458
Свои секреты есть даже у тех шедевров живописи, которые кажутся нам хорошо знакомыми. Все проекты: https://t.me/JaneAirr По всем вопросам: @zhanna_osipova
Не могла пройти мимо этой картины - уж очень необычная задумка художника. А написал её Гарри Андерсон в 1962 и назвал - «Принц мира»
Фигура Христа на полотне выглядит почти прозрачной - он словно не до конца материален, не касается ногами земли, будто его присутствие в нашем мире слишком хрупко для того, чтобы быть реальным. Но при этом здание ООН прописано жёстко, чётко, основательно. Этот контраст масштабов и плотности создаёт главное напряжение картины: духовное начало, которое пытается достучаться до людей, и холодная, уверенная в себе человеческая власть, сосредоточенная за стеклянными стенами.
Часто эту работу ошибочно называют «Иисус стучится в окна ООН». И в этом народном названии, пожалуй, точнее всего передаётся суть: Христос с печальным выражением лица, очень мягко и деликатно пытается привлечь внимание, напомнить о чём-то давно забытом. Андерсон как будто задаёт от его имени простой вопрос к организации, которая была создана для поддержания мира: «Чем вы занимаетесь? Зачем вы нужны человечеству?»
Сам художник на протяжении всей своей карьеры часто обращался к религиозным темам. В этой работе он размышляет о том, как далеко современный мир ушёл от своих же обещаний. Внизу, у подножия небоскрёба, - обычная городская суета, машины, люди, у каждого свои заботы. Те, кто находится внутри здания ООН, принимают важнейшие решения. И никто из них не замечает, что кто-то пытается до них достучаться.
"Смерть бедняка" / The Death of the Pauper. Александр Антигна
1849 г. Холст, масло. Частное собрание.
Французский живописец Alexandre Antigna (1817-1878) обучался в Национальной высшей школе изящных искусств в Париже в мастерской Себастьена Луи Гийома Норблена. Через год стал учеником Поля Делароша, под влиянием которого стал писать картины с драматическими сюжетами. драматической композиции.
Александр Антигна долгое время проживая в бедном парижском квартале в Иль-Сен-Луи, наблюдая за страданиями городского рабочего класса из-за пагубного влияния последствий индустриализации. Он написал целую серию остросоциальных картин, в которую входит "Смерть бедняка".
Перед нами настоящая домашняя драма, в которой главными трагическими героями являются представители низшего класса. Женщина и двое маленьких детей оплакивают умершего супруга и отца. В те времена потеря мужа почти всегда равнялась потере кормильца. В разные сферы жизни общество женщину даже высших сословий пускало неохотно. Понятно, что у отягощённых бременем и страданиями нищенской жизни представителей низших слоёв городского населения не было будущего.
«Ермак Тимофеевич – покоритель Сибири», неизвестный художник
1753 г. Железо, масло. Размер: 165 х70 см. Свердловский областной краеведческий музей
Казачий атаман Ермак Тимофеевич - исторический покоритель Сибири для Русского государства при правлении царя Ивана Грозного. Прижизненных изображений героического русского землепроходца не существует, до нас дошло лишь его описание в Ремизовской летописи конца XVII столетия: «Вельми мужествен, и человечен, и зрачен, и всякой мудрости доволен, плосколиц, черн брадою, возрастом (т.е. ростом) середней, и плоск, и плечист».
Данный портрет Ермака написан в 1753 году в одной из мастерских города Тобольска. Картина сделана на листе уральского железа. Автор портрета неизвестен. Подобные изображения знаменитого казачьего атамана были очень популярны с середины XVIII века. Они висели почти в каждой гостиной в домах сибирских чиновников и купцов.
Портрет Ермака 1753 года поступил в собрание Музея истории и археологии Урала 16 июня 1909 года от жительницы Екатеринбурга по фамилии Слободчикова. Картина стала одним из самых ранних произведений живописи в музейной коллекции.
«Самсон и Далила». Лукас Кранах Младший
1537 г. Дерево, масло. Размер: 74,5 х 121 см. Галерея старых мастеров, Дрезден
Сюжет картины взят из библейской легенды о Самсоне и Далиле, срезавшей косы мужа и таким образом лишившей его силы. На ней запечатлен момент когда Далила обрезает волосы Самсону.
Филистимлянка Далила решила помочь своему народу победить иудейского богатыря.. Обольщенный красавицей, Самсон выдает ей тайну своего могущества
Его сила была заключена в великолепных волосах. Ночью Далила обрезает волосы Самсону. Он обессилил и был захвачен врагами. Недруги Самсона выкололи ему глаза и смеялись над ним, а он стал немощным.
На этой легенде основаны суеверия, в которые верят многие современные женщины, Считается, что волосы — это своеобразный энергетический «накопитель» и проводник. Весь негатив собирается в их кончиках, поэтому их регулярно следует подстригать. При этом плохую энергию «забирает» тот, кто стрижёт. Если это человек посторонний, то не страшно, хуже— если близкий человек. Тогда весь негатив остается в семье и притягивает неприятности.
И совсем беда, если волосы мужу стрижёт его собственная жена. , Тогда в семью приходили несчастья, наступал разлад, ссоры, измены. А еще это негативно влияет на здоровье мужчины, который лишается силы, сокращая свой жизненный цикл. Вместе с плохой энергией уходит и хорошая, нанося вред здоровью. Считается, что муж после этого может заболеть.
«Ахиллес, преследуемый богом реки Ксанф», Анри Фредерик Шопен
Автор картины - французский исторический и жанровый художник Heinrich Frederic Schopin (1804-1880). Учился в Санкт-Петербургской академии художеств, а затем с 1821 г. посещал парижское училище изящных искусств, где главным его наставником был французский художник-академист барон Antoine-Jean Gros (1771-1835). В 1825 году за картину: «Ахиллес, преследуемый богом реки Ксанф», французское правительство присудило автору большую денежную преми, благодаря которой он отправился в Рим в качестве пенсионера.
Эффектная по композиции, нежная и приятная по краскам картина исполнена элегантной кистью. К числу ее недостатков критики отсутствии глубины внутреннего содержания. Здесь Ахилл сошелся в поединке не с человеком даже, а с богом реки Скамандр! И что же? Вместо сурового воителя – смазливый натурщик; вместо яростного напряжения всех сил – напыщенная театральная поза; на лице – откровенная скука. Выхолощенный классицизм, стерильное искусство, ставшее почти
Он вёз телёнка на рынок. А нашёл её — на коленях у стены кладбища, в платье, которое не скрывает, кем она стала. И не знает, как её спасти.
🎨 Данте Габриэль Россетти (1828–1882). «Найденная». 1853–1881. Холст, масло. 91,4 × 80 см. Художественный музей Делавэра, Уилмингтон.
«Найденная» — единственная большая картина Россетти о современной жизни. Он вынашивал её почти тридцать лет и так и не закончил.
Сюжет из поэмы Уильяма Белла Скотта. Деревенский парень приехал в Лондон продать телёнка. У стены кладбища он узнаёт свою бывшую возлюбленную. Судьба жестока: девушка ушла в город искать заработка, а оказалась на улице.
На картине он держит её за руки, пытаясь поднять. Она опустилась на колени, отворачивается, прячет лицо. Сзади — телега с белым телёнком, опутанным верёвками. Животное обречено на убой. Такая же участь, кажется, ждёт и девушку.
Россетти начал работу в 1853 году. На ранних эскизах были библейские надписи: «Я вспоминаю о дружестве юности твоей». Но братство прерафаэлитов распалось, и художник убрал религиозные намёки, оставив только человеческую драму.
Россетти постоянно возвращался к картине, переписывал лица, менял детали. Сюжет требовал реализма, а он всё больше уходил в поэтические женские образы. Работа осталась незаконченной. Но он считал её одной из самых важных.
Форд Мэдокс Браун писал, что Россетти мучительно выписывал телёнка «волосок к волоску». Параллель с судьбой девушки была для него главной. Он не знал, как её спасти. И оставил этот вопрос открытым.
"Поцелуй чародейки", Изобель Лилиан Глоаг
Ок. 1890. Акварель. Размер: 62 x 32см. Частная коллекция
Сюжет картины The Kiss of the Enchantress (иногда используется название The Knight and the Mermaid| "Рыцарь и русалка") взят из поэмы Джона Китса «Ламия», написанной в 1889 году.
Ламия была царицей в Ливии, отцом ее был Посейдон. Она была удивительно красивой девушкой, и многие добивались ее любви. Великий громовержец Зевс тоже был среди ее почитателей, они с Ламией были любовниками. Ревнивая Гера была в бешенстве. Узнав, что них появились общие дети, Гера устроила свою жестокую расправу.
По одной версии, законная жена Зевса выкрала детей и убила их. Но более распространена другая, еще более ужасающая версия: Гера наслала безумие на Ламию, и та убила собственных детей.
Isobel Lilian Gloag (1865-1917)— английская художница викторианской эпохи, известная своими портретами маслом и акварелью, а также постерами и витражами. Здесь она изображает Ламию наполовину змеей, наполовину женщиной.
Чего ждут эти женщины?
Не знаю, было ли такое на самом деле. Геродот, которого часто называют «отцом истории», уверял, что да. Он объездил полмира, записывал свидетельства очевидцев, изучал обычаи разных народов. Но проверкой фактов не всегда утруждал себя. Поэтому сейчас его труды читают с интересом - но и с изрядной долей сомнения.
Один из таких рассказов и стал основой картины Эдвина Лонга «Вавилонский рынок невест», написанной в 1875 году.
Согласно Геродоту, в древнем Вавилоне существовал странный и, по его словам, «позорный» обычай. Каждая женщина хотя бы раз в жизни должна была прийти в храм богини Афродиты и отдаться первому чужестранцу, который бросит ей монету. Отказаться было нельзя - деньги считались священным даром. Пока женщина не проходила через это, она не имела права вернуться домой. Геродот писал, что красавицы покидали храм быстро, а некрасивые могли ждать годами. Они так и жили в храме в ожидании.
Звучит жестоко. И именно этот сюжет Лонг переносит на холст.
На картине мы видим не храм в привычном понимании, а пространство, подозрительно похожее на европейский аукцион XIX века. На переднем плане - сидящие женщины, выставленные напоказ. Чуть выше - девушка, уже поднятая на помост. Слева - мужчина, явно исполняющий роль распорядителя торгов. Перед ним толпа покупателей, и по одежде видно: здесь собрались люди из разных слоёв общества.
Я прочитала интересную версию искусствоведов, что аукционист на картине списан с реального человека - известного в то время британского торговца Томаса Вудса. И тогда древний Вавилон вдруг перестаёт быть таким уж древним. Сейчас объясню почему.
Картина впервые была показана публике на Королевской академической выставке в 1875 году - и произвела эффект. Восточные сюжеты тогда были в моде, но дело было не только в экзотике. В Англии как раз активно обсуждали права женщин. За несколько лет до этого был принят закон, позволявший женщинам сохранять собственное имущество после брака. А тема женского тела как товара звучала особенно остро. В общем картина стала своеобразной "повесткой" для того времени.
Интересно, что сам Лонг не даёт зрителю однозначной подсказки, на чьей он стороне. Он просто показывает сцену, без морализаторства, без явного осуждения. И именно это задевало зрителей сильнее всего.
В 1882 году полотно купил Томас Холлоуэй - филантроп и предприниматель. Он заплатил за него огромную по тем временам сумму и передал картину в основанный им Королевский колледж Холлоуэй. Любопытная деталь: до середины XX века в этом колледже могли учиться только женщины. Так что «Вавилонский рынок невест» оказался там совсем не случайно.
«Последний день Нумансии», Алехо Вера-и-Эстака
1880 г. Холст, масло. Музей Прадо, Мадрид
Испанский художник :Alejo Vera y Estaca (1834-1923) специализировался на исторической живописи. В качестве примера можно привести романтическую картина, повествующую об окончании осады Нумансии и её завоевании Римской республикой, а также об упорном сопротивлении нумантинцев, предпочитавших даже самоубийство поражению. Картина «Последний день Нумансии» первоначально находилась в Музее современного искусства в Мадриде, а в настоящее время принадлежит музею Прадо.
Нуманция (исп. Numancia) была древним кельтиберийским поселением, остатки которого находятся в северо-центральной части Испании. В 133 г. до н.э. римский сенат поручил Сципиону Африканскому уничтожить Нуманцию. Его армия из 30 тысяч солдат осадила город. Сопротивление было безнадежным, но нуманцианцы отказались сдаться, и голод быстро распространился по городу. После 13 месяцев осады защитники решили сжечь город перед сдачей.Большинство жителей решили покончить жизнь самоубийством, а не стать рабами.
На картине представлен момент, когда римляне входят в город, а последние защитники города совершают самоубийство. Лишь несколько сотен жителей, измученные и голодные, сдались победившим римским легионам.
Осада Нуманции была описана несколькими римскими историками, которые восхищались чувством свободы древних иберийцев и признавали их боевые навыки против римских легионов. В 1905 году немецкий археолог Шультен обнаружил римские лагеря вокруг города.
Россия − великая наша страна,
Раскинулись всюду леса и поля,
Огромная вера, сплоченный народ,
Идущий, по-прежнему, только вперед.
Мы верим в единую нашу страну,
Порочить ее не дадим никому.
За веру, за правду горой мы стоим,
Отечество наше мы не посрамим.
С праздником всех россиян поздравляем!
Счастья и радости вам мы желаем.
Пусть каждый гордится нашей страной,
Любимой, священной и дорогой.
@pozzdrav
#деньРоссии #12июня
«Отражение с двумя детьми (Автопортрет)», Люсьен Фрейд
1965 г. Масло на холсте. 91 х 91 см. Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид
Британский художник немецко-еврейского происхождения, Lucian Michael Freud (1922–2011) специализировался на портретной живописи; мастер психологического портрета.
С самых первых своих работ художник демонстрируют тщательную детализацию фламандских сюжетов и определенную неоромантическую, сюрреалистическую атмосферу. Люсьен Фрейд выступил за фигуративное искусство и против преобладающих абстрактных тенденций.
Его одержимость человеческим телом побудила оригинально интерпретировать жанр портретной живописи. «Отражение с двумя детьми » относится к числу картины, которые подпитываются напряжением между реальностью и материей, между визуальным и тактильным. Этот автопортрет сочетает в себе крупный план художника. Напряженное тело и прищуренный взгляд говорят о попытках найти в зеркале, лежащем на полу у ног художника, удобный ракурс для изображения собственного тела.
Как утверждает Джон
«Единственный друг», Чеслав Янковский
1901 г. Холст, масло. Размер: 82 x 65 см. Внизу справа имеется подпись Czł. Jankowski / 1901 Местонахождение неизвестно
Польский поэт, критик, публицист, историк Czesław Jankowski (1857-1929) не был общепризнанным гением живописи. Более того, он написал всего одну картину, которая до сих пор вызывает интерес публики и специалистов. Правда, ее оригинал мало кто видел и где она сейчас находится, никто не знает.
На картине «Единственный друг» изображена сидящая на скамейке одинокая старушка. На дворе зима - холодно и везде снег. Но не все так печально, пожилая женщина не совсем одинока, у нее есть верный друг - собака. Старушка спрятала ее под одежду, чтобы ее любимый питомец не замерз. А с питомцем жизнь уже не так и печальна!
«Портрет Эухенио Мартинес Вальехо», Хуан Карреньо де Миранда
1680г. Холст, масло. Прадо, Мадрид
На картине изображена 6-летняя девочка, страдающая избыточным весом (более 70 кг). , Эухенио Мартинес Вальехо имела прозвище La Monstrua (монстр). Патологически излишний вес, который предположительно диагностируется сегодня как синдром Кушинга, стал поводом для заказа и написания двух портретов Эухении (второй называется «Вакх»), и ее привлечения ко двору, который окружал себя странными персонажами — безумцами, карликами и другими людьми с ограниченными возможностями здоровья, как бы мы сказали сегодня.
Эухения, позирующая в нарядном парчовом платье, — типичный курьез придворной жизни. Необычная, вызывающая любопытство внешность, в определенной мере обеспечивала жизнь этим людям. Благодаря своей инаковости они становились заметными, что было весьма привлекательно для двора и в какой-то мере обеспечивало им существование.
Создание портрета для утехи сегодня представляется негуманным трансгрессивным жестом. Искусство в течение своей истории запечатлевало огромное количество аномалий и курьезов. На одном портрете Эухения позирует в нарядном парчовом платье, а на другом — обнаженной в образе Вакха.
Два портрета Эухении как будто фланкируют работу другого художника 17 века — монументальное полотно «Призвание евангелиста Матфея» Хуана де Пареха. Поэтому в экспозиции два портрета Мартинес воспринимаются раздельно, но отнюдь не как парные портреты, заказанные в одно и то же время.
«Боярышня в кокошнике (Портрет девушки в кокошнике)», Софья Ивановна Юнкер-Крамская
1885 г. Холст, масло. Размер: 70х50 см. Государственный Эрмитаж
Имя одарённой и забытой Художницы Софьи Ивановны Юнкер-Крамской (1867 - 1933), дочери знаменитого русского живописца И. Н. Крамского знают немногие. Очевидной причиной забвения было ее заключение в тюремные застенки и ссылка по этапу в Сибирь. От нее отреклись родные братья, побоявшись признать родство с «неблагонадежной» сестрой, а история ее ареста тщательно скрывалась долгие годы.
В 1901 году Софья Ивановна вышла замуж за юриста Германа Фёдоровича Юнкера. После смерти мужа в 1916 году она осталась вдовой без детей.
После революции занималась устройством Антирелигиозного музея в Зимнем дворце, иллюстрировала «Историю религий» для издательства «Атеист» в Москве.
25 декабря 1930 года Юнкер-Крамская была арестована. Её обвиняли по статье 58-II УК РСФСР в контрреволюционной пропаганде. Ей вменялось в вину создание «контрреволюционной группировки из бывшей знати, ставившей себе целью проведение своих людей в разные советские учреждения на службу для собирания сведений о настроениях…».
11 апреля 1931 года выездная сессия Коллегии ОГПУ приговорила её к трём годам ссылки в Восточную Сибирь. Из-за нервного потрясения у художницы случился инсульт, и с тяжёлым параличом её отправили в тюремную больницу. Через четыре месяца её всё же послали по этапу в Иркутск. Затем её перевели в Канск, а через месяц — в Красноярск, где с ней случился второй удар, отнялась левая часть тела.
В марте 1932 года дело Юнкер-Крамской пересмотрели, и она вернулась в Ленинград. В 1933 году она умерла.
Софья Ивановна Юнкер-Крамская была реабилитирована 28 сентября 1989 года.
Большинство её работ погибли во время Великой Отечественной войны, когда в 1942 году в Острогожском музее вспыхнул пожар. Сохранились отдельные картины, например, «Девушка в кокошнике» (находится в коллекции Эрмитажа)
"Портрет мадам Жозетт Грис", Хуан Грис
Октябрь 1916 г. Масло, панель, 140,5 х 97 см. Национальный музей королевы Софии, Мадрид (дар Дугласа Купера)
Juan Gris (1887-1927) Испанский художник, скульптор, график и декоратор, один из основоположников кубизма. Работал главным образом в Париже, где жил с 1906 г. Настоящее имя – Хосе Викториано Гонсалес (Jos Victoriano Gonzlez).
Эта картина маслом, портрет жены художника, Жозетты Грис, была частью пожертвования, сделанного музею Прадо в 1979 году историком кубизма Дугласом Купером. Полотно иллюстрирует сдвиг, происходящий в кубизме, от разрыва к поиску традиции в истории живописи, в связи с изменениями во французской политике во время Великой войны.
Почему друзья Иова пришли утешать его, а сделали только больнее?
Есть библейские сюжеты, которые каждый раз заставляют задуматься. Один из них - история Иова. Именно к ней обратился молодой Илья Репин в 1869 году, когда писал картину «Иов и его друзья». За эту работу он получил малую золотую медаль Академии художеств. Давайте посмотрим, что за историю рассказывает это полотно.
По библейскому преданию, сатана убеждает Бога проверить праведника Иова: сохранит ли он веру, если потеряет всё, чем дорожит. Один за другим приходят страшные удары. Гибнут дети, исчезает огромное богатство, тело покрывается мучительными язвами от проказы. Болезнь превращает Иова в изгоя, и он оказывается вдали от людей. Даже жена, измученная страданиями, больше не разделяет его стойкости. В этот момент к нему приходят трое друзей - Елифаз, Вилдад и Софар.
Репин показал именно эту встречу. Иов сидит прямо на земле. Его взгляд отстранён, он будто где-то далеко, где уже не осталось сил ни на вопросы, ни на жалобы. Рядом скорбит жена. Напротив стоят друзья. Их лица полны удивления, тревоги и растерянности. Они видят перед собой человека, которого совсем недавно знали богатым, счастливым и уважаемым. Теперь перед ними - больной, измученный старик.
Но дальше происходит самое важное. Друзья убеждены, что любое страдание обязательно становится расплатой за грех. Они начинают искать вину самого Иова, советуют ему покаяться и принять наказание. Сам Иов знает, что ни в чём не виноват, и пытается отстоять свою правоту. Именно этот спор становится главным смыслом всей книги - почему страдают благочестивые люди и всегда ли беда приходит в наказание за проступки.
Мне нравится, как Репин усиливает эту историю с помощью деталей. Иов и его жена погружены в полумрак, а фигуры друзей освещены ярче. Но за спинами страдающих сквозь зелёную дымку поднимаются горы, вершины которых озаряет солнце. Кажется, художник оставляет маленькую надежду: испытания однажды закончатся.
Картина не рассказывает нам, чем заканчивается история Иова. Но я расскажу вкратце. Наконец, Бог обратился к Иову, и на вопрос о причинах страданий ответил: «Неужели ты думаешь, что Я поступил с тобою с какой-либо иной целью, нежели чтобы ты был явлен праведным?». Бог хотел, чтобы через страдания Иов достиг духовного совершенства, получил возможность встретиться с Ним лицом к лицу. Затем Бог говорит друзьям Иова, что именно они ошибались, считая всякое страдание наказанием за грех: Никтро не может постичь истинный замысел Творца. Иов молится за них, после чего Господь возвращает ему здоровье, богатство и семью. Он прожил ещё сто сорок лет, увидел детей, внуков и правнуков до четвёртого поколения.
Полотно «Иов и его друзья» сразу привлекло внимание критиков. Многие говорили, что молодой Репин удивительно тонко передал внутреннее состояние своих героев и сумел наполнить академический сюжет настоящими человеческими чувствами. Позже именно эта способность сделает его одним из самых сильных психологов в русской живописи.
Сегодня картина представлена в Русском музее в Санкт-Петербурге.
Зачем людям меняли головы на кочаны капусты?
И снова у нас сегодня средневековая голландская небылица. Ох, фантазии этим деятелям искусства было не занимать, и чего только не выдумывали! Давайте посмотрим, что происходит на этой картине? Люди с капустой вместо головы, корзины с отрезанными головами, печь, в которую кого-то отправляют на огромной лопате... И при этом все вокруг ведут себя так, словно занимаются самыми обычными делами.
Перед нами картина нидерландского художника Корнелиса ван Далема «Легенда о пекарне ван Экло». Написана она в XVI веке, а сюжет основан на старинном предании, которое когда-то рассказывали в городе Экло, расположенном на территории современной Бельгии.
Согласно легенде, в Экло жил удивительный пекарь, к которому приходили люди, мечтавшие стать умнее, красивее и моложе. Способ преображения выглядел весьма своеобразно. Клиенту снимали голову и временно заменяли её кочаном капусты. Затем голову обрабатывали мукой и особыми маслами, исправляли недостатки, омолаживали и отправляли в печь. После такой процедуры человек должен был получить обновлённую версию самого себя.
Если внимательно рассмотреть картину, можно увидеть почти весь этот процесс. На переднем плане сидят посетители с капустными головами и терпеливо ждут своей очереди. Рядом стоят корзины, наполненные головами и кочанами. В глубине помещения помощники пекаря работают у раскалённой печи. А слева художник показал момент возвращения готовой головы владельцу: помощник уже снимает капусту и устанавливает результат своего труда.
Желающих преобразиться оказалось немало. Через открытую дверь в пекарню продолжают заходить новые посетители. Судя по их виду, они пришли вовсе не из любопытства. Каждый надеется выйти отсюда более молодым, красивым или умным.
Но, как и во многих старинных легендах, чудо имело свою цену. Голова могла «приготовиться» не совсем удачно. Тогда человек возвращался домой рассеянным, глуповатым или слишком безрассудным. Поэтому история о пекарне ван Экло служила своеобразным предупреждением. Людям напоминали, что погоня за быстрыми переменами далеко не всегда приводит к желаемому результату.
Мне кажется удивительным, насколько современно звучит эта старая легенда. Прошло несколько столетий, а желание мгновенно исправить свою внешность, характер или судьбу никуда не исчезло. Только способы стали другими.
О самом Корнелисе ван Далеме известно немного. Он жил в Антверпене, занимался торговлей, был обеспеченным человеком и писал картины скорее для собственного удовольствия. Большинство его работ - пейзажи, поэтому «Легенда о пекарне ван Экло» заметно выделяется среди его произведений своим необычным сюжетом. Сегодня картина хранится в Рейксмузеум в Амстердаме.
Перед нами девушка в белоснежном атласном одеянии, которая сидит в мягком резном кресле в богато обставленной комнате. Она окружена красивыми вещами, цветами и дорогой мебелью. На её коленях небольшой фотоальбом, девушка смотрит на фотографию и погрузилась в свои мысли. Картина, которую в 1897 году написал Константин Маковский, называется «Хрупкое создание».
Почему художник так назвал свою геоиню? Посмотрите внимательно: левой рукой она схватилась за сердце, а правой прижимает платок к лицу. Она плачет? Маковский не оставляет ни одной подсказки, которая позволила бы точно разгадать сюжет. И версий существует много, кто изображён на фотографии, и что с ним случилось. Разглядеть сложно, но кажется, что там изображён ребёнок. Может быть, это мать, которая потеряла своё дитя? Если так, то её горе понятно - его трудно пережить.
«Случай на дороге», Николай Егорович Сверчков
1840 г.Холст, масло. Частное собрание
Николай Егорович Сверчков (1817 - 1898) писал картины на темы охоты и путешествий,портреты. Учился в Воспитательной школе при Академии Художеств и Петропавловском училище общего типа.В 1839 году впервые участвовал в академической выставке и получил звание свободного художника портретной живописи.С 1852 года - академик. Сверчков был широко известен, прежде всего, как анималист. Особенно ему удавались композиции с лошадьми.
«Случай на дороге» - драматическая картина, показывающая безжалостность и произвол русского крепостничества. Откормленный боров-кучер избивает едущего навстречу крестьянина на худой лошаденке, ведь в то время секануть кнутом "ваньку" - милое дело. Барин смеется, вот он и рад стараться,. Яйца, которые крестьянин везет своим детям, летят с саней на дорогу.
Перед нами картина Абрама Архипова «Пьяница» - одна из ранних работ художника, написанная в 1883 году. Именно это полотно Павел Третьяков приобрёл у молодого живописца одним из первых, что стало важным событием в его творческой судьбе.
Сюжет кажется простым, но сразу вызывает вопросы. В тесной и бедной крестьянской избе женщина склонилась над бутылкой и что-то добавляет в неё из маленького пузырька. Рядом стоит мужчина и внимательно наблюдает за её действиями.
Многие исследователи считают, что Архипов изобразил попытку жены помочь мужу справиться с пьянством. В деревнях XIX века эта проблема была одной из самых страшных, и люди обращались к знахарям, лекарям и различным снадобьям. Возможно, именно такое средство женщина сейчас подмешивает в бутылку.
Художник не раскрывает замысел до конца и оставляет зрителю возможность самому додумать историю.
«В трактире», Владимир Егорович Маковский
1887 г. Дерево, масло. Размер: 36×28 см. Частная коллекция
Работа "В трактире" написана в период зрелости художника и является типичной для творчества В. Маковского, как по выбранному сюжету, так и его исполнению. Художник часто обращался к двухфигурной композиции небольшого формата, что позволяло сосредоточиться на взаимоотношениях персонажей, которые как будто ведут живой диалог на глазах у зрителя, с интересом наблюдающего разыгрываемую сценку.
Мизансцена разыграна точно и убедительно, "декорации" органичны выбранному сюжету. Типы и характеры показаны настолько выразительно, что, кажется, мы знаем этих людей, встречали их в реальной жизни. Смелый мазок, богатая живописная фактура придают сценке еще большую живость и характерность. В этом произведении Владимир Маковский в очередной раз подтвердил звание тонкого наблюдателя жизни, с юмором воспринимающего её многообразные проявления.
"Сусанна и старцы", Тинторетто [Якопо Робусти]
Ок. 1555 г. Холст, масло, 147 х 194 см. Художественно-исторический музей, Вена
Картина итальянского живописца Якопо Робусти известного как Тинторетто, представителя венецианской школы. Библейская история о о благочестивой жене зажиточного иудея Йоакима Сусанне, которая любила в одиночестве купаться в пруду в своем саду. Там её и увидели два похотливых старца, которые возжелали красавицу. Она им отказала. Тогда старцы обвинили невинную женщину в измене мужу.
Сусанну приговорили к смерти. Но мудрый пророк Даниил быстро разобрался в ситуации - женщину оправдали, а лжецов приговорили к смерти.
Художники эпохи Возрождения часто в своих картинах использовали эту историю как хороший повод изобразить обнаженное женское тело.
«Стога», Гавриил Павлович Кондратенко
Первая четверть XX века. Холст, масло. Размер: 47,1 x 64,5 см. Частная коллекция
Гавриил Павлович Кондратенко (1854-1924) — русский пейзажист, представитель салонно-академического направления в русском пейзаже конца XVIII – XIX веков.
Среди работ Гавриила Павловича встречается ряд пейзажей с изображением снопов сена в поле на фоне живописных летних холмов и деревенек. Картины отличает тщательность в исполнении всех деталей композиции, четкое композиционное построение и насыщенный солнечный колорит. Произведение "Стога" продолжает ряд таких работ. Пейзаж открывает панорамный вид на живописные луга, обрамленные рощами, с силуэтом старинной церкви на дальнем плане.
В левом нижнем углу картины расположена подпись "Г. Кондратенко", нанесенная по сухому красочному слою.
«Священная роща», Арнольд Беклин
Эта масштабная картина, написанная маслом на холсте, создает атмосферу благоговения, таинственности и духовного символизма. Беклин, центральная фигура европейского символизма, был очарован мифологическими темами, загробной жизнью и природой как сценой для метафизической драмы, и это произведение является одним из самых утонченных выражений его интересов.
На картине, расположенной под сенью золотистых осенних берез и густых, задумчивых вечнозеленых деревьев, запечатлен процесс совершения священного обряда. Три фигуры в белых одеждах преклоняют колени в торжественной преданности перед пылающим алтарем, дым от которого клубами поднимается к потолку. Ритуал кажется древним и неподвластным времени. На заднем плане шесть фигур, закутанных в белые плащи и зловеще молчаливых, движутся к алтарю по коридору из тенистых деревьев. Это священники? Духи? Свидетели?
Игра света у Беклина особенно поразительна. Левая сторона сияет золотистой безмятежностью — там, где солнечный свет проникает сквозь пожелтевшие листья, — в то время как правая половина полотна погружена в сгущающуюся тьму. Эта дихотомия освещения может свидетельствовать о духовном переходе: от жизни к смерти, от невежества к знанию или от природы к сверхъестественному.
Интерес Беклина к метафизике сам по себе подталкивает к таким интерпретациям, не разрешая их. Зритель, как и участники, — паломник, погруженный в тишину сцены, не уверенный, молиться ли ему, размышлять или просто наблюдать.
Его восхищение священными рощами, руинами и уединенными местами уходит корнями в классическое образование и время, проведенное в Италии. Он верил, что природа обладает духовной силой, а рощи, подобные этой, являются символическими местами, где люди могут общаться с божественным.
Приобретенная в том же году, когда была написана картина, "Священная роща" поступила в коллекцию Базельского художественного музея через фонд Бирмана, что свидетельствует о ее раннем признании как произведения, представляющего непреходящую культурную ценность.
В 1886 году Бёклин создал вторую версию своей композиции, вдохновленную древними культами. Эта версия, которая сейчас хранится в Гамбургской картинной галерее, отличается более холодным тоном и некоторыми деталями, в том числе изображением жрецов со скрещенными руками и более детализированным изображением храма на заднем плане.
"Нарцисс". Эдуард Теофиль Бланшар
1870 г. Масло, холст. Размер: 64х 168 см. Музей Орсе (Париж).
Нарцисс — герой древнегреческого мифа, юноша, который был настолько поглощён собственной красотой, что не мог оторваться от своего отражения в воде и погиб от изнеможения из-за самолюбования.
В психологии термин «нарцисс» связан с нарциссическим расстройством личности — особенностью психики, при которой человек воспринимает себя как уникального индивидуума, считает себя лучше других, что не всегда соответствует действительности.
Французский художник Édouard-Théophile Blanchard (1819–1898) был учеником Франсуа-Эдуарда Пико и Александра Кабанеля в Школе изящных искусств.
Для чего средневековым глупцам резали голову?
На этой картине происходит очень странная сцена. Пациент сидит в кресле, ему рассекают кожу на голове, и оттуда… появляется цветок. Нет, это не сюрреализм. Это средневековая медицина в её самом курьёзном проявлении.
Всё это - картина Иеронима Босха «Извлечение камня глупости», написанная в 1475–1480 годах. Она иллюстрирует реально существовавшую практику. В те времена люди искренне полагали, что причина слабоумия - камень, застрявший в голове. Стоит его вытащить - и человек станет нормальным. Операцию эту проводили повсюду, и Босх был далеко не единственным, кто её изображал. Я посмотрела довольно много работ художников на эту тему.
Только вот беда: настоящих врачей среди таких «хирургов» почти не водилось. По городам и сёлам Нидерландов бродили шарлатаны, которые за несколько монет обещали сделать из дурака умника. Пациента привязывали к стулу, делали надрез на лбу, а пока тот корчился от боли - ловко доставали заранее заготовленный камень. И показывали: вот, мол, причина твоей глупости, любуйся.
Босх, как всегда, не был бы Босхом без насмешки над происходящим. Из головы несчастного торчит вовсе не камень, а тюльпан. В те годы этот цветок считался символом лжи и обмана. На голове самого лекаря - перевёрнутая воронка, намёк на его недалёкость. А на голове женщины, стоящей рядом, - книга, символ поверхностных знаний.
На заднем плане видны виселица и колесо для четвертования. Думаю, художник намекает: расплата за обман всё же настигнет этих горе-лекарей.
Интересно, что авторство картины сегодня под вопросом. Долгое время считалось, что это Босх, бесспорно. Но современные искусствоведы всё чаще говорят: скорее всего, писали ученики или последователи мастера. Сегодня картина «Извлечение камня глупости» («Операция глупости») находится в музее Прадо в Мадриде.
Она стоит у стены так уверенно, словно прекрасно знает силу своего обаяния. Чуть заметная улыбка играет на губах, а тёмные глаза смотрят прямо на зрителя. Кто она?
Перед нами героиня картины «Альмея», которую Жан-Леон Жером написал в 1873 году. В старину в арабских странах альмеями называли девушек, которые развлекали обитательниц гаремов и их господ пением, сказками и игрой на музыкальных инструментах . Такие прислужницы были недурно образованы, имели привилегированное положение в обществе, некоторые даже осваивали врачебное ремесло.
Но в XIX веке статус альмей существенно снизился . Теперь так называли уличных танцовщиц, чьи выступления были далеки от высокого искусства. Их главной задачей стало пробуждать в зрителях чувственное начало. Жером на своём полотне изобразил именно такую плясунью - смелую, раскованную, уверенную в себе.
В правой руке героиня держит длинную трубку. За её спиной - мрачный переулок с полуразрушенной решёткой, под сводами арки виднеется согбенная фигура в длинном балахоне. Что здесь делает этот человек, можно только догадываться. Но контраст между яркой, живой танцовщицей на переднем плане и тёмным, безликим силуэтом в глубине усиливает ощущение тайны и тревоги.
"Мечта (Сон)", Франц Марк
1912 г. Холст, масло, 100,5 х 135,5 см. Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид
Немецкий художник-экспрессионист Franz Marc (1880–1916) был одним из основателей художественной группы «Синий всадник».
Картина «Мечта» отражает кубистические теории футуристов Композиция построена вокруг динамичных линий, расходящихся от женской фигуры на переднем плане; обнаженная и спящая, она становится символом гармонии человеческого мира и животного мира. Разнообразные существа, окружающие ее, кажутся плодом ее мечты.
Марк использует цвета с символическим значением: например, синий символизирует мужественность и интеллектуальность, а желтый символизирует женственность и теплоту. Влияние итальянских футуристов можно найти в ритмической структуре форм и в силовых линиях, придающих композиции движение.
«Мечта» была исполнена в 1912 году в Зиндельсдорфе, где в 1909 году поселился Франц Марк, привлеченный особенностями этого идиллического места.
Франц Марк подарил «Мечту» Василию Кандинскому, который взамен вручил Марку свою «Импровизацию 12. Наездник». Пока Кандинский находился в России (с 1914 по 1921 год), работа оставалась под опекой Габриэле Мюнтер. Спустя годы, во время визита Кэтрин Драйер к Кандинскому в Баухаус, «Мечта» была выбрана для Международной выставки современного искусства Анонимного общества, проходившей в Нью-Йорке и нескольких американских городах в 1926 и 1927 годах.
Кто победит на царских смотринах?
Сегодня я хочу познакомить вас с полотном, которое воспроизводит подлинный момент из нашей истории. По-моему, это особенно ценно - наблюдать не просто бытовую зарисовку, а настоящий эпизод из жизни русских монархов.
Речь о работе Григория Седова «Выбор невесты царём Алексеем Михайловичем», созданной в 1882 году.
Когда второй государь из дома Романовых готовился вступить в брак, на роль будущей царицы собрали самых достойных девушек по всей стране. По старинному обычаю в столицу доставили около двухсот знатных девиц. Из них особая комиссия выбрала шесть лучших претенденток, которые попали на аудиенцию к монарху. Картина передаёт тревожное ожидание, почти замирание сердца: кого укажет царь, чья судьба в этот миг перевернётся навсегда? Вот вам реалити-шоу по-старинному, да и только.
И вот появляется венценосный жених. Он неспешно обходит смущённых девушек, держа в руке обручальное кольцо и богатый плат - традиционный дар для будущей супруги. Художник, кстати, очень точно передал облик молодого Алексея Михайловича: высокий, румяный, со спокойным и задумчивым выражением лица, как его и описывали современники. Не зря его прозвище было - Тишайший.
Свой выбор он остановил на Евфимии Всеволжской, дочери небогатого помещика из-под Рязани. Исследователи считают, что художник поместил главную героиню с левого края группы девиц. Она пригожа и статна, но, не могу не отметить, что одета скромнее остальных. Её синий опашень оторочен беличьим мехом, тогда как наряды соперниц украшены соболем.
Участь красавицы оказалась незавидной. В результате дворцовых интриг и не без участия царского воспитателя Морозова, прячущегося в тени за спиной воспитанника, она была уличена в несуществующей болезни и сослана в ссылку. Спустя год Алексей Михайлович женился, но уже на Марии Милославской.
Сейчас эта картина хранится в Третьяковской галерее. Глядя на это полотно, я думаю, что если бы не эти дворцовые игры, Евфимия могла бы тихо жить в своей усадьбе, как большинство её ровесниц, и быть счастливой в обычном браке. Или шанс на великую судьбу стоил того риска, как вы считаете?