458
Свои секреты есть даже у тех шедевров живописи, которые кажутся нам хорошо знакомыми. Все проекты: https://t.me/JaneAirr По всем вопросам: @zhanna_osipova
"День благодарения", Джон Каррин
2003 г. Холст, масло, 172,9 х 132,3 см. Галерея Тейт Модерн, Лондон
John Currin (род. 1962) — американский художник из Нью-Йорка. Известен своими сатирическими фигуративными картинами, в которых исследуются противоречивые сексуальные и социальные темы.
Несмотря на то, что его работы часто называют китчем, странно тревожные картины представляют собой изображения современных людей, сделанные в стиле, характеризующемся искажением и удлинением, заимствованном у художников северного Возрождения, раннего маньеризма и модернизма XX века, включая Грюневальда, Пармиджанино и Пикассо. Джон Каррин часто использует рекламу, материал из модных журналов, утверждая, что лучшее искусство в конечном итоге выходит за рамки психологии и интерпретации, и что визуальные клише являются формой повторяющейся правды. Он нагло использовал смелые изображения грудастых молодых женщин, усатых мужчин и асексуальных разведенных, что отличает его от остальных художников.
«Автопортрет с женой», Эдвард Окунь
1913 г. Холст, масло. Размер: 124×122 см. Национальный музей, Варшава
Дворянин по происхождению, основатель масонской ложи в Польше - художник Эдвард Окунь (1872–1945) - это такой себе "последний могиканин" эпохи модерна, который искренне и преданно воплощал в своем творчестве самые знаковые, наиболее глубинные идеи и идеалы символизма и сецессии. Все его творчество буквально пронизано культом символической красоты и идеей одухотворенности природы, утверждаемые "молодым стилем».
В 1896 году он женился на Зофии Ванде Толкемит, своей двоюродной сестре по материнской линии, которая стала его путеводной звездой и Музой. Но из-за их близких родственных связей пара так и не решилась завести детей. Образ обожаемой жены можно увидеть на многих произведениях автора. Она постоянно появлялась на его полотнах как воплощение особой гармонии и чистоты.
"Стоящая модель", Эдвард Хоппер
1904 г. Холст, масло, Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк.
Молодой Edward Hopper (1882–1967) написал эту картину во время учебы в художественной школе. По этой работе можно судить насколько успешно начинающий художник работает над освоением базовой грамматики, которая так хорошо послужила бы ему в последующие годы занятий живописью. Его картина "Стоящая модель" (полное название Standing Female Nude with Painter in Background) изображает одинокую фигуру молодой женщины, обнаженной позирующей художнику.
Нежно-розовые цвета молодого женского тела представлены в виде холодных серых и серо-зеленых тонов. Хоппер видит свой цвет как часть общего настроения освещения в комнате.Из всех возможных точек обзора художник выбирает не совсем обычный способ представить модель. Он уверен в том, что сможет раскрыть сущность женщины, если покажет ее спины.
«Прощай», Альфред Гийу
1892г. Холст, масло. Музей изящных искусств Кемпера, Франция
Коллекция музея Кемпера немногочисленна, в ней всего около полутора сотен картин, одним из ее шедевров является полотно «Прощай» французского художника Альфреда Гийу. Его любовь и преданность морской тематике, к труженикам моря, жизни и быту простых людей не может никого оставить равнодушным.
Картина «Прощай» с драматическим сюжетом терзает душу. Автор не оставил истории ее создания. Оттого существуют разные интерпретации изображенного художником действа.
Одни считают, что Альфред Гийу показал трагическую развязку банальной истории о супружеской неверности. Узнав об измене любимой, уязвленный ревнивец решает с ней расквитаться. Он связал девушку, бросил ее в лодку и поплыл в открытое море, несмотря на сильный ветер и высокие волны. Но в пути остыл и развязал изменщицу. А то возьми и сама кинься в воду. Мужчина сумел выловить девушку, но та была уже мертва. Прошептав «прощай», отпустил он тело любимой на волю волн.
Более реалистичным выглядит предположение о трагическом финале морской прогулки отца и сына, во время которой они попали в шторм. Разбитый горем мужчина безутешно обнимает утонувшего мальчика. Но и он вряд ли спасется. Его лодка перевернулась и вот-вот пойдет ко дну. На обломке судна видна надпись с наименованием порта приписки разбившегося корабля - "Concarneau" (Конкарно).
"Индейцы, наблюдающие лунное затмение", Уильям Риммер
1848-1850 гг. Холст, масло, 66,7 х 91,4 см. Частная коллекция
Американский художник-символист британского происхождения William Rimmer (1816-1879), тяготеющий к мистическим темам, никогда не был на Диком Западе, но иногда изображал на своих картинах коренных американцев. "Индейцы, наблюдающие лунное затмение" - одна из самых известных его картин.
Уильям Риммер в пятнадцать лет стал чертежником, затем работал литографом — открыл студию и создал несколько церковных работ. В 1840 году Уильям Риммер совершил турне по Новой Англии — писал портреты, жил в городе Рандолф, штат Массачусетс.
"Фотоальбом деда. Тень тихого счастья " 2009 год
Автор картины - Георгий Петрович Кичигин окончил художественно-графический факультет Омского государственного педагогического института имени А. М. Горького. Член-корреспондент РАХ Заслуженный художник Российской Федерации Заслуженный деятель искусств Российской Федерации. Профессор академической живописи.
«Семь смертных грехов», Отто Дикс
1933г. Холст, масло. Кунстхалле, Карлсруэ, Германия
Картина-аллегория немецкого художника экспрессиониста была написана сразу после того, как Дикса лишили должности преподавателя в Дрезденской художественной академии и какого бы то ни было государственного содержания. К власти пришел Гитлер – и по всем музеям и художественным учебным заведениям прокатилась волна чисток и новых назначений. Увольняют директоров и преподавателей, если в их роду есть евреи или в их прошлом – связи с социалистическими организациями. После увольнения в доме Дикса проводят обыск, грубый и бесцеремонный. Картины никто не щадит. На просьбу жены художника Марты обращаться с ними чуть аккуратней агенты усмехались: «Лучшее, что может произойти с этими картинами – это уничтожение».
Семь смертных грехов, которые в христианской традиции считаются основными и влекут за собой все прочие прегрешения, - традиционный сюжет для искусства. У Иеронима Босха – загадочная картина на дереве, у Питера Брейгеля Старшего – серия гравюр, изображающих смертные грехи, каждый в отдельности. Многочисленные изображения страшного суда в картинах художников северного Возрождения.
Аллегорическая картина Дикса должна была легко прочитываться современниками: скрюченная старуха – это Алчность, белый карлик на ее спине – Зависть, фигура пляшущего скелета – Лень, сладострастная женщина с обнаженной грудью – Похоть, рогатый монстр – Злость, жутковатая огромная голова с анусом вместо рта, задранным вверх носом и закрытыми ушами – это Тщеславие, а толстячок с кастрюлей на голове – Обжорство.
Не удивительно, что в письмах Отто Дикса, которые начали издаваться только с 2010 года, практически нет упоминаний о его отношении к Гитлеру, новой власти и новым порядкам. Скорее всего, любое опасное упоминание было поводом для адресата письмо уничтожить. Единственным источником информации остается его живопись. После обыска и увольнения Дикс уезжает с семьей жить в деревню, в старый замок, который принадлежал бывшему мужу Марты, жены Дикса. Он занимает денег у своего арт-дилера, чтоб купить печку и провести электричество – и начинает писать нейтральные пейзажи, улыбающихся девушек и цветы, чтоб хоть немного подзаработать. Трудные времена – предельно простые маркетинговые стратегии: небольшая картина, не больше 25х45 см, толстая рама. Пейзажи и девушки понемногу продаются, это не опасно. Есть несколько друзей-меценатов, которые поддерживают и продолжают заказывать портреты и фрески для своих загородных вилл. Едва получается выживать, едва получается не чувствовать себя бесполезным.
И в это же время Дикс пишет «Семь смертных грехов», а еще «Фландрию» и «Триумф смерти». Картины, которые не дают одержимому реалисту Отто Диксу окончательно сдаться. Пляшущий скелет в «Семи смертных грехах» (фигура Лени) изображен в такой позе, что рисунок на его одежде складывается в свастику – и это, говорил художник позже, упрек его соотечественникам, их лени и пассивности, которая привела к власти нацистов. Но главный герой картины – это, конечно Зависть. Верхом на Алчности, крепко взявший и правящий ею, этот самый маленький, ничтожный, но самый главный из грехов носит маску Гитлера. На первом эскизе это совершенно очевидно – легко узнать по усам. Но взявшись за картину, Дикс не рискнул изобразить эту деталь, выдающую слишком явное портретное сходство. На картине усов не было до 1945 года. После окончания Второй мировой войны уже ничего не могло помешать художнику сделать эти два финальные мазка. Вместо всех сожженных писем.
Автор: Анна Сидельникова
«Дама с лампой», Генриетта Рей
1891 г., Холст, масло. Местонахождение оригинальной картины неизвестно
Генриетта Рей (1859–1928) была одной из самых известных английских художниц поздней викторианской эпохи. Среди её учителей были сэр Лоуренс Альма-Тадема, оказавший сильнейшее влияние на её более поздние работы, а также Фрэнк Бернард Дикси и Уильям Пауэлл Фрит. На Всемирных выставках в Париже в 1889 г. и Чикаго в 1893 г. работы художницы были отмечены медалями.
Специализировалась на классических, аллегорических и литературных сюжетах. Её самая известная картина — «Дама с лампой» (1891); на которой изображена Флоренс Найтингейл, основательница современного медсестринского дела. Часто используется название «Мисс Найтингейл в Скутари, 1854 г.»
Во времена Крымской войны 1854-1855 гг. Мисс Флоренс Найтингейл работала сестрой милосердия. По вечерам она навещала раненых в палатах по ночам, держа в руке лампу. . Солдаты ценили девушку за сострадание, сердобольность и доброту. В результате смертность в больницах резко снизилась. Эффект получил название синдром Флоренс Найтингейл, а сестру милосердия прозвали «Дамой с лампой».
«Непристойное увлечение», «позор семьи» — слышала она о себе в самом начале своей "карьеры", а сейчас в день ее рождения (12 мая) по решению организации Международного Красного Креста ежегодно отмечается Всемирный день медицинских сестер.
На втором снимке: литография самой известной картины художницы, которая была отпечатана большими тиражами в London Cassell & Company, Ltd.
"Сатана поражает Иова язвами", Уильям Блейк
Ок. 1826 г. Перо, тушь, темпера, красное дерево, 32,6 х 43,2 см. Галерея Тейт Британия, Лондон
Почти непризнанный при жизни William Blake (1757–1827) сегодня считается важной фигурой в истории поэзии и изобразительного искусства романтической эпохи. Он глубоко интересовался библейскими историями. Начиная с 1780-х годов, написал несколько серий акварелей, рисунков и картин о многострадальном Иове. Когда он, наконец, приступил к публикации ее иллюстрированной версии в 1823 году, результатом стала весьма символичная и динамичная интерпретация библейской книги и мощное изложение собственной философии Блейка.
В этой картине сюжет об Иове раскрыт художником наиболее полно и ярко. Могучая фигура сатаны буквально вырывается из пространства картины навстречу зрителю. На крыльях его трепещут отблески адского пламени, голова, словно короной, обрамлена языками огня. Сатана попирает ногами распростертого на земле Иова и выливает на него из сосуда нечто, из-за чего все тело праведника покроется язвами.
Это драма души, ее символическое путешествие по истории Иова от невинности всепоглощающей Самости, через испытания и невзгоды страданий и сомнений к окончательному искуплению от Самости. Блейк видел в истории Иова противоядие от вульгарной ошибки, когда несчастья рассматривались как наказание за грех. Он также не рассматривает их как «испытание», как в библейской книге, как результат пари между сатаной и Господом. Сатана скорее играет роль того, кто вносит сомнения и вину в жизнь Иова, полную самодовольного подчинения традициям, вынуждая его предпринять поиски истинного Бога.
"Сатана поражает Иова язвами" - это темперная картина шестой иллюстрации к изданию Блейка «Книги Иова», написанная вскоре после ее публикации. Фурункулы традиционно ассоциировались с сифилисом, но для Блейка они обозначали духовную болезнь, делающую чувства и эмоции неспособными достичь Вечности.
Иов 2 дает предысторию (Версия короля Иакова):
1: И снова был день, когда сыны Божьи пришли предстать перед Господом, и сатана пришёл среди них, чтобы предстать пред Господом.
2: И сказал Господь сатане: откуда ты пришел? И ответил сатана Господу, и сказал: от хождения взад и вперед по земле и от хождения по ней.
3: И сказал Господь сатане: заметил ли ты раба Моего Иова, что нет подобного ему на земле, человека непорочного и праведного, боящегося Бога и удаляющегося от зла? и все же он твердо держит свою непорочность, хотя ты и настраивал меня против него, чтобы уничтожить его без причины.
4: И ответил сатана Господу, и сказал: кожа за кожу, да, все, что есть у человека, он отдаст за жизнь его.
5: Но протяни теперь руку твою и прикоснись к его кости и плоти его, и он проклянет тебя в лицо твое.
6: И сказал Господь сатане: вот, он в руке твоей; но спаси ему жизнь.
7: И вышел сатана от лица Господня и поразил Иова болезненными нарывами от подошвы ноги его до темени.
8: И взял он черепок, чтобы оскоблить себя; и он сел среди пепла.
9: И сказала ему жена его: сохранишь ли ты еще непорочность твою? прокляни Бога и умри.
10: Но он сказал ей: ты говоришь, как говорит одна из глупых женщин. Что? получим ли мы добро от руки Божией, и не получим ли мы зла? Во всем этом Иов не согрешил устами своими.
11: Когда же трое друзей Иова услышали обо всем этом бедствии, постигшем его, то пошли каждый из своего места; Елифаз Феманитянин, Вилдад Савхеянин и Софар Наамитянин, ибо они сговорились прийти вместе, чтобы скорбеть с ним и утешать его.
12: И когда они подняли очи свои издалека и не узнали Его, то подняли голос свой и заплакали; и раздирали каждый верхнюю одежду свою, и посыпали пеплом головы свои к небу.
13: И сидели с ним на земле семь дней и семь ночей, и никто не говорил ему ни слова, ибо видели они, что печаль его была весьма велика.
«Сифилис», Ричард Теннант Купер
1912г. Холст, масло. Частная коллекция.
До середины 20 века сифилис был неизлечим. «Французская болезнь» одно время даже стала главной причиной смертности в 19 веке. Особенно страдала от эпидемий Англия. Из-за процветания проституции эта венерическая болезнь заразила почти все слои викторианского общества.
Метафорическая картина «Сифилис» британского художника Ричарда Теннанта Купера (Richard Tennant Cooper) (1885-1957) показывает последствия болезни, ее негативное влияние на организм человека. На ней изображена обнаженная женщина, приносящая бедному мужчине боль, страдания и смерть. Сам сифилис представлен в виде злобного чудища, кожа которого помимо сыпи поражена гумами - признаками последней стадии болезни.
"Порт Валенсии", Хоакин Соролья (Соройя)
1897 г. Холст,масло. Художественный музей Цинциннати, США
Крупнейший представитель импрессионизма в Испании Joaquín Sorolla y Bastida (1863−1923) творил в то время, когда золотой век испанской живописи, как и испанской короны, были уже в прошлом. Ему не суждено было стать придворным художником, увековечить очередного монарха и расписывать знаменитые храмы. Вместо этого Соролья писал свою семью, рыбаков, детей, а также свой родной и любимый город Валенсию.
"Композиция зеленых глаз", Станислав Игнаций Виткевич
1918 г. Бумага, пастель, 50 х 70 см. Музей Искусства, Лодзь
В июле 1916 года Виткевич был тяжело ранен в бою на реке Стоход на территории нынешней Украины и был эвакуирован в Санкт-Петербург, где стал свидетелем русской революции. Он утверждал, что свои философские принципы он разработал во время артиллерийского обстрела, а когда разразилась революция, он был избран политическим комиссаром своего полка. Его более поздние работы являются отражением его страха перед социальной революцией и иностранным вторжением, часто выражаемого абсурдистским языком.
Он начал зарабатывать себе на жизнь портретной живописью и продолжил это делать по возвращении в польский город Закопане. Там он написал книги «Новые формы в живописи» и «Введение в теорию чистой формы в театре», в которых изложил свои принципы.
В начале 1920-х годов он общался с группой художников-формистов и в этот период написал большую часть своих пьес. Из примерно сорока пьес, написанных Виткевичем между 1918 и 1925 годами, сохранилась двадцать одна, и только Ян Мацей Кароль Хеллкэт имел какой-либо общественный успех при жизни автора.
«Утомленная танцовщица», Джон Рейнхард Вегелин
1879 г. Холст, масло. Размер: 91,4 x 61,6 см. Галерея Гросвенор в Лондоне
Измученная девушка безмятежно спит, прислонившись к мраморной скамье. На ней прозрачное красное платье, ожерелье из бирюзовых бусин и гирлянда из желтых цветов, с которых во сне упало несколько лепестков. У ее ног лежит бубен, а на заднем плане видны знатные вельможи, продолжающие веселиться.
Свободное платье из тёмно-красной парчи образует блестящее пятно на фоне мрамора, но при этом не скрывает её фигуру. Её тёмные волосы увенчаны жёлтыми цветами, лицо полностью расслаблено, а правая рука, вытянутая на мраморной плите позади неё, хорошо передаёт идею полной усталости. Мраморная отделка является своего рода отсылкой к работам Альмы Тадемы, под влиянием которого John Reinhard Weguelin (1849–1927) находился долгое время.
Ловис Коринт, «Саломея II»
1900 г. Холст, масло. Размер: 127×148 см. Музей изобразительных искусств, Лейпциг
В основе сюжета лежит легенда о Саломее, погубившей Иоанна Крестителя. Танец юной Саломеи на праздновании дня рождения Ирода Антипа очаровал его так, что он согласился выполнить любое её желание. Будучи научена своей матерью, Саломея потребовала убить Ветхозаветного пророка, и ей была принесена на блюде его голова.
Жутковатая история, если трактовать ее буквально. Но раньше все изъяснялись на языке символов.
"Битва кентавров", Александр Ротхауг (полное имя: Александр Теодор Ротхауг)
1930 -е. Масло холст. Размер: 25.7×18.3 см. Художественная галерея Хассфуртера в Вене
Австрийский художник и иллюстратор Alexander Rothaug (1870-1946) родился в Вене, в семье Теодора и Каролины Ротхауг. В 1884 году начал изучать искусство скульптуры под руководством Иоганна Шиндлера, а в 1885 году поступил в Венскую Академию искусств.
«Протодиакон, провозглашающий на купеческих именинах долголетие», Николай Васильевич Неврев
1866 г. Холст, масло. Размер: 62 x 76 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва
История России насчитывает несметное количество талантливых художников, о которых говорили и говорят по сей день, восхищаясь их работами и мастерством. Да вот только о Николае Невреве, как бы прискорбно это не звучало, вспоминают редко. А ведь по сути его картины ничем не уступают тем, чьи авторы у мира на устах. Быть может, даже и превосходят именитые полотна своей выразительностью, драмой, накалом страстей и душевным терзанием застывшем в каждом взгляде и жесте.
Картину «Протодиакон, провозглашающий на купеческих именинах долголетие» приобрел для своей галереи Павел Третьяков. И по воспоминаниям Николая Мудрогеля, первого хранителя Третьяковской галереи, художник быстро стал одним из ближайших его друзей.
На ней изображен тучный протодиакон, который запрокинув голову и судорожно сжав кулаки, во всю мощь легких славит именинника. Как известно, многолетие исполняется с постепенным усилением голоса: этот-то самый мощный звук и запечатлел художник.
Громоздкая фигура протодиакона в ярко-синей шелковой рясе занимает почти все пространство картины. Весь его вид выражает необычайное усердие и желание угодить хозяину.
Сейчас, глядя на полотно передвижника Николая Неврева, хочется засмеяться с мыслью: «Похоже, с тех пор мало что изменилось». Однако в «ту пору» картина вызвала недовольство со стороны церковнослужителей. Праведные батюшки были возмущены тем, что художник без зазрения совести вынес на всеобщее обозрение суровую правду будничной жизни священников. Вместо почтенного святого отца, скромно благословляющего именинника, зритель видит нетрезвого, дерущего глотку попа, который вот-вот лопнет то ли от собственного песнопения, то ли от чрезмерного чревоугодия. К выставке картина допущена не была.
"Отчаяние", Берта Вегманн
1890-98 гг. Холст, масло, 39 х 52 см. Частная коллекция
Bertha Wegmann (1847–1926) — датская художница-портретистка немецкого происхождения. С 1880 по 1883 год она жила в Париже, деля студию с другой известной скандинавской художницей Дженной Баук (1840–1926).
Берта Вегманн, как правило, концентрировались на бытовых сценах, но редко когда они писались с таким эмоциональным сопереживанием, как на картине "Отчаяние", напоминающей напоминает о парижском периоде богемной жизни, маргинальном обществе, и бурных страстях того времени. В домашнем интерьере разыгрывается сцена высокого драматизма: поза и мятая рубашка женщины выражает ее мучения, о причинах которого мы можем только догадываться.
«Возвращение блудной дочери в год великой чумы», Эллен Луиз Клейси
1887 г. Акварель. Размер: 72 х 89 см. Музей Аннана (Шотландия)
Лондон, как и все европейские столицы с давней историей, пережил немало эпидемий. В случаях, когда люди сталкиваются с болезнью, от которой нет прививок, медицина бессильна, потому распространение инфекции становится стремительным. Именно это случилось в столице Англии в XVII веке. Великая чума 1665-1666 годов унесла жизни 100 тысяч человек.
Тогда смерть приходила практический в каждый английский дом. От чумы не было лекарств, потому массово умирали и старики и молодые люди. Один из трагических эпизодов изображен на картине британской художницы Ellen Louise Clacy (1853-1916) «Возвращение блудной дочери в год великой чумы».
«Иисус в одиночестве поднимается на гору, чтобы помолиться», Джеймс Тиссо
1886-1894 гг. Непрозрачная акварель поверх графита на серой бумаге, 28,9 × 15,9 см, Бруклинский музей, Нью-Йор,
Свою творческую карьеру французский художник James Tissot (1836–1902) начал с салонной живописи. Его артины, изображающие дам в модных нарядах, имели колоссальный успех у коллекционеров и приносили живописцу внушительный доход.
Однако, после внезапной смерти возлюбленной Кэтлин Ньютон, художник переживает сильнейшую переоценку ценностей, приходит к вере и решает посвятить весь свой талант творческому исследованию Священного Писания. Он начинает самый амбициозный проект в своей карьере — изображение всей жизни Иисуса Христа в более чем 350 гуашевых картинах. Это совпало с некоторыми экспериментами с миром духов и попытками связаться со своей умершей партнёршей.
Многие из его картин этой серии являются новаторскими и высоко художественными, а не просто иллюстративными. Среди настоящий шедевров - акварель «Иисус в одиночестве поднимается на гору, чтобы помолиться»,, которая сейчас находятся в Бруклинском музее в Нью-Йорке.
«Любовь», Игорь Пестов
2013г. Холст, масло. Размер: 150x250 см.
Полотно «Любовь» — характерная для живописи Игоря Пестова работа, сочетающая эстетство и брутальность.
Петербургский художник своими картинами обличает равнодушие к насилию в современном обществе, вдохновляясь книгами Чарльза Буковски и творчеством рок-группы ZZ Top. Многих зрителей шокировало его полотно «Любовь» с изображением мясорубки.
«Мне не нравится стилизовать, мне не нравятся стилизаторы, выхолощенность — всё должно происходить само собой, в искусстве должна быть наивность», — говорит художник.
«Смерть и могильщик», Карлос Швабе
1900 г. Гуашь, акварель. Размер: 76х56 см. Лувр, Париж
Одна из значимых картин швейцарского художника, стоявшего у истоков символизма, признанный шедевр мирового искусства.
У Карлоса Швабе есть немало интересных, загадочных работ разной степени мрачности, но известен он, главным образом, картиной «Смерть могильщика», которая по праву считается шедевром живописи. В образе ангела позировала жена художника Мария.
Несмотря на явное отсутствие классических атрибутов смерти – черного балахона, с глубоким капюшоном, косы – они все-таки присутствуют на картине. Как и положено, у символистов, они сокрыты: ангел одет в длинное черное платье, на голове черный обруч, а крылья своими очертаниями напоминают косу смерти. Старик-могильщик, смотря прямо в глаза смерти, переживает свой последний миг. Через мгновение подкошенный крылом-орудием смерти, уже пересекшим его тщедушное тело, он упадет в могилу, которую готовил для кого-то другого, но которой суждено навеки стать последним пристанищем этого могильщика – слуги смерти. Его рука, находящаяся в районе груди, устремляя пальцы вверх, пытается удержать жизнь в себе…
Но поздно…Искра жизни, его душа в виде зеленого свечения уже в руках смерти. Осталось совсем чуть-чуть: ангел смерти взлетит, забрав с собой пламя жизни могильщика, а бездыханное тело старика останется на дне вырытой им же могилы, а снег припорошит его. Лишь вечная обитательница кладбищ, плакучая ива, опустив свои ветви к могиле, будет оплакивать покойного.
Мрачная атмосфера усиливается, безусловно, тем, что сюжет разворачивается на зимнем кладбище, на фоне многих-многих запорошенных снегом надгробий. Это самое знаменитое полотно К. Швабе, но, возможно, кроме него, ни на одном другом смерть не была представлена столь изящно и живописно, что от картины трудно оторвать взгляд. Обратите внимание на деликатное, но при этом очень эффектное и символическое использование контрастных цветов.
“Женская фигура у окна”, Сальвадор Дали
1925г. Холст, Масло. 103x75 см. Национальный Центр искусств королевы Софии, Мадрид
У этой работы, в которой не ощущается и намека на сюрреализм, есть еще одно название — «Ана Мария Дали созерцает бухту Кадакеса из окна семейного дома в Эс Льяне». Модель на картине - родная сестра Сальвадора Дали. Они были очень близки, особенно после смерти их матери, когда Анна Мария взяла на себя заботу о старшем брате.
Долгое время она была единственной женщиной, которую Дали использовал в качестве модели, пока в 1929 году ее не заменила Гала.
На картине мы не видим лица девушки, тем самым художник фокусирует наш взгляд на том, на что она смотрит из своего окна. Из него открывается вид на бухту в Кадакесе (морского курорта в Испании, где Дали проводили свое лето). Доминирующие цвета картины: голубой и бледно-лиловый, придают ей ощущение покоя и умиротворения, столь нетипичного для работ Дали.
В 1949 году Анна Мария написала автобиографию, в которой описала Дали в совершенно ином свете, нежели это он делала сам в своих автобиографиях. Это привило к полному краху их отношений. За такое вероломное предательство со стороны сестры, Дали в отместку написал другую версию "Женкой фигуры у окна" в 1954 году. Назвал работу "Молодая девственница, предающаяся содомскому греху при помощи рогов собственного целомудрия" (Young Virgin Auto-Sodomized by the Horns of Her Own).
"Последняя гонка во время церемонии Мандана О-Ки-Па", Джордж Кэтлин
1832 г. Масло на холсте, установленном на алюминии, 59 х 71 см. Смитсоновский музей американского искусства, Вашингтон
George Catlin (1796-1872) — американский путешественник, этнограф и живописец. Рисунки и описания Кэтлина — ценный источник для изучения жизни индейцев первой половины XIX века.
Церемония O-Kee-Pa, которую он был свидетелем в своих путешествиях вдоль Верхнего Миссури в 1832 году, была центральной частью религиозного календаря Мандана. Ежегодный ритуал длился 4 дня.
Кэтлин задокументировал церемонию в серии картин, которые были одними из самых важных из его сцен ритуалов коренных американцев. Члены племени мандана исполнили танец быка, чтобы попросить богов о рождаемости и хорошей охоте на бизонов." Последняя гонка" - это заключительная часть церемонии. В последнем испытании обессиленные от "от воздержания и страданий" мужчины бегали вокруг «Большого каноэ».
Яблоки с творогом в мультиварке
#десерты
Ингредиенты
Яблоки 4 штуки
Творог 250 грамм
Яйцо 1 штука
Сахар 1,5 ст. ложки
Корица 1 щепотка
Ванилин 1 щепотка
Изюм 1 ст. ложка (опционально)
Приготовление
Итак, в первую очередь отделим яичный желток от белка. Тщательно разотрем желток с сахаром при помощи венчика. Протрем через сито творог. И смешаем его с желтково-сахарной массой, не забыв добавить ванилин и корицу. Если вы решили использовать изюм - запускайте и его, только предварительно замочите в горячей воде на несколько минут. Острым ножом вынимаем у яблок середину - осторожно, чтобы не проткнуть насквозь - и фаршируем их творожной массой. Устанавливаем яблоки в чашу мультиварки и готовим полчаса на режиме "Выпечка" или "Мультиповар". Готовые яблоки подаем с холодной сметанкой и домашним ягодным вареньем.
"Игры", Этторе Тито
1914-17 гг. Масло на холсте, 90,2 х 120 см. Частная коллекция
Ettore Tito (1859-1941) — итальянский художник, известный своими картинами из жизни Венеции и пейзажей её окрестностей.
"Игры" - это эскиз для серии Fresco, созданной Tito для потолка в зале «Виллы Берлингери» в Риме, где сегодня находится посольство Саудовской Аравии. Серия представляет собой аллегорическое представление семейной истории Берлигери и включает в себя чистые декоративные и символические сцены, основанные на четырех различных темах: плоды Земли, игра, изучение и отдых.
На выставке в Galleria Pesaro в Милане в 1919 году эта серия была высоко оценена за ее новизну и радостную выразительность.
(из аукционного каталога Christie)
«Сенекио (Портрет комедианта Сенекио)». Пауль Клее
1922 г. Холст, масло. Размер: 40,3x37,4 см. Художественный музей Базель
Немецко-швейцарский художник Пауль Клее — крупнейший представитель европейского авангарда. Под влиянием работ Сезанна и Кандинского он отдал дань экспрессии и абстракционизму, в более зрелом возрасте обратился к сюрреализму, составляя композиции из геометрических фигур.
Схематично изображенное человеческое лицо, разложенное на разноцветные четырехугольники, вписано в своеобразную маску — круг, цветовое решение которого напоминает костюм Арлекина. Трактовка полотна неоднозначна, но, будучи портретом комедианта Сенекио, оно может быть истолкована как символ меняющихся взаимоотношений искусства, иллюзии и театра. Картина демонстрирует принципы живописи Клее, в которой линии рисунка, плоскости цвета и пространство приводятся в движение творческой энергией художника.
В работах мастеру удавалось достичь практически музыкальной гармонии цветовых оттенков, форма для него — это, главным образом, однородная цельная живописная масса. С 1921 по 1931 Клее являлся блестящим преподавателем в школе дизайна в Баухаузе и опубликовал множество сочинений по теории искусства. Два года спустя нацисты выслали его из Германии, а более ста произведений были изъяты из немецких музеев как «дегенеративные».
«Бретонская вязальщица»/Tricoteuse Bretonne, Уильям-Адольф Бугро
1871 г. Масло на холсте, 61,6 x 50,8 см. Частная коллекция
William Bouguereau (1825–1905) — французский живописец, видный представитель салонного академизма XIX века. Свою первую поездку на отдых в Бретань он совершил вместе со своей семьей летом 1866 года и был глубоко тронут прибрежным ландшафтом региона и самобытными людьми. В дальнейшем он возвращаться сюда каждое лето вплоть до 1870 года, часто отдыхая в маленьком городке Дуарнене. Данная картина была написана в одной из таких поездок. Изображенная на ней молодая девушка сохраняет безмятежное спокойствие, мечтательно отрываясь от вязания на середине стежка.
«Tricoteuse Bretonne» была среди первых пяти картин, которые Бугро продал Гупилю 26 июня 1871 года, что говорит о том, что он пересмотрел некоторые незавершенные полотна, созданные во время его пребывания в Дуарнене.
«Двое мужчин, работающих в поле», Фрэнсис Бэкон
1971 г. Холст, масло. Размер: 198×147 см. Частная коллекция
Картина британского художника-экспрессиониста)описывается как пример экспрессионизма и абстракционизма, характерные для стиля Francis Bacon (1909−1992). На ней изображены двое мужчин, работающих в поле. Один из них находится на заднем плане, а другой — на переднем.
Они могут быть интерпретированы как фермеры или рабочие на полях. Художник использовал яркие цвета и выразительные мазки кисти, чтобы передать динамичную атмосферу и движение в работе на поле.
"14 квадратных метров", Аусеклис Баушкениекс.
1990 г.
Реалистичная картина, понятная для всех обладателей клетушек в современных человейниках под красивым названием "студия". Массовое приобретение молодежью этих малогабаритных хором - самая настоящая бомба под перспективы решения демографической проблемы. Они появились не на пустом месте — это гримаса современного мира в том смысле, что у большинства населения мало средств для расширения своей жилплощади.
Латышский художник Аусеклис Матисович Баушкениекс (1910-2007) был членом Союза художников СССР.
«Марс и Венера, аллегория мира», Луи Жан Франсуа Лагрене-старший
1770 год, Холст, масло, Размер: 64,8 х 53,8 см, Музей Пола Гетти, Лос-Анджелес
Louis Jean François Lagrenee (1725-1805) − французский живописец академического направления, ученик Шарля Андре Ван Лоо. Старший брат Жан-Жака Лагрене. Работал в России, был придворным художником императрицы Елизаветы Петровны и директором Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге
На картине "Марс и Венера, аллегория Мира" - его признание своей любимой жене. Пылкий и страстный по натуре художник в 30 лет женился на 16-летней девушке и прожил с ней всю жизнь.
Марс очарован и пленен своей возлюбленной. Он открывает занавес, чтобы лучше рассмотреть спящую красавицу и в тоже время показать свою возлюбленную всему миру.
Композиция построена так мастерски, что, кажется, автор приглашает зрителей в комнату влюбленных. Некогда воинственного героя, его сильный и вспыльчивый характер покорила нежность и красота Венеры - на полу видим меч и доспехи бога.
Два голубя - символ мира, вторят безмятежному счастью влюбленных и вьют гнездышко в шлеме Марса. Щедрые складки драпировки, тонкая игра света над тканью и кожей и богатая сдержанная палитра объединяются, чтобы создать пленительно красивый образ.