458
Свои секреты есть даже у тех шедевров живописи, которые кажутся нам хорошо знакомыми. Все проекты: https://t.me/JaneAirr По всем вопросам: @zhanna_osipova
Весна пришла, чтобы напомнить: вы — её самое прекрасное воплощение. Желаю, чтобы каждый ваш день был наполнен улыбками, вдохновением и заботой тех, кто дорог. Пусть здоровье будет крепким, как корни дуба, а сердце — лёгким, как лепестки мимозы. Пусть судьба дарит только те сюрпризы, от которых замирает дыхание!
@pozzdrav
#международныйженскийдень #8марта
"Портрет Ульрики Элеоноры Младшей", неизвестный художник.
В интернете гуляет миф об уродстве шведской королевы Ульрики Элеоноры (1688 - 1741), в подтверждение которого приводится данный портрет уродливой женщины. Авторство приписывается художнице Ульрике Фредерике Паш, создавшей целую галерею парадных портретов членов королевской семьи.
Благадаря этой картине королева Швеции стала посмешищем, ее внешность - предметом злых шуток. На самом деле это не ее портрет, а карикатура неизвестного мастера, списанная с работы Паш.. Полотно было создано уже после кончины королевы Ульрики, значит, рождённый на холсте образ нельзя назвать полностью достоверным.
Королева Ульрика Элеонора не блистала красотой, но при этом отличалась женственностью и утонченностью манер. Кроме того, она получила прекрасное образование и обладала сильным характером.
«Торжество веры». Сент-Джордж Хейр
1891 г. Холст, масло. Размер: 123,3 × 200 см. Национальная галерея Виктории, Мельбурн
Картина британского художника The Victory of Faith иногда также выставлялась под названием «Помилуй, Господи», лат. Miserere Domine!). На ней изображены две спящие обнажённые женщины, одна из которых закована в кандалы. Очевидно, это христианские мученицы, приговорённые к смерти. Их ждёт традиционная для Древнего Рима расправа над ранними христианами — растерзание львами (хищники за решёткой в левом верхнем углу картины).
Впервые выставлена в 1891 году на выставке Королевской академии художеств в Лондоне, в каталоге выставки к картине в качестве комментария была дана цитата из Книги мучеников Фокса: «Многообразными и различными мучениями были истязаемы христиане, и обращались с мучениками самым злосчастным и достойным сожаления способом. Те же, кого не замучили до смерти, всякий день были устрашаемы и гонимы беспрестанно»
У Сент-Джорджа Хейра (1857–1933) есть еще одна картина с таким сюжетом: «Мученик и четыре женские фигуры в амфитеатре» (фото 2)
«Пелагия и Филаммон», Артур Хакер
1887 г. Холст, масло. Размер: 113 × 184,2 см. Художественная галерея Уокера
Артур Хакер (1858–1919) — английский художник викторианской эпохи, писавший в стиле неоклассицизма.
Иллюстрирует сцену с последних страниц романа Чарльза Кингсли "Гипатия", опубликованного в 1853 году. Филимон - монах и аббат, который находит свою сестру Пелагию, живущую отшельницей в пустыне, при смерти, и совершает над ней святые таинства.
Филаммон и Пелагия - герои романа английского писателя Чарльза Кингсли, "Гипатия, или Новые враги со старым лицом" , написанного в 1853 году.
Сюжет любимой книги королевы Виктории вращается вокруг Гипатии, языческого философа; Кирилла, христианского патриарха; Ореста, властолюбивого префекта Египта; и Филимона, египетского монаха.
«Серьга», Эмброуз Макэвой
Ок. 1910 г. Масло на холсте, 76,2 x 63,5 см. Галерея Тейт Британия, Лондон
Ambrose McEvoy (1878–1927) почти забытый британский художник, творчество которого заслуживает внимания. В пятнадцать лет он поступил в лондонскую художественную школу Slade School of Fine Art, где стал членом группы художников, куда входили Джон Огастес и Уильям Орпен. Позже, в Дьепе, он работал с Уолтером Сикертом. C уэльской художницей Гвен Джон, с которой у него был несчастливый роман.
На картине «Серьга» Эмброуз Макэвой представляет момент тихого, но интенсивного самоанализа. Погруженная в созерцание своего образа, модель разглядывая свою серьгу, оценивает свою собственную красоту. МакЭвой усиливает настроение интимности, противопоставляя глубокие тени позади фигуры более сильному свету, падающему на отражение в зеркале, тем самым усиливая внимание к лицу женщины.
«Перед операцией», Анри Жерве
1887 г. Холст, масло. Музей Орсе, Париж
Полное название картины: «Доктор Пеан обучает своих студентов в больнице Сен-Луи своему открытию защемления кровеносных сосудов».
В 1887 году Анри Жерве получил заказ – изобразить на картине знаменитого французского хирурга Жюля Эмиля Пеана, который изобрел кровеостанавливающий зажим, которым врачи пользуются до сих пор.
Классический портрет в кресле или у книжного шкафа художник отмел сразу: слишком скучно.
А почему бы не сделать работу более живой, где вы среди коллег собираетесь заняться своим делом.
– Предложил Жерве.
Пеан одобрил замысел. Для пущей достоверности художник внимательно осмотрел больницу Сен-Луи, где должны были происходить события на картине.
Конечно художник не смог обойтись без молодой и прекрасной девушки!
Иначе это был бы не Жерве…
Когда Жерве представил свою картину, многие поспешили его осудить: дескать, внимание зрителя приковано к юной француженке, а вовсе не к тому, ради кого все затевалось.
«Венера и Тангейзер»/ Venus and Tannhäuser, Лоуренс Коу
Около 1896 года. Масло на холсте. Размер: 141,8х243 см.
Коллекция «Брайтон и Хоув музеи и галереи», Брайтон, Великобритания.
Картина британского художника Lawrence Koe (1869–1913) написана по мотивам оперы Рихарда Вагнера «Тангейзер и состязание певцов в Вартбурге». Сюжет первого акта:
Смертный Тангейзер добился любви Венеры и проводил жизнь в наслаждениях в её владениях.
Но теперь он тяготится этим состоянием и мечтает о земле, звоне колоколов и смене времён года.
Он поёт песнь, в которой прославляет Венеру и чудеса её царства, но снова просит отпустить его на землю.
Венера тщетно уговаривает Тангейзера остаться.
В конце концов Венера в ярости говорит, что люди отвернутся от него, и он сам, униженный, будет искать путь назад.
Тангейзер призывает Марию, и при упоминании имени Богоматери Венера и её грот исчезают.
Картина отражает противоречие между вечным наслаждением и земными тяготами. Вечное наслаждение не подходит для смертного, и Тангейзер не боится возможных тягот.
«Иаиль и Сисара», Артемизия Джентилески
1620г. Холст, масло. Размер: 86×125 см. Музей изобразительных искусств, Будапешт
На картине караваджистки Артемизии Джентилески изображена еще одна библейская героиня, убившая врага и принесшая мир своему народу. Причем способ убийства был довольно необычным.
Женщину из родственного евреям племени кенеев звали Иаиль («горная коза»). Её имя упоминается в Библии в связи с совершённым ею убийством Сисары. Разбитый и преследуемый победоносным Вараком военачальник враждебного евреям ханаанского царя Иавина Сисара укрылся в шатре Иаили. Женщина сперва напоила его молоком, а после того как он уснул, взяла кол от шатра и молот, подошла к спящему Сисаре и вогнала кол ему в висок с такой силой, что он пробил череп Сисары и пригвоздил его к земле.
Последующие сорок лет были мирными для Израиля. Подвиг Иаиль навсегда запечатлён в высокоторжественной песни Варака и Деворы
«Плачущая женщина», Пабло Пикассо
1937 г. Холст, масло. Размер: 61×50 см. Галерея Тейт Модерн, Лондон
Перед нами один из самых известных портретов Пикассо, выполненных в стиле аналитического кубизма, но с большим реализмом, чем обычно. После завершения работы над эпической картиной «Герника», Пикассо создал серию изображений плачущих женщин, прототипом которых стала одна из фигур в «Гернике». «Плачущая женщина» из галереи Тейт – последняя и самая сложная из этого цикла. Другие хранятся в таких крупных институтах, как Национальная галерея Виктории в Мельбурне, Музей Пикассо в Париже, Центр искусств округа Лос-Анджелес и других.
Моделью для всей серии «Плачущих женщин» стала бесподобная Дора Маар- муза, любовница и интеллектуальный компаньон Пикассо.
«Портрет Пабло Пикассо в XXI веке», Сальвадор Дали
1947 г. Холст, масло: Размер: 65,50 х 56 см. Театр-музей Дали, Фигерас
Картина, исполненная намеков и аллегорий, была написана Дали в Нью-Йорке США, для выставки в галерее Бину, которая продлилась с 25 ноября 1947 года по 31 января 1948 года. Работу эту Дали считал совершенно необходимой для постоянной экспозиции "Театра-Музея" и даже заранее определил ему место в центре зала "Рыбные лавки", где картина находится по сей день, напротив «Мягкого автопортрета с жареным салом» 1941 года.
Принято считать, что именно после того, как Дали написал "Портрет Пабло Пикассо в XXI веке", отношения между ним и Пикассо окончательно разладились, однако утверждение это ни на чем не основано - и прежде всего потому, что никаких "отношений", о которых следовало бы упоминать отдельно, между Дали и Пикассо никогда не существовало.
К моменту написания "Портрета Пабло Пикассо" Дали был не менее известен в мире, чем его старший товарищ, и, при амбициозности усатого каталонца, его, как несложно догадаться, совершенно не устраивал тот факт, что одновременно с ним, на одной и той же планете Земля, имеет наглость проживать еще один испанский художник, который оспаривает у него, "божественного Дали", пальму первенства в мире современной живописи.
Это никуда не годилось. Король может быть один, и только один - и "Портрет Пикассо в XXI веке" - своего рода заочная атака на современника, земляка и конкурента, которому, впрочем, было ни жарко, ни холодно от нападок непостижимого Дали.
Дали изобразил Пикассо в виде монстра с козлиными рогами, при этом его тело изображено с явно женскими признаками, искусствоведы находят в этом аллюзию на тот факт, что любвеобильный Пикассо в отношениях с женщинами был монстром, деспотом и тираном. Ещё один намёк на любовь и страсть можно рассмотреть в длинной ложке с помещённой в неё мандолиной — символом чувственности и любовного пыла[5].
Изображённая могильная плита с гвоздикой символизирует «смерть Пикассо для искусства», именно так считал Дали, обвиняя Пикассо в прославлении уродства[4]. Изображение на картине и ещё одного цветка — жасмина, указывает на происхождение Пикассо, появившегося на свет в Малаге, одним из символов которой является именно жасмин. Тяжёлый каменный булыжник, которым придавлена символическая голова Пабло, вероятно указывает на огромный груз ответственности который лежит на художнике, и который его вскоре раздавит
«Встреча»/The Welcome, Брайтон Ривьер
Британский художник-анималист Briton Riviere (1840 – 1920) родился в Лондоне, в семье художника французского происхождения Уильяма Ривьера. Отец художника был преподавателем колледжа Челтенхем, а затем – Оксфорда. Первым учителем живописи для маленького Брайтона стал отец.
Длительное время Брайтон Ривьер писал картины на исторические и библейские темы, а потом серьезно увлёкся написанием картин с изображением животных.
«Встреча» — выразительная картина британца Ривьера, написанная в стиле реализма и относящаяся к жанровой живописи. На картине ярко запечатлён трогательный момент, передана суть повседневной жизни с тщательной проработкой деталей и эмоциональной глубиной.
На картине изображён мужчина, который стоит в дверном проёме, слегка наклонившись вперёд и опустив голову, что передаёт ощущение усталости, возможно, после долгого рабочего дня. В руке он держит трость, а его простая одежда говорит о том, что он ведёт трудовой образ жизни. У его ног маленький щенок тянется вверх передними лапками, радостно приветствуя хозяина дома. Обстановка простая и почти мрачная, что подчёркивает нежное взаимодействие между мужчиной и щенком. Мастерское использование художником света и тени придаёт сцене дополнительную глубину, усиливая ощущение тепла и уюта, которое возникает при встрече с близкими.
«Слепой хозяин», Василий Максимович Максимов
1884г. Холст, масло. Размер: 51 х 88 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Крестьянская тема была ведущей в творчестве художника. «Слепой хозяин» - одна из последних значимых работ Василия Максимова на крестьянскую тему, говорящая о том, что и в сложные годы 1880-е годы художник находит в себе силы продолжать свою повесть о крестьянской жизни на уже знакомой, но по-прежнему дорогой для него ноте подлинно человеческого сострадания, правда, без больших художественных открытий.
Образ одинокого слепого, кормящего ребенка, проникнут настроением грусти и состраданием к бедным. Старика и дитя, олицетворяющих безысходность и надежду, объединяет общая судьба, любовь, забота друг о друге.
В начале восьмидесятых - во время поездки на родину - Василий Максимович Максимов провалился в промоину посреди реки и долго пробыл в ледяной воде, опираясь на охотничье ружье. С последствиями этого переохлаждения он прожил остаток жизни. Последние 20 лет его жизни проходят в депрессии, болезнях, пьянстве и нищете. Переживший свои темы (на смену передвижникам пришли художники новых направлений), он почти не находил покупателей и заказчиков; по-прежнему писал сюжеты из крестьянского быта. Бедность, истощение, болезни свели художника в могилу.
«…И Зевс пролился золотым дождем (Даная)», Анатолий Александрович Калашников
2006 г. Холст, масло. 125x135 см. Ирбитский музей изобразительных искусств
Живописная композиция уральского художника Анатолия Калашникова под названием «…И Зевс пролился золотым дождем (Даная)» была написана в 2006 году в рамках творческого проекта «Даная. Памяти шедевра». Этот проект был посвящен 400-летию со дня рождения великого голландского художника Рембрандта, создавшего в 1636 году свою знаменитую «Данаю», которая сегодня хранится в Государственном Эрмитаже. В творческом эксперименте участвовали художники Екатеринбурга и Челябинска, поставившие целью с позиций искусства XXI века пластическим и образным языком современной живописи выразить собственное понимание античного сюжета и способы его изобразительного воплощения.
"Детоубийство", Эрик Хеннингсен
1886 г. Холст, масло. Размер: 78,5 х 117 см. Собрание Хиршпрунга
Датский художник Erik Henningsen известен своими реалистическими картинами о бедных и незащищенных слоях населения. Главными героями его картин, написанных в 1880-1890 годы, были пожилые люди, безработные и женщины, оказавшиеся в трудных жизненных ситуациях.Примером может служить картина "Детоубийство", рассказывающая об одном трагическом случая, свидетелем которого стал ее автор.
Полицейский держит за руку мать, погубившую собственного ребёнка. По всей видимости, женщина убила незаконнорожденного младенца и закопала его тело в овраге. Кто-то, став свидетелем этой сцены, вызвал полицию и показал место преступления. Раскопав яму, мужчины обнаружили там трупик ребёнка и сейчас извлекают его, чтобы провести следственные действия.
Название картины связано с римским афоризмом Summum jus summa injuria, который означает «высшее право есть высшая несправедливость». Таким названием художник хотел показать, что женщина убила своего ребёнка потому, что была поставлена обществом в невыполнимые условия.
Три Цирцеи Джона Уильяма Уотерхауса
Английский художник, творчество которого относят к позднейшей стадии прерафаэлитизма, написал три картины, посвященные героине одного из древнегреческих мифов. На его полотнах изображена Цирцея - дочь Гелиоса и океаниды Персеиды, представительница чародейства, колдунья.
1. «Цирцея предлагает кубок Улиссу», Джон Уильям Уотерхаус
1891, 149×92 см. Галерея Олдхэм, Манчестер
2. «Цирцея» (Ревность Цирцеи), Джон Уильям Уотерхаус
1892, 180.7×87.4 см. Художественная галерея Южной Австралии, Аделаида
3. «Колдунья. Цирцея», Джон Уильям Уотерхаус
1911, 74×109 см. Частная коллекция
Джон Уильям Уотерхаус Английский художник, творчество которого относят к позднейшей стадии прерафаэлитизма, написал три картины, посвященные героине одного из древнегреческих мифов. На его полотнах изображена Цирцея - дочь Гелиоса и океаниды Персеиды, представительница чародейства, колдунья.
Самая известная история встреча Цирцеи и Одиссея. Древнегреческий герой приплыл к ее острову во время своих блужданий по морю. Когда часть его спутников, отправившаяся для исследования острова, была обращена колдуньей в свиней, Одиссей отправился один к дому волшебницы и с помощью данного ему Гермесом чудесного растения победил чары богини. Цирцея, признав в отважном госте Одиссея, предложила ему остаться с ней на острове и разделить её любовь.
Одиссей склонился на предложение богини, но прежде заставил её поклясться, что она не замышляет против него ничего дурного, и вернуть человеческий образ его спутникам, обращённым в свиней. Прожив год на острове в неге и довольстве, Одиссей, по настоянию товарищей, стал просить Цирцею отпустить их на родину и, получив согласие богини, отправился сперва, по её совету, в область Аида, чтобы узнать от прорицателя Тиресия о предстоящих ему испытаниях.
Герберт Джеймс Дрейпер, «Одиссей и сирены», 1909 г.
Мифологическая картина британского художника хранится в Художественной галерее Ференса в Кингстон-апон-Халле, которая приобрела её у Дрейпера в 1910 году за 600 фунтов стерлингов. Художник также написал её уменьшенную копию, которая находится в Художественной галерее Лидса.
«Сирена», Анто Карте
1920 г. Холст, масло. Размер: 62 x 75 см. Частная коллекция
Бельгийского художника Anto Carte (1886-1954) сложно отнести к какому-то определённому направлению, он не принадлежит ни к какой школе. В его работах заметны символизм, натурализм, экспрессионизм.
Фигура человека — центральная в творчестве Карта. В начале своего пути он, под влиянием символизма, писал картины с мифологическими и фантастическими персонажами. К этому периоду относится картина «Сирена».
Прекрасная и опасная полудевушка-полурусалка сладко пела рыбаку задушевную песню, и от звуков чарующего голоса его веки тяжелели, и сам он превращался в безвольную куклу. Сирена продолжала свою песню, не в силах остановиться – еще немного, и этот юноша окажется в полной ее власти.
Такова романтика рыбацкой жизни.
"Интерьер (по мотивам Дега)", Джеффри Лоуренс
2019 г. Холст, масло. Размер: 81,28 x 121,92 см.
Талантливый американский художник Geoffrey Laurence не очень известен в нашей стране. Родился в городе Паттерсон, Нью-Джерси, в 1949 году, вскоре после окончания Второй мировой войны. Его родители пережили Холокост и стали натурализованными американскими гражданами.
Учился в Лондонском колледже печати ( LCAD ) Бьяма Шоу ( графика), в колледже Святого Мартина ( бакалавр ), в Нью-Йоркской академии искусств ( магистр с отличием )
Данную картину Джеффри Лоуренс написал по мотивам шедевра Эдгара Дега "Интерьер (Изнасилование)", отдавая дань уважения одному из виднейших представителей импрессионистского движения.
Франсиско Гойя, "Драка котов"
Ок. 1786-1787 гг, Холст, масло. Размер: 56,5 x 196,5 см. Музей Прадо, Мадрид
Франсиско Хосе де Гойя-и-Лусьентес (1746-1828) — испанский живописец и график, один из первых и наиболее ярких художников эпохи романтизма.
Котов изображали многие знаменитые художники. И не знаменитые тоже. В отличии от многих своих коллег испанский художник Франциско Гойя написал честную картину, изобразив двух агрессивных котов- бойцов, которые готовы начать настоящее сражение за право быть лидером.
"Брайтон Пьеро", Уолтер Ричард Сикерт
1915 г. Масло на холсте, 63,5 x 76,2 см. Галерея Тейт Британия, Лондон
Уолтер Ричард Сикерт (1860–1942) признан одним из самых известных художников 20-го века, который помог сформировать современное британское искусство. В конце 19-го века Британия сходила с ума по мюзик-холлам. Они быстро привлекли внимание богемных кругов, среди которых был художник Уолтер Сикерт.
Для Сикерта мюзик-холлы были неотразимы: богатый, странный, освещенный светом мир, в котором переплелись реальность и сон. Он брал с собой в карманы маленькие разлинованные книжечки чтобы зарисовывать происходящее, снабжая примечаниями строчки из песен. Вернувшись в свою студию, он превратщал их в удивительно выразительные, яркие картины, которые, несмотря на то, что они черпали яд из затхлых уголков викторианского мира искусства. Этот вид творчества положил начало его карьере.
В 1887 году, через два года после того, как он познакомился с Эдгаром Дега и французским импрессионизмом, Сикерт написал первую из своих сцен в мюзик-холле. После этого популярные развлечения стали повторяющейся темой в его творчестве. Хотя «Брайтон Пьеро» принадлежит к этому направлению его творчества, его весьма оригинальная композиция и использование теплых, ярких цветов знаменуют отход от более ранних работ и указывают на развитие творчества Сикерта 1920-х и 1930-х годов.
Сикерт провел большую часть лета 1915 года в Брайтоне в качестве гостя своего покровителя, художника Уолтера Тейлора. В течение пяти недель он регулярно ходил смотреть выступление Пьеро на небольшой временной сцене, возведенной на пляже Брайтон, делая при этом несколько подготовительных набросков для картины.
Сикерт создал две картины «Брайтон Пьеро». Первая из них находится в частной коллекции. Увидев ту картину, один из его покровителей тут же попросил его сделать копию. Хотя Сикерт редко принимал такие заказы, в этот раз он сделал это. Вторая версия — это картина, которую можно увидеть здесь. Главное композиционное различие между ними заключается в том, что в первой актер на переднем плане сцены держит короткую золотую трость, которая отсутствует во второй картине. Кроме того, колорит в более поздней версии, как правило, ярче и кислотнее.
Располагая зрителя отдельно от зрителей и исполнителей, точка зрения со стороны сцены дает отстраненный вид на обоих. Этот необычный угол создает трудности при чтении некоторых областей картины, в частности фигуры ближайшего Пьеро и пространства вокруг него. В то время как кричащая зеленая и розовая полосатая колонна скрывает большую часть его тела, включая лицо, его непропорциональный размер относительно сцены создает пространственную двусмысленность в центре картины. Сикерт переворачивает устоявшиеся условности композиции с помощью этой компоновки и вносит чувство дезориентации
🚨 Тайны шедевров не должны теряться! 🚨
Друзья, даже у хорошо знакомых картин есть секреты. Чтобы вы продолжали открывать их, даже если Telegram даст сбой, мы создали канал в Maх.
Вас ждёт:
🎨 Загадки и символы в известных картинах.
🖼 Истории создания мировых шедевров.
👤 Факты о художниках и их судьбах.
🔎 Детали, которые вы раньше не замечали.
Подписывайтесь в Maх и смотрите на искусство глубже, несмотря ни на что 👇
🔗История одной картины | Тайны шедевров 🎨🔍
"Ипрский выступ ночью", Пол Нэш
1918 г.Масло на холсте. Имперский военный музей, Лондон
Paul Nash (1889-1946) – британский художник, иллюстратор, дизайнер и критик. Старший брат художника Джона Нэша. Сыграл ключевую роль в развитии модернизма в английском искусстве.
На картине "Ипрский выступ ночью" мы видим трех солдат в траншее во время ночного боя. Яркая вспышка сигнальной ракеты освещает огненные позиции. Слева находится затопленная воронка от снаряда, за которой стоят трое других солдат, а на заднем плане возвышается лесной массив.
В сентябре 1914 года, вскоре после начала Первой мировой войны, Нэш неохотно поступил на службу рядовым во второй батальон «Художественные винтовки», входящий в состав 28-го Лондонского территориального полка. В феврале 1917 года был отправлен на Западный фронт в звании лейтенанта Хэмпширского полка, базировавшегося в Сент-Элои на Ипрском выступе в относительно спокойное время. В ночь на 25 мая 1917 года Нэш упал в траншею, сломал ребро и к 1 июня по инвалидности вернулся в Лондон. Несколько дней спустя большая часть его бывшего подразделения была убита при штурме позиции, известной как Высота 60. Нэш считал, что ему повезло, что он остался жив.
В Лондоне Нэш создать серию из двадцати военных картин, в основном написанных тушью, мелом и акварелью. Они принесли Нэшу известность и звание официального военного художника.
«Весенний лес», Джон Кольер
В центре композиции — величественное древнее дерево с узловатыми и изогнутыми ветвями, тянущимися к небу и образующими замысловатую сеть. Окружающий лес прорисован с такой же точностью, передающей тонкое взаимодействие света и тени, проникающих сквозь густую сеть голых ветвей. Лесная подстилка покрыта молодыми побегами, что намекает на обновление и жизненную силу весны. Приглушённая цветовая палитра придаёт сцене ощущение спокойствия и благоговения перед миром природы, что отражает суть реализма в его стремлении изображать мир таким, какой он есть.
Поль Мерварт (1855-1902)
Потоп (Девкалион, держащий свою жену)
1878
Сюжет картины заимствован из произведения Альфреда де Виньи «Потоп» о трагической любви двух молодых людей, погибших во время вселенского катаклизма.
Молодые люди полюбили друг друга, вместе пасли овец высоко в горах и ничто, казалось, не могло их разлучить. Но однажды пришла весть о Великом Потопе и о спасении только семейства праведного Ноя. У героев Виньи был выбор на пути к личному спасению ценой отказа друг от друга: к Эммануилу спустился его отец Ангел и повелел в назначенный час одному подняться на вершину горы и ждать его прихода, а к Саре пришел сын Ноя с предложением руки и сердца. Для Сары это означало спасение, но она отказалась войти в семейство Ноя из любви к Эммануилу. В итоге Эммануил ослушался отца Ангела и вскарабкался на самую высокую гору вместе со своей возлюбленной. Ангел не явился, и вскоре волны накрыли вершину скалы, на которой пастух из последних сил удерживал свою Сару.
«Танцовщица», Джино Северини
1915 г. Холст, масло, 100 х 81 см. Частная коллекция
Итальянский художник, график и скульптор Gino Severini (1883–1966) известен как представитель футуризма и кубизма в искусстве.
Учился живописи и рисунку в Риме, где в 1900 году познакомился с Джакомо Балла, у которого перенял дивизионистическую технику рисунка.
Мощное, динамичное и красочное изображение движущейся фигуры, танцовщицы представляет собой типичную футуристическую композицию. Северини нарисовал своих первых танцоров в 1911 году и продолжал заниматься этой темой в течение следующих пяти лет. Созданная в конце его футуристического периода, «Танцовщица» представляет собой кульминацию исследования художником этой темы, которая стала считаться иконой футуризма.
Центральным элементом эстетики футуристов была идея движения и скорости, и в «Танцовщице» Северини переносит эти понятия на холст растворяя героиню картины в вихре линейных траекторий и ярких цветов.
«Первенец на новых землях», Мария Владимировна Савченкова
1954 год. Холст, масло. Размер: 80,5 х 100,5 см.Тамбовская областная картинная галерея.
Мария Владимировна Савченкова (1917-2017) в основном писала картины, посвящённые материнству, семейному счастью и крестьянскому быту. Вместе со своим мужем Нечитайло Василием Кирилловичем была членами художественного объединения "12 московских живописцев"
"Лето", Фредерик Карл Фризеке
1914 г. Холст, масло. Метрополитен Музей, Нью Йорк.
Frederick Carl Frieseke (1874-1939) — американский художник-импрессионист, который провел большую часть своей жизни в качестве экспатрианта во Франции; был влиятельным членом художественной колонии Живерни в Нормандии, где Клод Моне был его соседом. Там была написана целая серия картин ню на природе, среди которых было полотно "Лето".
Художник подбирал натурщиц сообразно его представлениям о красоте: бархатная кожа, рыжие волосы, и вполне определенное телосложение. Импрессионистическая манера в которой написаны трава, вода, листья и ткани сочетается с немного более традиционной трактовкой фигуры девушки, напоминающей изображения обнаженной натуры на пленэре созданные Огюстом Ренуаром, которым Фризеке восхищался.
"Давид и Ависага", Педро Америко
1892 г. Масло на холсте, Размер: 47 x 65 см. Частная коллекция
Педру Америку ди Фигейреду и Мелу (1843,-1905) — бразильский художник, писатель и поэт.
Сюжет картины взят из мифа о Ависаге Сунамитянки и царе Давиде. Молодую девочку-подростка, которая только-только начинает оформляться в прекрасную девушку, привозят во дворец к постоянно мерзнущему царю Давиду. Своим юным жарким телом Ависага Сунамитянка должна согреть дрожащего семидесятилетнего старика.
Скудость информации об Ависаге, загадочность ее отношений с Давидом, борьба за царский трон между сыновьями Давида, в которой она становится разменной пешкой, ее отношения с Вирсавией будоражат вот уже несколько веков фантазии писателей, поэтов и художников. Каждый из них дописывает, домысливает, дорисовывает...
Библейская история старика и молодой девушки в XVIII-XIX веке имела неожиданный поворот: она превратилась в прием омоложения: старики стали брать себе в любовницы или жены невинных молодых девушек, надеясь, что это продлит им жизнь. И назывался этот метод по имени Ависаги - «сунамитизм». Отсюда и русская традиция неравных браков - стариков с молоденькими девушками, корни которого вряд ли знакомы брачующимся.
«Нефертари снова здесь», Валид Эбейд
Современный египетский художник Walid Ebeid (род. 1970), пишет тревожные картины с сюжетами, затрагивающими актуальные социальные и гендерные темы.
"На моих картинах в основном представлены женщины, поскольку они угнетены и лишены прав", – говорит Эбейд.
Нефертари — одна из самых могущественных и известных женщин за всю историю Египта, жена фараона и своего брата Яхмоса I. Иероглиф «нефер» в её имени означал «пригожая», «совершенная», «счастливая». Современные Нефертари на полотнах каирского художника Валида Эбейда (Walid Ebeid, род. 1970) тоже прекрасны, но далеко не счастливы. Обстоятельства их жизни неоднозначны, а перспективы выглядят крайне печально.
«Где была?» , Константин Александрович Трутовский, 1879 г.
Драма в красках: грозный муж встречает загулявшую жену плеткой, старуха выражает недовольство, дитя жует бублики, на столе краюха хлеба и зеленый лук, на полу веник из полыни — готовая фактура для длинного сериала, уложенная в один кадр.
Мы видим простую семью из пяти человек. Однако в центре сюжета находится жена и мать семейства, которая только что вошла в хату, но почему-то остановилась в дверях и виновато опустила взгляд.
Художник изобразил сцену возвращения домой замужней женщины, которая ушла самовольно и совсем не по домашним делам. Судя по нарядному сарафану, цветастому платку на голове и многочисленным бусам, мать малолетних детей решила развеяться и сходить на свидание с другим мужчиной. Отсюда ярость мужа, поникший взгляд супруги, испугавшейся наказания. Ждать поддержки и защиты от старухи не стоит. По всей видимости, это свекровь. Она недовольна тем, что ей приходится сидеть с детьми пока невестка гуляет.