458
Свои секреты есть даже у тех шедевров живописи, которые кажутся нам хорошо знакомыми. Все проекты: https://t.me/JaneAirr По всем вопросам: @zhanna_osipova
«Жизнь — это танцы под дождем»
Игнорируя рамки табу, румынский художник-сюрреалист Адриан Борда (Adrian Borda) старается выразить свои «безумные» сновидения.
В балетной уборной
Серия картин Зинаиды Евгеньевны Серебряковой, написанных во время подготовки балерин Мариинского театра к выходу на сцену.
Старшая дочь Серебряковой Татьяна (Тата) с 1921 года училась в хореографическом училище Петроградского академического театра оперы и балета. На протяжении трех лет каждую неделю Серебрякова приходила в уборные, где делала многочисленные наброски одевающихся и гримирующихся перед выходом на сцену танцовщиц. Чтобы не утомлять их долгим позированием, художница купила балетный костюм (пачку, корсаж, туфли, трико) и нередко сама позировала себе перед зеркалом в необходимой позе.
В нашей подборке несколько картин Зинаиды Серебряковой, связанных с жизнью примерочных и балетных уборных.
«Альбейде», Александр Кабанель
1848 г. Холст, масло. Размер: 98x80 см. Музей Фабра, Монпелье, Франция
Александр Кабанель (1823-1889) считается одним из самых значимых академических художников во Франции 19 века. Сам Луи-Наполеон Бонапарт, сначала президент Французской Республики, а потом ставший императором Франции Наполеоном III (Вторая империя), очень почитал творчество Кабанеля и покровительствовал ему.
Александр Кабанель писал портреты, жанровые сценки, классические сюжеты. Но в данном случае художник пишет картину, навеянную не классикой, не историей, не драматургией. "Альбейде" - девушка с грустными глазами газели, которую оплакивает влюбленный в нее юноша из стихотворения Виктора Гюго.
Художник увидел Альбейде с потухшим взглядом: она уже не здесь, а в другом мире. Нет в картине особой символики. Разве что вьюнок в ее руках - растение, которое поднимается навстречу солнцу, используя цепляющиеся за все усики. И как бы становится понятным смысл эпиграфа: жизнь продолжается...
Редчайший случай в истории искусства! Персонаж из стихотворения так вдохновил живописца – такое случалось нечасто.
"Птица-ангел", Ирик Мусин
Критики в один голос отмечают, что у Ирика Мусина удивительно динамичные картины с яркой манерой использования широких и сильных мазков. Уроженец Петропавловска (Казахстан) родился в 1966 году, и обучался живописи в Набережных Челнах. Сейчас проживает в Татарстане, имеет серьёзные награды и звания, и неоднократно становился победителем многих конкурсов современных художников.
«Узбекская женщина в Ташкенте», Василий Васильевич Верещагин
1873 г. Холст, масло. Размер: 36×26 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Приобрена П.М.Третьяковым в 1874 году у автора. Женский образ на этюде Верещагина может послужить ценным этнографическим источником в изучении национальной одежды того времени. С юного возраста девушка при выходе на улицу, на пороге своего дома, должна была накинуть паранджу на голову и закрыть лицо чачваном – густой сеткой, сплетенной из черного конского волоса.
На картине Верещагина узбечка изображена идущей вдоль длинного саманного забора. Среднеазиатская паранджа представляла собой длинный широкий халат с прорезями для рук и ложными рукавами, откинутыми за спину. Рукава, закрепленные за спиной - признак замужней женщины.
Ослепительно яркое южное солнце и цветные рефлексы, которые так полюбил художник во время туркестанских путешествий, станут излюбленным художественным приемом в его творчестве.
«Внезапный летний ливень над мостом Охами в Атакэ», Утагава Хиросигэ
1857 г. Ксилография. Бумага. Размер: 33.8×22.1 см. Институт искусств Миннеаполиса, США
Гравюры укиё-э сыграли определенную роль в истории западной живописи. Известно, что Винсент Ван Гог скопировал е две гравюры Хиросигэ, Одна из них «Цветущий сливовый сад в Камейдо» (1857 г. Ксилография. Бумага. Размер: 33.7×22 см. Мемориальный театральный музей Цубоути, Токио). Вторая: «Внезапный летний ливень над мостом Охами в Атакэ», вошедшая в самый известный цикл Хиросигэ «Сто знаменитых видов Эдо» под номером 52.
Мост Охаси (в переводе с японского – «большой», «великий») соединял берега реки Сумида, протекающей через Эдо. Деревянное сооружение было возведено в 1694 году и прослужило почти два века, пока его не заменили в 1885 году.
Внезапные летние ливни становились частым предметом изображения на гравюрах укиё-э. Такой, как на этой ксилографии, Хиросигэ называл «белым» - возможно из-за того, что его пелена настолько густая, что кажется сплошной, непроглядной, почти осязаемой. Чтобы передать этот образ, мастер использует сложную для вырезания на деревянной доске технику множества тонких пересекающихся линий.
«Голова женщины», Мари Лорансен
1909 г. Холст, наклеенный на картон, масло. Размер: 34,8х26,8 см. Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина
В начале XX века, обучаясь в академии Юмбера в Париже, Мари Лорансен вошла в круг мастеров авангарда — Брака и Пикассо, который познакомил молодую художницу Мари Лорансен с поэтом Гийомом Аполлинером.
Их близкие отношения, переросшие в страстная связь, продолжались до 1912 года. Лорансен стала для поэта настоящей музой. Он посвящал ей стихи и вдохновил ее на создание картины «Аполлинер и его друзья». Подготовительной работой к этому большому групповому портрету 1909 года, по-видимому, и явилась «Голова женщины» из музейного собрания.
В произведении «Аполлинер и его друзья» среди изображенных помимо самого Аполлинера и Пикассо узнаются Фернанда Оливье, Мари Лорансен, Гертруда Стайн, поэт Морис Кремниц и две неизвестные женщины. Одна из них — между Пикассо и Кремницем — изображена на московском портрете. Скорее всего она была натурщицей, посещавшей ателье Пикассо Бато-Лавуар в 1905–1909 годах. Портрет написан в характерном для художницы декоративном стиле с большими плоскостями локального цвета и выразительными линиями.
«Мир и изобилие», Джордж Иннесс
1865 г. Холст, масло, Размер:285,4 х 197,2 см. Музей Метрополитен
George Inness (1825–1894) — американский художник-пейзажист, крупный представитель тонализма. «Мир и изобилие» -одна из самых известных его работ. Картина, написанная в год окончания Гражданской войны в США была репродуцирована в миллионах открыток и приобрела необыкновенную популярность. Полотно, воссоздающее безмятежно-ясный просветлённый пейзаж долины реки Делавар, воспевает прекрасную природу обновлённой Америки.
На картине изображен пасторальный пейзаж на закате или рассвете. На переднем плане — поле с разбросанными по нему стогами сена, видны несколько фигур, вероятно, фермеров, работающих в поле. В среднем плане река извивается по ландшафту, вдали виден мост. За рекой виднеются холмы и вдали — деревня или город. Два больших дерева стоят в среднем плане, обрамляя вид на реку. Небо — это сочетание мягких, приглушенных цветов, что говорит о спокойствии времени суток. Общее настроение — безмятежное и умиротворенное, отражая название произведения искусства.
"Ее первый танец", Уильям Куиллер Орчардсон
1884 г. Масло на холсте, 101,6 x 138,4 см. Галерея Тейт Британия, Лондон
Сэр William Quiller Orchardson (1832-1910) — шотландский портретист и художник, писавший картины на бытовые и исторические темы. Его популярность неуклонно росла. К 1880-м годам он стал считаться одним из величайших современных художников. Орчардсон специализировался на изображении жизненных и эмоциональных проблем в общении между людьми. Здесь изображена взволнованная девушка, которой предстоит исполнить танец на первом в ее жизни балу. Возможно ее кавалер является опытным танцором, который поможет юной даме справиться с волнением.
Обстановка и наряды героев переносят зрителя в 1820 годы, а герои Орчардсона - представители поколения его родителей. Критики очень хвалили автора за его нежные цвета, часто почти монохромные.
«Леди Годива», Этель Морлок
?г. Холст, масло. Размер: 162,5 х 152,4 см. Частная коллекция
На картине британского художника 19 века изображена леди Годива - англосаксонская графиня, жена Леофрика, эрла Мерсии, которая проехала обнажённой по улицам города Ковентри ради того, чтобы граф, её муж, снизил непомерные налоги для своих подданных. Для тех, кто не слышал о знаменитой английской легенде, напомним ее суть:
В первой половине XI века жил в британском городе Ковентри граф Леофрик. Говорят, он был довольно жестоким человеком, и периодически обкладывал жителей города непосильными налогами. Те, кто не мог платить – отправлялись прямиком на эшафот. Жена графа, леди Годива, наоборот была очень добросердечным человеком и не раз умоляла мужа снизить налоги, но тот был непреклонен. Со временем просьбы жены надоели графу, и он пообещал сократить размер налога, если жена выполнит его условие. Она должна была проехать по площади и улицам города на лошади верхом обнаженной. Поскольку Годива была довольно набожной женщиной, граф был уверен, что она никогда не пойдет на такое унижение. Но леди Годива, к его изумлению, согласилась выполнить условие мужа.
Узнав об этом, жители города, которые очень любили свою госпожу, решили помочь Годиве и договорились в назначенный час закрыть окна и двери своих домов, чтобы не видеть графиню без одежды. Согласно некоторым версиям легенды, лишь один житель города, «Подглядывающий Том» (Peeping Tom), решился взглянуть из окна на обнажённую всадницу — и в тот же миг ослеп.
Таким образом, Годива в назначенный день проехала верхом на лошади обнаженной по улицам Ковентри, и муж вынужден был снизить налоги.
Правда эта легенда или вымысел – неизвестно, но историки выяснили что граф и графиня Леофрик на самом деле жили в Англии. Граф при всем своем самодурстве вложил немалые средства в восстановление и строительство церквей, а его супруга Годива пожертвовала храмам большую часть своих драгоценностей. Имя героини красивой английской легенды Годи́ва (Godgyfu, Godgifu) переводится как «подаренная Богом».
Со светлым праздником Рождества Христова поздравляем всех! Пусть в ваших семьях царят добро и взаимопонимание. Пусть вас сопровождают успехи и процветание. Пусть в жизни найдется место для ежедневных добрых дел, и, самое главное, не теряйте веры. Ведь именно она — залог наших побед и основа наших надежд. Мы все хотим быть счастливыми и радостными каждый день, поэтому не забываем, что Господь говорил давать больше, чем брать, любить ближнего, а не только самого себя. Так пусть в этот праздник мы все будем ближе друг к другу, подарим родным и друзьям радость от общения, вспомним тех родственников, которым не успели уделить должного внимания. Пусть обиды и печали останутся в прошлом. Дарите друг другу свет божьей любви и не забывайте, что в этот день родился наш спаситель, который своей жизнью и своим воскресением доказал всему миру, что необходимо заботиться о людях более, нежели о себе. С Рождеством!
@pozzdrav
#РождествоХристово #7января
"Зеркало Венеры", Эдвард Берн-Джонс (1833-1898)
1875 г. Холст, масло, 120 х 200 см. Музей Галуста Гюльбенкяна, Лиссабон.
Явное эхо кватроченто, в частности, Боттичелли, на полотне подчеркивает декоративную гармонию ансамбля и намеренно создает ностальгические воспоминания о прошлом.
Картина Берн-Джонса «Зеркало Венеры» — это прославление женской красоты. Десять женщин, часто идентифицируемых как Венера и ее спутницы, собираются вокруг своих собственных отражений в воде. Пейзаж не может соперничать с их красотой — это унылая земля, которую автор Кристофер Вуд описал как «странно лунную».
Картина не предлагает нам никаких подробностей относительно истории или предыстории. Что именно они делают? Мы можем видеть большинство их отражений, что представляет собой великолепный пример удвоения. Однако не все из них ищут свой собственный образ. Красавица прямо справа от Венеры смотрит не на себя, а на своего спутника.
"Можно я его оставлю", Ингебьёрг Фройдис Стойва
Норвежская художница Ingebjorg Stoyva рассказывает своими произведениями целые истории. Главный мотив трогательной картины "Можно я его оставлю" — свобода и самостоятельность, отражённая через взгляд и действия маленькой девочки. Абсурдность ситуации помогает передать атмосферу игривости и позитива.
Картина выполнена в нежных и пастельных тонах. Разные оттенки розового и яркое светло-голубое небо в фоне создают впечатление спокойствия и безмятежности.
"Девушка на залитой солнцем набережной, Сент-Айвс", Доротея Шарп
1900-10 гг. Масло на холсте, 51 x 61 см. Частная коллекция
Британской художница Dorothea Sharp (1874-1955) наиболее известна своими пейзажами и натуралистическими этюдами, изображающими играющих детей. Во время учебы во Франции она познакомилась с творчеством Клода Моне и других импрессионистов. Их влияние видно в ее мастерском использовании света и тени, что перекликается с приемами ее французских коллег. Ее выбор сюжета и нежное отношение к детям, которые так часто появляются в ее работах, напоминают работы известных женщин-импрессионистов, Берты Моризо и Мэри Кассат.
«Что видит голова гильотинированного в первые три момента после казни», Антуан Жозеф Вирц
1855 г. Холст, масло. «Музей Вирца», Брюссель
Лучшими полотнами Вирца считаются «Современная цивилизация», «Пушечное мясо», «Последняя пушка», «Наполеон в аду». Особняком в этом ряду стоит картина «Что видит голова гильотинированного в первые три момента после казни». Ее критиковали больше всего, обвиняя Антуана-Жозефа в том, что в погоне за сенсационным сюжетом картины у него просто-напросто поехала крыша. Что все это бредни сивой кобылы, фантастика чистейшей воды и т. д., и т. п.
Читать статью
«Бочка Данаид», Шарля Герен
1876 г. Холст, масло. Частная коллекция
Шарль Франсуа Проспер Герен (фр. Charles-François-Prosper Guérin; 21 февраля 1875, Санс — 19 марта 1939, там же) — французский художник. Его отцом часто называют художника Жана Мишеля Проспера Герена, однако, эта информация, по всей видимости, ошибочна.
На данной картине изображён сюжет из древнегреческого мифа о Данаидах — дочках царя Ливии Даная. По велению отца они убили в брачную ночь своих мужей, только одна девушка, Гипермнестра, не послушалась отца.
В наказание Данаиды должны были в загробном мире вечно наполнять водой бездонную бочку. Когда сосуд казался полным, вода вытекала из него, и Данаидам приходилось повторять всё заново.
В переносном смысле «бочка Данаид» означает бесполезный и бесконечный труд.
«Несс и Деянира» Энрике Симоне Ломбардо
1888 год. Масло на холсте. Размер: 116 х 151 см. Частная коллекция
Сюжет о похищении супруги Геракла получил широкое распространение в период развития барокко (XVIIв.), когда искусство стремилось потрясти душу.
Согласно легенде, Гераклу и Деянире необходимо было попасть на другой берег реки. Сам Геракл собирался перебраться через реку вплавь, а Деяниру взялся перевезти на своей мощной спине кентавр Несс, который за определенную плату перевозил на своей спине женщин и слабых путников. Несс был восхищён красотой Деяниры и задумал овладеть ею.Когда он бросился вскачь. Геракл схватил лук и выпустил в кентавра отравленную стрелу, тем самым смертельно его ранив.
Умирая и желая отомстить, Несс посоветовал Деянире собрать его кровь, которая якобы поможет сохранить любовь Геракла. Однако кровь Несса, погибшего от стрелы Геракла, смазанной желчью лернейской гидры, оказалась ядом, от которого в страшных мучениях погиб Геракл. Узнав о том, что вызвала смерть мужа, Деянира покончила с собой, заколовшись мечом.
"Золотой век", Янош Вашари
1898 г. Масло на холсте, 92,5 x 156 см. Венгерская национальная галерея, Будапешт
Венгерский художник, живописец и график János Vaszary (1867–1939) - один из обсуждаемых художников первой половины XX века. Как и большинство современников, он отправился сначала в Мюнхен, а затем и в столицу искусств рубежа столетий — Париж, там некоторое время, как и многие соотечественники, учился в Академии Жюльен. Васари провел в Париже и путешествиях много лет, но под конец жизни вернулся на родину.
Янош Вашари был художником точной виртуозности, хотя и с несколько «холодным взглядом» и пытливым умом. Для него задача стилистического эксперимента была приоритетной, в то время как модель имела второстепенное значение, будучи лишь средством для достижения новых эффектов.
На картине "Золотой век" нет чёткого сюжета, а есть лишь образы, скрытые дымкой. Чем дальше удаляются изображённые предметы, тем больше они превращаются в бесплотные, исчезающие тени, символизирующие ушедший золотой век — полулегендарное гармоничное слияние человека и природы.
Полотно выражает ощущение «fin de siecle» (с французского — «конец века»), овладевшее европейским обществом на рубеже столетий и часто находившее отражение в современной живописи.
"Брак по расчету", Джон Малер Кольер
1907 г. Холст, масло. Размер: 124×165 см. Частная коллекция
Какой горячий момент гениально передал художник. Женщина постарше вдова, ее дочь плачет. Мать заставляет выйти замуж за богатого. Чувства обеих женщин накалены до предела. Та, что старше страшна своей властью и бессердечностью.
Возможно для девушки это момент истины, когда она поймёт, что надо что-то менять, а возможно таких моментов будет ещё много и она не имея возможности спастись будет жертвой злобной фурии в чёрном. Но в любом случае это не конец. Продолжение следует.
John Maler Collier (1850-1934) — английский живописец-портретист, один из представителей прерафаэлитизма. Известен как автор жанровых сцен, призывавших к добропорядочности и нравственности.. Актуальные сюжеты, романтический стиль живописи, идеализированные и чувственные женские образы сделали его популярным художником второй половины XIX — начала ХХ веков.
"Тоска: Автопортрет", Отто Дикс
1918 г. Государственный художественный музей, Дрезден
Немецкий художник и график Otto Dix (1891-1969) известен как автор эмоционально напряженных, способных удивлять и шокировать. Данная картина была написана в период, когда его творчество переживало экспрессионистскую фазу
«Сатир, оплакивающий нимфу», Пьеро де Козимо
1495 г. Дерево, масло. Размер: 65,4 см × 184,2 см. Национальная галерея, Лондон
Сюжет картины взят из финальной сцены древнегреческой легенды, пересказанной Овидием в «Метаморфозах».
Нимфа Прокрида была женой царя Кефала, который решил испытать её верность. Он переоделся другим мужчиной и начал ухаживать за своей женой. Когда Прокрида поддалась его домоганиям, Кефал открыл своё настоящее лицо, и опозоренная Прокрида бежала в лес к богине Диане. Кефал добился у жены прощения, но теперь она начала подозревать его в неверности и во время охоты спряталась в кустах, чтобы проследить за ним. Кефал случайно смертельно ранил Прокриду, приняв её за зверя.
Также существует версия, что «Смерть Прокриды» это часть цикла настенных панелей, изображавших историю развития человечества. В этом случае в картине заложен более глубокий философский смысл, чем просто предостережение от ревности и измены.
Игорь Кравцов "Память" Из серии "Опаленные огнем войны"
Это не просто воспоминания о войне, которой автору этого фото не дано было знать. Это постоянный молчаливый разговор с тем уходящим поколением, значительность дел и судеб которого, столь близких и важных для художника, поколение сегодняшнее признает лишь номинально.
«Монастырь в Цукидзи, Тэпподзу», Утагава Хиросигэ
1858 г. Ксилография. Бумага. Размер: 38×26 см. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Один из последних представителей направления укиё-э Утагава Хиросигэ (1797-1858) является автором 5400 гравюр.Самой известной работой мастера цветной ксилографии является серия "100 знаменитых видов Эдо", в которую входит гравюра «Монастырь в Цукидзи, Тэпподзу».
Э эпоху Мэйдзи правительство Японии разрешило селиться европейцам в квартале Акасите на южной оконечности отмели Тэпподзу.Территорию увеличили за счет того, что засыпали болотистую местность, поросшую камышами, она получила название Цукидзи, здесь было построено много особняков и монастырей. Главным среди них был Ниси Хонгандзи школы Дзедо-Синсю, одной из разновидностей культа будды Амиды.
Верующие называли этот храм Уукидзи Гобо, Уукидзи Монсэки. Его огромная крыша возвышается в гравюре над остальными домами. Суда в море ориентировались по ней, как по маяку. Здесь находился порт Эдоминато, где перегружали товары из различных районов Японии на небольшие лодки. Эти места также славились рыболовством. На втором плане видна рыбацкая лодка, с которой забрасывают сети. Крыша храма возвышается над полосой желто-молочных туманов. Алая заря у горизонта в позднем варианте переходит в более темную, почти черную полосу бокаси. Цветовые сочетания остаются прежними, но во втором варианте печати появляется большая цветовая насыщенность.
"На террасе", Джон Генри Твахтман
1890-1900 гг. Холст, масло, 64,1 х 76,5 см. Смитсоновский музей американского искусства, Вашингтон (Дар Джона Геллатли)
John Henry Twachtman (1853–1902) — американский художник, работавший в жанрах тонализма и импрессионизма.
В 1889 году поселился в Гринвиче, штат Коннектикут, где нарисовал множество изображений своей фермы. На этой весенней картине его жена Марта и их дети изображены на террасе, окруженной цветами и залитой мягким светом. Марта укачивает новорожденного сына, а дочери Марджори и Элси тихо играют рядом с ней. Твахтман хотел, чтобы фигуры на его картинах выглядели непринужденно. Эта картина напоминает снимок семейной жизни, а не формально поставленный портрет. Ярко-белые платья перекликаются с белыми цветами на дорожке и создают ауру невинности и чистоты вокруг маленьких детей и их мам.
«Южная комната - Зеленая улица», Дэниел Гарбер
1920 г. Холст, масло, 128,3 х 107,3 см. Национальная галерея, Вашингтон, округ Колумбия (Коллекция Коркорана)
Выдающийся импрессионист из Пенсильвании Daniel Garber (1880–1958) был наиболее известен своими пейзажами, но художник также выполнил ряд этюдов фигур и интерьеров, которые также принесли ему признание. «Южная комната - Зеленая улица» - одна из нескольких картин Гарбера, на которых изображены члены его семьи в их доме, причем, эта работа является самой большой и амбициозной из серии.
На картине изображены жена Гарбера, Мэри Франклин Гарбер, и дочь Танис в гостиной их рядного дома в Филадельфии на Грин-стрит, 1819. Это полотно - визуальный трактат о свете, его влиянии на объекты и опыт повседневной жизни и, в свою очередь, о перцептивных реакциях, которые эти эффекты вызывают. В частности, Гарбер манипулирует тем, как свет смешивает материю, превращая тяжелые шторы в витражи, пряди волос в золотую ауру, а тень плетеного кресла в кружевной узор на полу. Продолжая исследование иллюзорных способов видения, Гарбер включил в картину два зеркала, которые не только дают другой вид на голову девушки, но и интригующим образом отражают свет.
"Смерть Франчески де Римини и Паоло Малатеста", Александр Кабанель
1870 . Холст, масло, 184 х 255 см. Музей д'Орсе, Париж
Французский живописец Alexandre Cabanel (1823-1889) — один из главных представителей французского салонного искусства. Прославился полотнами на мифологические и литературные сюжеты.
Эта трагическая сцена была вдохновлена инцидентом, произошедшим в Римини в Италии в середине XIII века и была написана Данте в Canto V «Божественной комедии». Франческа да Римини, чей отец насильно женился на Ланчиотто Малатеста, влюбилась в ее красивого шурина Паоло. Ее муж поймал их, когда они обменялись первым поцелуем, и убил их одним махом своего меча.
Картина демонстрирует все типичные элементы классической традиции, которой сохранял верен Александр Кабанель. Композиция научная, живопись гладка, рисунок точный; иконографические детали взяты на себя. Книга, ушедшая из рук Франчески, напоминает, что любовники читали Ланселота, историю придворной любви, во время убийства, в то время как убийца сжимает свой кровавый меч.
Картина, выставленная на Салоне в 1870 году, стала объектом критики. Особенно не понравился Паоло и театральный тон работы.
Курт Ард "Молодость и старость"
Датский иллюстратор, художник и гравер Kurt Ard получил всемирную известность благодаря обложкам, которые он рисовал для популярных журналов 1950–1970 годов, включая Family Journal, Saturday Evening Post и Reader’s Digest
Некоторые выводы, которые сделали наблюдательные пользователи социальных сетей после детального изучения иллюстрации "Молодость и старость":
В молодости оба не притронулись к бокалам: они полные, а в старости уже наполнены.
В молодости их поздравляют старики, а в старости — молодёжь (скорее всего, дети).
В молодости у пары одинаковые цветы, а в старости — разные, что символизирует разные интересы.
Графин в молодости пустой, а в старости — полный, что говорит о том, что пара прожила вместе и не бедствовала.
"Музыка", Аугусто Джакометти
Ок. 1899 г. Уголь, пастель и темпера на бумаге, 186 x 109 см. Частная коллекция
Augusto Giacometti (1877-1947) считается одним из самых важных швейцарских художников ар-нуво и символизма. Летом 1897 года Аугусто Джакометти отправился в Париж, тогда ведущую мировую столицу искусств, где он посещал Школу декоративных искусств. Картина "Музыка" была написана в студии его наставника Эжена Грассе.
Данная работа работа является одним из главных достижений раннего периода карьеры Джакометти. Две крупные женские фигуры, олицетворяющие «музыку», полны мистицизма и возвышенной красоты.
Перевод звука в визуальное событие — «звучание» изображений — является особенностью символизма, стремящегося обратиться к как можно большему количеству чувств. Более того, концепция изображения «как чистой музыки» является одной из предпосылок для более позднего нефигуративного изобразительного изобретения художника, и, таким образом, эта работа предвещает последующий переход Джакометти к абстрактной живописи. Это также одна из его последних работ большого формата, находящихся в частной собственности.
Наступает 2026 год — год Огненной Лошади. Пусть её дух принесёт в вашу жизнь очищающий огонь перемен, энергию для дерзких свершений и свет, рассеивающий неопределённость.
Это время действия, смелых решений и движения только вперёд. Желаю вам оседлать волну этого года: пусть ваша внутренняя мощь встретится с его огненной силой, превращая препятствия в пыль под копытами, а цели — в желанные горизонты, которых вы достигаете в легкости и с радостью.
Пусть пламя этого года согреет ваш очаг, осветит профессиональные вершины и зажжёт искру самых заветных желаний. С Новым годом, годом Огненной Лошади! К новым победам и неизведанным далям!
#сновым2026годом
«Любовь и жизнь», Джордж Фредерик Уоттс (1817-1904)
Ок. 1884–1885 гг. Масло на холсте.Размер: 222.2×121.9 см. Галерее Тейт Британия, Лондон
George Frederic Watts (1817-1904) — английский художник-символист и скульптор Викторианской эпохи. Будучи последователем традиций старых мастеров Италии, он был известен современникам как "английский Микеланджело".
Из всех работ, которые художник подарил галерее Тейт, Уоттс выдедил одну:« Любовь и жизнь» — лучше всего передает мое послание эпохе. Жизнь, представленная женской фигурой, никогда не смогла бы достичь таких высот, если бы ее не защищала и не направляла Любовь.