458
Свои секреты есть даже у тех шедевров живописи, которые кажутся нам хорошо знакомыми. Все проекты: https://t.me/JaneAirr По всем вопросам: @zhanna_osipova
«Моя нянька и я», Фрида Кало
1937 г. Металл, масло. Размер: 30.5×37 см. Музей Долорес Ольмедо-Патиньо, Мехико
Картина «Моя нянька и я» входит в серию работ Фриды Кало, запечатлевших главные события её жизни. Идею этого проекта подсказал Фриде ее муж - художник-монументалист Диего Ривера.
Темная, брутальная фигура кормилицы с доколумбовой погребальной маской на лице, воспринимается как продолжение грозного и тяжелого небо, которое поит природу каплями влаги. Женщина кормит безвольно лежащего младенца с головой Фриды Кало. Молоко стекает в ее рот с одной отмытой, светящейся узорами груди. Молочные капли из дргуой, темной груди падают на ноги ребенка.
«Моя нянька и я» - автобиографичная картина. После рождения Фриды ее мать заболела, ребенка некоторое время кормила индейская няня. Художница с гордостью говорила об этом факте: «Меня кормила индейская няня, чьи груди омывали каждый раз, как только я требовала молока».
Причина того, что Фрида-ребенок изображена с головой взрослой Фриды заключается, скорее всего, в том, что у художницы не сохранилось практически никаких детских воспоминаний, и она часто повторяла, что "родиласть уже взрослой". Эту картину можно воспринимать как мифический символ мексиканских корней художницы.
Он рассказал любимой женщине свою единственную тайну и это его погубило
Соломон Джозеф Соломон (1860–1927). «Самсон». Около 1887 года. Холст, масло. Художественная галерея Уокера, Ливерпуль.
Эта картина написана по одному из самых драматичных сюжетов Ветхого Завета.
Самсон обладал невероятной силой. По преданию, он разрывал льва голыми руками, побеждал целые отряды врагов и долгие годы оставался непобедимым. Но источник этой силы был один — волосы, которые он не имел права стричь.
Однажды об этом узнала Далила.
Дадила была возлюбленной Самсона. Филистимляне пообещали ей огромную сумму (по 1100 сиклей серебра от каждого из пяти правителей) за то, чтобы она выведала секрет его силы. Она трижды обманывала Самсона, пытаясь узнать правду, и на четвёртый раз он раскрыл ей тайну. Когда герой уснул, Далила велела остричь его волосы. И в тот же миг в дом ворвались филистимляне и схватили Самсона.
Именно этот момент выбрал Соломон.
Шестеро мужчин пытаются удержать Самсона. Даже лишившись силы, он продолжает бороться. Кажется, ещё мгновение — и верёвки лопнут.
Но взгляд невольно уходит к Далиле.
Она стоит справа, в роскошной юбке из золотисто-кремового атласа и с обнажённым торсом. В руке держит отрезанную прядь его волос . Её взгляд злораден, губы растянуты в ликующей усмешке .
Интересно, что художник сознательно изменил библейский рассказ. В Писании острижение волос и пленение разделены. Соломон объединил их в одну сцену, чтобы показать не просто поражение героя, а тот самый миг, когда предательство становится необратимым.
Наверное, именно поэтому картина производит такое сильное впечатление. Она не о том, как сильного человека победили силой. Она о том, что иногда одна раскрытая тайна оказывается опаснее любого оружия.
Наверное, все ассоциируют Казимира Малевича только с«Чёрным квадратом». Редко, но он писал и людей. В своём позднем творчестве художник отошёл от привычной строгости и добавил больше цвета и жизни. Одна из таких работ - картина «Девушки в поле», написанная в 1932 году (сегодня она находится в Русском музее).
В этой картине Малевич соединил абстракцию и геометрию, но сделал это не так жёстко, как раньше. Он переосмыслил кубизм, добавив в него влияние древнерусских икон и фресок.
В центре полотна - девушки-крестьянки. Они написаны геометрическими формами, но в отличие от многих других работ Малевича, здесь нет однотонных фигур. Девушки разноцветные, яркие. Лиц художник не прорисовал - только обозначил силуэты, чтобы зритель сам додумал образы. На заднем плане - синее небо и поле, которое буквально горит красками: жёлтый, зелёный, голубой, розовый.
По мнению искусствоведов, эта картина - о празднике. Крестьянки заняты сбором урожая, но их окружает такое буйство цвета, что работа кажется радостной. Для сельских жителей богатый урожай - это спокойная зима и сытая жизнь. Вот эту радость и постарался передать Малевич.
Девушка в синем платье только что поднялась из-за вышивки и потянулась, разминая затёкшую спину. Кажется, она уже не первый час сидит у окна. За стеклом золотая осень, на подоконнике лежат опавшие листья, а в комнате царит почти монастырская тишина. Перед нами картина Джона Эверетта Милле «Марианна», написанная в 1851 году. Художник изобразил героиню пьесы Шекспира «Мера за меру».
История у Марианны печальная. Когда-то она была помолвлена с молодым дворянином Анджело. Затем во время кораблекрушения затонуло её приданое, и жених тут же расторг помолвку. Девушка осталась одна и долгие годы жила в уединении, продолжая ждать человека, который однажды от неё отказался. Именно этот момент ожидания и написал Милле. В каждом предмете чувствуется, как медленно течёт время: незаконченная вышивка, лампада, горящая у маленького алтаря, осенние листья, занесённые ветром через открытое окно. Художник словно показывает, что иногда самым тяжёлым испытанием становится вовсе не трагедия, а бесконечное ожидание.
А дальше история делает неожиданный поворот. В финале пьесы Анджело всё-таки женится на Марианне. Правда, происходит это вовсе не из-за внезапно нахлынувшей любви. Герцог раскрывает его лицемерие и заставляет исполнить данное когда-то обещание. Поэтому конец этой истории трудно назвать сказочным. Марианна получает мужа, которого так долго ждала, а читателю остаётся самому решить: стала ли она по-настоящему счастливой?
Не могла пройти мимо этой картины - уж очень необычная задумка художника. А написал её Гарри Андерсон в 1962 и назвал - «Принц мира»
Фигура Христа на полотне выглядит почти прозрачной - он словно не до конца материален, не касается ногами земли, будто его присутствие в нашем мире слишком хрупко для того, чтобы быть реальным. Но при этом здание ООН прописано жёстко, чётко, основательно. Этот контраст масштабов и плотности создаёт главное напряжение картины: духовное начало, которое пытается достучаться до людей, и холодная, уверенная в себе человеческая власть, сосредоточенная за стеклянными стенами.
Часто эту работу ошибочно называют «Иисус стучится в окна ООН». И в этом народном названии, пожалуй, точнее всего передаётся суть: Христос с печальным выражением лица, очень мягко и деликатно пытается привлечь внимание, напомнить о чём-то давно забытом. Андерсон как будто задаёт от его имени простой вопрос к организации, которая была создана для поддержания мира: «Чем вы занимаетесь? Зачем вы нужны человечеству?»
Сам художник на протяжении всей своей карьеры часто обращался к религиозным темам. В этой работе он размышляет о том, как далеко современный мир ушёл от своих же обещаний. Внизу, у подножия небоскрёба, - обычная городская суета, машины, люди, у каждого свои заботы. Те, кто находится внутри здания ООН, принимают важнейшие решения. И никто из них не замечает, что кто-то пытается до них достучаться.
"Смерть бедняка" / The Death of the Pauper. Александр Антигна
1849 г. Холст, масло. Частное собрание.
Французский живописец Alexandre Antigna (1817-1878) обучался в Национальной высшей школе изящных искусств в Париже в мастерской Себастьена Луи Гийома Норблена. Через год стал учеником Поля Делароша, под влиянием которого стал писать картины с драматическими сюжетами. драматической композиции.
Александр Антигна долгое время проживая в бедном парижском квартале в Иль-Сен-Луи, наблюдая за страданиями городского рабочего класса из-за пагубного влияния последствий индустриализации. Он написал целую серию остросоциальных картин, в которую входит "Смерть бедняка".
Перед нами настоящая домашняя драма, в которой главными трагическими героями являются представители низшего класса. Женщина и двое маленьких детей оплакивают умершего супруга и отца. В те времена потеря мужа почти всегда равнялась потере кормильца. В разные сферы жизни общество женщину даже высших сословий пускало неохотно. Понятно, что у отягощённых бременем и страданиями нищенской жизни представителей низших слоёв городского населения не было будущего.
«Ермак Тимофеевич – покоритель Сибири», неизвестный художник
1753 г. Железо, масло. Размер: 165 х70 см. Свердловский областной краеведческий музей
Казачий атаман Ермак Тимофеевич - исторический покоритель Сибири для Русского государства при правлении царя Ивана Грозного. Прижизненных изображений героического русского землепроходца не существует, до нас дошло лишь его описание в Ремизовской летописи конца XVII столетия: «Вельми мужествен, и человечен, и зрачен, и всякой мудрости доволен, плосколиц, черн брадою, возрастом (т.е. ростом) середней, и плоск, и плечист».
Данный портрет Ермака написан в 1753 году в одной из мастерских города Тобольска. Картина сделана на листе уральского железа. Автор портрета неизвестен. Подобные изображения знаменитого казачьего атамана были очень популярны с середины XVIII века. Они висели почти в каждой гостиной в домах сибирских чиновников и купцов.
Портрет Ермака 1753 года поступил в собрание Музея истории и археологии Урала 16 июня 1909 года от жительницы Екатеринбурга по фамилии Слободчикова. Картина стала одним из самых ранних произведений живописи в музейной коллекции.
«Самсон и Далила». Лукас Кранах Младший
1537 г. Дерево, масло. Размер: 74,5 х 121 см. Галерея старых мастеров, Дрезден
Сюжет картины взят из библейской легенды о Самсоне и Далиле, срезавшей косы мужа и таким образом лишившей его силы. На ней запечатлен момент когда Далила обрезает волосы Самсону.
Филистимлянка Далила решила помочь своему народу победить иудейского богатыря.. Обольщенный красавицей, Самсон выдает ей тайну своего могущества
Его сила была заключена в великолепных волосах. Ночью Далила обрезает волосы Самсону. Он обессилил и был захвачен врагами. Недруги Самсона выкололи ему глаза и смеялись над ним, а он стал немощным.
На этой легенде основаны суеверия, в которые верят многие современные женщины, Считается, что волосы — это своеобразный энергетический «накопитель» и проводник. Весь негатив собирается в их кончиках, поэтому их регулярно следует подстригать. При этом плохую энергию «забирает» тот, кто стрижёт. Если это человек посторонний, то не страшно, хуже— если близкий человек. Тогда весь негатив остается в семье и притягивает неприятности.
И совсем беда, если волосы мужу стрижёт его собственная жена. , Тогда в семью приходили несчастья, наступал разлад, ссоры, измены. А еще это негативно влияет на здоровье мужчины, который лишается силы, сокращая свой жизненный цикл. Вместе с плохой энергией уходит и хорошая, нанося вред здоровью. Считается, что муж после этого может заболеть.
«Ахиллес, преследуемый богом реки Ксанф», Анри Фредерик Шопен
Автор картины - французский исторический и жанровый художник Heinrich Frederic Schopin (1804-1880). Учился в Санкт-Петербургской академии художеств, а затем с 1821 г. посещал парижское училище изящных искусств, где главным его наставником был французский художник-академист барон Antoine-Jean Gros (1771-1835). В 1825 году за картину: «Ахиллес, преследуемый богом реки Ксанф», французское правительство присудило автору большую денежную преми, благодаря которой он отправился в Рим в качестве пенсионера.
Эффектная по композиции, нежная и приятная по краскам картина исполнена элегантной кистью. К числу ее недостатков критики отсутствии глубины внутреннего содержания. Здесь Ахилл сошелся в поединке не с человеком даже, а с богом реки Скамандр! И что же? Вместо сурового воителя – смазливый натурщик; вместо яростного напряжения всех сил – напыщенная театральная поза; на лице – откровенная скука. Выхолощенный классицизм, стерильное искусство, ставшее почти
Он вёз телёнка на рынок. А нашёл её — на коленях у стены кладбища, в платье, которое не скрывает, кем она стала. И не знает, как её спасти.
🎨 Данте Габриэль Россетти (1828–1882). «Найденная». 1853–1881. Холст, масло. 91,4 × 80 см. Художественный музей Делавэра, Уилмингтон.
«Найденная» — единственная большая картина Россетти о современной жизни. Он вынашивал её почти тридцать лет и так и не закончил.
Сюжет из поэмы Уильяма Белла Скотта. Деревенский парень приехал в Лондон продать телёнка. У стены кладбища он узнаёт свою бывшую возлюбленную. Судьба жестока: девушка ушла в город искать заработка, а оказалась на улице.
На картине он держит её за руки, пытаясь поднять. Она опустилась на колени, отворачивается, прячет лицо. Сзади — телега с белым телёнком, опутанным верёвками. Животное обречено на убой. Такая же участь, кажется, ждёт и девушку.
Россетти начал работу в 1853 году. На ранних эскизах были библейские надписи: «Я вспоминаю о дружестве юности твоей». Но братство прерафаэлитов распалось, и художник убрал религиозные намёки, оставив только человеческую драму.
Россетти постоянно возвращался к картине, переписывал лица, менял детали. Сюжет требовал реализма, а он всё больше уходил в поэтические женские образы. Работа осталась незаконченной. Но он считал её одной из самых важных.
Форд Мэдокс Браун писал, что Россетти мучительно выписывал телёнка «волосок к волоску». Параллель с судьбой девушки была для него главной. Он не знал, как её спасти. И оставил этот вопрос открытым.
"Поцелуй чародейки", Изобель Лилиан Глоаг
Ок. 1890. Акварель. Размер: 62 x 32см. Частная коллекция
Сюжет картины The Kiss of the Enchantress (иногда используется название The Knight and the Mermaid| "Рыцарь и русалка") взят из поэмы Джона Китса «Ламия», написанной в 1889 году.
Ламия была царицей в Ливии, отцом ее был Посейдон. Она была удивительно красивой девушкой, и многие добивались ее любви. Великий громовержец Зевс тоже был среди ее почитателей, они с Ламией были любовниками. Ревнивая Гера была в бешенстве. Узнав, что них появились общие дети, Гера устроила свою жестокую расправу.
По одной версии, законная жена Зевса выкрала детей и убила их. Но более распространена другая, еще более ужасающая версия: Гера наслала безумие на Ламию, и та убила собственных детей.
Isobel Lilian Gloag (1865-1917)— английская художница викторианской эпохи, известная своими портретами маслом и акварелью, а также постерами и витражами. Здесь она изображает Ламию наполовину змеей, наполовину женщиной.
Чего ждут эти женщины?
Не знаю, было ли такое на самом деле. Геродот, которого часто называют «отцом истории», уверял, что да. Он объездил полмира, записывал свидетельства очевидцев, изучал обычаи разных народов. Но проверкой фактов не всегда утруждал себя. Поэтому сейчас его труды читают с интересом - но и с изрядной долей сомнения.
Один из таких рассказов и стал основой картины Эдвина Лонга «Вавилонский рынок невест», написанной в 1875 году.
Согласно Геродоту, в древнем Вавилоне существовал странный и, по его словам, «позорный» обычай. Каждая женщина хотя бы раз в жизни должна была прийти в храм богини Афродиты и отдаться первому чужестранцу, который бросит ей монету. Отказаться было нельзя - деньги считались священным даром. Пока женщина не проходила через это, она не имела права вернуться домой. Геродот писал, что красавицы покидали храм быстро, а некрасивые могли ждать годами. Они так и жили в храме в ожидании.
Звучит жестоко. И именно этот сюжет Лонг переносит на холст.
На картине мы видим не храм в привычном понимании, а пространство, подозрительно похожее на европейский аукцион XIX века. На переднем плане - сидящие женщины, выставленные напоказ. Чуть выше - девушка, уже поднятая на помост. Слева - мужчина, явно исполняющий роль распорядителя торгов. Перед ним толпа покупателей, и по одежде видно: здесь собрались люди из разных слоёв общества.
Я прочитала интересную версию искусствоведов, что аукционист на картине списан с реального человека - известного в то время британского торговца Томаса Вудса. И тогда древний Вавилон вдруг перестаёт быть таким уж древним. Сейчас объясню почему.
Картина впервые была показана публике на Королевской академической выставке в 1875 году - и произвела эффект. Восточные сюжеты тогда были в моде, но дело было не только в экзотике. В Англии как раз активно обсуждали права женщин. За несколько лет до этого был принят закон, позволявший женщинам сохранять собственное имущество после брака. А тема женского тела как товара звучала особенно остро. В общем картина стала своеобразной "повесткой" для того времени.
Интересно, что сам Лонг не даёт зрителю однозначной подсказки, на чьей он стороне. Он просто показывает сцену, без морализаторства, без явного осуждения. И именно это задевало зрителей сильнее всего.
В 1882 году полотно купил Томас Холлоуэй - филантроп и предприниматель. Он заплатил за него огромную по тем временам сумму и передал картину в основанный им Королевский колледж Холлоуэй. Любопытная деталь: до середины XX века в этом колледже могли учиться только женщины. Так что «Вавилонский рынок невест» оказался там совсем не случайно.
«Последний день Нумансии», Алехо Вера-и-Эстака
1880 г. Холст, масло. Музей Прадо, Мадрид
Испанский художник :Alejo Vera y Estaca (1834-1923) специализировался на исторической живописи. В качестве примера можно привести романтическую картина, повествующую об окончании осады Нумансии и её завоевании Римской республикой, а также об упорном сопротивлении нумантинцев, предпочитавших даже самоубийство поражению. Картина «Последний день Нумансии» первоначально находилась в Музее современного искусства в Мадриде, а в настоящее время принадлежит музею Прадо.
Нуманция (исп. Numancia) была древним кельтиберийским поселением, остатки которого находятся в северо-центральной части Испании. В 133 г. до н.э. римский сенат поручил Сципиону Африканскому уничтожить Нуманцию. Его армия из 30 тысяч солдат осадила город. Сопротивление было безнадежным, но нуманцианцы отказались сдаться, и голод быстро распространился по городу. После 13 месяцев осады защитники решили сжечь город перед сдачей.Большинство жителей решили покончить жизнь самоубийством, а не стать рабами.
На картине представлен момент, когда римляне входят в город, а последние защитники города совершают самоубийство. Лишь несколько сотен жителей, измученные и голодные, сдались победившим римским легионам.
Осада Нуманции была описана несколькими римскими историками, которые восхищались чувством свободы древних иберийцев и признавали их боевые навыки против римских легионов. В 1905 году немецкий археолог Шультен обнаружил римские лагеря вокруг города.
Россия − великая наша страна,
Раскинулись всюду леса и поля,
Огромная вера, сплоченный народ,
Идущий, по-прежнему, только вперед.
Мы верим в единую нашу страну,
Порочить ее не дадим никому.
За веру, за правду горой мы стоим,
Отечество наше мы не посрамим.
С праздником всех россиян поздравляем!
Счастья и радости вам мы желаем.
Пусть каждый гордится нашей страной,
Любимой, священной и дорогой.
@pozzdrav
#деньРоссии #12июня
Печальная история
История начинается в 1852 году, когда Элизабет Сиддал, девятнадцатилетняя красавица, привлекла внимание художника Джона Эверетта Милла. Он пригласил её позировать для своей знаменитой картины «Офелия», которая позже завоевала признание зрителей. На картине изображена Офелия в трагический момент, когда она тонет в пруду, не имея сил и желания бороться за жизнь.
Чтобы добиться максимальной реалистичности, Элизабет приходилось часами лежать в ванне с водой. Хотя Джон старался поддерживать её в тепле, вода всё равно остывала, и в итоге девушка сильно простудилась. Врач прописал ей лауданум — средство, которое помогло ей выздороветь, но также привело к зависимости из-за своих наркотических свойств.
Личная жизнь Элизабет была не менее трагичной. Её любимый мужчина изменял ей с другими женщинами, что причиняло ей глубокую душевную боль. Чтобы справиться с этой болью, она снова и снова прибегала к лаудануму.
К сожалению, Элизабет ушла из жизни в возрасте тридцати трёх лет от передозировки. Женщина, ставшая музой для многих художников, осталась одна и никому не нужная. Эта печальная история о картине, которая продолжает восхищать зрителей и по сей день, напоминает о судьбе красивой и талантливой девушки, чья жизнь была разрушена.
«Допрос революционерки», Владимир Егорович Маковский
1904 г. Холст, масло, Частная коллекция
Творчество Владимира Маковского - это живописный учебник истории, наполненный краткими рассказами в красках о жизни людей всех слоев общества России в 19 веке. Во многих своих работах он изображал революционное движение в виде суровой действительности. Такие картины, как «Допрос революционерки», теряли очарование и не казались романтическим идеалом.
Художник опасался представлять эту картину публике, хранил ее дома и показывал только друзьям.
Почтовая карточка (фот 3-4) с репродукцией картины из коллекции «Музей Революции Союза ССР» находится в Государственном историческом музее Южного Урала.
Тайны знаменитых картин: «Синяя комната» (La Habitación Azul), Пабло Пикассо
1901 г. Холст, масло. Размер — 50,5 × 61,5 см. С 1927 года находится в коллекции Филлипса в Вашингтоне, округ Колумбия
Картина испанского художника считается одним из самых ранних образцов работы «Синего периода» творчества Пикассо. написанная в 1901 году маслом на холсте.
В 2008 году инфракрасное излучение показало, что под «Голубой комнатой» скрыто еще одно изображение — портрет мужчины, одетого в костюм с бабочкой и положившего голову на руку. «Как только у Пикассо появлялась новая идея, он брался за кисть и воплощал ее. Но у него не было возможности покупать новый холст каждый раз, когда его посещала муза», — объясняет возможную причину этого искусствовед Патриция Фаверо.
«Страдание (Бедность)» / La Miseria. Кристобаль Рохас
1886. Холст, масло. 180.4 х 221.4 см.
Несмотря на то что творческая карьера художника была непродолжительной, и большого количества картин за свои 13 лет погружения в живопись он просто не успел создать, Cristóbal Rojas Poleo (1857-1890) считается одним из величайших венесуэльских живописцев всех времен.
Картина «Страдание» была представлена в Салоне 1886 года. Это одна из нескольких его работ, посвященных венесуэльским или латиноамериканским семьям той эпохи. Художник был вдохновлен реальным событием, произошедшим с его соседями. Отчаявшийся итальянский рабочий изображен рядом с трупом своей жены, которая умерла из-за нехватки средств для покупки лекарств.
Женщина мертва; ее кожа стала бледно-голубой. На лице мужчины у кровати видны шок, оцепенение, беспомощность и гнев. Он находится в состоянии полного опустошения, на преодоление которого может потребоваться время. Обветшалая и бедная обстановка комнаты усугубляет их страдания...
Через четыре года после того, как Рохас запечатлел "Страдания" на холсте, он умер от туберкулеза незадолго до своего тридцать третьего дня рождения.
Вот так его собственная картина предвосхитила его судьбу."
"Портрет мадам Жозетт Грис", Хуан Грис
Октябрь 1916 г. Масло, панель, 140,5 х 97 см. Национальный музей королевы Софии, Мадрид (дар Дугласа Купера)
Juan Gris (1887-1927) Испанский художник, скульптор, график и декоратор, один из основоположников кубизма. Работал главным образом в Париже, где жил с 1906 г. Настоящее имя – Хосе Викториано Гонсалес (Jos Victoriano Gonzlez).
Эта картина маслом, портрет жены художника, Жозетты Грис, была частью пожертвования, сделанного музею Прадо в 1979 году историком кубизма Дугласом Купером. Полотно иллюстрирует сдвиг, происходящий в кубизме, от разрыва к поиску традиции в истории живописи, в связи с изменениями во французской политике во время Великой войны.
Почему друзья Иова пришли утешать его, а сделали только больнее?
Есть библейские сюжеты, которые каждый раз заставляют задуматься. Один из них - история Иова. Именно к ней обратился молодой Илья Репин в 1869 году, когда писал картину «Иов и его друзья». За эту работу он получил малую золотую медаль Академии художеств. Давайте посмотрим, что за историю рассказывает это полотно.
По библейскому преданию, сатана убеждает Бога проверить праведника Иова: сохранит ли он веру, если потеряет всё, чем дорожит. Один за другим приходят страшные удары. Гибнут дети, исчезает огромное богатство, тело покрывается мучительными язвами от проказы. Болезнь превращает Иова в изгоя, и он оказывается вдали от людей. Даже жена, измученная страданиями, больше не разделяет его стойкости. В этот момент к нему приходят трое друзей - Елифаз, Вилдад и Софар.
Репин показал именно эту встречу. Иов сидит прямо на земле. Его взгляд отстранён, он будто где-то далеко, где уже не осталось сил ни на вопросы, ни на жалобы. Рядом скорбит жена. Напротив стоят друзья. Их лица полны удивления, тревоги и растерянности. Они видят перед собой человека, которого совсем недавно знали богатым, счастливым и уважаемым. Теперь перед ними - больной, измученный старик.
Но дальше происходит самое важное. Друзья убеждены, что любое страдание обязательно становится расплатой за грех. Они начинают искать вину самого Иова, советуют ему покаяться и принять наказание. Сам Иов знает, что ни в чём не виноват, и пытается отстоять свою правоту. Именно этот спор становится главным смыслом всей книги - почему страдают благочестивые люди и всегда ли беда приходит в наказание за проступки.
Мне нравится, как Репин усиливает эту историю с помощью деталей. Иов и его жена погружены в полумрак, а фигуры друзей освещены ярче. Но за спинами страдающих сквозь зелёную дымку поднимаются горы, вершины которых озаряет солнце. Кажется, художник оставляет маленькую надежду: испытания однажды закончатся.
Картина не рассказывает нам, чем заканчивается история Иова. Но я расскажу вкратце. Наконец, Бог обратился к Иову, и на вопрос о причинах страданий ответил: «Неужели ты думаешь, что Я поступил с тобою с какой-либо иной целью, нежели чтобы ты был явлен праведным?». Бог хотел, чтобы через страдания Иов достиг духовного совершенства, получил возможность встретиться с Ним лицом к лицу. Затем Бог говорит друзьям Иова, что именно они ошибались, считая всякое страдание наказанием за грех: Никтро не может постичь истинный замысел Творца. Иов молится за них, после чего Господь возвращает ему здоровье, богатство и семью. Он прожил ещё сто сорок лет, увидел детей, внуков и правнуков до четвёртого поколения.
Полотно «Иов и его друзья» сразу привлекло внимание критиков. Многие говорили, что молодой Репин удивительно тонко передал внутреннее состояние своих героев и сумел наполнить академический сюжет настоящими человеческими чувствами. Позже именно эта способность сделает его одним из самых сильных психологов в русской живописи.
Сегодня картина представлена в Русском музее в Санкт-Петербурге.
Зачем людям меняли головы на кочаны капусты?
И снова у нас сегодня средневековая голландская небылица. Ох, фантазии этим деятелям искусства было не занимать, и чего только не выдумывали! Давайте посмотрим, что происходит на этой картине? Люди с капустой вместо головы, корзины с отрезанными головами, печь, в которую кого-то отправляют на огромной лопате... И при этом все вокруг ведут себя так, словно занимаются самыми обычными делами.
Перед нами картина нидерландского художника Корнелиса ван Далема «Легенда о пекарне ван Экло». Написана она в XVI веке, а сюжет основан на старинном предании, которое когда-то рассказывали в городе Экло, расположенном на территории современной Бельгии.
Согласно легенде, в Экло жил удивительный пекарь, к которому приходили люди, мечтавшие стать умнее, красивее и моложе. Способ преображения выглядел весьма своеобразно. Клиенту снимали голову и временно заменяли её кочаном капусты. Затем голову обрабатывали мукой и особыми маслами, исправляли недостатки, омолаживали и отправляли в печь. После такой процедуры человек должен был получить обновлённую версию самого себя.
Если внимательно рассмотреть картину, можно увидеть почти весь этот процесс. На переднем плане сидят посетители с капустными головами и терпеливо ждут своей очереди. Рядом стоят корзины, наполненные головами и кочанами. В глубине помещения помощники пекаря работают у раскалённой печи. А слева художник показал момент возвращения готовой головы владельцу: помощник уже снимает капусту и устанавливает результат своего труда.
Желающих преобразиться оказалось немало. Через открытую дверь в пекарню продолжают заходить новые посетители. Судя по их виду, они пришли вовсе не из любопытства. Каждый надеется выйти отсюда более молодым, красивым или умным.
Но, как и во многих старинных легендах, чудо имело свою цену. Голова могла «приготовиться» не совсем удачно. Тогда человек возвращался домой рассеянным, глуповатым или слишком безрассудным. Поэтому история о пекарне ван Экло служила своеобразным предупреждением. Людям напоминали, что погоня за быстрыми переменами далеко не всегда приводит к желаемому результату.
Мне кажется удивительным, насколько современно звучит эта старая легенда. Прошло несколько столетий, а желание мгновенно исправить свою внешность, характер или судьбу никуда не исчезло. Только способы стали другими.
О самом Корнелисе ван Далеме известно немного. Он жил в Антверпене, занимался торговлей, был обеспеченным человеком и писал картины скорее для собственного удовольствия. Большинство его работ - пейзажи, поэтому «Легенда о пекарне ван Экло» заметно выделяется среди его произведений своим необычным сюжетом. Сегодня картина хранится в Рейксмузеум в Амстердаме.
Перед нами девушка в белоснежном атласном одеянии, которая сидит в мягком резном кресле в богато обставленной комнате. Она окружена красивыми вещами, цветами и дорогой мебелью. На её коленях небольшой фотоальбом, девушка смотрит на фотографию и погрузилась в свои мысли. Картина, которую в 1897 году написал Константин Маковский, называется «Хрупкое создание».
Почему художник так назвал свою геоиню? Посмотрите внимательно: левой рукой она схватилась за сердце, а правой прижимает платок к лицу. Она плачет? Маковский не оставляет ни одной подсказки, которая позволила бы точно разгадать сюжет. И версий существует много, кто изображён на фотографии, и что с ним случилось. Разглядеть сложно, но кажется, что там изображён ребёнок. Может быть, это мать, которая потеряла своё дитя? Если так, то её горе понятно - его трудно пережить.
«Случай на дороге», Николай Егорович Сверчков
1840 г.Холст, масло. Частное собрание
Николай Егорович Сверчков (1817 - 1898) писал картины на темы охоты и путешествий,портреты. Учился в Воспитательной школе при Академии Художеств и Петропавловском училище общего типа.В 1839 году впервые участвовал в академической выставке и получил звание свободного художника портретной живописи.С 1852 года - академик. Сверчков был широко известен, прежде всего, как анималист. Особенно ему удавались композиции с лошадьми.
«Случай на дороге» - драматическая картина, показывающая безжалостность и произвол русского крепостничества. Откормленный боров-кучер избивает едущего навстречу крестьянина на худой лошаденке, ведь в то время секануть кнутом "ваньку" - милое дело. Барин смеется, вот он и рад стараться,. Яйца, которые крестьянин везет своим детям, летят с саней на дорогу.
Перед нами картина Абрама Архипова «Пьяница» - одна из ранних работ художника, написанная в 1883 году. Именно это полотно Павел Третьяков приобрёл у молодого живописца одним из первых, что стало важным событием в его творческой судьбе.
Сюжет кажется простым, но сразу вызывает вопросы. В тесной и бедной крестьянской избе женщина склонилась над бутылкой и что-то добавляет в неё из маленького пузырька. Рядом стоит мужчина и внимательно наблюдает за её действиями.
Многие исследователи считают, что Архипов изобразил попытку жены помочь мужу справиться с пьянством. В деревнях XIX века эта проблема была одной из самых страшных, и люди обращались к знахарям, лекарям и различным снадобьям. Возможно, именно такое средство женщина сейчас подмешивает в бутылку.
Художник не раскрывает замысел до конца и оставляет зрителю возможность самому додумать историю.
«В трактире», Владимир Егорович Маковский
1887 г. Дерево, масло. Размер: 36×28 см. Частная коллекция
Работа "В трактире" написана в период зрелости художника и является типичной для творчества В. Маковского, как по выбранному сюжету, так и его исполнению. Художник часто обращался к двухфигурной композиции небольшого формата, что позволяло сосредоточиться на взаимоотношениях персонажей, которые как будто ведут живой диалог на глазах у зрителя, с интересом наблюдающего разыгрываемую сценку.
Мизансцена разыграна точно и убедительно, "декорации" органичны выбранному сюжету. Типы и характеры показаны настолько выразительно, что, кажется, мы знаем этих людей, встречали их в реальной жизни. Смелый мазок, богатая живописная фактура придают сценке еще большую живость и характерность. В этом произведении Владимир Маковский в очередной раз подтвердил звание тонкого наблюдателя жизни, с юмором воспринимающего её многообразные проявления.
"Сусанна и старцы", Тинторетто [Якопо Робусти]
Ок. 1555 г. Холст, масло, 147 х 194 см. Художественно-исторический музей, Вена
Картина итальянского живописца Якопо Робусти известного как Тинторетто, представителя венецианской школы. Библейская история о о благочестивой жене зажиточного иудея Йоакима Сусанне, которая любила в одиночестве купаться в пруду в своем саду. Там её и увидели два похотливых старца, которые возжелали красавицу. Она им отказала. Тогда старцы обвинили невинную женщину в измене мужу.
Сусанну приговорили к смерти. Но мудрый пророк Даниил быстро разобрался в ситуации - женщину оправдали, а лжецов приговорили к смерти.
Художники эпохи Возрождения часто в своих картинах использовали эту историю как хороший повод изобразить обнаженное женское тело.
«Стога», Гавриил Павлович Кондратенко
Первая четверть XX века. Холст, масло. Размер: 47,1 x 64,5 см. Частная коллекция
Гавриил Павлович Кондратенко (1854-1924) — русский пейзажист, представитель салонно-академического направления в русском пейзаже конца XVIII – XIX веков.
Среди работ Гавриила Павловича встречается ряд пейзажей с изображением снопов сена в поле на фоне живописных летних холмов и деревенек. Картины отличает тщательность в исполнении всех деталей композиции, четкое композиционное построение и насыщенный солнечный колорит. Произведение "Стога" продолжает ряд таких работ. Пейзаж открывает панорамный вид на живописные луга, обрамленные рощами, с силуэтом старинной церкви на дальнем плане.
В левом нижнем углу картины расположена подпись "Г. Кондратенко", нанесенная по сухому красочному слою.
«Священная роща», Арнольд Беклин
Эта масштабная картина, написанная маслом на холсте, создает атмосферу благоговения, таинственности и духовного символизма. Беклин, центральная фигура европейского символизма, был очарован мифологическими темами, загробной жизнью и природой как сценой для метафизической драмы, и это произведение является одним из самых утонченных выражений его интересов.
На картине, расположенной под сенью золотистых осенних берез и густых, задумчивых вечнозеленых деревьев, запечатлен процесс совершения священного обряда. Три фигуры в белых одеждах преклоняют колени в торжественной преданности перед пылающим алтарем, дым от которого клубами поднимается к потолку. Ритуал кажется древним и неподвластным времени. На заднем плане шесть фигур, закутанных в белые плащи и зловеще молчаливых, движутся к алтарю по коридору из тенистых деревьев. Это священники? Духи? Свидетели?
Игра света у Беклина особенно поразительна. Левая сторона сияет золотистой безмятежностью — там, где солнечный свет проникает сквозь пожелтевшие листья, — в то время как правая половина полотна погружена в сгущающуюся тьму. Эта дихотомия освещения может свидетельствовать о духовном переходе: от жизни к смерти, от невежества к знанию или от природы к сверхъестественному.
Интерес Беклина к метафизике сам по себе подталкивает к таким интерпретациям, не разрешая их. Зритель, как и участники, — паломник, погруженный в тишину сцены, не уверенный, молиться ли ему, размышлять или просто наблюдать.
Его восхищение священными рощами, руинами и уединенными местами уходит корнями в классическое образование и время, проведенное в Италии. Он верил, что природа обладает духовной силой, а рощи, подобные этой, являются символическими местами, где люди могут общаться с божественным.
Приобретенная в том же году, когда была написана картина, "Священная роща" поступила в коллекцию Базельского художественного музея через фонд Бирмана, что свидетельствует о ее раннем признании как произведения, представляющего непреходящую культурную ценность.
В 1886 году Бёклин создал вторую версию своей композиции, вдохновленную древними культами. Эта версия, которая сейчас хранится в Гамбургской картинной галерее, отличается более холодным тоном и некоторыми деталями, в том числе изображением жрецов со скрещенными руками и более детализированным изображением храма на заднем плане.
"Нарцисс". Эдуард Теофиль Бланшар
1870 г. Масло, холст. Размер: 64х 168 см. Музей Орсе (Париж).
Нарцисс — герой древнегреческого мифа, юноша, который был настолько поглощён собственной красотой, что не мог оторваться от своего отражения в воде и погиб от изнеможения из-за самолюбования.
В психологии термин «нарцисс» связан с нарциссическим расстройством личности — особенностью психики, при которой человек воспринимает себя как уникального индивидуума, считает себя лучше других, что не всегда соответствует действительности.
Французский художник Édouard-Théophile Blanchard (1819–1898) был учеником Франсуа-Эдуарда Пико и Александра Кабанеля в Школе изящных искусств.