458
Свои секреты есть даже у тех шедевров живописи, которые кажутся нам хорошо знакомыми. Все проекты: https://t.me/JaneAirr По всем вопросам: @zhanna_osipova
«Мужчина в ванной», Гюстав Кайботт
1884 г. Холст, масло. Размер: 144,8 × 114,3 см. Музей изящных искусств, Бостон
В 1870-х Gustave Caillebotte, (1848-1894) приобрел нескольких работ Эдгара Дега с купальщицами, а затем и сам написал несколько подобных картин с изображением мужского ню. Среди этих работ«Мужчина в ванной» считается наиболее амбициозной в его карьере.
художник не пытается показать идеализированную форму мужского начала, вместо этого рисуя типичного мужчину 19-го века. Интерпретация данной работы разнится между мужественностью и уязвимостью представленной фигуры. В отличии от женского, мужское ню не часто появлялось в образах импрессионистов. Критики-феминисты связывали это с женской проституцией, получившей широкое распространение во Франции конца 19-го века. Таким образом, данная картина бросала вызов традиционным представлениям о маскулинности и гендерных нормах в частном пространстве. В 1888 году картина была отправлена в Брюссель для выставки "Общества XX", но из-за спорного содержания была удалена из основной программы,
В 1888 году картина «Мужчина в ванной была отправлена на брюссельскую выставку Общества XX (Les XX или Les Vingt). Поскольку она бросала вызов традиционным представлениям о маскулинности и гендерных нормах в частном пространстве, ее не стали вывешивать в зала общего доступа, а разместили в другом, недоступном для посетителей помещении. Достп к ней получили лишь избранные члены жюри..
До 1967 года оставалась в Париже, будучи собственностью семьи Шардо. В 1967 году она была продана Бернару Лоренсо (Bernard Lorenceau, совладелец галереи Brame & Lorenceau), который в том же году перепродал её частному коллекционеру из Швейцарии. Согласно некоторым источникам, она находилась в коллекции Самюэля Жозефовица (Samuel Josefowitz) из Лозанны.
В 2011 году картина «Мужчина в ванной» была куплена Музеем изящных искусств Бостона за сумму около 17 миллионов долларов. Чтобы собрать средства на покупку этой картины, музею пришлось продать на аукционе Sotheby's восемь картин, среди которых были полотна Ренуара, Моне, Гогена, Писсарро, Сислея, Мофра и Верещагина.
Дорогие друзья!
Сегодня особенный, великий и строгий день. Мы встречаем не просто дату на календаре - мы прикасаемся к бессмертному подвигу, который навсегда живёт в наших сердцах.
Время не властно над памятью. Оно лишь превращает её в ту невидимую нить, что связывает поколения: прадедов и правнуков, прошлое и настоящее. История не заканчивается на страницах учебников - она пишется сегодня. В каждом семейном альбоме, в глазах каждой матери, в твёрдом шаге тех, кто сейчас стоит на защите Родины.
Мы всматриваемся в пожелтевшие фотографии и видим в них отражение сегодняшнего дня. То же мужество, та же тихая, без лишних слов, решимость и то же, летящее над страной, победное «Ура!».
Пусть этот майский день принесёт тепло в каждый дом. Вспомним тех, кто не вернулся - и поклонимся тем, кто продолжает их путь. Пока мы помним - мы едины. Пока мы чувствуем эту живую связь - мы непобедимы.
От всей души желаю самого главного: крепкого здоровья, несгибаемой стойкости духа и всем нам - мирного неба над головой!
С великим праздником! С Днём Победы!
@pozzdrav
#ДеньПобеды #9мая
"Неразгаданный", Томас Эдвин Мостин
Ок. 1903 г. Холст, масло, 101 х 126,5 см. Музей и художественная галерея замка Кифартфа, Мертир-Тидвил, Великобритания
Английский художник Thomas Edwin Mostyn ( 1864–1930) конца викторианской эпохи и начала 20-го века.Учился в Манчестерской Академии изящных искусств. Писал в основном идеалистические картины с романтическими сценами, а также портреты.
Томас Эдвин Мостин — иллюстратор идей и художник эмоций, работающий с ними с твердостью, выдающей настоящее знание человеческой природы». — Журнал искусства (1899 г.)
Многие из его ранних картин находились под сильным влиянием сильных анти- «викторианских материалистических» настроений его учителя сэра Хуберта фон Херкомера (в чью школу он поступил в 1893 году). В этих работах Мостин изобразил бедность рабочего класса в стиле реалистов, что является эффективным способом повышения общественного сознания.
В начале художник 20 века художник экспериментировал с религиозными образами, а также писал реалистичные портреты, такие, как картина "Неразгаданный". В работах этого периода представлены образы, которые так преобладали в его ранних работах, сочетая в себе две временные темы, прошлое и настоящее.
После Первой мировой войны, Мостин переехал в Девон, где сосредоточился на серии сказочных сцен, благодаря которым он стал наиболеешироко известен. Оставив реализм позади, Мостин начал рисовать сказочные пейзажи, идеализируя природу, работая и опираясь на свои знания о силе и красоте природы. Он создал свой собственный мир, в котором романтика была доминирующей нотой. Из-за того, что Мостин использовал цвет как форму, эти работы вызвали некоторые споры и были раскритикованы некоторыми как не что иное, как «оргии в красках».
«Танцовщица (Камилла)», Пал Фрид
1850-е. Холст, масло. Размер: 24 х 31 см. Частная коллекция
Многие художники не могли равнодушно пройти мимо сюжетов из балетов, мимо прекрасных образов балерин, мимо магии танца и балетного костюма. И конечно же - мимо прекрасных женщин в театре и театральной жизни.
Одним из таких художников стал американский художник венгерского происхождения Pal Fried (1893-1976), получивший свое художественное образование в Париже под руководством Моне и Симона. Начинал художник с обязательного освоения техники рисования обнаженной натуры, а дальше были путешествия по миру и целая серия картин в восточном стиле. Но Париж, есть Париж и его богемная жизнь в результате и стала главной в творчестве художника.
Художник создал множество портретов танцовщиц перед спектаклями, на сцене, в богемной жизни. Они были настолько популярными, что он или вынужден был, или так хотели заказчики, дублировал по несколько раз один и тот же сюжет, меняя лишь цвет костюма или фона полотна. Одним из самых выразительных портретов этого цикла является картина «Танцовщица».
Игривый смех и ее женственность неизменно вызывали интерес у публики – поворот головы: волосы пружинами метались в стороны, а нежность шеи обретала натянутость. Движения плеч: спина слегка округлялась, становилась еще рельефнее, словно там находятся невидимые крылья, оперение которых по неизвестным причинам все никак не может распахнуться настежь во всей своей красоте.
«Гилас и водные нимфы», Генриетта Рей
1909 г., Холст, масло. Размер: 142,3× 222,8 см. Частная коллекция
Британская художница поздней викторианской эпохи Генриетта Рей (1859–1928) специализировалась на классических, аллегорических и литературных сюжетах. Среди её учителей были сэр Лоуренс Альма-Тадема, оказавший сильнейшее влияние на её более поздние работы, а также Фрэнк Бернард Дикси и Уильям Пауэлл Фрит.
Картина «Гилас и водные нимфы» относится к числу самых известных ее работ. Сюжет полотна основан на греческой и римской легенде, рассказанной Овидием и другими древними писателями о юноше аргонавте Гиласе, который был похищен наядами.
Гилас был сыном царя племени дриопов Феодаманта. После того, как Геракл убил отца Гиласа, тот стал компаньоном Геракла. Они отправились на корабле Арго в поисках Золотого руна. Во время остановки на одном из островов, Гилас отправился на поиски пресной воды. Он нашёл пруд, населённый наядами, которые заманили его в воду, после чего он исчез. Поиски Гиласа аргонавтами не увенчались успехом.
Картина была продана на аукционе Christie’s в 2000 году за 575.750 фунтов.
Уставший шахтёр", Йозеф Герман
1947 г. Холст, масло, 40.8 х 51 см. Частная коллекция
Josef Herman (1911-2000) — польско-британский художник-график, импрессионист, член Королевской академии художеств оказал влияние на современное искусство.
Собственный стиль Германа был смелым и самобытным, включал прочные формы с минимальной детализацией. Героями его картин часто становились рабочие ( в данно1 работе изображен шахтер, отдыхающий после работы). Герман сказал: "Я думаю, что это одна из моих ключевых картин и самая важная, которую я сделал в Уэльсе".
"Дворник, который рисует", Палмер Хейден
Ок. 1930 г. Холст, масло, 99,3 х 83,6 см. Смитсоновский музей американского искусства, Вашингтон, округ Колумбия (Дар Фонда Хармона)
Американский художник эпохи Возрождения Гарлема Palmer Hayden ( 1890–1973) известен своими картинами, изображающими сцены из жизни афроамериканцев. Гарлемский Ренессанс – это культурное движение в США в период 1920–1930 годов, возглавляемое выдающимися чернокожими американцами.
В интервью 1969 года он так описал свой замысел: "Уборщик, который рисует» необходимо воспринмать как «своего рода картину протеста» против его собственного экономического и социального положения, а также положения его соотечественников-афроамериканцев". Хейден признался что сюжет картины подсказал его друг художник Клойд Бойкин, который, как и Хейден, зарабатывал себе на жизнь уборщиком: «Я нарисовал ее, потому что никто не называл Бойкина художником. Все вокруг называли его уборщиком».
Детали тесной квартирки — например, тряпка и мусорное ведро — указывают на профессию дворника; элегантная одежда и берет, указывающие на его творческие занятия, очень похожие на те вещи, которые носил сам Хейден.
Использование перспективы основано на практиках современного искусства, которые отдавали предпочтение абстракции и упрощенным формам. Первоначально он преувеличивал черты лица фигуры, которые многие его современники критиковали как афроамериканские карикатуры, но позже изменил картину.
«Сеятель и закат», Винсент Ван Гог
1888 г. Холст, масло. Размер: 64×80.5 см. Музей Крёллер-Мюллер, Otterlo
Каждому художнику судьба еще при рождении отмеряет долю божественного дара, называемую талантом. А развивать его и взращивать одни начинают чуть ли не с пеленок, а иные - лишь пройдя через тернистый путь, усеянный сомнениями и неуверенностью. Винсент ван Гог нашел себя в мире искусства почти к тридцати, и создавал свои шедевры всего-навсего десять лет, при том оставилглубочайший след в мировом искусстве второй половины 19 века.
Его работы долгое время не признавала публика.В феврале 1888 года художник решил покинуть Париж и перебраться в Арль. Прованс сразу же покорил его своими красками и обилием света, несмотря на то, что повсюду еще лежал снег. Именно здесь творчество живописца достигло своего расцвета, окончательно сформировалась манера письма. В картине Ван Гога «Сеятель и закат», написанной в этот период, отражаются основные принципы использования цвета, выведенные художником.
Несмотря на то, что Винсент решил отказаться от импрессионизма в своем творчестве, импрессионистская манера письма все еще присутствовала в работах художника. Особенно заметно это в приемах передачи световоздушности, использовании крупных колористических пятен.
На юге, в Провансе Винсент нашел необходимую составляющую для создания своих шедевров — «высокую желтую ноту». Картина Ван Гога «Сеятель и закат» пронизана этим цветом, который художник считал прекрасным в любом оттенке.
Художник использовал все существующие оттенки цвета: лимонно-желтый, соломенный, золотой, охру. Для Винсента желтый символизировал любовь и саму жизнь, ее бесконечность и таинственность.
"Заклинатель змей", Жюль ван Бисбрук
1930-36 гг. Масло, панель, 60 х 50 см. Частная коллекция
Бельгийский художник - символист, живописец, преподаватель, востоковед Jules Pierre van Biesbroeck (1873–1965) получил первые художественные уроки от своего отца Жюля Эвариста ван Бисбрука.
Юный живописец считался вундеркиндом. Свою первую картину «Пастух», написанную в возрасте 14 лет, он продал во время Триеннале Гентской выставки.
В 1926 году Жюль ван Бисбрук начал путешествовать по Северной Африке. Спустя год он открыл для себя Алжир, что стало для художника настоящим откровением. Он изменил свою палитру на более светлые тона и изобразил ориенталистские сцены, в первую очередь жителей Бу-Саады. Именно там была написана картина "Заклинатель змей".
Ван Бисбрук оставался в Алжире до 1938 года, а вернувшись в Гент, в основном продолжал писать картины в стиле востоковедения.
«Ночь на Черном море», Иван Константинович Айвазовский
1879 г. Холст, масло. Размер: 58×69 см. Одесский художественный музей
Безоговорочный шедевр гениального Ивана Константиновича Айвазовского (1817-1900), о которм можно сказать, что ночь на Чёрном море с луной на чёрном небе. И на море , и на небе присутствует лунный свет. А без этого света сплошная тьма, как на горизонте этого пейзажа.
Картина построена на контрасте двух цветов и это делает её яркой и завораживающей. Шелест волн и кружева пены душу нежат, Ощущает чувства неизведанности душа, Серость, мелочность, суета вызывает её скрежет, Со своей кельи перевариваю картину не спеша... Какая-то магия, колдовство внеземное, При лунном свете учащается сердца стук, Будто русалки с моря посылают позывные, Ощущаю ауру внеземную из их уст... И луна среди туч тому свидетель, Море Чёрное ночью помечтать зовёт, И южный, тёплый, ласкающий меня ветер,Море переливается в свете яркой луны,спокойствие и умиротворение рыбаков в лодке,полная ночная идиллия.
«Два ястреба (Башибузуки)», Василий Васильевич Верещагин
1878 год. Холст, масло. Размер: 78.5×110 см. Национальный музей «Киевская картинная галерея»
«Два ястреба» - одна из 30 картин, вошедших в знаменитую «Балканскую серию» русского художника-баталиста, которая по праву считается кульминацией его творчества, своеобразным драматическим пиком.
В 1877 году, узнав о начале русско-турецкой войны, Василий Верещагин покинул свою парижскую студию и отправился на фронт. Его зачислили в Дунайскую армию – без казенного содержания, но с правом свободного передвижения по войскам.
Картина «Два ястреба» имеет второе название: «Башибузуки» (Османские наёмники). Это турецкое слово можно перевести как «сорвиголовы», а переносное его значение - «головорезы». Эти отряды отличались особой жестокостью и зверством.
Тем удивительнее, что у Верещагина, славившегося точностью в изображении, эти свирепые воины сидят в плену с оружием. Никто в здравом уме не оставил бы башибузукам даже перочинный ножик. А стерегущий их солдат даже встал к ним спиной!
Исследователи думают, что Верещагин не удержался от возможности написать изящное оружие врагов. Художник увлекался национальным колоритом и с упоением писал тюрбаны, кинжалы, ятаганы и узорчатые ковры.
Рассказывают, что однажды к кавалерийскому генералу Александру Струкову привели двоих пленных албанцев-башибузуков. Верещагин предложил тут же, не откладывая в долгий ящик, повесить головорезов. Струков ответил, что «в военное время вешать не любит, и этих молодцов на совесть не возьмет». «Что это вы Василий Васильевич вдруг сделались таким кровожадным? Я этого за вами не знал», - в свою очередь поинтересовался генерал. И Верещагин честно ответил, что никогда не видел, как вешают и очень интересуется процедурой. Позднее он просил повесить албанцев другого генерала – знакомого ему еще по туркестанской кампании Михаила Скобелева, но тот тоже отказал.
"Иуда", Илья Ефимович Репин
1885 г.холст, масло, 60х49 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Илья Ефимович Репин (1844 - 1930) был великим русским художником-реалистом XIX столетия, мастером исторической и жанровой живописи, выдающимся портретистом, глубоким психологом. Он обладал даром показать героев с глубокой индивидуальностью.
Лицо Иуды на данном портрете многолико, - невозможно отвратительно, гадко противно, пакостно, безвольно. Обманывая впечатление оно безразлично, отвлечённо, хитровато.
Отвлечённо внутренним действом, движениями вероломного сознания, движет которым неуёмная алчность, так, что увлажнилась , приложенная к отвисшей губе ладонь, дрожащая от предчувствия приятной тяжести тридцати сребеников.
Иуда страшен тем, что знает, чего хочет и знает, как получить желаемое, у него несколько приёмов, он ловок в ухищрениях и обманет видимостью беззащитности, физической слабости, умственной немощности, без прикрас.
Немощная низость сильна. Она неистребимо изобретательна, - посулит блага, райские сады и безмятежную жизнь в мире и благополучии - на всё пойдёт ради приятной тяжести в ладонях, когда щедро отсыпят тридцать в обмен на услугу, котрая не потребует даже физических усилий. Всё просто - только предать.
Под покровом ночи и тёмной одежды, - лишь часть его лица, многоликого, высвечивается , с липким , исподлобья, взглядом Иуды, влажной толстой губой приоткрытого рта , - придерживает пальцем руки, той самой, готовой принять плату за предательство.
«Вечер. Смерть и старуха» — картина маслом, написанная в 1887 году датским художником Лауритсом Андерсеном Рингом (1854-1933). Эта работа размером 121 на 95 см является частью коллекции Государственного художественного музея в Копенгагене, где она хранится с тех пор, как была приобретена в 1935 году.
Эта картина примечательна своим исследованием человеческой хрупкости и неизбежности смерти. На ней изображена пожилая женщина, сидящая в сумерках на обочине тихой сельской дороги. Ее поза передает усталость или задумчивость, намекая на возраст и тяжесть жизненных испытаний. Ее голова слегка опущена, а руки покоятся на узле или мешке, как будто она остановилась во время долгого путешествия.
Над ней возвышается призрачная фигура скелета с крыльями, олицетворяющая Смерть. Фигура, хотя и прозрачная и утонченная на вид, возвышается на фоне темнеющего неба, держа в руках косу — традиционный символ конца жизни. Сопоставление пожилой женщины и призрачной фигуры приглашает зрителей задуматься о смертности, течении времени и спокойном принятии своей судьбы. Безмятежный и в то же время мрачный пейзаж с золотым сиянием заходящего солнца, переходящим в темно-синий, вызывает чувство меланхолии и завершенности.
Работы Ринга здесь глубоко символичны и пронзительны. Взаимодействие между женщиной и фигурой Смерти остается неоднозначным. Осознает ли она присутствие Смерти или пребывает в неведении о конце, который ее ожидает? Картина заставляет зрителя задуматься об осознанности, принятии и спокойных моментах перед окончательным завершением жизни.
Какие эмоции или мысли она у вас вызывает? Символизирует ли заходящее солнце завершение хорошо прожитой жизни или оно отражает неизбежность окончания всех наших путешествий? Как вы интерпретируете выражение лица женщины — смирение, умиротворение или что-то более сложное?
Христос воскрес! Со светлой Пасхой!
Пусть в доме будет доброта.
Пусть не встречаются ненастья,
Любовь в сердцах живет всегда.
Пусть солнце греет, обнимает,
Теплом и светом наполняет.
Пусть Бог хранит от бед всегда,
Пусть не приходит к вам беда.
@pozzdrav
#Пасха
«Покушение на императора Франца Иосифа», Таир Теймур оглы Салахов
1853 г. Холст, масло. Венский музей на Карлсплац
Правление австрийского императора Франца Иосифа I продолжалось 68 лет и стало одним из самых долгих в мировой истории. На его жизнь покушались 7 раз. Первую попытку убить монарха предпринял венгерский портной-подмастерье, по имени Ласло Либени, бывший гусар из Вены. Это покушение, запечатленное на картине Das Attentat auf Kaiser Franz Joseph I. (1853) художником Иоганном Йозефом Райнером, вошло в историю Австрии как одно из самых знаменитых неудавшихся преступлений.
Днем 18 февраля 1853 года ничего не предвещало беды. Стояла морозная солнечная погода, которая так и располагала к пешим прогулкам. После сытного обеда двадцатидвухлетний император Франц Иосиф, пребывавший к тому моменту на австро-венгерском троне чуть более четырех лет, решил совершить небольшой моцион. На прогулке монаршую особу сопровождал адъютант, граф Максимилиан О’Доннел. Император прошел вдоль бастиона Кернтнертор-Бастай, остановился и склонился над каменным ограждением. Неожиданно сзади на него напал неизвестный мужчина с ножом в руке. Он ударил Франца Иосифа в спину, однако острый клинок наткнулся на металлическую пуговицу, и молодой император отделался испугом и легкой царапиной. Помимо пуговицы императора спасла молниеносная реакция адъютанта, которому удалось частично отразить удар нападавшего.
Человек в котелке, бросившийся на помощь, это проходивший мимо состоятельный господин Йозеф Эттенрайх, в прошлом мясник и торговец овсом. Совместными усилиями мужчины повалили злоумышленника на землю и не отпускали его до прибытия полиции.
Либени предстал перед военным трибуналом и был приговорен к смертной казни через повешение, которая была приведена в исполнение через неделю 26 февраля 1853 года. По приказу императора крепостная стена вскоре была разрушена до основания, а со временем здесь пролёг Большой венский бульвар.
"Последний сын. 1943 год", Николай Фёдорович Назаров
1943 г.
Николай Фёдорович Назаров (1911–1988) работал в жанре тематической картины, пейзажа. Член Союза художников СССР (1942). Участник художественных выставок. Жил и работал в Костроме.
"Последний сын. 1943 год" - одна из самых известных картин художника. Она вряд ли кого-то оставит равнодушным. Николай Фёдорович мастерски передал и горе, и необходимость, и неизбежность, и надежду в одном взгляде, в одном жесте. «Только вернись, сынок!»
У призыва 1943 года может и был ещё шанс вернуться. А из тех, кто ушёл в июле 1941 мало кто уцелел.
Картина Чиприано Маннуччи «К свету»
Работа представляет собой поэтическую композицию, балансирующую на грани между тьмой и светом. В центре картины — бледная, хрупкая женская фигура в белом. Ее поза и взгляд передают момент, когда она застыла между жизнью и смертью. Маннуччи использует преимущественно темный фон, прорезаемый внезапными вспышками яркого света, чтобы создать драматическую атмосферу. Этот контраст погружает зрителя в ощущение перехода, одновременно безмятежного и тревожного.
В картине явно прослеживается символистский подход. Яркие лучи, пробивающиеся сквозь тьму, не просто создают визуальный эффект, но и символизируют хрупкость жизни и неизбежное стремление к трансцендентному. Выражение лица героини спокойно, но в то же время тревожно, оно олицетворяет человеческую душу, застывшую на пороге между существованием и забвением. Этой работой Маннуччи предлагает не только эстетическое видение, но и глубокую философскую рефлексию.
Почему эти двое бредут по пустыне и что за рай они потеряли?
Написал эту картину советский и российский живописец Гелий Коржев. Она называется «Лишенные рая». И если вы думаете, что это иллюстрация к библейскому сюжету, то не совсем. Хотя, по названию картины, мы можем решить, что две фигуры на холсте - Адам и Ева. Но на самом деле, здесь всё сложнее.
Коржев, родившийся в 1925 году, тяжело переживал распад Советского Союза. Почти вся его жизни прошла в этой стране. К тому же незадолго до перестройки у него умерли родители. Художник, который в советские годы писал вполне жизнеутверждающие полотна, вдруг начал создавать мрачные, почти пугающие образы. И «Лишенные рая», написанная в 1988 году - одна из самых сильных его поздних работ.
На картине - двое. Мужчина и женщина бредут по безжизненному пространству. Что это - пустыня, выжженная земля, место после катастрофы? Небо на горизонте напоминает последствия атомного взрыва. Одни видят здесь песок и зной, другие - замёрзшую степь и ледяной ветер. Ясно одно: где бы они ни были, условия невыносимы.
Женщина почти висит на руках у мужчины, скорчившись, прижав колени к груди. Она не в обмороке и не просто устала - она в отчаянии. Её поза говорит о полной потере сил и надежды. Голову она уткнула мужчине в шею, и кажется, что шепчет ему: мы никуда не дойдём, всё бесполезно, всё кончено. Мужчине и без того тяжело, но он терпит и продолжает идти.
Вокруг - пустота, только ветер и бескрайнее ничто. Но есть одна деталь, которая бросается в глаза: на голове у женщины белая косынка, а тело поддерживает кусок ткани, похожий на люльку. Откуда это взялось, если они только что из рая? Художник явно добавил эти предметы не случайно. Они словно напоминают, что цивилизация когда-то существовала. Значит, перед нами не первые люди на Земле. Скорее - последние.
Эту пару часто называют Адамом и Евой, но в названии картины слово «рай» написано с маленькой буквы. Значит, это не столько библейский Рай, сколько потерянная беззаботная жизнь - возможно, то самое «светлое будущее», в которое люди верили. И оно рухнуло. Коржев переосмыслил библейские сюжеты через призму советского прошлого и личных переживаний на своей выставке «Библия глазами соцреалиста». Коммунизм когда-то воспринимался как рай на земле. Но рай не случился. Осталась только безжалостная реальность, в которой два человека - хрупкие, уставшие, но всё ещё живые - продолжают идти. Потому что не могут остановиться.
Картина сегодня находится в Музее русского искусства в Миннеаполисе.
А что вы видите на этой картине - конец человеческой истории или всё-таки начало? И как думаете, куда бредут эти двое?
«Не взяли на рыбалку», Ксения Николаевна Успенская-Кологривова
1955 г. Холст, масло. Размер: 122 x 98 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Трогательная картина получила массу положительных отзывов от критиков и простых людей. По шедевру Ксении Николаевны Успенской-Кологривовой (1922 — 2019), который почти сразу же был выкуплен у автора Третьяковской галереей, писало сочинения не одно поколение школьников.
Можно предположить, что папа оставил младшего дома не из жестокости. Это знак заботы: солнце печет, малыш быстро устанет, проголодается, начнет капризничать, запросится домой. Наконец, он может случайно упасть с плота или лодки – отец несет на плече весло.
Однако главной причиной отказа может быть проза жизни. В то время народ жил небогато. Для многих деревенских семей рыбалка была не развлечением, а способом пропитания. Малыш только мешал бы взрослым ловить рыбу, ухой можно было накормить всю семью.
И все равно, не сочувствовать горю мальчика невозможно. Готовился, накопал червей – и все равно не взяли. Мальчуган вот-вот расплачется. А его отец вместе со своим старшим сыном уходят со двора.
Пусть праздник как-то подзабыли...
Остался День Весны, Труда.
Зато все помнят, как ходили
Давно со стягами. Тогда
Решали мы про транспаранты,
А нынче кто их понесет?
В петличках ленточки и банты,
От них избавились и всё...
Куда же праздники уходят?
... Уходят, видно, на покой...
Разумно всё, но помним вроде —
У нас ведь праздник был такой!
@pozzdrav
#деньвесныитруда #1мая
«Ново-Иерусалимский монастырь», Александр Фёдорович Красовский
1860-е. Акварель. Размер: 22,3 x 29,6 см. Частная коллекция
Небольшой акварельный пейзаж находится в одной из московских частных собраний. Картина, датируемая последней четвертью XIX века, подписана (на лицевой стороне) монограммой "АК", имеет на обороте старую дарственную надпись пером и ореховыми чернилами "Въ знакъ дружбы" и карандашную надпись "Красовсiй". На основании инициала, фамилии и времени создания работа приписывается кисти одного из двух художников-однофамильцев, работавших в указанный период:
— Красовского Артура Францевича (1848-после 1920), акварелиста и живописца, выпускника (а впоследствии — преподавателя) Одесской рисовальной школы, члена Товарищества южнорусских художников;
— Красовского Александра Федоровича (1848-1918), архитектора, выпускника Московского Училища живописи, ваяния и зодчества, в 1872 году удостоенного от Императорской Академии художеств звания классного художника II степени.
Живописные работы, достоверно принадлежащие кисти указанных художников, не представлены ни в отечественных, ни в зарубежных музейных собраниях.
Высокий уровень исполнения, некоторые стилистические особенности, указывающие на более вероятную принадлежность автора пейзажа к московской школе живописи, а также месторасположение запечатленного на обеих работах Ново-Иерусалимского монастыря позволяют с большей вероятностью считать представленный пейзаж работой Александра Федоровича Красовского.
О чём плачет девушка, уткнувшись в плечо старушке?
В небольшой комнате, где едва мерцает огонёк лампадки, перед нами тихая, но пронзительная сцена. Молодая девушка в атласной юбке и светлой кофточке, которую украшает красный ремешок, только что ворвалась сюда. Она бросилась к старушке, крепко обняла её, уткнулась лицом в плечо и горькозаплакала. Всю свою боль, всю обиду и отчаяние она вкладывает в это объятие.
Старушка отложила своё рукоделие и обняла девушку в ответ. В её глазах можно прочитать целую гамму чувств: здесь и сострадание, и тихая печаль, и мудрость, которая даётся только прожитыми годами. Мне кажется, она и без слов понимает, что случилось. Наверное, когда-то и её сердце сжималось от такой же боли, и она тоже искала утешения у кого-то старшего и мудрого. А теперь пришёл её черёд стать для кого-то опорой.
Эту картину написал Николай Загорский в 1890 году и назвал её «Наболевшее сердце». Художник не раскрывает нам главную тайну: что именно произошло с девушкой? Почему она плачет и ищет утешения именно здесь, у этой пожилой женщины? Может быть, её насильно хотят выдать замуж за нелюбимого человека? Или в семье случилось большое несчастье - кто-то тяжело заболел или даже умер? А может быть, её сердце терзает обычная, но от этого не менее острая любовная драма? Загорский не даёт ответов, позволяя нам самим додумывать и проживать эту историю вместе с героинями.
В углу комнаты стоит массивный деревянный шкаф, в котором хранятся иконы в недорогих окладах - для этой семьи они символы надежды и утешения. Рядом круглый столик, покрытый ковровой скатертью, на нём, наверное, всегда лежит рукоделие. Диван скромный, но уютный, он помнит много таких разговоров и, возможно, слёз. Мерцающий огонёк лампадки отбрасывает мягкие тени, и от этого на душе и спокойно, и грустно одновременно. Контраст между героинями бросается в глаза. Девушка - сама юность, неопытность, яркие и необузданные эмоции. А старушка - воплощение зрелости, смирения и внутренней силы, которая накапливается годами. Она уже прожила свою жизнь и теперь учит другого человека не силе, а терпению.
В 1893 году, через три года после создания, полотно отправили на международную промышленно-художественную выставку в Чикаго, которая была посвящена 400-летию открытия Америки Христофором Колумбом. «Наболевшее сердце» поместили в русский раздел, и там оно получило самые восторженные отзывы. Жюри отметило работу Загорского серебряной медалью - за высокий уровень мастерства и за глубину содержания.
Сегодня эта картина хранится в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге.
«Женщина, дурак и его кот», Якоб Йорданс
1645 г. Холст, масло. Размер:114 x120 см. Коллекция мастеров фламандской и голландской школ Эпарт
Jacob Jordaens (1593–1678) всю свою сознательную жизнь работал и проживал в Антверпене. Писал оживлённые сцены из крестьянской жизни и чувственные аллегории, которые сделали его одним из самых важных живописцев XVII века во Фландрии.
Поскольку Йорданс не ездил в Италию по примеру коллег-современников, его работы по своей сути фламандские. Это выражается, например, в преувеличенных формах и грубоватом юмор. Яркий пример - картина «Женщина, дурак и его кот»
«Вечер над Темзой», Джон Аткинсон Гримшоу
1880 г. Холст,масло. Галерея Одри Бертон (Лидс, Великобритания)
Альтернативное название: «Темза Лунный свет»
John Atkinson Grimshaw родился в Лидсе в 1836 году. В городе было несколько картинных галерей, и Джон мог любоваться работами известных художников того времени. Известность к художнику пришла после того, как лондонский дилер Вильям Агнью стал продавать его работы.
Гримшоу прославился главным образом благодаря своим городским пейзажам, которые он часто изображал при лунном свете. По преданию, Уистлер как-то сказал: «Пока я не увидел лунные пейзажи Гримшоу, я думал, что это я первый изобрел ноктюрны». Подобно Уистлеру, Гримшоу очень любил писать Темзу.
Одна из самых известных работ этой серии - картина «Вечер над Темзой».
Над рекой встает луна, озаряя своим зеленоватым светом Темзу и дрейфующие по ней суда. Лунная дорожка на воде увлекает взгляд зрителя в глубину — туда, где виднеется вдали купол собора святого Павла. Странно и необычно выглядит эта известная лондонская достопримечательность в таинственном свете луны. Композиция картины выстроена четко и симметрично. Ни малейшее движение не нарушает ее равновесия — даже вертикальный ритм скелетоподобных мачт на фоне неба.
Томас Блэкшир «Интимность» («Близость») 1955
Казалось бы, когда сбрасывается маска, обнаруживается истинное лицо в своей откровенности, но не в данном случае. Здесь кажется, что в самой маске тоже была часть от реального лика мифической женщины, властительницы страсти и любви.
«Интимность» («Близость») - одна из самых выразительных картин афроамериканского художника Thomas Blackshear (род. 1955), прославившегося своими эмоциональными, мощными произведениями на христианские темы.
Блекшир называет свое творчество «афро нуво». Его работы отличаются переплетением этно-культурных сюжетов с мифологическими и потусторонними началами.
Пандора с ларцом», Жюль Жозеф Лефевр
1882 г. Холст, масло. Размер: 96,5 × 74,9 см, Частная коллекция.
Мифы Древней Греции в живописи — неиссякаемый источник вдохновения. Первые картины, посвященные сложным отношениям жителей Олимпа и смертных, появились еще в эпоху Ренессанса. Казалось бы, за несколько веков тема уже могла исчерпать себя, но современные мастера искусства снова и снова возвращаются к древнегреческим мифам через живопись и графику.
Среди самых популярных в живописи мифологических сюжетов - легенда о ящике Пандоры
Великого Зевса разгневал Прометей, подаривший смертным огонь. Наказав Прометея, бог неба, грома и молний решил проучить и людей, осмелившихся принять дар бунтовщика. По приказу Зевса Гефест сделал из земли и воды очаровательную девушку с глазами богини, нежным голосом и человеческой силой. Афродита наделила ее неотразимой красотой, Афина выткала ей золотые одежды, а Гермес одарил лукавством и невиданной изворотливостью. И дали ей имя Пандора — получившая дары от великих богов. И суждено было ей принести смертным несчастье.
Зевс дал ей в подарок любопытство. Сатиры принесли ее к Эпиметею вместе с чаном, который Зевс приказал никогда не открывать. Если нарушить запрет, весь мир и его обитателей ждут неисчислимые беды. Поддавшись любопытству, она открыла его и беды обрушились на мир. Когда Пандора закрыла чан, то на дне его, по воле Зевса, осталась только Надежда.
Jules Lefebvre (1834–1912) — французский салонный художник, живописец, специализировавшийся на изображении привлекательных женщин.
«Гризелидис», Жюль Жозеф Лефевр
Начало ХХ века. Холст, масло. Размер: 72 х 60 см, Музей изящных искусств Руана, Франция.
Гризелидис (или Гризельда) — героиня средневековой легенды; появляется также у Боккачио, у Петрарки и у Чосера; образ верной жены, подчиненной мужу и терпящей от него несправедливость.
В варианте народной истории о Гризельде, из Декамерона Боккаччо, Гризелидис - пастушка, которую дьявол неоднократно искушает изменить своему мужу, но она остается ему верна.
На картине Левевра , запечатлевшего героиню лирической сказки о верности в любви, важны две особенности: схематичность фона и живописность волос Гризелидис.
В 1901 году состоялась премьера оперы Массне «Гризелидис», написанной специально для Opera Comique,. Заглавную роль исполнила тогда Люсьен Бреваль,а дирижером был знаменитый Андре Мессаже. Премьера прошла с большим успехом.
"Любители зеленого", Марк Захарович Шагал
1917 г. Холст, масло. Размер: 69.7×49.5 см. Альтернативное название: "Влюбленные на зеленом"
Белорусско-французский художник еврейского происхождения Марк Захарович Шагал (1887 - 1985) — один из самых значимых художников-авангардистов XX столетия, автор живописных, графических, витражных работ, а также литературных произведений и мемуаров. Известен своим уникальным и узнаваемым стилем живописи.
Важнейшей темой для него всегда оставались любовные взаимоотношения.
Шагал был убежденным и безнадежным романтиком, и именно любовь для него являлась одной из важнейших ценностей в жизни, поэтому на его картинах очень часто встречаются влюбленные пары.
Марк Шагал вернулся из Парижа в родной Витебск в 1914 году. Здесь его ждала любимая женщина, на которой он женился - вопреки мнению родственников, но по всем положенным еврейским канонам. Марка и Беллу тянуло друг к другу сильно, страстно, неистово. Она станет любовью всей его жизни и главным источником вдохновения для романтичного художника.
Картина "Любители зеленого" была написана примерно в то время, когда у Шагалов уже родилась их первая - и единственная - дочь Ида. Возможно, на этой картине Белла прислушивается - не плачет ли малышка, в то время как ее дорогой муж склонил голову на ее грудь? А может, так выглядит утоленная страсть?... Сам художник очень любил этот двойной портрет и хранил это произведение при себе до самой смерти
Тайны знаменитых картин: «Мужчина и женщина перед кучей экскрементов», Жоан Миро
1935 г. Масло, медь. Размер: 23 × 32 см. Фонд Жоана Миро, Испания
Странное название.
Одна из двенадцати работ, известных как «Дикие картины» получила странное название. И кто бы мог подумать, что она говорит нам об ужасах гражданских войн.
Миро решил назвать ее по-французски, а не по-испански. По словам Миро, упоминание экскрементов отсылает к Рембрандту, который говорил, что, когда он начал писать картины, рубины и алмазы находились в навозных кучах
Homme et femme devant un tas d'excréments) была написана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года. По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании, картина о периоде беспокойства. На полотне изображены фигуры мужчины и женщины, тянущиеся друг к другу в объятия, но при этом не движущиеся. Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны автором как «полные отвращения и гадливой сексуальности».
"Хранитель сновидений", Александр Михайлович Завалий
Творчество главного художника Геленджикского краеведческого музея очень разнообразно. Девиз Александра Михайловича: «Мне нравится играть парадоксами, соединять несовместимое, искать интригу!»
Художник создаёт шуточные, а отчасти и вовсе грустные работы, главными героями которых становятся коты. То, что сделано талантливо и с душой, никого не оставит равнодушным!