458
Свои секреты есть даже у тех шедевров живописи, которые кажутся нам хорошо знакомыми. Все проекты: https://t.me/JaneAirr По всем вопросам: @zhanna_osipova
Молоко богини разлилось по небу. Так родилась галактика, в которой мы живём.
🎨 Питер Пауль Рубенс (1577–1640). «Рождение Млечного Пути». Около 1637 года. Музей Прадо, Мадрид.
Рубенс — главный барочный художник, мастер плоти и света. Но эта картина — не просто миф. Это история о том, как мы получили название нашей галактики.
Зевс хотел сделать сына Геракла бессмертным. Он тайно поднёс младенца к груди спящей Геры — своей жены, которая ненавидела чужих детей. Когда Гера проснулась и оттолкнула младенца, её молоко разлилось по небу, образовав Млечный Путь.
Рубенс показывает этот момент в полной красе. Гера сидит на колеснице, запряжённой павлинами. Молоко струёй бьёт из её груди в ночное небо. Рядом — младенец Геракл. Сзади, в облаках, Зевс со своим орлом наблюдает за происходящим.
Художник берёт миф и превращает его в зрелище. Тёмный ночной фон делает фигуры объёмными. Свет падает на Геру, выделяя её среди ночи. Молоко становится символом не просто галактики, а жизни и плодородия.
Картина входила в заказ испанского короля — 63 мифологические сцены для охотничьего домика. Лицо Геры Рубенс написал со своей второй жены Елены Фурман. Так что небо над головой носит черты женщины, которую он любил.
Что случилось с этой женщиной?
Во все времена внезапная смерть почти всегда порождала сомнения и домыслы. А уж если уходила из жизни молодая, богатая женщина из аристократии, разговоры разлетались особенно быстро и громко. Именно такой историей, как мне кажется, и цепляет картина «Эми Робсарт», которую британский художник Уильям Фредерик Йимз написал в 1877 году. Рассказываю.
Леди Дадли, урождённая Робсарт, появилась на свет в Норфолке во второй трети XVI века. Когда ей исполнилось 18, она вышла замуж за молодого дворянина. После того как на трон взошла Елизавета I, её супруг оказался при дворе и довольно быстро стал одним из самых влиятельных королевских фаворитов. Ходили упорные слухи, что последняя из Тюдоров и этот подданный собирались вступить в брак, но при живой жене подобное было невозможно.
Пока герцог прокладывал себе путь в политике, его законная супруга жила у родственников в поместье Камнор-плейс. И вот однажды слуги, вернувшиеся с ярмарки, нашли хозяйку на нижней ступени лестницы, ведущей к внутренним комнатам. Шея у неё была сломана. Расследование решило, что случилось несчастье, однако молва куда охотнее верила в то, что женщина стала жертвой хитроумного заговора.
На полотне показан самый драматичный миг этой печальной развязки. Те, кто обнаружил погибшую, медленно и осторожно спускаются к месту, где неподвижно лежит тело, похожее на уснувшего ангела. У мужчин на лице застыл ужас, а второй даже вцепился руками в голову, не в силах справиться с потрясением.
Сегодня картина находится в частном собрании.
Вернуться, когда тебя уже никто не ждет.
Эта картина буквально пропитана тишиной и запоздалым горем. Перед вами работа австралийского художника Рона Фрэнсиса — «Долгое прощание».
На первый взгляд сюжет кажется пугающим, но за ним стоит глубокая личная трагедия. Художник рассказывал, что идея этого полотна пришла к нему во сне.
Мы видим солдата, который вернулся домой спустя долгие годы войны. Но вместо радостной встречи его ждал пустой заброшенный дом с разбитыми окнами.
Иссохшее тело: Мужчина бережно держит на руках свою жену, которая, судя по её виду, превратилась в мумию. Она ждала его до самого конца, пока жизнь окончательно не покинула её тело. Для него же время словно замерло — он несет её так, будто она всё еще жива. Посмотрите на её яркое желтое платье в цветочек — символ той мирной, солнечной жизни, которая была у них «до». И сравните это с серыми, холодными стенами заброшенного магазина и разбитым стеклом.Пустая консервная банка на тротуаре и номер «306» над дверью — всё это придает сюрреалистичному сюжету пугающую реалистичность.
Это история о верности, которая пережила саму жизнь, и о том, что война забирает даже то, что солдаты так отчаянно пытаются защитить — их будущее.
"Охотники". Константин Аполлонович Савицкий
1886. Холст, масло. Частное собрание
К теме охоты Савицкий обращался несколько раз. Наиболее известный опыт – картина «Охотник», написанная в 1874 году, где автор изображает напряжённого зверолова, который притаился за деревом, выслеживая добычу.
Представленное сегодня полотно было написано спустя 12 лет. Если героем первой картины был крестьянин, то во втором случае это явно городские жители. На опушке леса посреди сосен, берез и низкорослых кустарников двух желторотых юнцов свалила с ног чудовищная усталость. Хотя современные охотники укажут на другую причину и добавят, что ничего не изменилось с тех пор.
В пользу этой версии говорят остаткам их трапезы и лежащая рядом бутыль, ставшая причиной их богатырского сна. Неискушенность молодых людей в охотничьем промысле подчёркнута их нелепыми позами и несоотвествещей для охоты одеждой: на голове одного из них - щегольская жёлтая шляпа, которую лесному зверю видать за версту. Вряд ли этих двоих ждёт сегодня удача. Комичность сцены довершают два зайца, привставшие на задние лапы и наблюдающие за героями.
Константин Аполлонович Савицкий (1844-1905) — русский жанровый живописец, академик, член Товарищества передвижных художественных выставок. Отец советского живописца, академика Академии художеств СССР Г. К. Савицкого.
Трагедия Сиси - женщины, которой восхищалась вся Европа
Когда-то её считали одной из первых красавиц Европы. Императрицу Елизавету Австрийскую, больше известную как Сиси, современники боготворили. Её манеры, фигуру, наряды и особенно волосы обсуждали по всему континенту. Именно такой её запечатлел Франц Ксавер Винтерхальтер в 1864 году, создав портрет, который со временем стал настоящей визитной карточкой императрицы.
Взгляд сразу притягивают роскошные волосы - они спускаются почти до самого пола и были предметом особой гордости Сиси. Уход за ними занимал несколько часов, а расчёсывать их разрешалось лишь одной доверенной служанке. Белое платье с открытыми плечами, лёгкий поворот головы и спокойное выражение лица делают образ удивительно живым. Кажется, будто перед нами не строгая правительница огромной империи, а молодая женщина, случайно оказавшаяся во дворце.
Сиси выросла в Баварии, вдали от строгих придворных правил. Она любила долгие прогулки, верховую езду и совершенно не готовилась к роли будущей императрицы. Судьба распорядилась иначе. В шестнадцать лет Елизавета вышла замуж за императора Франца Иосифа I. Император, вопреки ожиданиям, влюбился не в её старшую сестру (которую прочили ему в невесты), а в саму Сиси. Так беззаботная девушка оказалась во главе одной из самых могущественных европейских империй.
Но семейная жизнь тоже не принесла ей счастья. У супругов родились четыре ребёнка - София, Гизела, Рудольф и Мария Валерия. Первых троих практически сразу взяла под своё воспитание властная свекровь, эрцгерцогиня София, и молодая мать почти не могла участвовать в их жизни. Во время поездки в Венгрию умерла двухлетняя дочь София, а спустя много лет Сиси пережила ещё один страшный удар - гибель единственного сына, наследника престола Рудольфа, найденного мёртвым в Майерлинге. После этих трагедий она всё реже появлялась при дворе, подолгу жила вдали от Вены и бесконечно путешествовала, словно пытаясь убежать от собственной боли.
10 сентября 1898 года жизнь Сиси оборвалась в Женеве. Итальянский анархист Луиджи Луккени, желая убить любую особу королевской крови, узнал о прибытии императрицы и напал на неё на набережной. Он ударил её в грудь тонким заточенным напильником. Сиси сначала даже не поняла, насколько тяжело ранена, поднялась и продолжила путь, но вскоре потеряла сознание. Оружие пробило сердце, и спустя непродолжительное время императрица умерла. Эта новость потрясла всю Европу.
Мне кажется, именно знание её судьбы заставляет смотреть на этот портрет совсем иначе. Сегодня мы видим не только красавицу, которой восхищался весь свет, но и женщину, пережившую тяжёлые утраты и сохранившую достоинство до самого конца.
Картина Франца Ксавера Винтерхальтера «Портрет императрицы Елизаветы Австрийской» 1864 года находится сегодня в Музее истории искусств в Вене.
«Долина молчаливых мужчин», Дин Корнуэлл
1920 е. Холст, масло. Размер: 61×91,4 см. В правом нижнем углу есть подпись и дата: «Дин / Корнуэлл / 19»
Работа американского художника Dean Cornwell (1892–1960) была использована как иллюстрация для «The Valley of Silent Men», которая была опубликована в журнале Good Housekeeping. Картина полна какого-то пронзительного чувства. Мы видим утреннюю сцену. Мужчина с отрешенным видом смотрит в пространство. Очевидно, что ночь не принесла ему счастья. Женщина расчесывает свои длинные волосы и тоже не выглядит сильно довольной. Между этими двумя явно произошла какая-то размолвка, и ощущение одиночества пронизывает всю картину.
«Долина молчаливых мужчин» - американский немой драматический фильм 1922 года, снятый Фрэнком Борзейджем по сценарию Джона Линча по мотивам одноимённого романа Джеймса Оливера Кервуда.
«Мойщик окон», Норман Роквелл
1960 г. Холст масло. Размер: 114,5 х 106,5 см. Частная коллекция
Norman Rockwell 47 лет (!) работал на The Saturday Evening Post, делая для журнала обложки и иллюстрации. У него замечательное чувство юмора и внимание к деталям! К примеру, ситуация, изображенная на картине «Мойщик окон», могла произойти в любом из американских офисов.
Молодая секретарша, тщательно записывавшая указания своего начальника, увидела в окне симпатичного мойщика окон. Тот, поймав взгляд красавицы, подмигнул ей. Остается только догадываться о том, что творится в мыслях героев картины, а также придумывать варианты дальнейшего развития сюжета.
Картина «Мойщик окон» находится в частной коллекции. Впервые она появилась в качестве иллюстрации на обложке американского еженедельного издания Saturday Evening Post 17 сентября 1960 года.
Почему эта женщина поливает из кувшина голову мужчины?
Как мы знаем, гениальный ум и всеобщее признание не гарантируют покоя в собственном доме. Вот и античный философ Сократ, почитаемый современниками как мудрейший из людей, знал это не понаслышке. Его семейная жизнь стала легендой, а имя жены — Ксантиппы — превратилось в нарицательное как сварливой супруги.
Голландский художник Рейер ван Бломмендаль запечатлел один из будничных эпизодов их жизни на картине 1655 года «Ксантиппа поливает Сократа в присутствии Алкивиада». Согласно преданиям, Ксантиппа, уставшая от того, что муж целыми днями ведёт бесплодные, с её точки зрения, беседы, могла устроить ему публичный скандал, сорвать плащ или даже вылить на голову содержимое ночного горшка. Художник выбрал более сдержанный, но также унизительный вариант: разгневанная жена окатывает Сократа водой из кувшина.
Больше всего меня забавляет в этой сцене — реакция философа. Он сидит, стоически перенося унижение, с мокрыми волосами и одеждой, и… продолжает беседу. Его собеседник, молодой Алкивиад, с удивлением и любопытством наблюдает за происходящим. Сократ не пытается уклониться или остановить жену. Говорят, на советы друзей развестись с такой мегере он отвечал, что её скверный характер — отличная тренировка для его терпения, необходимого в общественных дебатах.
Картина Бломмендаля — это не просто иллюстрация к историческому анекдоту. Это тонкое наблюдение о противоречивости человеческой природы. Великий мыслитель, способный спорить с целым городом, покорно терпит домашний деспотизм. А его грозная жена, чей образ навеки опорочен, на самом деле была преданной матерью троих его сыновей и осталась с ним до конца.
Сегодня эта работа, наполненная житейской иронией и психологической точностью, хранится в Музее изящных искусств в Страсбурге.
Почему горничная стоит, потупив взгляд? А пожилой гость так откровенно и нагло ухмыляется, рассматривая её? Мне кажется, эта сцена почти осязаема — напряжение и неприкрытое хамство читаются сразу. Картина Владимира Маковского «В передней», написанная в 1884 году, рассказывает о социальных условностях, бесправии и повседневном унижении, которое испытывали простые люди.
Гость только что снял шубу и сапоги, но уходить в гостиную не спешит. Вместо этого он, с довольно неприятной ухмылкой, пристально рассматривает девушку, протягивая ей свою шубу. Кажется, он полностью уверен в своей вседозволенности и, вероятно, сейчас он отпустил какую-то сальную шутку или сделал неуместное предложение. Горничная же, получившая такой «комплимент», сильно смущена. Она отворачивается, избегая его взгляда, но вынуждена молча терпеть. Сказать что-то в ответ — значило рисковать своим местом работы.
Почему же она не может просто дать отпор? Все дело в её полной зависимости. Формально крепостное право отменили, но реальная власть хозяев над прислугой оставалась огромной. Горничные, хоть и считались привилегированными служанками, жили в постоянном труде: они работали по 12-14 часов, им нужно было убирать несколько комнат, чистить одежду, бегать по поручениям с утра до ночи.
Молодые служанки нередко становились объектами домогательств — и со стороны хозяев, и со стороны гостей, как на этой картине. Отказать было почти невозможно: девушка зависела экономически. Часть жалования ей выдавали на руки, а основную сумму господа хранили «до востребования», и получить её было чудом. Хозяйка обычно отмахивалась фразой: «А на что тебе?».
По-моему, Маковский очень точно показывает хрупкость и уязвимость человека, находящегося «в услужении», всего лишь через взгляды и позы героев.
Увидеть эту картину сегодня мы можем в Третьяковской галерее.
Жестокая изнанка войны, картина Верещагина, которая шокировала публику
Перед вами картина Василия Верещагина "После удачи (Победители)", написанная в 1868 году. Она входит в его знаменитую "Туркестанскую серию" и сегодня хранится в Русском музее.
На первый взгляд сюжет пугает, двое мужчин посреди выжженной солнцем пустыни с любопытством рассматривают отрезанную голову солдата. На заднем плане кружат стервятники, а на земле лежат тела погибших.В чем скрытый смысл картины?
В XIX веке батальный жанр принято было романтизировать. Художники писали красивые парады, бравых генералов и великие победы. Верещагин, который сам участвовал в боях и едва не погиб при обороне Самарканда, показал войну настоящей - грязной, жестокой и бесчеловечной.Обыденность жестокости. Мужчины на картине - не регулярные военные, а, скорее всего, мирные жители или мародеры. В те времена за голову врага эмир выплачивал денежную награду. Для этих людей страшный трофей - просто "удача", способ заработать на хлеб. На их лицах нет ярости, только деловой интерес.Круговорот смерти.
У этой картины есть парная работа - "После неудачи". На ней изображены тела погибших местных воинов, у которых спокойно курит русский солдат. Ирония судьбы в том, что один из убитых там — это тот самый мужчина в красном халате, который на первой картине праздновал свой "успех".Верещагин не принимал чью-то сторону. Он показывал, что война одинаково калечит души людей по обе стороны баррикад. За такую честность художника не раз обвиняли в "антипатриотизме", но именно эти работы сделали его имя бессмертным в истории мирового искусства.
Она не богиня, не ведьма и не героиня мифа. Тогда зачем художник надел на неё бараньи рога?
🎨 Жан-Леон Жером (1824–1904). «Голова женщины с бараньими рогами» («Вакханка»). 1853 год. Холст, масло. Музей изящных искусств, Нант.
На первый взгляд кажется, что перед нами персонаж какой-то древней легенды.
Но есть одна странность.
Такой героини в античной мифологии не существует.
Жан-Леон Жером был одним из самых известных французских художников XIX века. Его любили за исторические сюжеты, античные сцены и почти фотографическую точность деталей. Обычно в его картинах всё можно объяснить: кто изображён, что происходит и почему.
С этой работой всё иначе.
Молодая женщина в светлой тунике смотрит вниз, словно погружена в свои мысли. Лицо спокойное, даже мягкое. Никакой агрессии, никакого безумия.
И только потом взгляд замечает рога.
Они не выглядят страшными или демоническими. Наоборот — кажутся почти естественной частью образа. От этого картина становится ещё более странной.
Исследователи до сих пор спорят, кого именно написал Жером.
В музее Нанта её называют вакханкой — спутницей бога вина Диониса. Но вакханок обычно изображали совсем иначе: в танце, в опьянении, среди праздника и хаоса.
Здесь ничего подобного нет.
Перед нами тихая, задумчивая женщина, которая словно хранит какую-то тайну.
Интересно и то, что картина написана в форме круга. Такой формат называется тондо и часто использовался для образов, которые хотелось выделить среди других. Жером словно помещает героиню в рамку медальона и заставляет зрителя рассматривать её снова и снова.
Именно поэтому картина запоминается.
Мы не знаем её имени. Не знаем её истории. Не знаем даже, кто она вообще.
Но чем дольше смотришь, тем сильнее хочется разгадать её загадку.
«Моя нянька и я», Фрида Кало
1937 г. Металл, масло. Размер: 30.5×37 см. Музей Долорес Ольмедо-Патиньо, Мехико
Картина «Моя нянька и я» входит в серию работ Фриды Кало, запечатлевших главные события её жизни. Идею этого проекта подсказал Фриде ее муж - художник-монументалист Диего Ривера.
Темная, брутальная фигура кормилицы с доколумбовой погребальной маской на лице, воспринимается как продолжение грозного и тяжелого небо, которое поит природу каплями влаги. Женщина кормит безвольно лежащего младенца с головой Фриды Кало. Молоко стекает в ее рот с одной отмытой, светящейся узорами груди. Молочные капли из дргуой, темной груди падают на ноги ребенка.
«Моя нянька и я» - автобиографичная картина. После рождения Фриды ее мать заболела, ребенка некоторое время кормила индейская няня. Художница с гордостью говорила об этом факте: «Меня кормила индейская няня, чьи груди омывали каждый раз, как только я требовала молока».
Причина того, что Фрида-ребенок изображена с головой взрослой Фриды заключается, скорее всего, в том, что у художницы не сохранилось практически никаких детских воспоминаний, и она часто повторяла, что "родиласть уже взрослой". Эту картину можно воспринимать как мифический символ мексиканских корней художницы.
Он рассказал любимой женщине свою единственную тайну и это его погубило
Соломон Джозеф Соломон (1860–1927). «Самсон». Около 1887 года. Холст, масло. Художественная галерея Уокера, Ливерпуль.
Эта картина написана по одному из самых драматичных сюжетов Ветхого Завета.
Самсон обладал невероятной силой. По преданию, он разрывал льва голыми руками, побеждал целые отряды врагов и долгие годы оставался непобедимым. Но источник этой силы был один — волосы, которые он не имел права стричь.
Однажды об этом узнала Далила.
Дадила была возлюбленной Самсона. Филистимляне пообещали ей огромную сумму (по 1100 сиклей серебра от каждого из пяти правителей) за то, чтобы она выведала секрет его силы. Она трижды обманывала Самсона, пытаясь узнать правду, и на четвёртый раз он раскрыл ей тайну. Когда герой уснул, Далила велела остричь его волосы. И в тот же миг в дом ворвались филистимляне и схватили Самсона.
Именно этот момент выбрал Соломон.
Шестеро мужчин пытаются удержать Самсона. Даже лишившись силы, он продолжает бороться. Кажется, ещё мгновение — и верёвки лопнут.
Но взгляд невольно уходит к Далиле.
Она стоит справа, в роскошной юбке из золотисто-кремового атласа и с обнажённым торсом. В руке держит отрезанную прядь его волос . Её взгляд злораден, губы растянуты в ликующей усмешке .
Интересно, что художник сознательно изменил библейский рассказ. В Писании острижение волос и пленение разделены. Соломон объединил их в одну сцену, чтобы показать не просто поражение героя, а тот самый миг, когда предательство становится необратимым.
Наверное, именно поэтому картина производит такое сильное впечатление. Она не о том, как сильного человека победили силой. Она о том, что иногда одна раскрытая тайна оказывается опаснее любого оружия.
Наверное, все ассоциируют Казимира Малевича только с«Чёрным квадратом». Редко, но он писал и людей. В своём позднем творчестве художник отошёл от привычной строгости и добавил больше цвета и жизни. Одна из таких работ - картина «Девушки в поле», написанная в 1932 году (сегодня она находится в Русском музее).
В этой картине Малевич соединил абстракцию и геометрию, но сделал это не так жёстко, как раньше. Он переосмыслил кубизм, добавив в него влияние древнерусских икон и фресок.
В центре полотна - девушки-крестьянки. Они написаны геометрическими формами, но в отличие от многих других работ Малевича, здесь нет однотонных фигур. Девушки разноцветные, яркие. Лиц художник не прорисовал - только обозначил силуэты, чтобы зритель сам додумал образы. На заднем плане - синее небо и поле, которое буквально горит красками: жёлтый, зелёный, голубой, розовый.
По мнению искусствоведов, эта картина - о празднике. Крестьянки заняты сбором урожая, но их окружает такое буйство цвета, что работа кажется радостной. Для сельских жителей богатый урожай - это спокойная зима и сытая жизнь. Вот эту радость и постарался передать Малевич.
Девушка в синем платье только что поднялась из-за вышивки и потянулась, разминая затёкшую спину. Кажется, она уже не первый час сидит у окна. За стеклом золотая осень, на подоконнике лежат опавшие листья, а в комнате царит почти монастырская тишина. Перед нами картина Джона Эверетта Милле «Марианна», написанная в 1851 году. Художник изобразил героиню пьесы Шекспира «Мера за меру».
История у Марианны печальная. Когда-то она была помолвлена с молодым дворянином Анджело. Затем во время кораблекрушения затонуло её приданое, и жених тут же расторг помолвку. Девушка осталась одна и долгие годы жила в уединении, продолжая ждать человека, который однажды от неё отказался. Именно этот момент ожидания и написал Милле. В каждом предмете чувствуется, как медленно течёт время: незаконченная вышивка, лампада, горящая у маленького алтаря, осенние листья, занесённые ветром через открытое окно. Художник словно показывает, что иногда самым тяжёлым испытанием становится вовсе не трагедия, а бесконечное ожидание.
А дальше история делает неожиданный поворот. В финале пьесы Анджело всё-таки женится на Марианне. Правда, происходит это вовсе не из-за внезапно нахлынувшей любви. Герцог раскрывает его лицемерие и заставляет исполнить данное когда-то обещание. Поэтому конец этой истории трудно назвать сказочным. Марианна получает мужа, которого так долго ждала, а читателю остаётся самому решить: стала ли она по-настоящему счастливой?
"Лунный свет и свет", Леон Спиллиарт
Ок. 1909 г. Пастель и чернила промывка на бумаге, 64 х 48,5 см. Музей д'Орсе, Париж (подарок Мадлен Спиллиаэрт)
Leon Spilliaert (1881-1946) — крупнейший бельгийский художник-символист, в творчестве которого преобладали тёмные тона или хорошо очерченные контрасты между тёмным и светлым: женские фигуры, часто гротескные; натюрморты, очень простые по композиции и выдержанные в очень строгих тонах; столь же простые пейзажи.
Этот городской пейзаж входит в серию, которую Спиллиаерт написал около 1909-1910 в Остенде (Бельгия), приморского курорта на Северном море, где художник провел большую часть своей жизни. Здесь он изображает колоннаду и аркады фасада бального зала Курсаала, спроектированного французским архитектором Албаном Шамбоном. Здание было разрушено во время Второй мировой войны. В своей картине Спиллиаэрт отражает жуткую трансформацию архитектуры здания ночью, и странность, исходящую от искусственного освещения.
Что прячет щеголь за модным халатом?
Свои работы Павел Федотов называл «нравственно-критическими сценами из современной жизни» и умел через мелочи рассказать целую историю. К примеру, давайте посмотрим на его картину «Завтрак аристократа», написанную в 1850 году. Хотя сам художник назвал её иначе - «Не в пору гость». А «Завтрак аристократа» придумали уже после его смерти. И вообще-то герой картины совсем не аристократ, а так, хочет им казаться.
Сюжет Федотов, скорее всего, подсмотрел в журнале «Современник». Там выходил анонимный фельетон (автором оказался Гончаров), где высмеивались столичные франты. Ради внешнего лоска они готовы были «два месяца дурно обедать». И автор задавался вопросом: а что будет, если застать такого щеголя врасплох дома? Федотов решил ответить на этот вопрос кистью на холсте.
Комната выписана с любовью и вниманием к деталям. Восточный ковёр, модное стёганое кресло, зелёные обои с рисунком, статуэтки. На стенах - гравюры с европейскими танцовщицами, выступавшими в Петербурге в 1840-х. Всё говорит о том, что хозяин метит в высший свет. Он и сам одет по последней моде: халат с кистями, шапочка с бухарским орнаментом, шаровары, туфли-бабуши. Пудель и тот подстрижен «под льва». На деревянном стуле разложены газеты с афишами, в том числе с рекламой устриц.
Но стоит присмотреться к столу. Там, среди показной роскоши, лежит пустой кошелёк, вывернутый наизнанку. Рядом - кусок обычного ржаного хлеба. Именно им герой и завтракает. И именно его он в панике прикрывает книгой, потому что сзади, за занавеской, уже виднеется рука незваного гостя в светлой перчатке. Тот пришёл без доклада и застал хозяина врасплох. Пудель лает на посетителя, а щёголь замер с куском хлеба за щекой.
Я вообще заметила, что Федотов был мастером деталей. И его картины можно разглядывать подолгу, потому что за каждой вроде бы мелочью кроются какие-то смыслы. Вот даже взять мусорную корзину под столом – она изображена в виде древнегреческой амфоры. Такая же пародия на античность, как сам герой - пародия на аристократа. А рядом разбросана колода карт. А вот здесь мы можем подумать, что наш франт был картёжником, и, как и многие тогда, проматывал состояние именно за карточным столом.
Художник поймал момент театрально точно. Напряжение, стыд, попытка сохранить лицо - всё это в одной застывшей сцене. И цветовая гамма под стать: зелёно-красная, глубокая, чуть тревожная. Картина имела большой успех у публики. Вероятно, люди узнавали в этом сюжете себя или своих знакомых.
Сегодня полотно «Завтрак аристократа» входит в коллекцию Третьяковской галереи.
Почему она сидит со связанными руками?
Предлагаю сегодня взглянуть на одну грустную сцену, которую изобразил испанский художник Хоакин Соролья в 1892 году. Он путешествовал из Валенсии в Мадрид и во время поездки стал свидетелем эпизода, который потряс его до глубины души, Это побудило его написать полотно с необычным названием «Другая Маргарита!».
В центре вагона третьего класса сидит молодая женщина. Голова её печально опущена, а руки крепко связаны верёвкой. Лица почти не разглядеть, но в самой её позе, в том, как она сгорбилась под тяжестью происходящего, чувствуется что-то роковое, обречённое. За её спиной сидят двое гражданских гвардейцев, и, по-моему, даже они выглядят подавленными этой гнетущей атмосферой.
Название картины выбрано неслучайно. Соролья отсылает нас к трагедии Гёте «Фауст», где героиня Маргарита, обезумев от горя, убивает собственного внебрачного ребёнка. Художник словно говорит: вот она - ещё одна женщина, раздавленная общественным презрением и доведённая до страшного греха. Кстати, в Валенсии того времени имя Маргарита иногда использовали как горькое прозвище для «падших» женщин. Вероятно, героиня картины была одной из них.
Сцена выглядит печальной еще и из-за контраста. Через окна вагона льётся тёплый солнечный свет, пронизывая мрачный вагон. Жизнь за стеклом идёт своим чередом, а здесь, внутри, царит безысходность. Этот свет уже не для Маргариты.
Сегодня полотно хранится в Художественном музее Милдред Лейн Кемпер в Сент-Луисе, США.
Кто были три загадочных всадника, спасшие Троице-Сергиев монастырь?
Предлагаю сегодня взглянуть на картину Михаила Нестерова «Всадники». Художник написал её в 1932 году и взял за основу историческое событие из эпохи Смутного времени.
В 1608 году польско-литовские войска Лжедмитрия II осадили Троице-Сергиев монастырь. Штурм продолжался пятнадцать месяцев и девять дней. Защитники обители голодали, болели и уже почти не надеялись выстоять.
Согласно «Сказанию об осаде Троице-Сергиева монастыря», автором которого был Авраамий Палицын, однажды ночью пономарю Иринарху явился преподобный Сергий Радонежский. Он сказал, что помощь уже в пути, и назвал имена трёх своих учеников - Михея, Варфоломея и Наума.
В ту же ночь произошло событие, которое мы и видим на картине. Над заснеженными полями к монастырю промчались три всадника. Три монаха в чёрных рясах несутся на белых конях, а вдали виднеются стены Троице-Сергиевой лавры. Летопись рассказывает, что их увидели не только защитники, но и польско-литовские воины. Над головами всадников сияли нимбы, а сами они двигались так стремительно, будто летели по воздуху. Вскоре после этого осада была снята.
Любопытно, что Нестеров сознательно изменил одну деталь легенды. В старинном тексте говорится о трёх слепых меринах - двух карих и одном пёстром. Художник же посадил своих героев на белоснежных коней. Думаю, это не случайно. Белые кони давно стали символом света, чистоты и небесной помощи, поэтому картина приобрела ещё более возвышенное звучание. Нимбы над головами напоминают, что перед нами не обычные всадники, а посланники Сергия Радонежского. А розоватое небо над монастырём словно обещает, что вслед за самой тёмной ночью обязательно наступит рассвет.
Нестеров писал вовсе не о военной победе. Его больше интересовала вера людей, которые даже в самые тяжёлые минуты продолжали надеяться на помощь свыше. Поэтому картина воспринимается не как рассказ о прошлом, а как размышление о том, что иногда силы появляются именно тогда, когда кажется, что их уже не осталось.
Сегодня картина Михаила Нестерова «Всадники» хранится в музее «Церковно-археологический кабинет» Московской духовной академии в Сергиевом Посаде.
Загадочный Восток часто напоминает шкатулку с диковинками — смотришь и не всегда понимаешь, для чего та или иная вещь предназначалась. Вот и картина османского художника Османа Хамди-бея «Дрессировщик черепах», написанная в 1906 году, требует пояснения.
Пожилой мужчина в костюме эпохи Танзимата склонился над черепахами, которые неторопливо ползают у его ног. В руках у него най — продольная флейта. Оказывается, черепах готовили к службе при дворе султана. Их обучали двигаться под звуки флейты, а по особому сигналу — замирать на месте.
Зачем? А затем, что во время празднеств к панцирям черепах прикрепляли фонарики, и они, медленно ползая между гостей, создавали причудливую игру света и теней. Так что дрессировщик на картине не просто чудак, а человек, готовящий живой «светильник» для дворцового торжества.
Но ещё за этой странной сценой скрывается горькая ирония. Хамди-бей, образованный и европейски мыслящий человек, много лет пытался реформировать турецкое искусство и музеи. И его усилия часто напоминали ему дрессировку черепах: всё слишком медленно, слишком тяжело, почти безрезультатно. Картина стала метафорой попыток изменить то, что сопротивляется любым переменам.
Сегодня полотно хранится в музее Пера в Стамбуле и считается национальным достоянием Турции. А в 2004 году оно установило рекорд, став самой дорогой турецкой картиной на аукционах.
Картина «Даная», которую Климт написал в 1908 году. На первый взгляд кажется, что художник просто изобразил спящую девушку в окружении золотого сияния. Но за этим образом скрывается один известный древнегреческий миф.
Даная была дочерью царя Аргоса - Акрисия. Однажды правителю предсказали, что он погибнет от руки собственного внука. Испугавшись пророчества, Акрисий решил обмануть судьбу. Он приказал заточить дочь в башню, куда не мог попасть ни один мужчина. Казалось, теперь никакого наследника не появится.
Но у древнегреческих богов были свои планы. Красота Данаи пленила Зевса, и он проник к ней в виде золотого дождя. Да-да, опять Зевс и его ухищрения, в кого он только не обращался, чтобы пленить женщину. Именно от этого необычного союза родился Персей - будущий герой, победивший Медузу Горгону. А пророчество, которого так боялся Акрисий, со временем всё-таки сбылось. Однажды во время состязаний по метанию диска Персей случайно попал в деда Акрисия, и царь скончался на месте.
На картине художника девушка свернулась калачиком и закрыла глаза. Кажется, что всё вокруг перестало существовать. Золотой дождь окутывает её, а многочисленные узоры и орнаменты словно превращают миф в красивый сон. Именно в этот период Климт особенно любил золото, поэтому сегодня «Данаю» считают одной из самых ярких работ его знаменитого «золотого периода».
Есть у этой картины и ещё одна любопытная деталь. В 2010 году американский биолог Скотт Гилберт предположил, что один из орнаментов на прозрачной ткани художник сделал похожим на бластоцисту - крошечную структуру, которая появляется через несколько дней после оплодотворения. Некоторые исследователи считают, что Климт мог знать о подобных открытиях благодаря знакомству с известными венскими анатомами. Эта версия до сих пор вызывает споры, но сама идея кажется очень интересной.
Когда «Данаю» впервые показали публике в 1908 году, далеко не все приняли её с восторгом. Одни восхищались смелостью художника, другие называли картину слишком откровенной, а его Данаю - «развратной». Прошло больше ста лет, а споры вокруг неё так и не утихли.
«Мученичество святой Евлалии», Габриэль Паленсия Убанелл
1895 г. Холст, масло. Размер: 230 х 160 см. Музей Прадо, Мадрид
Автор картины, испанский художник, декоратор и реставратор картин Королевского двора Gabriel Palencia Ubanell (1869-1934) специализировался на традиционных темах. Он работал декоратором и реставратором картин Королевского дома, был «протеже» инфанты доньи Эулалии.
Martirio de Santa Eulalia — одно их самых известных его полотен. Картина написана на основе легенды о Евлалии - небесной покровительницы Барселоны. Несмотря на свой юный возраст, бесстрашная девушка активно проповедовала христианство,была схвачена язычниками-римлянами и подвергнута пыткам. 13-летняя девушка не отреклась от веры и гордо приняла мученическую смерть. Днем почитания Святой Евлалии является дата ее казни — 12 февраля 303 года.
Белая одежда посреди красного хаоса, о чем безмолвно молчат Романовы?
Если долго всматриваться в картину Юрия Карпенко "Гибель империи", начинаешь физически ощущать её оглушительную тишину.
Автор пошел на поразительный визуальный контраст. На заднем плане - багровое зарево. Там, в полумраке, бушует ярость, ревут лозунги, развеваются тяжелые революционные знамена и рушится старый мир. Там - грохот истории.
А в самом центре — абсолютный покой. Царская семья одета в ослепительно белые одежды. Николай II монументален и спокоен, он держит на руках погруженного в сон цесаревича Алексея. Рядом - Александра Фёдоровна и четыре юные княжны. На их лицах нет паники, злости или обиды. Только глубокое, смиренное принятие своей судьбы.
Этот контраст белого и красного - не просто художественный прием. Это столкновение двух сил, временной земной злости и вечной духовной чистоты. Семья уже не принадлежит бунтующей площади. Кажется, что ангелы, спустившиеся к ним, бережно укрывают их своими крыльями от грядущего удара, уводя в бессмертие.
Художнику удалось поймать тот самый неуловимый миг, когда история переходит в вечность, а обычные люди, со всеми их земными ошибками и слабостями, шаг за шагом становятся символом целой эпохи. Ей суждено было погибнуть, чтобы остаться в памяти навсегда
Василий Поленов в картине «Стрекоза» 1876 года создал многогранный образ. Молодая женщина в чёрном платье грустно идёт вдоль осенней ограды. Детали рассказывают её историю: обручальное кольцо на левой руке, согласно традициям того времени, указывает на вдовство, а гитара за спиной — на необходимость зарабатывать себе на жизнь.
Название отсылает к басне Крылова «Стрекоза и муравей». Согласно воспоминаниям, художник изобразил реальную историю гувернантки, уволенной за то, что осмелилась петь перед гостями. Как стрекоза из басни, «лето красное пропев», героиня осталась без средств к существованию. Прообразом послужила французская натурщица Бланш Ормье, чью судьбу Поленов, возможно, отразил в сюжете.
Интересна и судьба самой картины. В 1877 году её приобрёл меценат Савва Мамонтов для свадебного подарка фабриканту Сапожникову. После революции полотно сменило нескольких владельцев, прежде чем занять своё место в Третьяковской галерее.
Он жил в глиняном кувшине и считал собак лучше людей.
🎨 Жан-Леон Жером (1824–1904). «Диоген». 1860 год. Холст, масло. 74,5 × 101 см. Художественный музей Уолтерса, Балтимор.
На первый взгляд кажется, что это просто старик среди собак.
Но современники знали: перед ними один из самых известных людей Древней Греции.
Диоген мог жить совсем иначе. Он был образованным человеком, общался с философами, его знали и уважали. Но однажды решил, что большинство людей слишком много сил тратят на богатство, статус и мнение окружающих.
В итоге он отказался почти от всего.
По преданию, его домом стал большой глиняный пифос. Он спал под открытым небом, ходил в простой одежде и не видел смысла копить вещи.
Жан-Леон Жером показывает именно такого Диогена. Он сидит возле своего жилища и чинит фонарь. Рядом — собаки.
И это важная деталь.
Диоген часто ставил собак в пример людям. Они не притворяются, не льстят, не стараются казаться лучше, чем есть. Поэтому и само слово «киник» происходит от греческого слова, связанного с собакой.
Существует известная история: однажды Диоген вышел на улицу с зажжённым фонарём среди бела дня. На вопросы прохожих он отвечал:
— Ищу человека.
Не просто человека, а честного человека.
Жером не показывает этот момент напрямую. Но фонарь уже здесь. Диоген готовится к своему очередному поиску.
Интересно, что художник не делает его ни жалким нищим, ни великим мудрецом. Перед нами просто человек, который однажды решил жить по своим правилам и не менять их ради удобства или чужого одобрения.
Картина и сегодня вызывает интерес зрителей, потому что каждый хоть раз задавался вопросом: сколько вещей нам действительно нужно для счастья?
Чем занимались люди в июле шестьсот лет назад?
Всегда интересно рассматривать средневековые миниатюры - там столько деталей! Вот, например, миниатюра «Июль» из знаменитого «Великолепного часослова герцога Беррийского».
Над этим рукописным шедевром в начале XV века работали братья Поль, Жан и Эрман Лимбург. Манускрипт создавался по заказу герцога Жана Беррийского, большого ценителя искусства. Однако завершить работу художники не успели. В 1416 году братья умерли во время эпидемии чумы. Вскоре скончался и сам герцог. Спустя несколько десятилетий оформление рукописи продолжили другие мастера. Предполагают, что в середине XV века над ней работал Бартелеми д’Эйк, а в 1485–1486 годах миниатюры дополнил Жан Коломб.
Сам часослов представляет собой богато украшенную рукопись в красном сафьяновом переплёте. В неё вошли 412 страниц, а десятки миниатюр занимают целые листы. Самой известной частью манускрипта стал цикл, посвящённый месяцам года. Каждая миниатюра показывает жизнь людей в определённое время года.
Июль художники посвятили жатве. В центре картины крестьяне серпами срезают спелые колосья. На переднем плане стригут овец, а остальные спокойно пасутся среди высокой травы. Часть поля усыпано васильками и маками, благодаря чему сцена выглядит удивительно живой.
На заднем плане возвышается замок Пуатье. Именно там герцог Беррийский любил проводить летние месяцы вместе со своей семьёй. До наших дней замок не сохранился. От него остались только три каменные опоры старого моста, которые и сегодня можно увидеть в русле реки.
Если присмотреться к верхней части миниатюры, можно заметить ещё одну интересную деталь. Там изображены знаки зодиака Рак и Лев, а рядом помещены астрономические сведения, соответствующие июлю. Для средневековых часословов такие изображения были привычной частью календаря.
Печальная история
История начинается в 1852 году, когда Элизабет Сиддал, девятнадцатилетняя красавица, привлекла внимание художника Джона Эверетта Милла. Он пригласил её позировать для своей знаменитой картины «Офелия», которая позже завоевала признание зрителей. На картине изображена Офелия в трагический момент, когда она тонет в пруду, не имея сил и желания бороться за жизнь.
Чтобы добиться максимальной реалистичности, Элизабет приходилось часами лежать в ванне с водой. Хотя Джон старался поддерживать её в тепле, вода всё равно остывала, и в итоге девушка сильно простудилась. Врач прописал ей лауданум — средство, которое помогло ей выздороветь, но также привело к зависимости из-за своих наркотических свойств.
Личная жизнь Элизабет была не менее трагичной. Её любимый мужчина изменял ей с другими женщинами, что причиняло ей глубокую душевную боль. Чтобы справиться с этой болью, она снова и снова прибегала к лаудануму.
К сожалению, Элизабет ушла из жизни в возрасте тридцати трёх лет от передозировки. Женщина, ставшая музой для многих художников, осталась одна и никому не нужная. Эта печальная история о картине, которая продолжает восхищать зрителей и по сей день, напоминает о судьбе красивой и талантливой девушки, чья жизнь была разрушена.
«Допрос революционерки», Владимир Егорович Маковский
1904 г. Холст, масло, Частная коллекция
Творчество Владимира Маковского - это живописный учебник истории, наполненный краткими рассказами в красках о жизни людей всех слоев общества России в 19 веке. Во многих своих работах он изображал революционное движение в виде суровой действительности. Такие картины, как «Допрос революционерки», теряли очарование и не казались романтическим идеалом.
Художник опасался представлять эту картину публике, хранил ее дома и показывал только друзьям.
Почтовая карточка (фот 3-4) с репродукцией картины из коллекции «Музей Революции Союза ССР» находится в Государственном историческом музее Южного Урала.
Тайны знаменитых картин: «Синяя комната» (La Habitación Azul), Пабло Пикассо
1901 г. Холст, масло. Размер — 50,5 × 61,5 см. С 1927 года находится в коллекции Филлипса в Вашингтоне, округ Колумбия
Картина испанского художника считается одним из самых ранних образцов работы «Синего периода» творчества Пикассо. написанная в 1901 году маслом на холсте.
В 2008 году инфракрасное излучение показало, что под «Голубой комнатой» скрыто еще одно изображение — портрет мужчины, одетого в костюм с бабочкой и положившего голову на руку. «Как только у Пикассо появлялась новая идея, он брался за кисть и воплощал ее. Но у него не было возможности покупать новый холст каждый раз, когда его посещала муза», — объясняет возможную причину этого искусствовед Патриция Фаверо.
«Страдание (Бедность)» / La Miseria. Кристобаль Рохас
1886. Холст, масло. 180.4 х 221.4 см.
Несмотря на то что творческая карьера художника была непродолжительной, и большого количества картин за свои 13 лет погружения в живопись он просто не успел создать, Cristóbal Rojas Poleo (1857-1890) считается одним из величайших венесуэльских живописцев всех времен.
Картина «Страдание» была представлена в Салоне 1886 года. Это одна из нескольких его работ, посвященных венесуэльским или латиноамериканским семьям той эпохи. Художник был вдохновлен реальным событием, произошедшим с его соседями. Отчаявшийся итальянский рабочий изображен рядом с трупом своей жены, которая умерла из-за нехватки средств для покупки лекарств.
Женщина мертва; ее кожа стала бледно-голубой. На лице мужчины у кровати видны шок, оцепенение, беспомощность и гнев. Он находится в состоянии полного опустошения, на преодоление которого может потребоваться время. Обветшалая и бедная обстановка комнаты усугубляет их страдания...
Через четыре года после того, как Рохас запечатлел "Страдания" на холсте, он умер от туберкулеза незадолго до своего тридцать третьего дня рождения.
Вот так его собственная картина предвосхитила его судьбу."