень честные, искренние и откровенные. Ноа рассказывает о своих друзьях, о близких, о том как слава повлияла на него и окружающих. Ну и о важных для него географических локациях тоже, без этого в хартлэнд-роке никак. Единственное, за что я готов поругать The Great Divide (и тут со мной все согласятся) – это его неприличная длительность. 17 треков в обычной версии и 21 трек в делюксе. И это не какой-то концептуальный прог, где каждая композиция – кирпичик в общей картине и его ни в коем случае нельзя убирать. Нет, это буквально 21 трек под гитарку о приблизительно одном и том же. Так что хронометраж можно было смело делить пополам, или выкладывать как две части, а ещё лучше просто избавиться от некоторых проходных композиций. Для меня, увы, The Great Divide не стал альбомом года, и даже не затмил собой Stick Season, который я до сих пор переслушиваю с огромным удовольствием. Тот лонгплей, кстати, страдал от той же проблемы – огромная длительность, но каждая композиция мне уже стала как родная. А здесь тронули только парочка. Посмотрим в какую сторону унесёт Каана дальше, ведь до фолк-периода он был вообще инди-поп певцом под электронные биты.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 Cory Wong – Motivational Music for the Syncopated Soul (2019) / Elevator Music for an Elevated Mood (2020)
#funk #jazz_fusion
Начну с хот-тейка. Кори Вонг – один из лучших ритм-гитаристов в истории. В джазе и фанке уж точно. Его трудно назвать новатором, но технику строука он отточил до какого-то непревзойденного мастерства. Кори рассказывал, что просто максимально расслабляет кисть и даёт ей трястись как пуддингу. Звучит легко, но вы попробуйте при этом сохранять идеальный джазовый ритм и правильно чередовать нижние удары с верхними. В этом Кори Вонгу нет равных, и звук его сочного звонкого стратокастера узнаётся с первых секунд каждой песни. Fender даже выпустили его сигнатурную гитару, которая точно заслуживает вашего внимания, если вы хотите добиться такого же саунда. Сам Кори Вонг родился в Нью-Йорке, а вырос в Миннесоте, по происхождению он наполовину китаец. Отец познакомил Кори с классическим роком и джазом, а уже в 9 лет отправил на уроки фортепиано. Первыми музыкальным ориентирами будущего гитариста стали Red Hot Chili Peppers и Primus, из-за чего Кори увлёкся фанком и ему купили Фендер джазз бас. На этом увлечения музыкой не закончились, Кори Вонг закончил музыкальный колледж, и уже к началу 2010-х стал завсегдатаем джазовых клубов, где выступал с группами Even Uneven и Quartet/Quintet. Хорошим бустом стало знакомство с коллективом Vulfpeck, я вам о них уже рассказывал. Vulfpeck не только звали Вонга на свои джэм-сессии, но и помогали в раскрутке, что дало старт сольной карьере артиста. К слову, Кори Вонг, благодаря своей манере игры, и благодаря роли ритмача, вписывается идеально вообще в любой коллектив. Он играл и с Dirty Loops, и с Марком Летьери, и с Ларри Карлтоном, и с Эваном Марьеном. Это я сейчас перечислил только тех, про кого у меня были посты. Да я сам узнал про Кори Вонга благодаря его коллаборации с Тимом Хенсоном из Polyphia и Plini. К слову, про Plini я узнал оттуда же.
Помимо виртуозной игры на гитаре, у Кори Вонга есть ещё одна узнаваемая черта – он невероятно позитивный человек. На каждом концерте, на каждой фотке или видео он всегда улыбается в 32 зуба, рассказывает о чём-то хорошем и никогда не унывает. Даже когда хейтеры называют его творчество elevator music – то есть музыка, которая играет в лифтах, тупо чтобы заполнить тишину. На это Кори отвечает – elevator music for an elevated mood (то есть для поднятия настроения, надеюсь вы поняли игру слов). Именно этот альбом, вместе с соседним Motivational Music for the Syncopated Soul, мы и будем слушать. Не могу сказать, что это лучшие пластинки Вонга, но это отличная точка входа в его творчество. Большинство композиций тут инструментальные, и вы сможете без проблем насладиться гитарным звучанием. А вообще я не могу выбрать ни любимый, ни лучший альбом Кори Вонга. На каждом он показывает себя как невероятно крутой гитарист и композитор. А его лайвы – это вообще нечто. Советую всю дискографию без исключения.
Слушать Motivational Music for the Syncopated Soul на доступных площадках
Слушать Elevator Music for an Elevated Mood на доступных площадках
🇫🇷 Fátima – Turkish Delights (2020)
#grunge #stoner #psychedelic_rock
Группу Fátima я нашёл в той же стоунер-подборке от дизера, что и It It Anita, про которых рассказывал вчера. Но, как и в предыдущем примере, вместо обещанного стоунера меня ждало кое-что другое. На этот раз гранж. В посте про The Afghan Whigs я упоминал, что не являюсь большим фанатом гранжа как жанра, но благодаря тому, что группа попалась мне случайно, и ожиданий никаких не было, решил всё же заценить. В той самой подборке находился сингл Miracle of the Sun с лонгплея 2024-го года Eerie, и первым меня встретили какие-то заигрывания с индийскими мотивами. Не зря же группа называется Fátima. Я реально тогда подумал, что это индусы решили сделать свой ответ Alice in Chains, но оказалось, что Fátima вообще из Франции, а название отсылает к Фатимским явлениям Девы Марии. Выступают они с 2012 года и раньше назывались Crabs. В качестве своих источников вдохновения парни называют дум-метал, народные мотивы, а также кинофильмы 60-х годов про монстров и динозавров. Сразу скажу, что никакого дума вы тут не услышите, да и народные мотивы, скорее, номинальны, и служат только чтобы скрасить какое-нибудь интро или проигрыш.
На самом же деле группа играет смесь гранжа и стоунера. Грязные гитары, хриплый вокал, глухой бас и слегка панковые барабаны – вполне классический набор. Fátima в роли гранж-команды выглядят очень органично. Включив любой их альбом, даже последний, вышедший буквально в этом году, вы вполне можете подумать, что артисты родом из 90-х. Сейчас у коллектива 5 полноформатных альбомов, но я советую начать с Turkish Delights 2020-го. Поверьте, турецкие сладости за авторством Fátima на вкус такие же приторно вязкие и тягучие, как и настоящие, но если настоящие по-плохому мерзкие, то этот альбом мерзкий в хорошем смысле. Он ужасно звучит, даже хуже дебютника, будто записывался в туалете заброшенно психбольницы, но для гранжа это играет только в плюс. А ещё именно тут народные мотивы вплетены удачнее всего. Прослушивание данной пластинки вызывает у меня ощущение, будто проснулся от неприятного, дискомфортного сна, который плохо запомнил, но тебе всё равно хочется в него вернуться, чтобы ощутить эту липкую тревогу снова.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 The Menzingers – On the Impossible Past (2012)
#orgcore #punk_rock
Давно мы с вами не слушали оргкор. В прошлом году куча постов с этим жанром вышло, а в этом ни одного вообще. На самом деле сам удивляюсь, как я, со своей нелюбовью плодить много тегов и попытками всё обобщить, выделил такое узкое и никому не нужное направление как оргкор в отдельный жанр. Видимо очень люблю такой мелодичный панк от великовозрастных мужиков. И одни из лучших представителей подобной музыки – The Menzingers. Про группу я уже рассказывал в посте, посвященном Chamberlain Waits, а сегодняшний альбом вышел двумя годами позднее и представляет из себя, я бы сказал, работу над ошибками (при том, что ошибок группа вообще не совершала). Участники просто взяли всё, за что их хвалили слушатели и пресса, и преумножили. Поэтому On the Impossible Past – это буквально идеальный сиквел.
Возможно тут играет роль смена лейбла, The Menzingers ушли с Red Scare Industries на Epitaph. Свои связи с Red Scare парни не рвали, и всего несколько лет назад приняли участие в их сборнике. On the Impossible Past до сих пор остаётся самой успешной пластинкой коллектива. Она получила 93 из 100 баллов на метакритике, была названа альбомом года изданиями Rock Sound, AbsolutePunk и Punknews, а другие профильные журналы как минимум обязательно её упоминали. Чаще всего рецензенты хвалили то, как The Menzingers с уважением относятся к панк-корням, при этом делая невероятно трогательную и мелодичную музыку с глубоким сонграйтингом. И мне нечего добавить, это реально так, на все сто. А ещё всем предзаказавшим альбом присылали кассету с названием On the Possible Past, состоящую из демо-версий песен, но в электронном формате их нигде нет.
Для меня On the Impossible Past – особенный альбом. Несмотря на то, что познакомился с The Menzingers я благодаря другой работе, After the Party (2017), именно любовь у меня случилась после прослушивания On the Impossible Past. Я помню как серым осенним вечером позапрошлого года шёл домой по родному району и слушал его впервые, и когда заиграло интро к Nice Things, я вообще замер. Это был восторг с первых нот. Данная композиция, пропитанная едким нигилизмом и критикой общества, до сих пор моё любимое произведение во всей дискографии Menzingers, я даже подобрал к ней гитарные табы. И эта песня у меня теперь очень крепко ассоциируется с родными дворами, хотя я послушал, гуляя по ним, миллионы других песен. В общем, сегодняшний пост больше для души. Я знаю, что мало кому заходит оргкор, но мне просто очень хотелось, чтобы один из лучших альбомов в одном из любимых жанров музыки был на этом канале. В будущем ещё поговорим с вами о том, как группа ударилась в хартлэнд-рок и кантри, и как сейчас делает приятную лёгкую альтернативу.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 Tiny Moving Parts – This Couch Is Long & Full Of Friendship (2013)
#midwest_emo #math_rock
Вот сижу, осень за окном, и что-то загрустил немного. Сразу захотелось включить какого-то хаотично-мелодичного эмо. А что в этом плане может быть лучше стареньких Tiny Moving Parts? Да на самом деле много чего, например Jawbreaker или, наверное, вообще одна из первых твинкл-групп Cap'n Jazz. Но мне в них не хватает мелодичности, душевности и искренних текстов. Да и качество записи там крайне сырое. В то время как ранние Tiny Moving Parts идеально балансируют между сыростью и хорошим продакшеном. "Хорошим" на уровне дебютного лонгплея никому на тот момент неизвестной и ненужной группы, разумеется. Да, выпустили его по итогу аж два лейбла, Kind Of Like Records и Black Numbers, однако никакого продюсирования This Couch Is Long & Full Of Friendship не получал, и всё держалось на идеях Дилана, Уильяма и Мэтью – трёх бессменных участников коллектива. Кстати, небольшой оффтоп. Я тут случайно наткнулся на инфу, что Дилана, гитариста и вокалиста, отменили в обществе за сексуальные домогательства в молодости. Дилан, на удивление, вину признал, но сказал, что уже давно лечится у психолога, прорабатывает свои проблемы, а также курс терапии на всякий случай прошли Уильям и Мэтью. При чём тут они не понятно, но такие вот новости.
Ладно, возвращаемся к This Couch Is Long & Full of Friendship. Вы чувствуете магию нейминга? Если нет, то просто поверьте мне на слово, что она существует. Название, помимо отсылки на строчку из песни Amateur Night, очень хорошо передаёт стиль текстов Tiny Moving Parts. Они грустные, но при этом поэтичные. Вот возьмите каких-нибудь The Cardboard Swords или Secret Stuff. В их песнях либо прямолинейное нытьё, либо что-то очень поверхностное. Но Дилану удаётся петь про боль так, что ты веришь на все сто, и его хочется выслушать, а не заткнуть. В будущем Tiny Moving Parts станут менее "истеричными", тексты и музыка станут чуть спокойнее, однако, если вам нравится эмоциональность сегодняшнего релиза, советую заценить Waves Rise, Waves Recide, The Ocean Is Full Of Waves – это самая-самая первая попытка парней на музыкальном поприще, которую они предприняли в 2008 году. Но там сырейший беспощадный твинкл-хардкор, удалённый с официальных площадок, так что на свой страх и риск. А вот если хотите послушать то, как TMP звучат сейчас, советую к ознакомлению мой пост про breathe. Если выбирать, то мне всё-таки больше нравятся именно поздние альбомы, но иногда бывает настроение врубить что-то не настолько студийно-прилизанное, и, если у вас тоже, то советую именно This Couch Is Long & Full Of Friendship, особенно обратите внимание на открывающий трек.
Слушать на доступных площадках
🇯🇵 T-Square – Truth (1987)
#jazz_fusion #city_pop
Не отходя далеко от кассы, я бы хотел заодно поговорить про ещё одну легендарную японскую джазову группу – T-Square, они же The Square, хотя вообще у них есть ещё несколько названий. Узнал я о них почти одновременно с Casiopea и TRIX, но внимательно послушать решил только недавно. Дискография у коллектива гигантская, даже страшно вести подсчёт, а про лайвы и компляции вообще молчу. При этом в группе каждый год менялся то состав, то жанр самой музыки, поэтому первым делом я решил пойти на ветку реддита, в которой велось обсуждение какой же альбом T-Square лучший. У каждого были свои варианты, но чаще всего среди ответов мелькал именно Truth. Я решил начать с него, и он оказался потрясающий. Не подумайте, что я вам пытаюсь два дня подряд втюхать одно и то же: T-Square если и похожи чем-то на Casiopea, то только самыми первыми альбомами, которые сейчас кажутся скучными и пресными. На самом деле на рубеже 80-х и 90-х парни заиграли настоящий фьюжн в своём лучшем проявлении. Тут вы услышите и синтипоп, и прогрессив-рок, и, конечно, отсылки к джей-музыке с их сигнатурными аккордами.
Truth – не просто шедевр на ровном месте, это был очень важный для группы альбом. Пластинка записывалась на волне успеха предыдущего релиза S・P・O・R・T・S, который выиграл премию Japan Gold Disc Award. Не буду раскрывать все карты, и сделаю потом про него отдельный пост, но пока скажу, что S・P・O・R・T・S – тоже невероятно крутой альбом. Truth стал первым альбомом с новым басистом, а один из треков выбрали как музыкальную тему к трансляциям Формулы 1 на канале Fuji TV. Также Truth вышел и за рубежом, его издавали Sony для США и Epic Records для Великобритании. Что касается музыки – то это джаз высшего пилотажа. Саксофон тут просто разрывает душу, электрогитара выдаёт тяжёлый хард-рок, а клавишник не уступает какому-нибудь Чику Кореа. Каждая песня уникальна и не похожа на предыдущую, но если бы меня попросили выбрать лучшую, я бы выделил одноимённую. Какой там гитарный соляк – это отвал всего. Абсолютная золотая коллекция джазовой музыки.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 Clutch – Clutch (1995)
#stoner #space_rock #hard_rock #funk_metal
Недавно поймал себя на мысли, что хочу сделать обзор буквально на каждый альбом Clutch, но пока написаны только про дебютник и Phychic Warfare. Пару лет назад я переоткрыл для себя эту замечательную группу, и теперь не могу перестать их слушать. Если мне нужен минималистичный блюзовый стоунер, я всегда включаю что-то из Clutch. При этом каждая их пластинка уникальна, везде сделан акцент на определенный музыкальный аспект, из-за чего их творчество совершенно не приедается. Мы ещё обязательно поговорим про Robot Hive / Exodus, на котором они взяли в команду клавишника, или про Blast Tyrant, ставшего самым успешным релизом в карьере Clutch. К тому же за последние пару лет группа очень преуспела в ремастере своих старых пластинок. И вот один из альбомов, заслуживших переиздание – одноимённик 1995 года. Его релиз, как вы уже могли догадаться, приурочен к 30-летию самой работы. Во-первых, оно вышло просто отличным, с хорошим качеством звука, которое подчёркивает сильные стороны альбома и при этом ничего не портит, так что можете смело его и слушать. Во-вторых, у переиздания просто до неприличия стильная обложка. Вот этот ретро шлем от скафандра на фоне абсолютной пустоты космоса – просто пик дизайна, идеально передающий атмосферу самой пластинки. Оставляю ссылку на то, как выглядит весь бокс-сет переиздания, ну а к посту прикладываю оригинальную версию, она тоже классная.
"Clutch" вышел на East West Records, и стал первым шагом парней в сторону стоунера. Сам фронтмен группы, Нил Фэллон, говорил, что это вообще первый альбом, на котором они нащупали собственный стиль. Я об этом упоминал мельком в обзоре дебютника – тогда Нил жаловался, что они переборщили с агрессией и злобой. На "Clutch" ситуацию решили повернуть противоположным образом, потому что он основывается на юморе. Да, по обложке не скажешь, но всё же тексты тут довольно угарные. Фэллон всё также кричит как безумный бомжара, но сам нарратив теперь наполнен чёрным или абсурдным юмором. Тут вы услышите песни про путешествие по галактике на Dodge Swinger 1973, про побег из космической тюрьмы, про то как рыбак выловил труп убийцы Линкольна, и многое многое другое. Вообще, я до сих пор считаю одноимённик самой сильной работой группы в плане смыслов. Музыкально он впитал в себя очень много от совершенно разных жанров: репитативные риффы напоминают психоделику и спейс-рок, бас отдаёт чем-то в духе Primus, только ещё тяжелее, а барабаны отбивают чистый стоунер с постоянными ударами по тарелкам. Ну и от хардкора, на котором был построен дебют, группа тоже отошла ещё не целиком. На выходе альбом почти не получил внимания, но все, кто его оценивал, отзывались очень положительно. Чтобы "Clutch" вас покорил, ему нужно время. Вы должны принять энергетику безумства, которая исходит от музыкантов, проникнуться ей и только тогда у вас выйдет получить настоящее удовольствие.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 Jack White – No Name (2024)
#garage_rock_revival #blues_rock
Вот уж от кого не ожидал услышать блюз в 2020-х, так это старина Джек Уайт. В прошлом десятилетии я следил за ним очень плотно. Был большим фанатом The White Stripes, очень тепло встретил первый сольник Blunderbuss (2012), и ещё теплее второй, Lazaretto (2014), про который даже делал пост. Кстати, про сайд-проект The Dead Weather я тоже писал пару лет назад. Так вот, когда вышел Boarding House Reach (2018) я очень напрягся, ведь вместо гаражного рока с двумя скрипачами услышал какую-то экспериментальную психоделику с электроникой. И, зная, что обычно люди из такого направления уже не возвращаются обратно, я забил на творчество Джека. Но наступил 2024, и многие друзья тогда твердили мне, что Уайт вернулся в старый добрый блюз на своём последнем к тому моменту альбоме No Name. Добрался я до него только сейчас, в 2026, и выяснилось, что друзья были правы. Джек выдал крепчайший гаражный блюз в духе ранних The Black Keys, местами даже тяжелее.
Из-за того, что я пропустил всё, что было между Boarding House Reach и No Name, мне сложно рассматривать данный альбом в контексте всей дискографии артиста. Но я с удовольствием сравню его со своим любимым Lazaretto. И первое, что приходит в голову, это ощущение, что альбомы должны были быть написаны в другом порядке. На Lazaretto Джек как будто уже осознанный экспериментатор, который вырос из глупого блюза и пишет музыку со скрипками и банджо. А на No Name наоборот, он молодой, агрессивный и бойкий рокер с грязными гитарами и смелыми текстами. Кстати да, тексты. Они тут офигенные. Я обожаю сонграйтинг мистера Уайта. Иногда он слишком... абстрактный, но у него точно есть фирменный юмор и едкая ирония, которой он не боится укалывать окружающих. Я рад, что Джек к 50 годам не растерял умение писать классные песни, хотя при прослушивании No Name меня не покидало чувство, что ему тут должно быть где-то 25.
Джек всегда был хейтером всего цифрового и большим фанатом аналогового, в какой-то момент он даже принципиально удалялся со стримингов. Когда No Name был записан, Джек напечатал небольшую партию виниловых пластинок без опознавательных знаков, и просил продавцов своего музыкального магазина Third Man Records давать этот винил в подарок к покупкам. Лишь после того, как поднялась шумиха об этих загадочных пластинках, альбом был выпущен официально. В записи принимала участие жена Джека, Оливия, и дочь Скарлет. У критиков релиз вызвал полный восторг. С одной стороны я удивлен, потому что блюз-рок в 2020-х никому не нужен, с другой, не удивлён, потому что Уайт действительно выдал объективно свою лучшую работу за последние 10 лет. Издание MOJO даже назвали No Name альбомом года. Мне теперь очень интересно послушать остальные релизы, которые я пропустил, включая вышедший в этом июле, но боюсь разочароваться...
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 Passion Pit – Manners (2009)
#indie_pop #electropop #synthpop
Я очень люблю Passion Pit, честно. Помимо того, что это очень классная и во многом даже новаторская электронщина, это ещё и важный лично для меня проект. Если быть точнее, то альбом Kindred – это первый релиз, который я добавил в избранное в сервисе deezer, и он стал для меня символом перехода от скачивания дискографий к прослушиванию через стриминги. А ещё я слушал его весь февраль 2019 года, так что он для меня очень зимний. Подробнее в старой рецензии. А сегодня, спустя почти три года, я наконец решил рассказать про дебютную работу, которая родилась из желания сделать подарок для девушки. Майкл Ангелакос, а именно он является сердцем группы и единственным автором, в 2007 году учился в колледже в Бостоне. И на день святого валентина, в качестве подарка возлюбленной, Майкл записывает на свой ноутбук несколько песен, посвященных тому, как она его терпит. Эти треки услышала не только девушка, но и друзья, которые скачали их и распространили по кампусу. Вскоре они вышли за его пределы, и с Майклом связались Frenchkiss Records, которые предложили выпустить альбом. Таким образом родился дебютный EP Chunk of Change. К слову, спустя почти 10 лет после этого, Майкл совершит каминг-аут сначала как би, а потом как гей.
Но сегодня мы будем слушать не EP, а дебютный полноформатник Manners, куда из Chunk of Change перекочевала только одна песня – Sleepyhead (до сих пор один из главных хитов Passion Pit). Само название Passion Pit Майкл придумал на ходу, чтобы было под каким псевдонимом выпускаться на лейбле. Перевести его можно как "яма страсти", так называли открытые кинотеатры в США ещё с 1920-х годов. А Майкл увидел в этом словосочетании отсылку к бездне эмоций. Так вот, Manners писался уже целиком осознанно, в Gigantic Studios. У Ангелакоса не было чёткого плана, он писал стихи на ходу, а музыку сочинял прямо в студии, вместе с продюсером Крисом Зейном. Несмотря на получившийся мажорный тон пластинки, Майкл признавался, что это его самый суицидальный и мрачный альбом, наполненный чувством вины. В то время он боролся с биполярным расстройством и как раз переживал кризис сексуальной ориентации. Но лично мне намного больше нравится музыкальная составляющая. Manners – это яркие, глитчевые и режущие ухо синтезаторы, вместе с которыми играют не биты, а настоящая бас-гитара и барабаны. Тут смешан и хаус, и синти-поп, и даже психоделика. А вишенкой выступает тонкий и узнаваемый, почти детский фальцет Майкла Ангелакоса. В итоге получился один из самых высокооценённых инди-альбомов 2009 года, который я советую всем фанатам MGMT или STRFKR. В будущем ждите пост про следующий альбом Passion Pit – Gossamer.
Слушать на доступных площадках
🇮🇪 U2 – The Unforgettable Fire (1984)
#art_rock #alternative_rock #post_punk #ambient
The Unforgettable Fire – один из моих самых любимых альбомов U2. На самом деле, любимых альбомов U2 у меня много, потому что я большой фанат группы в целом, но если вы ничего о них не знаете, и хотите начать погружение, то лично я всегда первым делом советую The Joshua Tree, про который уже писал, а потом The Unforgettable Fire. Совет исходит из того, что пластинки достаточно похожи. Сегодняшний альбом вышел на 3 года раньше Joshua Tree и является пробой пера в новом направлении. Новое оно по той причине, что ребята решили уйти от прямолинейного пост-панка в сторону чего-то более артистичного. И у них получилась чудесная работа как раз на границе арт-рока и пост-панка, с большим влиянием эмбиента. За это стоит сказать спасибо отцу эмбиента, Брайану Ино, который помог Эджу раскрыть себя не как гитариста, а как звукового инжинера. Именно на данном альбоме Эдж научился накладывать миллион слоёв реверба на гитары и создавать песни из одного аккорда, грамотно играясь с эффектами.
Что же побудило участников группы отойти от классической панковой формулы? Я бы сказал, что это как раз их... панковость. Они, как настоящие бунтари, не хотели делать то, чего все от них ждут, хотя критики уже называли U2 новыми The Who. Смена направления не была сюрпризом, Боно заранее предупреждал об этом фанатов, даже шутил, что они распадутся и соберутся как новая группа. Как Эдж переосмыслил написание музыки, так сам Боно переосмыслил свой подход к текстам, прочитав много литературы, и выбрал путь образов и недосказанности вместо чётких и понятных декламаций. Основным музыкальным референсом участники выбрали Talking Heads, с которыми у Брайана Ино уже был опыт работы. И по итогу у группы получился настоящий арт-рок. Экспериментально написанный, необычно звучащий, при этом сохранивший остросоциальность текстов и панковую подачу материала. Да, Боно всё также орёт в микрофон, а Ларри бьёт по барабанам как раньше, но атмосфера у всего этого стала намного более серьёзной, а местами волшебной. История показала, что The Joshua Tree, вышедший 3 годами позднее, получился всё же более качественным, и откровенных хитов там больше, но без Unforgettable Fire не было бы Joshua Tree, так что альбом всё же очень классный и точно заслуживает внимания.
P.S. мне тут доложили, что в ноябре у U2 новинка. Даже не верится. Не уверен, что найду в себе смелость послушать его на релизе, но очень интересно что там получится.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 Zakk Wylde – Book of Shadows (1996) / Book of Shadows II (2016)
#southern_rock #folk_rock #soft_rock
Ну и на десерт я оставил, наверное, самый осенний альбом в своей жизни. Речь про вторую часть Book of Shadows Закка Уайлда. Это стопроцентное попадание, я узнал о его релизе осенью, впервые послушал осенью, на обложке замерзающее дерево, а открывающий трек буквально называется Autumn Changes. Но рассказ всё же начну с первой части. Идея для Book of Shadows родилась в 1995 году, во время работы Уайлда над Ozzmosis, обзор которого доступен по ссылке. После записи тяжёлого хеви-метала, уставший Закк ежедневно шёл в бар Brew's, где слушал Нила Янга, Боба Сигера и Eagles. Именно тогда он почувствовал непреодолимое желание поделиться с публикой чем-то личным и открыть свою душу. А душа у него действительно очень ранимая и чуткая: Уайлд пишет много музыки на фортепиано, часто поёт о любви и переживаниях, любит котиков и растит дочку. Почти все инструменты Закк записывал самостоятельно, а их тут не много, чаще всего это клавишные и акустическая гитара. Разумеется, временами врубается электруха, но лишь чтобы подчеркнуть какие-то особенно эмоциональные моменты. Творческий процесс проходил в Ocean Studios в Калифорнии, лейблом выступил Geffen Records, а позже был ещё перевыпуск от Spitfire Records c тремя бонус-треками. Отдельного внимания здесь заслуживает Throwin' It All Away, она посвящена памяти Шеннона Хуна, вокалиста группы Blind Melon, который трагически погиб в возрасте 28 лет. Поистине душераздирающий трек, соло-партию из которого Закк на концертах может растягивать до 10 минут, вкладывая в свою гитарную игру всю боль утраты.
Я уже не ждал никакого продолжения, ведь казалось, что Уайлд сказал всё, что хотел сказать. Но вот спустя целых 20 лет, как снег на голову, на нас падает Book of Shadows II. Сказать, что я был в шоке – ничего не сказать. Это ощущалось как настоящее чудо как ответ на мои внутренние мольбы, ведь я был и остаюсь большим поклонником творчества этого бородача. Запись длилась почти год и проходила в личной студии Закка The Black Vatican. Всего было накидано порядка 40 композиций, но в альбом вошло 15, включая Sleeping Dogs, на которой спел Кори Тейлор из Slipknot. Мужики дружат аж с 2001 года, и давно хотели поработать вместе. По качеству Book of Shadows II не только не уступает первой части, но и превосходит её. Шикарный, современный дорогой продакшн, идеальное качество записи, выверенный баланс между акустической и электрогитарой. Весь материал, опять же, придуман и записан самим Закком Уайлдом. А материал всё такой же душевный и трогательный. Соло-партия из Darkest Hour – это пиковый peace of art и вершина мастерства артиста. Я хорошо помню, как в ноябре 2016 вышел утром в институт, впервые включил Book of Shadows II и был так заворожён, что просто не мог идти дальше. Я присел на замерзшую скамейку ближайшей детской площадки, смотрел на серое осеннее небо и просто наслаждался каждым звуком, пока по телу пробегал холод, и одновременно разливалось тепло от чудесных песен Уайлда. Если не хотите слушать обе части, то зацените хотя бы вторую. Критики также сходятся во мнении, что она во всём лучше первой. А вам желаю хорошей осени, позже постараюсь написать и про зимние альбомы.
Слушать Book of Shadows на доступных площадках
Слушать Book of Shadows II на доступных площадках
🇬🇧 Coldplay – X&Y (2005)
#pop_rock #alternative_rock #post_britpop
Сюда, возможно, лучше подошёл бы дебютный альбом, однако у меня нет связки между ним и осенью. А X&Y, помимо того, что я его много слушал осенью 2017-го, ещё и содержит в себе более холодную атмосферу. Во многом это вызвано обилием электроники, которая всегда немного "холодит" рок-музыку, как раз как во вчерашнем примере. Здесь же Coldplay впервые обращаются к сэмплерам, синтам и драм-машине. В своём обзоре на Keane я ошибочно сказал, что на X&Y группа раскрыла свой фортепианный потенциал, но это было немного делулу. Parachutes (2000) и A Rush of Blood to the Head (2002) содержат, конечно, намного больше чистого фортепиано. Хотя этот инструмент всё равно является центром творчества Coldplay, как и почти любой пост-бритпоп группы. После успеха A Rush of Blood to the Head было решено немного сдвинуть музыкальные приоритеты в сторону стадионного звучания, и отойти от камерного. В качестве источников вдохновения на этом этапе послужили U2, New Order и Брайан Ино. Продакшн тоже стал более прилизанным, менее сырым и интимным, но у меня язык не повернётся назвать X&Y overproduced. Пластинке очень идёт выбранная айдентика, а умение Криса Мартина писать красивейшие треки никуда не делась.
Продюсировать альбом должен был Кен Нельсон, работавший с Coldplay и до этого, но почти всё, созданное в соавторстве с ним, в итоге забраковали. Поэтому продюсером считается Дантон Саппл, ранее являвшийся звукорежиссёром группы. Процесс записи был трудным и длился 16 месяцев, в течение которых парни до конца не могли понять над чем именно работают. Но итог точно того стоил. X&Y положил начало концертной деятельности Coldplay в том виде, какой мы знаем её сегодня. Лайвы Coldplay, наряду с Muse, считаются одними из самых ярких, громких и красивых в индустрии. В будущем лишь на Ghost Stories (2014) они вернутся в камерность, а на всех остальных альбомах будут делать песни с оглядкой на концерты. Музыкально тут всё вообще без нареканий. Фьюжн гитар с синтезаторами ощущается потрясающе, участники нашли идеальный баланс между этими звучаниями. Тут всё работает на усиление эмоций и чувств, которых на альбоме предостаточно. Несмотря на "космическое" звучание, тексты остались очень личными. Fix You до сих пор уничтожает моё сердце в клочья, и мне бы очень хотелось спеть её хором на стадионе, но Coldplay ни разу не были в России. Самой же осенней я бы назвал акустическую Til Kingdom Come. Она была написана для Джонни Кэша при содействии Рика Рубина, однако Джонни умер всего за неделю до даты записи. Иронично, что сама песня посвящена как раз ожиданию дорогого человека из мира "по ту сторону". А вообще, X&Y сыграл большую роль в формировании моей любви к Coldplay. Именно Speed of Sound и Fix You позволили мне открыть дверцу в раннее творчество коллектива, ведь раньше я слушал только A Head Full of Dreams (2015). Причём слушал так много, что написал на него аж два обзора: этот и этот.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 Matt Pond PA – Emblems (2004)
#indie_rock #alternative_rock #chamber_pop #country
По аналогии с летними альбомами, решил я сделать серию и про осенние. Выкладываю именно сейчас, в самую середину сезона, потому что делать что-то осеннее в начале сентября, когда ещё листья зелёные и на улице жарко, я не вижу смысла. Зато сейчас самое то! И начну я с очень необычного поста. Точнее рассказ об артисте будет обычный, только вот написал я его 30 сентября 2024, а выпускаю лишь сейчас, спустя 2 года. Не знаю как так получилось, всё откладывал и откладывал, ждал чего-то. Но при мысли об осени вспомнил, как крепко у меня с ней ассоциируется Мэтт Понд. Про то почему я его полюбил, расскажу в другой раз, а сейчас держите текст, написанный очень давно, мальчиком, который слушал Matt Pond PA в то время, от силы, месяц. Ну и надеюсь вся серия вас тоже не разочарует!
Matt Pond PA, как и AWOLNATION, это группа одного человека, его так и зовут – Мэтью Понд, он является единственным постоянным участником коллектива. На данный момент, кстати, в группе вообще осталось всего два человека – сам Мэтт и Крис Хансен, который также играет на гитаре и поёт. Зато википедия насчитывает аж почти 30 бывших музыкантов, игравших когда то в проекте. Нужен ли там такой состав? Ну вообще нет, ведь музыка у коллектива очень камерная, да и сама группа достаточно локальная, их любят и ценят в родной Филадельфии, но не то что бы знают за пределами штата. Сейчас они уже базируются в Нью-Йорке, но среднестатистический слушатель скорее всего ничего о них не слышал. Как хорошо, что у вас есть я, который всё расскажет и покажет.
Мэтт Понд начал свою карьеру в конце 90-х и очень удачно вышел на корпорацию CDnow, которая активно пыталась популяризировать музыку через, как вы уже догадались, CD-диски. Тогда было не так важно что именно выпускать, поэтому Понд попал в эту волну CD-релизов и людям, которым достался диск с его музыкой, она сразу понравилась. Дальше Мэтт экспериментировал с жанрами, но не глубоко, оставаясь в рамках полуакустического инди и альтернативного рока с нотками симфонических инструментов. Я выбрал альбом Emblems, в основном, из-за обложки, увидел её в игре про угадывание музыки. Меня сразу зацепил этот милый олень и приятный околокантри мотив трека New Hampshire. Слушая Emblems, чувствуешь себя тем мужиком, который живёт в огромной смотровой вышке посреди леса-заповедника в Северной Америке. Тебе так одиноко, и одновременно уютно, а вокруг шикарная осенняя природа.
Слушать на доступных площадках
🇧🇷 Laurindo Almeida – Classical Current (1969)
#lounge #jazz #smooth_jazz
А вы задумывались о том, что вообще такое лаундж? Я упоминал этот жанр лишь однажды, в обзоре на For Lovers группы Lamp. Возможно кто-то мог подумать, что это такая лёгкая фоновая музыка для лифтов и чилл-зон, но на самом деле это целое джазовое направление. Появилось оно в США, в конце 1950-х, как ответ на агрессивный бибоп и пост-боп. Лаундж-музыканты взяли всё лучшее из свинга и латины, убрали яркие танцевальные ритмы, но оставили красивые оркестровые проигрыши. В качестве ведущих инструментов в лаундже обычно используются ксилофоны, органы и фортепиано. У этого жанра, на самом деле, больше общего с босса новой и сёрфом, чем с джазом в его классическом понимании. Почти все знаковые пластинки этого направления были выпущены в 60-х, а потом жанр потихоньку перетёк в чамбер-поп, который добавил к музыке вокал. Да, забыл упомянуть, что настоящий лаундж – исключительно инструментальный. Поэтому его и включали как фоновую музыку в отелях, ресторанах и залах ожидания, благодаря чему жанр и получил своё название. Сейчас лаундж несправедливо забыт, его место занял лоу-фай и прочая лёгкая электроника, которую может генерировать даже нейросеть. Я думаю, что ещё выложу тут какой-нибудь другой лаундж-альбомчик, но сегодня будем слушать бразильского композитора Лауриндо Альмейду.
Лауриндо родился в 1917-м, в штате Сан-Паулу, с самого детства учился классический испанской гитаре. Уже в 19 лет он играл в оркестре, который сопровождал круизные европейские лайнеры. В Париже он познакомился в другим классическим гитаристом, Джанго Рейнхардтом, который стал его вдохновением на всю жизнь. В 40-е Лауриндо узнаёт, что такое американский джаз, и начинает писать музыку, сочетающую в себе джаз и латинские мотивы. В итоге, шаг за шагом, Лауриндо становится одной из икон бразильской музыки в США. Он был номинирован на 16 Грэмми, 5 из которых заслуженно забрал, а умер в 77 лет от лейкемии, в Калифорнии. Архивы с его записями хранятся в государственном университете Нортриджа, а это более 1000 произведений, фрагменты из которых до сих пор учат в консерваториях по всему миру. Диджеи также с удовольствием сэмплируют его музыку, укрепляя имя Лауриндо Альмеды как одного из величайших композиторов современности. Слушать мы будем альбом Classical Current, выпущенный в 1969 году на Warner Bros. Это потрясающей красоты латинский джаз с испанской гитарой, трубой и виолончелями. Он немного грустный и мечтательный, и звучит как саундтрек к какому-то чёрно-белому фильму о любви. При всём моём желании послушать его фоном, у меня не получается отвлечься от того, с каким мастерством и страстью музыканты исполняют свои партии. Сlassical Current – бесспорно один из лучших лаундж-альбомов в истории человечества.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 Explosions in the Sky – The Earth Is Not a Cold Dead Place (2003)
#post_rock
В постах про This Will Destroy You и M83 я использовал такое понятие как "кинематографичная музыка". Сегодня я хотел бы поговорить о том, насколько это вообще положительная характеристика, и дать вам послушать один из самых кинематографичных альбомов (не считая тех, что были написаны как саундтреки к фильмам). Для меня уровень кинематографичности в музыке определяется её способностью будоражить воображение, рисовать перед тобой какие-то картины и сцены, вызывать эмоции через образы. С одной стороны звучит круто, но с другой, как будто бы музыка – не лучший проводник для такого опыта. Чтобы вызвать эмоцию, необходимо с чего-то начать, создать вступление, развить его до катарсиса, и потом всё это красиво закончить. Отсюда можно сделать вывод, что жанры, которые лучше всего для этой цели подходят, это дроун, неоклассика и пост-рок. И вот как раз последнее мне среди прочих ближе всего. Однако, будем честны, нам не всегда хочется или можется сидеть и залипать на 40-минутные опусы, которые пытаются выдавить слезу или улыбку. Иногда, по дороге с работы домой в многолюдном метро, хочется просто потрясти головой под любимые риффы хард-рока или послушать простую поп-балладу о любви. Поэтому крайне советую слушать сегодняшний альбом только в подходящем настроении, иначе он вам покажется гиперскучным.
А послушать я вам предлагаю самый известный и по праву признанный лучшим релиз американской пост-рок группы Explosions in the Sky. Название The Earth Is Not a Cold Dead Place говорит само за себя. Пластинка пропитана чем-то светлым и добрым, это выражается в основном в ярких гитарах и мажорных мотивах. Хотя у меня пост-рок всё равно обычно вызывает какую-то грусть, иногда светлую, иногда нет. Трек Six Days at the Bottom of the Ocean был вдохновлён историей о гибели подводной лодки Курск, остальные композиции посвящены борьбе общества или отдельной личности с кризисами. И, по ужасному совпадению, незадолго перед выходом альбома произошёл теракт 11 сентября. Несмотря на то, что эти события никак не повлияли на музыкантов, очень многие слушатели нашли отдушину и спокойстве после этой трагедии как раз в музыке Explosions in the Sky, ведь Земля – и вправду не холодное и мёртвое место, что бы на ней ни происходило. На выходе релиз получил очень высокие (а для своего жанра вообще потрясающие) отзывы, журналы Paste, Kerrang! и Fact включили пластинку в списки величайших пост-рок альбомов, а некоторые композиции, что закономерно, попали в кинофильмы и телепередачи. Я долго боялся слушать The Earth Is Not a Cold Dead Place, ведь у меня есть собственное понимание хорошего пост-рока, однако после нескольких прослушиваний в разные периоды я остался доволен. Главное, как я говорил выше, найдите правильное место и время. Каждый трек тут длится около 10 минут, а проматывать не вариант, ведь тогда рухнет вся магия. Если у вас есть свободное время, и вы не боитесь испытывать эмоции, то сегодняшний альбом точно для вас.
Слушать на доступных площадках
Дорогие Дурковещатель и Оливердед передали мне эстафету – рассказать про 9 альбомов, которые сформировали мою личность. Я почитал посты коллег на ту же тему, и очень обрадовался, что многие не стали делать из этого просто топ-9 любимых, а рассказали именно про те релизы, которые оказались важны в определённый период жизни. Сегодня и я таким поделюсь, дав небольшие комментарии. На некоторые альбомы уже есть полноценные обзоры, они будут доступны по ссылке в названии. На некоторые ещё нет, но всё впереди!
Lana Del Rey – Unreleased
Помог перестать стесняться своих вкусов. Когда я был ещё школьником-рокером, именно этот сборник невышедших записей певицы открыл для меня мир поп-музыки, который я ранее категорически отрицал. До сих пор не знаю почему именно Лана ещё до борнтудаевской эпохи меня так зацепила, но имеем что имеем.
blink-182 – Buddha
Помог полюбить сырой и грязный звук. Даже когда я активно слушал панк, мне всё равно нравилось идеальное студийное звучание. Но услышав Будду, я окунулся в мир хаоса, где молодые ребята не попадают в ноты, а записывалось всё на самую дешёвую аппаратуру. И я впервые смог проникнуться такой атмосферой.
Daft Punk – Discovery
Помог открыть мир электронной музыки. Опять же, возвращаясь во времена своего рокерства, я считал, что электроника – это стереотипный клубняк из ночных клубов. Но работа с сэмплами на Дискавери меня покорила, и, поняв как устроена электроника, я познакомился с хаусом, электросвингом, нейрофанком и другими жанрами, которые теперь люблю.
Childish Gambino – Because the Internet
Показал, что написать сложный концептуальный музыкальный альбом можно не только в жанре прогрессив-рока. Я всегда очень любил классику прога 70-х, и считал, что вот там была настоящая глубина, а рэп – он про тёлок и тачки. Но то, сколько философии и идей вложил Гамбино в своё творение, вызывает уважение до сих пор. Если бы не он, я бы не открыл для себя Кендрика Ламара, МФ Дума и весь умный хип-хоп.
The Divine Comedy – Absent Friends
Показал, что симфоническая музыка может быть очень камерной и личной. Раньше я думал, что все вот эти помпезные оркестровки существуют только в классике или, на худой конец, неоклассике, и обходил подобное стороной. Но Нил Хэннон создал самый душераздирающий чамбер-поп альбом на свете, который открыл мне глаза на то, как хорошо оркестр может подчёркивать эмоции автора.
Elton John – Blue Moves
Показал, что рок-музыка и поп-музыка на фортепиано, может быть не мене захватывающей и красивой, чем гитарная. У меня есть целых 4 поста про Элтона Джона, однако о данном альбоме я пока не писал. А тем временем именно Blue Moves я услышал в свои рокерские годы, и понял, что пианино – это не какой-то фоновый инструмент из консерватории, и на нём можно писать целые шедевры.
The Devin Townsend Band – Accelerated Evolution
Показал, что метал – это не всегда долбёжка пауэр-аккордов. До знакомства с творчеством Таунсенда, весь метал в моей библиотеке состоял из хеви, треша и грува, то есть классический дроч риффов. Но, услышав фирменную стену звука Дэвина, которую он наслаивает, перемежая гитары и синты, я понял, что метал может быть обволакивающим, и под него не обязательно трясти башкой.
Modern Baseball – Sports
Показал, что у всех подростков на планете, на самом деле, одни и те же проблемы. И русские, и американцы одинаково переживают первую любовь, школьные будни, конфликты с родителями. Та честность и искренность, с которой Брендан Лукас всё это рассказывает, стёрло в моей голове барьер между нашими странами, поэтому зарубежное эмо отзывается в моём сердце не хуже отечественного.
Spanish Love Songs – Brave Faces Everyone
Показал, что у всех взрослых на планете, на самом деле, тоже одни и те же проблемы. Да, всё как в истории со Sports, но услышал я BFE когда мне было уже почти 30. И песни про то, сколько всего ожидает от тебя общество, а ты не можешь этому соответствовать, очень хорошо в меня попали. К тому же это была моя первая виниловая пластинка, её на новый год подарила девушка. Так что BFE повлиял на меня сразу в двух аспектах, положив старт коллекции.
🏴 CHVRCHES – Love is Dead (2018)
#synthpop #electropop #indie_pop
У меня в своё время было какое-то предвзятое мнение о группе CHVRCHES. Почему-то думал, что это унылый вичхаус для тамблер-гёрлз из 2010-х. Про тамблер я, в целом, оказался прав, а вот жанрово CHVRCHES, на самом деле, представляют из себя практически первоклассный синти-поп. По крайней мере именно таким я хочу видеть данный жанр в сегодняшние дни. Чтобы он не скатывался в ретровейв, но при этом и не был аккомпанементом для условной Тейлор Свифт. Так вот, CHVRCHES основал Мартин Доэрти, сессионный музыкант группы The Twilight Sad, вместе с одногруппником из института, Йеном Куком, и барабанщицей Blue Sky Archives, Лорен Мейберри, которая встала за микрофон. Доэрти с самого начала собирался вдохновляться эстетикой 80-х, однако в процессе записи первых же песен троица очень хорошо сработалась и нащупала практически уникальный стиль, который ощущается вполне современно. Несмотря на это, никто из музыкантов до конца не верил в серьёзность данного проекта, и группа даже не рассчитывала хоть когда-либо давать концерты. Однако первая же песня Lies порвала все чарты и попала в ротацию радиостанций. Такой оглушительный успех сподвиг Мартина, Йена всё-таки сесть за написание полноценного альбома.
Дебютник группы называется The Bones of What You Believe и мне он, если честно, не очень нравится. В целом всё раннее творчество CHVRCHES мне кажется немного перегруженным и немелодичным, хотя от критиков оно получало хорошие отзывы. Своим же любимым альбомом могу смело назвать Love is Dead – самый низкооцененный у слушателей во всей дискографии. Ругают его обычно за попсовость, но для меня это вообще не минус. Пластинку помогали записывать два ветерана индустрии: Мэтт Бернингер из The National и Дэйв Стюарт из Eurythmics. С сыном последнего, кстати, Лорен сейчас состоит в отношениях. Несмотря на то, что все участники родом из Шотландии, музыку они записывали в Лос-Анджелесе и Нью-Йорке. Тот факт, что Love is Dead будет более попсовее, чем прошлые работы, никто не скрывал. В интервью для радио BBC Лорен признавалась, что они пытались сделать поп более ярким и агрессивным, потому что им хотелось отойти от старого стиля, а также оживить концерты. С последним у CHVRCHES точно всё в порядке, их лайвы представляют из себя очень яркие и красочные шоу, а наряды и макияж Лорен каждый раз заставляют моё сердце биться чаще. Вообще организацией визуала концертов у них занимается специальный человек, Луис Оливер, и он мастер своего дела. В итоге Love is Dead попал на 7 строчку UK Albums Chart и на 11 в Billboard 200, но по продажам получил только серебряную сертификацию. Несмотря на то, что на каждом альбоме CHVRCHES есть треки, которые меня трогают, на Love is Dead их всё-таки больше всего. Очень советую всем любителям мощной электронной поп-музыки.
Слушать на доступных площадках
🇧🇪 It It Anita – Mouche (2023) / HI HI HA HA (2026)
#noise_rock #post_hardcore #post_punk
Ну вы только посмотрите на этого пёселя! Разве может за такой милой мордашкой скрываться злободневный артистичный гаражный нойз-рок? Да кого я пытаюсь обмануть, вы уже по тегам догадались, что может. Коллектив It It Anita, а точнее их трек Disgrace, я нашёл в подборке стоунера, которую подкинул мне дизер, но данная обложка повергла меня в шок. Поэтому я сразу побежал слушать альбом целиком и, несмотря на то, что это оказался далеко не стоунер, я остался очень доволен. Выяснилось, что этот чудесный ретривер, выглядывающий из-под стола, на самом деле звучит как что-то между Pavement и Fugazi с большим влиянием арт-панка и нойза. Мне, на самом деле, сложно описать творчество It It Anita словами, ведь это достаточно уникальный жанровый коктейль. Группа появилась в Бельгии в 2012 году, и под своё крыло их сразу же взял Джон Аньелло, продюсер Sonic Youth и Dinosaur Jr., поэтому прямо с первого релиза качество музыки было на высоте. Однако собственный неповторимый стиль группа тогда всё же только искала, из-за чего я не советую вам слушать то, что выпускалось до 2018 года. А вот начиная с Laurent и по сегодняшний день группа делает очень артистичный нойз-рок, который я уже описывал выше.
Альбом Mouche, тот самый с ретривером, меня очень впечатлил, и когда я узнал, что в 2026 планируется новый релиз, то стал ждать его с нетерпением, возлагая большие надежды. Особенно учитывая, что лейблом для парней выступил Vicious Circle Records, на котором также выпускались Mars Red Sky. И вот в конце января выходит не какой-то хи-хи ха-ха, а настоящий... HI HI HA HA! Да, я люто выпал в осадок с названия, и тут же побежал слушать. К сожалению или к счастью, группа решила потихоньку отойти от панка к заявленному изначально стоунеру, и данный альбом вышел намного более метальным, чем все предыдущие. Гитары тут уже звучат грубее, а вокалист, Михаэль Гаффард, перестал артистично читать стихи как Маяковский, а по-настоящему запел, где-то даже довольно экстремально. HI HI HA HA, на самом деле, неплох, но Mouche слишком задрал для меня планку качества, поэтому я остался не до конца удовлетворён. Если хотите чего-то более гаражно-психоделического, то слушайте альбомы Sauvé и Laurent, они местами очень сильно напоминают виндмил-сцену и строятся почти целиком на арт-панке и пост-панке, только гитары звучат ощутимо грязнее. Но выложу для вас я именно Mouche (потому что буквально вершина их творчества) и HI HI HA HA (чтобы не оказалось как в 2025-м, что у меня не выложен ни один альбом, вышедший в год написания поста).
Слушать Mouche на доступных площадках
Слушать HI HI HA HA на доступных площадках
🇰🇷 Weki Meki – Weme (2017) / Lucky (2018)
#kpop #dance_pop #tropical_house
В своём рассказе про Red Velvet я упоминал, что Weki Meki смешивали кейпоп с фанком, но это не совсем верно. Они, как типичные представители третьего поколения, выступали с очень разнообразной музыкой, сочетающей в себе и тропикал-хаус, и глитч-хоп, и даже мумбатон (разновидность хауса и регги). Что ещё грустно, но абсолютно типично для кейпопа: группа распалась, не выпустив ни одного лонгплея. И это за 7 лет существования, с 2017 по 2024. Жалко, что кейпоп – это такой конвейер, где тебе надо клипать синглы и EP минимум раз в год, чтобы о тебе не забыли, а если сядешь писать большой LP, он будет уже никому не нужен, ведь кейпоп держится на хитах, вирусных танцах и активности в медиа. Впрочем, EP у Weki Meki целых 5, и сегодня мы будем слушать первые два, однако сначала пару слов про группу.
Участницы начинали как трейни в Fantagio i-Teen, в агенстве талантов Fantagio Entertainment, и выступали под названием i-Teen Girls. На дебютнике, кстати, на эту часть истории отсылается песня iTeen Girls Special. В 2017 году агентсво переименовало коллектив в Weki Meki, и начал готовиться дебют. Вместе с музыкой было также запущено реалити-шоу Weki Meki, mohae?, выходившее на ютубе. Шоу просуществовало целых 60 серий, и повествовало о становлении девочек как айдолов. Первый EP получил название Weme, состоял из 6 песен, которые продюсировало аж 14 разных человек. Релиз поднялся на 7 место в Gaon Album Charts, это корейский Билборд. Weme звучит как сильный старт, тут есть и электронные танцевалки и грустные баллады. Музыкально всё это дело звучит немного устаревше, как будто на дворе должен быть 2012, а не 2017, но у меня с этим ноль проблем, я люблю музыку 2012-го.
Второй EP Lucky продолжил раздвигать жанровые рамки, как раз тут появился фанк, диско и хаус. Он тоже продался неплохо, однако фурора уже не произвёл, а дальнейшие релизы показывали себя всё слабее и слабее. По итогу в 2024 группа распалась без объявления причины, однако две участницы всё же заключили сольные контракты с Fantango. Я вам советую обе EP, но Lucky как будто более музыкально навороченная, и мне, как задроту экспериментов со звуком, она нравится больше. Кстати, забыл рассказать самое главное, их название на корейском языке означает 8 уникальных девушек (Me Ki), которые хранят ключи к открытию других миров (We Ki). Если честно, без википедии бы не догадался.
Слушать Weme на доступных площадках
Слушать Lucky на доступных площадках
🇬🇧 Black Sabbath – Seventh Star (1986)
#melodic_heavy_metal #heavy_metal
Этим мартом я сделал свой первый за 2 года пост про Black Sabbath, а это значит, что теперь у меня развязаны руки написать про менее известный, но не менее любимый мной альбом группы – Seventh Star. Да, я, наверное, единственный человек в мире, который хочет рассказать об этом проходняке раньше, чем о Paranoid или Sabotage. Почему же проходняке? Всё очень просто – это буквально сольный альбом Тони Айомми, написанный уже после ухода Оззи Осборна и Ронни Дио, но ещё до прихода Тони Мартина. А почему я хочу его выложить? Потому что я очень люблю Тони Айомми как музыканта и композитора. У меня даже есть отдельный пост про его сольник 2005 года. Вообще таких "провальных" альбома у группы два, и на обоих поют участники Deep Purple – на Born Again это Йен Гиллан, а на Seventh Star это Гленн Хьюз. Если кто пропустил, про Гленна Хьюза у меня есть забавный рождественский пост, где он строит из себя соул-певца.
Собственно, да, это первая проблема альбома. Многие не любят Гленна Хьюза и его вокал. Тут сложно описать конкретные причины, потому что это, в основном, вкусовщина, но у этого парня достаточно много хейтеров. Вторая проблема, как ни странно, это сам Тони Айомми. Дело в том, что Seventh Star изначально задумывался и писался как его сольник, и лишь в последний момент менеджер группы, а также и лейбл Warner Bros., настояли на том, чтобы релиз вышел под маркой Black Sabbath. Вот только сам Айомми хотел отойти от формулы Саббатов и написал, по сути, блюз-рок альбом, ещё и обработал его с кучей дилэя, как типичный АОР 80-х. И теперь имаджинируйте себе физиномию металиста, купившего это безобразие на пластинке, поставившего его в проигрыватель и услышавшего беззубый рок про любовь для радио вместо мрачного дум-метала.
Ещё вам факт в копилочку: Хьюз поехал с группой в тур и отказался выступать после 4 концертов, ведь просто не вывозил песни, которые когда-то спокойно пел Ронни Дио, плюс он тогда страдал от наркотиков. Провал тура ещё сильнее запятнал Seventh Star. Но знаете что? Это офигенный альбом. Это действительно очень приятный не тяжёлый рок, который, если не воспринимать его как продукт Black Sabbath, может доставить кучу удовольствия любителю подобной музыки. Больше всего я тут люблю песню Heart Like a Wheel – это буквально настоящий блюз-метал, никогда не слышал ничего подобного, всё же Айомми – гений гитары. Вон он, на обложке, смотрит куда-то, настоящий красавчик.
Слушать на доступных площадках
🇯🇵 Casiopea – Super Flight (1979)
#jazz_fusion #smooth_jazz #funk
Сегодня будет достаточно короткий пост, но я очень советую послушать вам музыку, которая к нему прилагается. Речь уже во второй раз пойдёт про Casiopea, но всё самое важное и интересное уже было сказано в первом посте, так что сегодня минимум какой-то фактической информации. Я просто возвращался вчера от зубного врача с сильной болью и хотелось включить что-то приятное и успокаивающее. А что может быть более подходящим, чем японский джаз 70-х. Я не стал далеко ходить и включил Super Flight – второй альбом группы после дебютника. Когда-то давно я его слушал, но очень мельком, просто фоном, а в этот раз ознакомился более внимательно, и не пожалел.
Super Flight записывался в Токио, с августа по октябрь 1979 года, и вышел тогда же в ноябре. Это первый альбом, в котором принял участие американец, композитор Стив Кармен, он написал песню I Love New York. Да и вообще, слушая Super Flight, ловишь себя на мысли, что вся пластинка очень "американская". Это сложно объяснить, но джаз тут такой нуарно-американский, в духе 40-х годов, и практически не содержит выходящих за рамки экспериментов. А обложка только усиливает эту атмосферу.
Персонально для меня звездой альбома стал Иссеи Норо, гитарист группы, использовавший при записи Yamaha SG-2000. Именно гитарные партии мне тут кажутся самыми интересными и запоминающимися. Где-то они звучат более блюзово, где-то более фанково. Некоторые треки, например Sailing Alone, полностью ведёт бас-гитара. Упомянутая выше I Love New York вообще звучит как диско дафт панк, ещё и этот странный синтетический голос сверху... В общем, всем фанатам джаза категорически советую. А то многие Casiopea дальше альбома с гоночными машинками даже не слушают, и очень зря!
Слушать на доступных площадках
🇬🇧 Funeral for a Friend – Hours (2005)
#post_hardcore #melodic_hardcore #emo
Я, к своему стыду, мало слушал Funeral for a Friend. И зря, ведь это очень важная для мелодик-хардкора группа, не менее важная, чем Madina Lake, The Wonder Years или Four Year Strong. Однако, стоит подчеркнуть, что речь идёт не о хардкорном хардкоре, это просто более тяжёлый и более эмоватый поп-панк, которому далеко до уровня агрессии каких-нибудь Брингов или Аскингов. Сама группа образовалась в начале 00-х, основал её вокалист January Thirst, Майкл Дэвис. Название Дэвис взял из песни другой любимой хардкор-панк группы, Planes Mistaken for Stars. Однако для собственного проекта Майкл выбрал немного иной стиль, он отошёл от агрессивного и тяжёлого хардкора в сторону более популярного тогда раннего эмо. И этот мув сработал на ура, Funeral for a Friend чудесно влились в волну мрачной американской альтернативы, и уже после дебютного альбома спокойно турили с My Chemical Romance, Linkin Park и Moments in Grace. Про последних, кстати, у меня есть отдельный пост, а ещё они так сдружились с Funeral for a Friend, что даже записали совместный сплит сингл в 2004 году. А теперь вот вам плот-твист: вообще-то наши сегодняшние гости британцы из Уэльса, поэтому вдвойне удивительно, что они нашли себя на поприще эмо-музыки США. Но факт остаётся фактом, дебютник стал золотым в Британии, а группа получила несколько наград от уважаемых изданий.
Говорить мы будем не о первом альбоме, а о втором, Hours 2005 года. Не потому что он лучший, а потому что когда-то deezer подкинул мне песню History как раз отсюда, так я познакомился с коллективом, и в будущем, если возвращался к нему, то обычно именно к Hours. Данный альбом записывался уже в США, в Сиэтле, в личной студии Pearl Jam. Интересный факт: голос для трека Drive вокалист записывал прямо в машине, которая каталась по улицам города. Продюсером пластинки выступил Терри Дейт, работавший с такими металистами как Pantera, Overkill, Dream Theater и Deftones. Однако никакой тяжести он не привнёс, Hours – это всё ещё, в первую очередь, эмо-альбом. Красивый, душевный, посвященный усталости от жизни, потерям близких, апатии и всему тому, о чём пели эмари тех лет. Да, тут есть пара неплохих качовых риффов, но не ждите экстрим-вокала или грува. Лично я советую Hours тем, кто любит грустноватую альтернативу середины 00-х. На релизе альбом получил позитивные, но не восторженные отзывы, а позже продажи Funeral for a Friend стали только падать, так как тренд на подобную музыку стал потихоньку уходить. Хотя за качество их более современной музыки я ручаться не могу, если сам доберусь до неё, обязательно сделаю постик.
Слушать на доступных площадках
🇺🇸 Megadeth – Peace Sells... but Who's Buying? (1986)
#thrash_metal #heavy_metal #progressive_metal
Сегодня участвую в челлендже, эстафету в котором мне передали аж три замечательных криэйтора: Музыкальный Хирург, Нейровайбер и Закопайте кавербенд поглубже. Суть в том, чтобы рассказать про альбом, который с годами приблизился к статусу персонального идеала. В моём опыте подобные ситуации случаются нечасто, обычно мне альбомы либо нравятся, либо не нравятся с самого начала. А если я и возвращаюсь к чему-то, к чему был равнодушен (или даже негативно настроен), оно редко вызывает новые эмоции. Но, немного подумав, я вспомнил про свои отношения с ранними альбомами Megadeth. Для начала обозначу, что дебютный Killing In My Business мне не нравится до сих пор. Это ничем не примечательная металлика-лайк трешанина – попытка отомстить Хэтфилду за разрыв отношений, а также переосмысление материала, сочинённого ещё во времена работы над Kill 'Em All. А вот ситуация с Peace Sells интереснее.
Моё знакомство с этим шедевром началось не с музыки, а с обложки, где-то в 2013 году. Одноклассник в лицее нарисовал того самого Раттлхэда с табличкой "For Sale" на перемене между парами. Я спросил кто это, и тут же получил пояснение, однако подобная музыка мне совсем не зашла. Я не сдавался, и со временем всё-таки вкатился в творчество Megadeth. Сначала с вышедших в 90-е Countdown и Youthanasia, а потом заценил и современные альбомы, тогда как раз случился релиз Super Collider. Но, считающиеся у фанатов эталонными Peace Sells и Rust, мне никак не давались. Несмотря на это, я стабильно раз в пару лет к ним возвращался, и с каждым прослушиванием действительно находил для себя что-то новое. Этому способствовало три фактора: 1) мой увеличивающийся кругозор в жанрах, 2) возросшая терпимость к тяжелой музыке и интерес к "сложным" жанрам, 3) общая культурная образованность. Всё-таки обычный школьник едва ли мог понять, что пытается донести до него Дэйв Мастйэн с другого конца планеты.
Теперь, наконец, расскажу, о чём пластинка. В основе своей это глубоко циничное, мрачное и остросоциальное произведение, в котором открыто критикуется внутренняя и внешняя политика США. Но не ждите духоты, помимо этого тут есть и типичные для метала темы: убийства, демоны, ритуалы. Благодаря всему этому тон у Peace Sells мрачный, напоминающий лучшие работы Coroner. На этом моменте принято ругать вокал Мастейна, но его манера артистично "читать" строчки в данном случае идёт только на пользу вайбу. Музыкально это тоже далеко не унылый треш. Барабанщик Гар Самуэльсон и гитарист Крис Поланд имели джазовые корни, отчего альбом наполнен джазовыми секциями, резкими переходами, полиритмами и, если честно, представляет из себя очень добротный прог-метал. Десять лет назад меня это только отталкивало, но сейчас я не могу оторваться витиеватых соляков и драйвовых риффов. Далее Мастейн только закрепит свой успех на Rust, но о нём расскажу в другой раз, скорее всего даже в рамках золотой коллекции. Вот так старое технотреш-творчество Меги прошло у меня за 10 лет целый путь от полного неприятия до абсолютной любви. А я, тем временем, передаю эстафету в этом челлендже каналам Melt Session и культовый альбом на каждый день, да и всем, кто сам хочет принять участие.
Слушать на доступных площадках
🇮🇪 Van Morrison – Veedon Fleece (1974)
#bard #folk #jazz #soul
Начну рассказ с признания: Ван Моррисон – мой самый любимый певец на свете. Даже если я буду делать новый топ с другими артистами, то 4 позиции с конца поменяются, а первое место останется за этим замечательным человеком. Тут совпало две причины: первая заключается в объективной крутости голоса Моррисона, а вторая – в том, что он западает лично мне в душу. Так было буквально с первого прослушанного мной альбома – Days Like These (1995), и до сих пор, спустя 10 лет, это всё ещё топовый вокалист. Я знаю, что при упоминании Вана Моррисона принято рассказывать об Astral Weeks или Moondance, но оставим это на другой раз, а я сразу окуну вас в свою любимую эпоху – середину 70-х.
Мне много что нравится из того периода, но для поста я выберу Veedon Fleece 1974-го. Это восьмой альбом артиста, и к моменту его написания Айван был ужасно вымотан. Помимо плотного концертного графика, по нему сильно ударил развод с женой Жанет Ригсби. Тогда, в октябре 73-го года, Айван решает сбежать от суеты и впервые за 6 лет уезжает домой, в Ирландию. Путешествуя по родине, он пишет новые песни, прямо на салфетках и конвертах – что попадётся под руку. Вернувшись в Калифорнию, он собирает музыкантов в своём гараже, и они начинают запись. Айван буквально на словах объясняет кому что играть, напевает мотивы, да и сам придумывает недостающую часть материала на ходу. Отсюда на Veedon Fleece столько импровизации, столько эмоциональности и душевности.
Альбом был встречен прохладно, никто не оценил ирландские мотивы и достаточно личные тексты. Но это тогда. А сейчас Veedon Fleece считается шедевром, который впервые открыл широкой публике всю глубину души Вана Моррисона. Ну и пара слов про вокал. Голос Моррисона – это кисть, и он рисует им на холсте что и как захочет. Он то рычит, то скулит, то почти плачет, а слова местами превращаются в бессвязный набор букв. От бельтинга до фальцета: Моррисон использует множество техник, чтобы передать весь спектр эмоций. Грейл Маркус говорил, что ни один белый человек не поёт как Ван Моррисон. На его вокале выросли десятки певцов: Боно, Шинейд О' Конор, Элвис Костелло, Брюс Спрингстин и многие-многие другие буквально называли его кумиром. Слушая почти любой альбом Вана Моррисона, у меня на глаза наворачиваются слёзы от того, насколько это потрясающе. А альбомов, между прочим, 45 штук только студийников! И я обязательно расскажу тут про парочку. К сожалению, как бы я ни старался, я никогда не смогу словами описать как сильно люблю песни Вана Моррисона, поэтому очень прошу вас просто дать шанс как минимум этому альбому, надеюсь вас тоже зацепит.
Слушать на доступных площадках
