458
Свои секреты есть даже у тех шедевров живописи, которые кажутся нам хорошо знакомыми. Все проекты: https://t.me/JaneAirr По всем вопросам: @zhanna_osipova
«Отражение с двумя детьми (Автопортрет)», Люсьен Фрейд
1965 г. Масло на холсте. 91 х 91 см. Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид
Британский художник немецко-еврейского происхождения, Lucian Michael Freud (1922–2011) специализировался на портретной живописи; мастер психологического портрета.
С самых первых своих работ художник демонстрируют тщательную детализацию фламандских сюжетов и определенную неоромантическую, сюрреалистическую атмосферу. Люсьен Фрейд выступил за фигуративное искусство и против преобладающих абстрактных тенденций.
Его одержимость человеческим телом побудила оригинально интерпретировать жанр портретной живописи. «Отражение с двумя детьми » относится к числу картины, которые подпитываются напряжением между реальностью и материей, между визуальным и тактильным. Этот автопортрет сочетает в себе крупный план художника. Напряженное тело и прищуренный взгляд говорят о попытках найти в зеркале, лежащем на полу у ног художника, удобный ракурс для изображения собственного тела.
Как утверждает Джон
«Единственный друг», Чеслав Янковский
1901 г. Холст, масло. Размер: 82 x 65 см. Внизу справа имеется подпись Czł. Jankowski / 1901 Местонахождение неизвестно
Польский поэт, критик, публицист, историк Czesław Jankowski (1857-1929) не был общепризнанным гением живописи. Более того, он написал всего одну картину, которая до сих пор вызывает интерес публики и специалистов. Правда, ее оригинал мало кто видел и где она сейчас находится, никто не знает.
На картине «Единственный друг» изображена сидящая на скамейке одинокая старушка. На дворе зима - холодно и везде снег. Но не все так печально, пожилая женщина не совсем одинока, у нее есть верный друг - собака. Старушка спрятала ее под одежду, чтобы ее любимый питомец не замерз. А с питомцем жизнь уже не так и печальна!
«Портрет Эухенио Мартинес Вальехо», Хуан Карреньо де Миранда
1680г. Холст, масло. Прадо, Мадрид
На картине изображена 6-летняя девочка, страдающая избыточным весом (более 70 кг). , Эухенио Мартинес Вальехо имела прозвище La Monstrua (монстр). Патологически излишний вес, который предположительно диагностируется сегодня как синдром Кушинга, стал поводом для заказа и написания двух портретов Эухении (второй называется «Вакх»), и ее привлечения ко двору, который окружал себя странными персонажами — безумцами, карликами и другими людьми с ограниченными возможностями здоровья, как бы мы сказали сегодня.
Эухения, позирующая в нарядном парчовом платье, — типичный курьез придворной жизни. Необычная, вызывающая любопытство внешность, в определенной мере обеспечивала жизнь этим людям. Благодаря своей инаковости они становились заметными, что было весьма привлекательно для двора и в какой-то мере обеспечивало им существование.
Создание портрета для утехи сегодня представляется негуманным трансгрессивным жестом. Искусство в течение своей истории запечатлевало огромное количество аномалий и курьезов. На одном портрете Эухения позирует в нарядном парчовом платье, а на другом — обнаженной в образе Вакха.
Два портрета Эухении как будто фланкируют работу другого художника 17 века — монументальное полотно «Призвание евангелиста Матфея» Хуана де Пареха. Поэтому в экспозиции два портрета Мартинес воспринимаются раздельно, но отнюдь не как парные портреты, заказанные в одно и то же время.
«Боярышня в кокошнике (Портрет девушки в кокошнике)», Софья Ивановна Юнкер-Крамская
1885 г. Холст, масло. Размер: 70х50 см. Государственный Эрмитаж
Имя одарённой и забытой Художницы Софьи Ивановны Юнкер-Крамской (1867 - 1933), дочери знаменитого русского живописца И. Н. Крамского знают немногие. Очевидной причиной забвения было ее заключение в тюремные застенки и ссылка по этапу в Сибирь. От нее отреклись родные братья, побоявшись признать родство с «неблагонадежной» сестрой, а история ее ареста тщательно скрывалась долгие годы.
В 1901 году Софья Ивановна вышла замуж за юриста Германа Фёдоровича Юнкера. После смерти мужа в 1916 году она осталась вдовой без детей.
После революции занималась устройством Антирелигиозного музея в Зимнем дворце, иллюстрировала «Историю религий» для издательства «Атеист» в Москве.
25 декабря 1930 года Юнкер-Крамская была арестована. Её обвиняли по статье 58-II УК РСФСР в контрреволюционной пропаганде. Ей вменялось в вину создание «контрреволюционной группировки из бывшей знати, ставившей себе целью проведение своих людей в разные советские учреждения на службу для собирания сведений о настроениях…».
11 апреля 1931 года выездная сессия Коллегии ОГПУ приговорила её к трём годам ссылки в Восточную Сибирь. Из-за нервного потрясения у художницы случился инсульт, и с тяжёлым параличом её отправили в тюремную больницу. Через четыре месяца её всё же послали по этапу в Иркутск. Затем её перевели в Канск, а через месяц — в Красноярск, где с ней случился второй удар, отнялась левая часть тела.
В марте 1932 года дело Юнкер-Крамской пересмотрели, и она вернулась в Ленинград. В 1933 году она умерла.
Софья Ивановна Юнкер-Крамская была реабилитирована 28 сентября 1989 года.
Большинство её работ погибли во время Великой Отечественной войны, когда в 1942 году в Острогожском музее вспыхнул пожар. Сохранились отдельные картины, например, «Девушка в кокошнике» (находится в коллекции Эрмитажа)
Почему Нептун так нежно пожимает руку женщине с фруктами?
В Эрмитаже висит большое яркое полотно Питера Пауля Рубенса - «Союз Земли и Воды». Его размер впечатляет: больше двух метров в высоту и почти два в ширину. Даже если ничего не знать о сюжете, от картины уже получаешь удовольствие: столько энергии, цвета, жизни в каждом персонаже и насыщенных красок. Но если разобраться, что здесь происходит, она становится ещё интереснее.
Рубенс написал картину в 1618 году. Перед нами двое: роскошная обнажённая богиня с бледной кожей и длинными рыжеватыми волосами, украшенными жемчугом, - это Кибела, богиня Земли. Она опирается на большой кувшин, из которого льётся вода, а в руке держит рог изобилия с фруктами. Рядом с ней Нептун, бог Воды, мощный загорелый мужчина с трезубцем и лавровым венком на голове. Сверху крылатая богиня Виктория венчает их золотым венком. Внизу из воды вынырнул тритон и дует в раковину, возвещая о союзе. А слева от пары сидит огромный тигр и будто вгрызается в рог изобилия. Ещё двое маленьких детей, путти, плещутся в воде. Поговаривают, что Рубенс изобразил здесь своих сына и дочь. Но за этой красивой картинкой стоит вполне конкретная история о войне, торговле и выживании.
Рубенс жил в Антверпене - крупном портовом городе, который в XVI веке был одним из самых богатых в Европе. Там кипела торговля, корабли уходили в Англию, Францию, Испанию, успешно работали десятки художников. Но всё испортили религиозные распри. Часть горожан решила стать кальвинистами, а не католиками. И тогда испанские власти, правившие этими землями, начали жестоко подавлять «бунтовщиков». Город горел, людей убивали, а морские пути в Антверпен перекрыли. Торговля замерла. Жители разорялись и бежали. Родители Рубенса вовремя уехали из полыхающего города, не желая страдать из-за фанатиков. А сам художник вернулся в Антверпен уже взрослым, когда наконец удалось заключить перемирие и снять блокаду. Город снова ожил, появились деньги, заказы, надежда.
И Рубенс решил запечатлеть это событие в аллегорической форме. Он показал не просто встречу двух божеств, а союз, от которого зависит жизнь целого города. Нептун здесь - это не только море, но и возможность торговать, свобода плавания по реке Шельде, которая выводила антверпенские корабли в океан. А женщина с плодами - это Земля, урожай, товары, которые можно продать. Вместе они создают процветание. Виктория сверху подтверждает: это победа.
Даже мелкие детали здесь не случайны. Кувшин, из которого льётся вода, морская раковина, женское лоно - всё это отсылает к идее зарождения жизни, плодородия, естественного хода вещей. А философский смысл картины Рубенс выразил очень просто: торговать лучше, чем воевать. Мир даёт возможность жить и богатеть, а войны и религиозные распри убивают всё.
Для Рубенса это была не абстрактная идея. Он сам был беженцем, видел разорение родного города и его возрождение. Поэтому «Союз Земли и Воды» - это не просто красивая картина, а личный манифест художника, который знал цену миру и торговле.
Сегодня это полотно украшает коллекцию Эрмитажа и напоминает нам, что глупость, жестокость и фанатизм всегда проигрывают здравому смыслу. Ну или по крайней мере хочется в это верить.
"Ветреный день", Дэвид Кокс
1850 г. Холст, масло, 26,7 х 35,9 см. Галерея Тейт Британия, Лондон (Завещание Джорджа Солтинга)
Английский живописец и график David Cox (1783–1859) был членом Бирмингемской школы пейзажистов и одним из первых предшественников импрессионизма. Он считается одной из главных фигур Золотого века английской акварели.
В 1850 году, когда Кокс писал это небольшое полотно, он серьезно развивал свою технику масляной живописи. В течение почти десяти лет он брал уроки у гораздо более молодого художника Уильяма Мюллера (1812-45). Его сравнивали с Констеблем (1776-1837) и ранними французскими импрессионистами. В одном из писем своему сыну Кокс признавался в своем живом интересе к занятиям этим искусством: «С маслом не так сложно, как с акварелью. Я никогда больше не должен прикасаться к акварели только ради моей чести и долга перед обществом. Дайте мне масло. Жаль, что я не начал раньше в жизни; удовольствие от рисования маслом очень удовлетворительно».
На заднем плане этой картины изображены старуха и ее собака, которые в ветреную погоду пробираются по ровному участку земли с далекими фермерскими постройками и скотом. Горизонт низкий, поэтому драматическое ветреное небо играет значительную роль в композиции. Кокс не определил пейзаж на картине, но плоскостность местности позволяет предположить, что он был нарисован в Англии, а не во время одного из его ежегодных визитов в Северный Уэльс.
Миниатюрный размер и схематичный вид работы характерны и для более поздних работ Кокса маслом.
"Бегство (Побег)", Тамара де Лемпицка
1940. Холст, масло. 50 х 40 см. Музей изобразительных искусств Нанта, Франция. Частная коллекция
Tamara Łempicka, при рождении Мария Гурвич-Гурска (1898-1980) — американская художница из семьи русского еврея и польки, ставшая олицетворением гламура и направления ар-деко. В юности, живя в Санкт-Петербурге, встречает будущего мужа Тадеуша Лемпицкого, с которым бежит из России, спасаясь от революции.
Многочисленные романы разрушают первый брак, но, будучи уже прославленной художницей и светской дамой, она выгодно выходит замуж во второй раз – за барона Рауля Куффнера, с которым бежит от ужасов Второй мировой войны – на этот раз за океан, в Соединенные штаты Америки. В дальнейшем тема вынужденного бегства найдет свое отражение в ряде работ художницы. Картина "Бегство (Побег)" - одна из этого цикла
«Спящий король Хобгоблин», Хьюго Симберг
1896 г. Бумага, акварель, гуашь, 20 х 28 см. Центральный художественный музей Финляндии Атенеум, Хельсинки
Hugo Simberg (1873-1917) – финский художник и график, крупнейший представитель финского символизма. Картина «Спящий король Хобгоблин» была написана в парижский период.
Иногда среди шумной арт-сцены города Хьюго Симберг уходил в свой мир, создавая картины смерти, лесных духов и сказочных людей. На этой картине король устал, как и другие хобгоблины (в английском фольклоре мелкие духи, нечто вроде домового, кобольда, лешего или бабая). Спали они долго, так как паук явно уже довольно давно плетет свою паутину. Однако скоро пора просыпаться, и некоторые уже открывают глаза.
Но может быть и так, что король мертв. Возможно, паук, как это часто бывает в фольклоре, является символом смерти. А при ближайшем рассмотрении даже сон других хобгоблинов выглядит неестественным, поскольку их подпирают костылями. Все интерпретации одинаково возможны, поскольку картина не основана на какой-либо известной сказке, рассказе или мифе.
«Смерть Ванды», Максимилиан Петровский
1859 г. Холст, масло, Размер: 272 x 200 см, Национальный музей, Краков
Maximilian Piotrowski (1813-1875) - польский художник, профессор Академии изящных искусств. Героиня его исторической картины была дочерью легендарного польского короля Крака, основавшего город Краков. После смерти короля на её земли вторгся немецкий тиран. Когда Ванда повела свои войска в бой, немцы увидели её красоту, отказались сражаться, а их командир покончил с собой.
Согласно другой версии, , германский вождь Рютигер (у «леманского тирана» появилось имя) прослышал о красоте Ванды и захотел на ней жениться, но она отказала ему. После этого он вторгся в ее земли, чтобы завладеть ею силой.
Последовала жестокая битва, в которой войско Ванды одержало верх, а Рютигер умер. Ванда же, в благодарность богам, даровавшим победу ее народу, принесла себя в жертву и бросилась в реку, как показано на драматической картине Максимилиана Пиотровского.
"Больничный клоун"
Автор: Максим Корольков
Картина развивает, казалось бы, понятную тему "грустных клоунов", знакомую нам "от Енгибарова до Джокера", которые вынуждены скрывать под маской собственные эмоции ради эмоций других людей, но развивает несколько необычно. Здесь скорбь героя обусловлена не личными, внутренними переживаниями, а является откликом на окружающие его ближайшие события.
"У моей картины есть предыстория. Несколько лет назад я в компании друзей – артистов оказался в доме-интернате: туда мы приехали развлечь, повеселить ребят и привезли им подарки. Именно тогда, пообщавшись с детьми, от которых отказались родители из-за онкологических заболеваний и физических недостатков, мне пришла в голову идея картины о больничных клоунах" – Максим Корольков
"Медея", Артемизия Джентилески:
1620 -е. Холст, масло. Частная коллекция
Местоположение и размеры картины неизвестны. "Медея" была написана в Венеции, где во второй половине 1820-х Artemisia Gentileschi (1593- около 1653) жила и работала. Впервые работа была представлена как произведение Джентилески на выставке «Артемизия Джентилески и её время» в 2017 году в Риме.
Художница изображает колдунью Медею, убивающую своего сына, чтобы отомстить его отцу Ясону, который бросил ее ради Главки, дочери царя Коринфа.
Артемизия Джентилески (1593- 1653) — дочь некогда более известного живописца эпохи барокко Орацио Джентилески. Сейчас она, пожалуй, самая известная художница раннего Нового времени. Вероятно, её жизнь оборвалась во время одной из вспышек чумы, которые происходили в Европе в течение XVII века. Темы смертельной болезни, тирании, религиозных преследований и феминистического протеста против мужского доминирования роднят наше время с эпохой позднего Ренессанса и начала барокко.
Почему этот монах вылетает в окно прямо посреди корчмы?
Представьте себе вечер в придорожной корчме на литовской границе. Низкий деревянный потолок, грубые скамьи, на столе - нехитрое угощение. Трое мужчин в монашеской одежде сидят за столом. Один из них - молодой, с острым взглядом. Двое других - постарше, попроще. Они пьют, разговаривают о жизни. Всё спокойно. Но в следующую минуту дверь распахивается, и в помещение входят вооружённые люди. И один из монахов внезапно хватается за нож, расталкивает их и сигает в окно.
Этот сюжет Григорий Мясоедов запечатлел на своей картине «Бегство Григория Отрепьева из корчмы на литовской границе» в 1862 году. Художник был известен любовью к историческим и жанровым сценам, и здесь он развернулся во всей красе. Событие, которое он изобразил, трудно назвать реальным - никто не знает, было ли что-то подобное на самом деле. Но в русской культуре эта сцена стала почти легендарной, потому что её описал Пушкин в трагедии «Борис Годунов», а потом Мусоргский превратил в оперу. Мясоедов просто взял готовую, уже знакомую публике историю и сделал её зримой.
Что же происходит на полотне? Григорий Отрепьев, тот самый монах, который позже объявит себя царевичем Дмитрием и войдёт в историю как Лжедмитрий I, путешествует вместе с двумя приятелями - монахом Мисаилом и изгоем-раскольником отцом Варлаамом. Они остановились в корчме, чтобы передохнуть и подкрепиться. Но их отдых нарушают приставы, которых Борис Годунов отправил на поиски беглого самозванца.
Отрепьев не теряется. Он вызывается прочитать царский указ. Только вместо своих собственных примет он начинает зачитывать приметы Варлаама: «А лет ему, вору Гришке, от роду за пятьдесят, и брюхо у него толстое». Все присутствующие невольно косятся на Варлаама - по описанию совпадает. Но тот был не глуп и сразу понял подвох. Он вырывает бумагу и читает сам: «А лет ему от роду..... 20. Что брат? Где тут 50? видишь? 20!». Обман раскрывается. И тут Отрепьев хватает нож, расталкивает опешивших приставов и выпрыгивает в окно.
Художник выбрал самый напряжённый момент: приставы уже поняли, что их провели, Григорий уже наполовину снаружи, в руке у него нож, на лицах - страх, ярость, растерянность. Мясоедов написал эту картину в академических традициях и получил за неё большую золотую медаль Академии художеств. Позже, в 1867 году, он создал авторское повторение полотна, которое сейчас хранится в Новосибирске. А оригинал находится в Петербурге, во Всероссийском музее Пушкина.
"Колеблющаяся Клитемнестра, подстрекаемая Эгисфом к убийству спящего Агамемнона", Пьер-Нарсис Герен
1817 г. Холст, масло. Размер: 342х325 см. Лувр, Париж
Сюжет картины французского художника Guerin Pierre-Narcisse (1774–1833)основан на древнегреческом мифе.
Однажды царь Спарты Тиндарей забыл почтить жертвой богиню Афродиту, та, разгневанная, предсказала царю, что его дочерям не будет в жизни счастья. Предсказание сбылось. И судьба его дочери Клитемнестры оказалась ужасной.
Началась эта история просто и вполне обыденно. Клитемнестра, когда пришло время, вышла замуж за Агамемнона, микенского царя. Родила ему четверых детей - трех дочерей Ифигению, Электру, Хрисофемиду и сына Ореста.
Перед Троянским походом Агамемнон приносит в жертву своему честолюбию свою дочь Ифигению; он достигает своей цели и возвращается на родину победителем, но здесь погибает от руки своей жены Клитемнестры, действующей под влиянием жажды мести за смерть дочери и преступной любви к родственнику своего мужа, Эгисфу. Малолетний сын Агамемнона, Орест, не был свидетелем этой расправы: он воспитывался вдали от родины. Когда он вырос, он обратился к Аполлону с вопросом, что ему делать; тот приказывает ему помнить прежде всего о долге мести. Повинуясь этому приказанию, Орест убивает мать, но этим навлекает на себя гнев Эриний, богинь мщения, которые отныне не дают ему покоя. Он ищет убежища в Дельфах, в храме Аполлона; тот обещает ему не покидать его и велит обратиться к суду Афины. Преследуемый Эриниями, Орест бежит в Афины: сама богиня учреждает суд — позднейший Ареопаг, который оправдывает Ореста; умилостивлением оскорбленных Эриний, которые становятся Эвменидами
🚨 Тайны шедевров не должны теряться! 🚨
Друзья, даже у хорошо знакомых картин есть секреты. Чтобы вы продолжали открывать их, даже если Telegram даст сбой, мы создали канал в Maх.
Вас ждёт:
🎨 Загадки и символы в известных картинах.
🖼 Истории создания мировых шедевров.
👤 Факты о художниках и их судьбах.
🔎 Детали, которые вы раньше не замечали.
Подписывайтесь в Maх и смотрите на искусство глубже, несмотря ни на что 👇
🔗История одной картины | Тайны шедевров 🎨🔍
«Сикстинская Мадонна»: Мария идёт по облакам, а ангелы замерли внизу
🎨 Рафаэль Санти (1483–1520). «Сикстинская Мадонна». 1512–1514 годы. Холст, масло. 256 × 196 см. Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия.
Рафаэль Санти — итальянский живописец эпохи Возрождения. Он работал во Флоренции, а позже был приглашён в Рим, где по заказу папы Юлия II расписывал станцы Ватикана. Умер в 37 лет, предположительно от чрезмерной работы и любовных увлечений.
Картину заказали для алтаря бенедиктинского монастыря в Пиаченце. Считается, что Мадонну Рафаэль писал со своей возлюбленной Маргариты Лути. А папу Сикста II и святую Варвару — с реальных людей, которые приходили к нему в мастерскую.
Мадонна идёт по облакам, держа на руках младенца. Её фигура не парит в небесах, а уверенно ступает. Она выглядит как живая женщина, а не отстранённая царица. В её глазах нет радости — скорее спокойная печаль. Она знает, что ждёт её сына.
Справа от Мадонны святая Варвара. Слева — папа Сикст II. Их позы естественные, не театральные.
Внизу два маленьких ангела. Они опираются на крышку гроба — это намёк на смерть и воскресение. Их взгляды грустные, задумчивые. Они давно стали самостоятельным символом. Их изображения печатают на кружках, магнитах, сумках. Но в оригинале они не милые — они серьёзные и печальные.
Рафаэль написал картину с двойной оптикой. Снизу вверх — как её видят прихожане в церкви. Сверху вниз — как на них смотрят святые.
Картину выставляли в разных музеях, возили по Европе, прятали от бомбёжек. Она пережила Вторую мировую в штольне под Дрезденом. В 1955 году её вернули в Галерею старых мастеров, где она висит до сих пор.
Эти ангелы грустят, потому что знают, чем всё кончится, или просто задумались о чём-то своём?
Для чего средневековым глупцам резали голову?
На этой картине происходит очень странная сцена. Пациент сидит в кресле, ему рассекают кожу на голове, и оттуда… появляется цветок. Нет, это не сюрреализм. Это средневековая медицина в её самом курьёзном проявлении.
Всё это - картина Иеронима Босха «Извлечение камня глупости», написанная в 1475–1480 годах. Она иллюстрирует реально существовавшую практику. В те времена люди искренне полагали, что причина слабоумия - камень, застрявший в голове. Стоит его вытащить - и человек станет нормальным. Операцию эту проводили повсюду, и Босх был далеко не единственным, кто её изображал. Я посмотрела довольно много работ художников на эту тему.
Только вот беда: настоящих врачей среди таких «хирургов» почти не водилось. По городам и сёлам Нидерландов бродили шарлатаны, которые за несколько монет обещали сделать из дурака умника. Пациента привязывали к стулу, делали надрез на лбу, а пока тот корчился от боли - ловко доставали заранее заготовленный камень. И показывали: вот, мол, причина твоей глупости, любуйся.
Босх, как всегда, не был бы Босхом без насмешки над происходящим. Из головы несчастного торчит вовсе не камень, а тюльпан. В те годы этот цветок считался символом лжи и обмана. На голове самого лекаря - перевёрнутая воронка, намёк на его недалёкость. А на голове женщины, стоящей рядом, - книга, символ поверхностных знаний.
На заднем плане видны виселица и колесо для четвертования. Думаю, художник намекает: расплата за обман всё же настигнет этих горе-лекарей.
Интересно, что авторство картины сегодня под вопросом. Долгое время считалось, что это Босх, бесспорно. Но современные искусствоведы всё чаще говорят: скорее всего, писали ученики или последователи мастера. Сегодня картина «Извлечение камня глупости» («Операция глупости») находится в музее Прадо в Мадриде.
Она стоит у стены так уверенно, словно прекрасно знает силу своего обаяния. Чуть заметная улыбка играет на губах, а тёмные глаза смотрят прямо на зрителя. Кто она?
Перед нами героиня картины «Альмея», которую Жан-Леон Жером написал в 1873 году. В старину в арабских странах альмеями называли девушек, которые развлекали обитательниц гаремов и их господ пением, сказками и игрой на музыкальных инструментах . Такие прислужницы были недурно образованы, имели привилегированное положение в обществе, некоторые даже осваивали врачебное ремесло.
Но в XIX веке статус альмей существенно снизился . Теперь так называли уличных танцовщиц, чьи выступления были далеки от высокого искусства. Их главной задачей стало пробуждать в зрителях чувственное начало. Жером на своём полотне изобразил именно такую плясунью - смелую, раскованную, уверенную в себе.
В правой руке героиня держит длинную трубку. За её спиной - мрачный переулок с полуразрушенной решёткой, под сводами арки виднеется согбенная фигура в длинном балахоне. Что здесь делает этот человек, можно только догадываться. Но контраст между яркой, живой танцовщицей на переднем плане и тёмным, безликим силуэтом в глубине усиливает ощущение тайны и тревоги.
"Мечта (Сон)", Франц Марк
1912 г. Холст, масло, 100,5 х 135,5 см. Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид
Немецкий художник-экспрессионист Franz Marc (1880–1916) был одним из основателей художественной группы «Синий всадник».
Картина «Мечта» отражает кубистические теории футуристов Композиция построена вокруг динамичных линий, расходящихся от женской фигуры на переднем плане; обнаженная и спящая, она становится символом гармонии человеческого мира и животного мира. Разнообразные существа, окружающие ее, кажутся плодом ее мечты.
Марк использует цвета с символическим значением: например, синий символизирует мужественность и интеллектуальность, а желтый символизирует женственность и теплоту. Влияние итальянских футуристов можно найти в ритмической структуре форм и в силовых линиях, придающих композиции движение.
«Мечта» была исполнена в 1912 году в Зиндельсдорфе, где в 1909 году поселился Франц Марк, привлеченный особенностями этого идиллического места.
Франц Марк подарил «Мечту» Василию Кандинскому, который взамен вручил Марку свою «Импровизацию 12. Наездник». Пока Кандинский находился в России (с 1914 по 1921 год), работа оставалась под опекой Габриэле Мюнтер. Спустя годы, во время визита Кэтрин Драйер к Кандинскому в Баухаус, «Мечта» была выбрана для Международной выставки современного искусства Анонимного общества, проходившей в Нью-Йорке и нескольких американских городах в 1926 и 1927 годах.
Кто победит на царских смотринах?
Сегодня я хочу познакомить вас с полотном, которое воспроизводит подлинный момент из нашей истории. По-моему, это особенно ценно - наблюдать не просто бытовую зарисовку, а настоящий эпизод из жизни русских монархов.
Речь о работе Григория Седова «Выбор невесты царём Алексеем Михайловичем», созданной в 1882 году.
Когда второй государь из дома Романовых готовился вступить в брак, на роль будущей царицы собрали самых достойных девушек по всей стране. По старинному обычаю в столицу доставили около двухсот знатных девиц. Из них особая комиссия выбрала шесть лучших претенденток, которые попали на аудиенцию к монарху. Картина передаёт тревожное ожидание, почти замирание сердца: кого укажет царь, чья судьба в этот миг перевернётся навсегда? Вот вам реалити-шоу по-старинному, да и только.
И вот появляется венценосный жених. Он неспешно обходит смущённых девушек, держа в руке обручальное кольцо и богатый плат - традиционный дар для будущей супруги. Художник, кстати, очень точно передал облик молодого Алексея Михайловича: высокий, румяный, со спокойным и задумчивым выражением лица, как его и описывали современники. Не зря его прозвище было - Тишайший.
Свой выбор он остановил на Евфимии Всеволжской, дочери небогатого помещика из-под Рязани. Исследователи считают, что художник поместил главную героиню с левого края группы девиц. Она пригожа и статна, но, не могу не отметить, что одета скромнее остальных. Её синий опашень оторочен беличьим мехом, тогда как наряды соперниц украшены соболем.
Участь красавицы оказалась незавидной. В результате дворцовых интриг и не без участия царского воспитателя Морозова, прячущегося в тени за спиной воспитанника, она была уличена в несуществующей болезни и сослана в ссылку. Спустя год Алексей Михайлович женился, но уже на Марии Милославской.
Сейчас эта картина хранится в Третьяковской галерее. Глядя на это полотно, я думаю, что если бы не эти дворцовые игры, Евфимия могла бы тихо жить в своей усадьбе, как большинство её ровесниц, и быть счастливой в обычном браке. Или шанс на великую судьбу стоил того риска, как вы считаете?
Пришла ли она с раскаянием?
Я видела много картин на тему возвращения блудного сына, но сегодня речь пойдёт о именно дочери. Картину «Блудная дочь» написал английский художник Джон Кольер в 1903 году.
В дверях родительского дома стоит молодая женщина. И первым внимание зрителя привлекает её внешний вид. Нарядное чёрное платье с блёстками, ему вторит такая же богато украшенная накидка, красный пояс с крупными бантами, золотые украшения, распущенные волосы. У меня сложилось впечатление, что девушка надела на себя всё лучшее сразу, чтобы показать родителям, что она не пришла к ним, побитая жизнью - всё у неё прекрасно. Но так ли это на самом деле?
Родители были застигнуты врасплох её появлением. Пожилой отец оторвался от чтения, но он сидит спокойно, никак не выказывая своё волнение. Мать же вскочила со стула и подалась вперёд к дочери.
Самое интересное здесь - выражения лиц и отношения между героями. Зрители до сих пор спорят о том, что происходит между ними в этот момент. Но однозначно в картине чувствуется напряжение и старые обиды, которые ещё только предстоит обсудить. Вот только им придётся переступить через гордость. Судя по позе дочери, она не собирается извиняться ни за что.
Вот как сам художник объясняет свою работу: «Там я, несомненно, пытался рассказать драматическую историю и, я думаю, человеческую. Есть в высшей степени респектабельные родители низшего класса, и вот к ним врывается щеголяющая красавица, которая, в отличие от блудного сына, явно не раскаивается. Девушка, несомненно, говорит: «Ну и что ты собираешься с этим делать?» Отец, возможно, местный проповедник, суров и непреклонен; мать наклоняется вперед, тоскуя по своему ребенку».
Кольер очень тщательно продумал всю сцену. Художник рассказывал, что долго искал подходящих моделей, продумывал обстановку комнаты и даже экспериментировал с освещением единственной лампы, чтобы усилить драму семейной встречи.
Мне всё же кажется, что уверенность этой девушки напускная. Слишком уж демонстративно и холодно она держится, но взгляд и выражение лица выдают с головой - внутри у неё всё бушует. Она уже заранее приготовилась к осуждению и решила занять оборонительную позицию. Возможно, в глубине души она давно жалеет о своём уходе, но признаться в этом родителям гораздо труднее, чем надеть красивое платье и сделать вид, что её совершенно не волнует их мнение.
"Девушка, которую я оставил", Уильям Холиок
1880. Холст, масло. Размер: 127.6 x 102.2 см.
Вице-президент Королевского общества британских живописцев William Holyoake (1834 -1894) писал исторические и жанровые картины. Картина The girl I left behind относится к числу самых известных его работ. Ее сюжет был прост и понятен для жителей викторианской Англии, а вот современному зрителю нужны пояснения.
Уже давно обычай носить ленты в головных уборах при поступлении на военную службу вышел из употребления. А вот в то время эти аксессуары говорили о многом. В данном случае ленты на шляпе парня, прощающегося с любимой, говорят о том, что он покинет родные края и отправится к месту службы. Девушка выглядит печальной и расстроенной. Она, несомненно, осознает все риски войны, на которой он может быть убит "за шесть пенсов в день".
По другой версии, сюжет картины основан на замечательной балладе The girl i left behind me. Она появилась во времена Елизаветы Первой Английской, но популярна по сей день. На эту музыку написано несколько вариантов текста, но этот - самый древний, это рассказ ирландца, вынужденного бежать из захваченной страны и тоскующего по любимой.
"Мужество, тревога и отчаяние: наблюдение за битвой", Джеймс Сент
Ок. 1850 г. Холст, масло, 121,9 х 152,4 см. Частная коллекция
Британский художник James Sant (1820–1916) специализировался на портретах, однако прославился благодаря изображениями женщин и художественным исследованием символики детства. Наиболее известен своими светскими портретами.
В 1850-х годах он попробовал создать исторические картины, которые тогда считались высшей формой художественного творчества. В качестве примера можно привести "Мужество, тревога и отчаяние: наблюдение за битвой", которая вызывает ощущение драматического события.
В тот период, по-видимому, была небольшая мода на картины, изображающие женщин, с тревогой наблюдающих за сражениями, еще одним примером является работа Уильяма Гейла «Вторжение датчан: саксонские женщины, наблюдающие за конфликтом» (1855).
Его более поздние картины более свободны по стилю; некоторые из них выгодно сравнивают с работами французских импрессионистов, а некоторые имеют визионерский или маньеристический характер; его пейзажи могли включать фигуры с пустыми или искаженными чертами или простые силуэты.
«Мужчина и женщина в интерьере», Пьер Боннар
1898 г. Холст, масло, 51,5 x 62 см. Частная коллекция.
Pierre Bonnard; (1867-1947) - французский художник, тесно связанный с группой «Наби», члены которой стремились выразить внутренний мир посредством декоративных плоскостных изображений.
В 1898 году Боннар написал первую из своих противоречивых работ, раскрывающих его личную жизнь с Мартой. «Мужчина и женщина в интерьере» (1898), мотив, более известный по его более поздней версии 1900 года. Он стоит обнажённый, отвернувшись, пока Марта одевается на кровати. Изображение также необычно обрезано, как будто это «интимная» фотография, что усиливает вуайеристский эффект.
"Сэр Галахад", Артур Хьюз
ок. 1894 холст, масло, 89 х 135 см. Частная коллекция
В связи с ностальгическими настроениями в викторианскую эпоху произошёл бум интереса к Средним векам. Началось так называемое «Артуровское возрождение», когда ностальгические настроения в обществе породили моду на средневековую тематику. И картины прерафаэлитов — «любовное послание» к искусству Средневековья.
Артур Хьюз формально не входил в «Братство прерафаэлитов», но фактически был одним из наиболее «правоверных» последователей эстетики «Братства» и тематики произведений его членов. Герой этой картины — Галахад — рыцарь Круглого стола Короля Артура и один из трёх искателей Святого Грааля.
У Хьюза есть еще одна картина на этот сюжет: «Сэр Галахад в поисках Святого Грааля», 1870 г. Холст на доске, масло. Размер: 113 х 167.6 см. Художественная галерея Уолкера, Ливерпуль (фото 2-3)
О чём задумалась девушка посреди сада?
Перед нами молодая женщина, которая стоит в саду своих родителей, во французском городке Домреми. Девушка стоит босиком, одета очень просто, а её взгляд устремлён куда-то вдаль, словно она слышит что-то, что окружающим не дано услышать. Это Жанна д'Арк, и художник запечатлел героиню в то самое время, когда её жизнь вот-вот изменится навсегда.
Картину написал Жюль Бастьен-Лепаж в 1879 году. Он не стал изображать Орлеанскую деву в доспехах, верхом на коне - вместо этого он показал её обычной крестьянкой, какой она была до того, как возглавила армию и переломила ход Столетней войны между Францией и Англией.
Согласно легенде, с тринадцати лет Жанна начала слышать голоса святых. Ей являлись архангел Михаил и святая Екатерина, которые говорили, что именно она снимет осаду с Орлеана и вытеснит врага с родной земли. На картине Бастьена-Лепажа святые едва заметно парят за её спиной, но но именно к ним устремлён внутренний взор героини.
Жанна поверила голосам, добилась встречи с королём, уговорила дать ей войско. Сначала над ней смеялись и не воспринимали всерьёз, но в конце концов доверили командование армией. И она действительно освободила Орлеан. А позже попала в плен к англичанам, была осуждена и сожжена на костре, но так и не признала себя виновной.
Художник Михаил Нестеров, увидев эту работу, был потрясён. Он писал: «Я старался постичь, как мог Бастьен-Лепаж подняться на такую высоту, совершенно недосягаемую для внешнего глаза французов. Бастьен-Лепаж тут был славянин, русский с нашими сокровенными исканиями глубин человеческой драмы… Весь эффект, вся сила Жанны д'Арк была в её крайней простоте, естественности...». Также восторженно встретил картину и художник Валентин Серов, который увидел эту работу на Всемирной выставке 1889 года в Париже. А вот критик Владимир Стасов на той же выставке негативно воспринял полотно, назвав Жанну «безумной психопаткой» с лихорадочными глазами.
Сами французы художественного таланта своего соотечественника также не оценили. Знаменитая героиня, гордость нации, стоит босая в крестьянском платье, а не в боевых доспехах - это позор!
К счастью, американцам работа понравилась, и с той же выставки они увезли её за океан. В 1889 году картина была передана в коллекцию музея Метрополитен в Нью-Йорке.
"Кот в маске", Роберто Монтенегро
1943 г. Мазонит, масло. Размер: 44 x 28,5 см. Частная коллекция
В 1906 году мексиканский художник Roberto Nervo Montenegro (1887-1968) поступил в Академию Сан-Карлос, где учился у Диего Риверы , Анджело Зарраги (Angel Zarraga) и Франсиско Гойтиа (Francisco Goitia). Там он подружился с Хосе Хуаном Табладой, который увлек Монтенегро японским искусством, под влиянием которого находился сам.
В 1907 году Монтенегро продолжил обучение в Европе, переехав во Францию.В Париже Роберто изучал живопись в Школе изящных искусств в течение двух лет. Во время пребывания во Франции художник совершил путешествия в Лондон и Италию. Хотя в значительной части работ художника остается эхо мексиканских традиций и стилей, он пытается создать при помощи сюрреализма свой собственный стиль, который сильно отличался от работ его современников.
Искусствоведы считают Монтенегро одним из самых «трудных» мексиканских художников, поскольку его стили и техника исполнения часто менялись или трансформировались.Из-за многочисленных путешествий художника и частых переходов от одного стиля к другому, велика трудность идентификации работ, принадлежащих Монтенегро.
«Без средств к жизни», Яков Прокопьевич Турлыгин
1882 г. Холст, масло. Размер: 90 х 67 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Яков Прокопьевич Турлыгин (1858-1909) - русский художник-живописец, жанрист, мастер исторической живописи. Обучался в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. В 1882 году за драматическую картину «Без средств к жизни» Яков Прокопьевич был удостоен Большой серебряной медали.
На холсте изображена молодая девушка в белой блузке и длинной юбке. На руках у нее спин маленький (по всей видимости, больной) ребенок. Тусклый дневной свет падает на лицо матери и сына, но при этом не освещает темную мрачную комнату с неубранной кроватью. В настоящее время картина находится в Государственной Третьяковской галерее.
В 1893 году Яков Прокопьевич Турлыгин стал членом Московского товарищества художников, экспонировал свои работы в Товариществе передвижных художественных выставок. Кроме профессионального занятия живописью, Турлыгин сотрудничал с юмористическими журналами, иллюстрировал рассказы Всеволода Гаршина, работал декоратором в театре Лентовского. Художник умер 17 декабря 1909 года в Москве.
«Леда и лебедь», Тадеуш Стыка
1920 г. Холст, масло. Национальный музей Жан-Жака Эннера.
История о Леде и Лебеде из греческой мифологии был очень популярным сюжетом в искусстве. Польский художник-символист
Tadeusz Styka (1889 - 1954) представил свой живописный вариант легенды, рассказывающей о том, как бог Зевс в образе лебедя соблазняет или насилует Леду, спартанскую царицу.
Согласно более поздней греческой мифологии, Леда родила Елену и Полидевка, детей Зевса, и в то же время родила Кастора и Клитемнестру, детей своего мужа Тиндарея, царя Спарты. Согласно многим версиям этой истории, Зевс принял облик лебедя и изнасиловал Леду в ту же ночь, когда она переспала со своим мужем, царем Тиндареем. По некоторым версиям, она отложила два яйца, из которых вылупились дети.По другим версиям, Елена является дочерью Немезиды, богини, олицетворявшей катастрофу, которая ожидала тех, кто страдал от гордыни Высокомерия.
«Стихи Маяковского», Александр Александрович Дейнека
1955 г. Холст, масло. Национальная галерея Армении
В отличии от времен строительства коммунизма, в наши дни никто в электричках стихов не читает. В разделе "Дорога" Национальной галереи Армении экспонируется интересная работа Александра Александровича Дейнеки, названная в честь предмета обсуждения студентов – в руках у одного из них томик стихов Маяковского.
Ушедшая в народ фраза «И жизнь хороша, и жить хорошо» из «Октябрьской поэмы» отзывается в каждой детали картины: идиллический пейзаж за окном, пассажиры в радостном предвкушении отдыха создают атмосферу безмятежного счастья.
Обращает на себя внимание забавная пара пассажиров - пожилой музчина, очень похожий на мелкого чиновника и толстушка в желтом платье, с ярким маникюром и золотыми часиками. Эту даму Дейнека изобразил на другой своей картине «Женщина в желтом платье» (1955 г.Частная коллекция)
"Пушкин и наполеон", Анджела Джерих
Несколько карикатурные, с теплым юмором, но абсолютно безобидные и милые работы художницы из Ялты покоряют зрителей с первого взгляда Ее стиль близок к наивному искусству, с упрощёнными формами и выразительными образами.
у Анджелы есть целая серия картин, главным героем которых является великий русский поэт. Эти рисунки отличаются карикатурностью без злобы — образы несколько утрированы, но при этом обаятельны. Яркий пример тому - "Пушкин и наполеон" из серии знаменитости на Красной площади.