458
Свои секреты есть даже у тех шедевров живописи, которые кажутся нам хорошо знакомыми. Все проекты: https://t.me/JaneAirr По всем вопросам: @zhanna_osipova
"Кренеида, нимфа реки Даргл" Фредерик Лейтон
ок1880 г. Холст, масло. Размер: 77х27 см. Коллекция Хуана Антонио Переса Симона, Мехико
Frederic Leighton (1830-1896) работал в разных жанрах, писал портреты и иллюстрации, но более всего прославится своими картинами на античную тематику.
Первым владельцем картины был лорд Пауэрскорт, чьё ирландское поместье Пауэрскорт находилось недалеко от пейзажа, вдохновившего художника. Маленькая река Даргл протекала через поместье, образуя множество водопадов.
В греческой мифологии Кранаэ, или Креная (др.-греч. Κρανάη, букв. «каменная»), вместе со своими сёстрами Аттидой и Кранаэхме была одной из трёх богинь скал, мысов и утёсов
Для образа нимфы художнику позировала его любимая натурщица Ада Элис Пуллен, известная также как Дороти Дин — это псевдоним, под которым она выступала на сцене.
Картина была выставлена в Королевской академии художеств в 1880 году под названием «Крена»
«Любовь Париса и Елены», Жак Луи Давид
1787 г. Холст, масло. Размер: 242x242 см. Лувр, Париж
Картина была создана по заказу графа д'Артуа. На ней изображены герои древнегреческого эпоса Парис и Елена. Из многочисленных куртизанок древности первое место, бесспорно, принадлежит Елене, «прекрасной, лилейно-раменной» супруге царя Спарты Атрида Менелая, женщине, из-за обладания которой разгорелась война, погубившая Трою.
Композиция представляется как гармоничная смесь античных представлений и французской действительности – греческие герои соседствуют с обстановкой напоминающей парижский будуар, традиционные одеяния с французским диваном. Внимательный зритель рассмотрит в работе бездну лукавства и недвусмысленных намёков – вот целомудренный румянец одетой Елены, а вот расправленное ложе и обнажённый Парис.
Безусловно, великие картины Давида ещё впереди, но «Любовь Париса и Елены» обладает таким неповторимым шармом, негой и неким откровенным флёром, что мимо этой работы пройти просто невозможно. Этак картина открывает анакреонтическую линию сюжетов картин Давида.
«Один оглянулся», Леонид Николаевич Андреев
1912г. Пастель. Государственная Третьяковская галерея.
Работа незаслуженно забытого художника и писателя Леонида Николаевича Андреева. Картина «Один оглянулся» была помещена на обложку его незаконченного романа «Дневник Сатаны». В нем рассказывается о спустившемся на Землю Ангеле-обвинителе, который приказу Всевышнего должен был начать свою миссию, но столкнулся с непреодолимыми препятствиями.
Сатана даже предположить не мог, насколько жестоки люди в мире, который он совершенно не знает. Он вздрагивает от наступления ночи, он изнемогает от любви к обыкновенной девушке…
Картина «Один оглянулся» выдержана в зеленовато-серых тонах с красно-багровыми всполохами и изображает замкнутое пространство: массивные, уходящие ввысь стены, зарешеченное окно приоткрывает огненно-кровавый мир. По вымощенной дороге (ближайшие к зрителю камни – человеческие головы) идет вереница фигур в серых покрывалах, внешним обликом похожих на людей.
Отличительной чертой Андреева-художника, несомненно, является ярко выраженный психологизм. Он сосредотачивал внимание на определяющей характер черте, подчеркивая во многих случаях одержимость героя. Вот и в картине «Один оглянулся» кроются его тревоги, тоска, беспокойство, смятение, неприкаянность.
Исследователи творчества Андреева указывают на проблемы, преследовавшие художника всю его недолгую жизнь. Еще в студенческие годы Леонид Николаевич много пил, от чего страдал, жаловался «на невыносимые сердечные боли и страх надвигающейся смерти». К сожалению, периоды неумеренного употребления алкоголя повторялись и вызывали тяжелые нравственные переживания. Несколько раз, переживая тоску и печаль, Андреев покушался на самоубийство, лечился в психиатрических киниках.
Это был добрый, участливый человек, ощущающий непреходящее одиночество в любом обществе, который всегда был обращен лицом в провал черного окна. В такое окно и пришла к нему последняя гостья в черной маске — смерть. Леонид Николаевич Андреев скоропостижно скончался в 1919-м, прожив всего 48 лет. Страна, следившая за каждым его шагом, этого последнего шага и не заметила, а потом и вовсе забыла о нем…
"Кентавр в деревенской кузнице". Арнольд Бёклин
1888 г. Дерево, масло. Размер: 78,5 х 100 см. Венгерская национальная галерея, Будапешт
Арнольд Бёклин (1827-1901) решительно порвал с академической живописью и натурализмом, доминировавшим в изобразительном искусстве второй половины XIX века. Вначале Бёклин писал романтические пейзажи с мифологическими фигурами, затем фантастические сцены с нимфами и морскими чудовищами.
Бёклин не давал названий своим картинам, никогда их не подписывал и не датировал. Постоянным покупателем его произведений был немецкий писатель, меценат и коллекционер Адольф Фридрих фон Шак, поддерживавший немецких символистов, он же, вероятно, дал наименования "Кентавр в деревенской кузнице" - одной из самых оригинальных картин Бёклина.
"Открытие шестой печати", Фрэнсис Дэнби
1828 г. Холст, масло, 185 х 255 см. Национальная галерея Ирландии, Дублин
Francis Danby (1793–1861)— ирландский художник эпохи романтизма.
Картина иллюстрирует отрывок из Книги Откровения (6:12-17), в котором после открытия Богом Шестой Печати на свитке Земля раскололась и человечество погрузилось в хаос. Заметным отходом Дэнби от библейского текста является включение в него сидящей на корточках фигуры, подобной той, которая принята в качестве символа аболиционистского движения, и стоящего, освобожденного раба, который разбивает кандалы на своих запястьях. Работорговля была прекращена в Великобритании в 1807 году, но сам законопроект об отмене рабства не был принят до 1833 года.
"Неаполитанская песня", Джозеф Стелла
1929 г. Холст, масло, 97,5 х 71,7 см. Смитсоновский музей американского искусства, Вашингтон, округ Колумбия (Дар Франсуазы и Харви Рамбахов)
Joseph Stella (1877–1946)- американский художник-футурист итальянского происхождения, наиболее известный своими изображениями индустриальной Америки. Знаменит своими модернистскими картинами в стиле прецизионизма. Менее известны (и, следовательно, ценятся) чудесные «тематические изображения» с изображением невероятно экзотических растений, которые он сделал в 1920-х и 1930-х годах.
Стелла считал, что каждый день должен «начинаться и заканчиваться рисованием цветка». Экзотические растения, которые он зарисовал в Ботаническом саду Бронкса, вновь проявляются в этой воображаемой сцене Неаполитанского залива, нарисованной с той точностью и любовью к природе, которую Стелла перенял у итальянских художников эпохи Возрождения. Кончики листьев пальметто расходятся по картинной плоскости, как видимая, разворачивающаяся звуковая волна.
У Стеллы были моменты тоски по дому, когда образы родины представали перед ним так же ясно, как когда он впервые приехал в Америку в 1896 году. Здесь словно неаполитанская песня доносится через море, сокращая расстояние между старым домом Стеллы и его домом. принятая страна.
"Ясли леди Генри, Вулидж", Джон Лавери
1919 г. Холст, масло, 63,5 х 76,2 см. Имперский военный музей, Лондон
John Lavery (1856–1941) — ирландский художник, известный своими портретами и картинами военного времени, представитель влиятельной школы Глазго.
Леди Генри — Джулия — была женой сэра Чарльза Соломона Генри, члена парламента от либеральной партии от Веллингтона в Шропшире. Вероятно, она сама оплатила часть расходов на строительство и содержание питомника вместе с субсидией военного Министерства. Детский сад открылся в мае 1917 года и закрылся в марте 1920 года, когда леди Генри передала его Совету лондонского графства в память о своем единственном сыне, погибшем во время войны.
Джон Лавери, успешный светский художник, был уже старше призывного возраста, и ему не разрешили вступить в армию, несмотря на несколько попыток. В 1917 году он был назначен официальным военным художником, но после автокатастрофы в Лондоне практически отошел от дел, рисуя предметы домашнего обихода.
"Клоун", Пэр Аксель (Пелле) Обер
Ок. 1950 г. Масло, панель, 34 х 26 см. Частная коллекция
Шведский художник Per Axel (Pelle) Åberg (1909–1964)г известен как художник, изображавший с чувством юмора жизнь города и его улиц. Среди его традиционных персонажей — клоуны, дамы в больших забавных шляпах, старики, проститутки и азартные игроки.
Обер использовал примитивную технику, но с особенно эффективной рисовкой, включающей психологическую экспрессию лиц и позы фигур, а также свежие и яркие цвета. С добродушным юмором он писал нежные или комические сцены или портреты, главным образом женщин, занимающихся своими повседневными делами.
Оберг был сыном художника Акселя Вильгельма Оберга и Хильдура Линдстрема, а также внуком художника-декоратора Вильгельма Оберга. Базовое художественное образование он получил от своего отца и проработал с ним 12 лет художником-декоратором. Одновременно он учился в Техническом училище в Стокгольме в 1927–1929 годах и во время учебных поездок в Италию, Францию, Англию и Испанию. В 1964 году он был награжден студенческой стипендией города Стокгольма.
«Ожидание», Станислав Брусилов
Картина вызывает чувство сопричастности ко всем, кто любит и был любим. Но это не реквием по любви, это энергетическое воплощение самой любви, ведь она сопутствует нам повсюду и будет жива, пока есть человек.
Пёс, ждущий у калитки своих хозяев, отвечает любовью на заботу и ласку, он сам хочет дарить подарки души своим дорогим людям.
"Танцевальные туфли", Хелен Шерфбек
1882 г. Холст, масло, 55 х 64,5 см. Частная коллекция
Хелен Шерфбек ( 1862–1946) — финская художница шведского происхождения, представительница модерна и "Золотого века" финского искусства периода 1880–1910 годов. За ней закрепилось прозвище "Финский Мунк".
«Танцующие туфли» — один из самых популярных и устойчивых образов Хелен Шерфбек. Она возвращалась к этой теме на протяжении всей своей жизни. Данная картина была настолько популярна, что Шерфбеку предложили воспроизвести ее в виде литографии, что принесло картине международную известность.
На картине изображена двоюродная сестра художницы, Эстер Люпандер. Как вспоминает Атела, биограф Шерфбека, «однажды она [Эстер] была одета в белую коротенькую юбку и черную бархатную куртку и сидела на походном табурете, завязывая шнурки на ботинках. Элен нарисовала ее вот так, с волосами, закрывающими лицо. У Эстер были чрезвычайно длинные ноги, и об этой картине говорили, что ни у одного ребенка не может быть таких длинных ног. «В таком случае вы не видели Эстер Лупандер», — сказала Элен. Из-за длинных ног модели картину назвали «Кузнечик».
«Люцифер», Йозеф Антон Кох
1825-1828 гг. Фреска. Дом Массимо, Рим, Италия.
Joseph Anton Koch (1768-1839) — австрийский живописец, рисовальщик и гравёр, мастер офорта, романист, представитель классицистического пейзажа в немецком искусстве.
Во время своего второго пребывания в Риме он получил заказ на роспись фресками виллы Массими в зале Данте, которые до сих пор остаются одним из самых ярких визуальных воплощений Ада.
В христианской традиции Средних веков Люцифер — одно из обозначений падшего ангела, сатаны, дьявола.Согласно пророчеству, Люцифер был сотворён как ангел, но возгордившись и пожелав быть равным Богу, был низвержен на землю, став после падения «князем тьмы», отцом лжи, человекоубийцей — предводителем мятежа против Бога.
"Маска звонит в похоронный колокол". Одилон Редон
Из цикла «Эдгар По». 1882 г. Литография. 44 х 30,5 см. Институт искусств, Чикаго.
Современник Моне и Ренуара, на много лет старше Ван Гога и Лотрека, Редон (1840-1916)— один из художников, которых труднее всего классифицировать. Его произведения, часто считавшиеся предшественниками сюрреалистов, наполненные парящими головами и гигантскими глазами, во многих отношениях были традиционными.
Свое призвание художника он нашел относительно поздно в жизни, после того как опыт солдата во франко-прусской войне вселил в него желание поставить «логику видимого на службу невидимому». Он сразу же поселился в Париже, где вскоре создал большое количество весьма оригинальных рисунков углем — его так называемые «Нуары», — которые вызывали загадочный мир субъективных, часто меланхоличных фантазий. Хотя они не оказали большого влияния на широкую публику, они завоевали признание парижского литературного авангарда, который видел в них те же эстетические принципы, которые определяли творчество поэта Бодлера.
Теперь считающийся крупным художником-символистом, Редон дополнил рисунки серией монохромных литографий, отличающихся смелыми образами, благодаря которым провидец казался правдоподобным. Примерно в 1890 году он начал экспериментировать с цветом, сначала осторожно, затем смело, используя роскошные текстуры, которые превращали природу в сказочные образы, предполагающие неопределенные состояния ума.
Историк искусства Майкл Гибсон дал такую оценку своей работе в книге «Символизм»: «Находясь вне тенденций и движений, Одилон Редон, уроженец Бордо, создал богатый и загадочный корпус: «Подобно музыке, — заявил он, — мои рисунки передают нас в двусмысленный мир неопределенного». В отличие от чудовищ Гойи и кошмарных видений Кубина, его творчество проникнуто меланхолической пассивностью. Хотя истоки этого настроения следует искать в опыте художника, общий эффект вполне соответствует настроениям символизма... : ночного, осеннего. и лунный, а не солнечный. В начале карьеры Редона действительно преобладал ночной свет. Лишь позже он признал дневной свет. Его зрелое творчество началось примерно в 1875 году, когда Редон вошел в призрачный мир древесного угля и литографского камня. В этот период появились такие эпизоды, как «Дух-хранитель вод» (1878) и «Человек-кактус» (1881). Редон ясно дал понять, что они были вдохновлены его мечтами и внушают зрителю убежденность, подобную сновидениям. .
Лишь в 1890-е годы он начал использовать светящиеся, музыкальные тона пастели и масла. Они стали доминирующими средствами массовой информации за последние пятнадцать лет его жизни. Искусством Редона всегда руководили его мечты, но тематическое содержание его творчества последних двадцати лет носит более плотно-мифический характер, наполненное вновь обретенной надеждой и светом, который совершенно неожиданно поднялся из глубин личности художника. Особенно это заметно на различных полотнах, изображающих колесницу Аполлона, бога Солнца».
«Причащение умирающей», Алексей Гаврилович Венецианов
1839 г. Холст, масло. Размер: 94×76 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Алексей Гаврилович Венецианов (1780-1847) – выдающийся русский живописец, мастер жанровых сцен из крестьянской жизни, педагог, основавший так называемую «венециановскую школу живописи» - эффективную систему подготовки живописцев, полностью опровергающую классицистские установки Академии художеств.
В январе 1837 года Венецианов перенес тяжелую болезнь, которая, возможно, и побудила его обратиться к теме кончины человека. Не изгладилась из памяти художника и потеря супруги, скончавшейся в 1831 году во время холерной эпидемии.
В данной работе Венецианов стремится не заострять драматизм ситуации, а передать торжественность последних скорбных минут прощания.
Фигура умирающей и смертное ложе ярко освещены, молодая женщина, которую бережно поддерживает на подушках крестьянка, исповедовалась и получила отпущение грехов. На первом плане картины изображен священник и сослужащий ему дьякон – они только что совершили над ней таинство елеосвящения. Поодаль замерли крестьяне: мужчины, женщины, дети. Никто не рыдает, а все ждут и молятся. На лицах людей запечатлелось выражение благоговейного состояния, ожидание близости перехода человеческой души в мир иной.
Картина происходит из собрания известного коллекционера Ф.И. Прянишникова. Впервые она экспонировалась на академической выставке в 1839 году под названием «Причащение святых тайн больной женщины».
"Портрет Эриберто Казани", Жоан Миро
1918 г. Холст, масло, 70,2 х 62 см. Художественный музей Кимбелла, Форт-Уэрт, Техас
Жоан Миро-и-Ферра (1893–1983) — каталонский (испанский) художник, скульптор и график.
«Здесь, в Барселоне, нам не хватает смелости», — писал Миро в конце 1917 года своему коллеге по студии Энрику Рикару. «Мы, молодое поколение, могли бы собираться и выставляться каждый год, все вместе под названием «Желтый хромовый салон», например, и произносить мужественные манифесты... Мы должны быть людьми действия». В течение следующих нескольких месяцев Миро, Рикар и несколько его коллег объединились — но не как группа «Желтый хром», а как «Курбе» в честь французского реалиста девятнадцатого века, известного тем, что его картины разжигали споры на официальных выставках.
Несмотря на свою преданность современной французской живописи и Курбе, они были привержены как каталонским традициям, так и радикальным инновациям в живописи. Среди трех работ, которые Миро представил на первой совместной выставке в 1918 году, был этот портрет его друга по художественной школе Эриберто Казани с тонкими пальцами и волнистыми складками твидового пиджака напоминает святых, изображенных на средневековых каталонских фресках с золотом. фоны.
Атрибут Казани по своей сути современный: карикатурное изображение автомобиля в рамке, которое, очевидно, отсылает к бизнесу его отца по аренде такси. Обработанные в стиле фовизма, с сбивающими с толку зелеными, желтыми и фиолетовыми тенями, схематизированные черты лица Казани кажутся оживленными жизненной силой.
"Курьер уже рядом", Альфия Шайхулова
2024.г. Холст, масло. Размер: 40х60 см.
Автор картины — уральская художница, которая работает в жанре городского пейзажа. Родилась в 1998 году в Асбесте, а несколько лет назад вместе с семьёй переехала в Екатеринбург.
В своих работах художница изображает отдалённые, но уютные дворы Екатеринбурга. В основном она пишет Юго-Западный район, но также другие уголки города: ВИЗ, ЖБИ, Уралмаш.
"Искушение святого Антония", Ян ван Гельмонт
17 век. Холст, масло: 46,1 X 38,1 см.Рамка: 54,5 X 50,0 см. Частная коллекция
Фламандский художник исторических сюжетов, жанровых сцен и портретов. Jan van Helmont ( 1650 – ум. между 1714 и 1734) пошел по стопам Иеронима Босха и своих современников Дэвида Тенирса II и Дайва Райкерта III, которые регулярно рисовали этот, популярный среди живописцев сюжет.
Святой Антоний родился около 251 года в Египте. Мы довольно хорошо знаем его жизнь благодаря биографии, написанной его учеником Афанасием.
Примерно в 20 лет он начал жизнь, полную нужды, отшельником, став самым известным монахом древнего христианского мира. Он был благородным примером аскетической жизни, полной аскезы, самопожертвования и крайнего одиночества.
Первые 35 лет он жил в уединении в гроте рядом с местом своего рождения, следующие 20 лет на горе на другом берегу Нила и, наконец, в общине отшельников в оазисе в пустыне.
Хотя он вел тяжелую жизнь, полную лишений, Антоний прожил очень долго: смерть (которую он предсказал) забрала его в возрасте 105 лет, 17 января 355 (или 356) года. Действительно, если человек лишит себя всего, что окрашивает жизнь, он может прожить очень, очень, очень долгую монотонную жизнь ... .
Святой Антоний стал образцом отрицания порока, в частности плотских удовольствий. Во время своей изоляции ему приходилось бороться с искушением дьявола в разных формах: от чудовищных существ до грациозных обнаженных молодых женщин. Ян ван Гельмонт выбрал последний вариант.
На его картине "Искушение святого Антония" обнаженная женщина подает стврцу бокал вина, в то время как всевозможные чудовищные существа пытаются отвлечь внимание молящегося Святого: скелет, летучая мышь, рыбоподобное чудовище, звонящее в колокол, и т.д.
Рассматривая детали его картины, понимаешь, что аскетическая жизнь отшельника действительно может вызвать серьезные галлюцинации ...
«Жаворонок», Пал Синьеи-Мерше
1882 г. Холст, масло. Венгерская национальная галерея, Будапешт
Pál Szinyei Merse (1845–1920) по праву считается основателем венгерского импрессионизма. Выходец из дворянской словацкой семьи, в Художественной академии Мюнхена он обучался у Карла Пилоти. Но стоило юному художнику познакомиться поближе с работами Мане, Курбе, произведениями французских импрессионистов, как академическое искусство навсегда ушло из его жизни.
Впроем, в «Жаворонке» Пал Синьеи-Мерше отошел от импрессионистической манеры исполнения и воплотил на холсте скорее идеальную фантазию, чем реальную сцену. Обнаженная героиня этого полотна, совершено не заботясь о своей наготе и о том, что кто-то может за ней наблюдать, лежит на сочной зеленой траве, подперев рукой щеку и задумчиво глядя на небо и парящего в нем жаворонка.
Низкий горизонт открывает широкий простор синего неба, живописно испещренного облаками, тем самым перенося действие картины из мира реальности в мир мечты. Этой мечтой и явилась ранняя птаха, жаворонок — символ весны и радости. Картина Синьеи-Мерше повествует о счастье и молодости, светлых мечтах и иллюзиях.
"Принцесса в саду", Эдвард Роберт Хьюз
1901 год. Акварель, бумага, цветные карандаши. Национальная галерея Виктории, Мельбурн В левом нижнем углу подпись: Е. R. Hughes.
Английского художника Эдварда Роберта Хьюза, писавшего в стиле эстетизма и прерафаэлитизма, нередко сравнивают с Ренуаром. Всё полотно "Принцесса в саду" словно сияет мягким, обволакивающим светом – это удивительное мастерство художника проявляется во всех его картинах.
Девушка в окружении цветов и трав зачарованно разглядывает в водной глади своё отражение. Её богатые одежды рассыпались складками по траве и словно сливаются с цветущим ковром, на котором лежит принцесса. Распущенные волосы подобны причудливым завиткам растений.
У постели умирающего ребёнка", Леонид Иванович Соломаткин
Вторая половина XIX века. Картон, масло. Размеры: 31,5х40 см. Пермская государственная художественная галерея
Соломаткин Леонид Иванович (1837-1883) — уникальная фигура в русском искусстве второй половины XIX века, без привнесенного им в русский жанр элемента иронии, без только ему присущего синтеза трагического и романтического переживания действительности картина отечественной жанровой живописи была бы явно неполной.
Расцвет творчества Соломаткина приходится на шестидесятые — начало семидесятых годов; по сравнению с искусством следующего поколения жанристов этот художник выглядит более камерным и, возможно, не слишком хорошо вписывается в “генеральную линию” развития русского жанра, но по-своему ярко и образно, проникновенно отражает быт и нравы, неповторимую атмосферу своего времени.
"У постели умирающего ребёнка" - одна из самых драматических его работ. Авторство Соломаткина отведено старшим научным сотрудником ГЭ А. Г. Побединской. По мнению научного консультанта ГРМ К. В. Михайловой, более точное название картины — “Смерть кормильца”.
«Вознесение Христа», Сальвадор Дали
1958 год. Холст, масло. Размер: 115×123 см. Частная коллекция
Великий испанский художник-сюрреалист Сальвадор Дали (полное имя Сальвадор Доменек Фелип Жасинт Дали.) восхищался шедеврами старых мастеров - Караваджо, Тициана и Рембрандта, для которых
Вознесение Христа было популярным сюжетом.
Дали, обладавший неудержимым и эксцентричным характером с необузданной энергией, утверждал, что его вдохновение пришло из «космического сна», увиденного в 1950 году – примерно за восемь лет до написания картины. В видении, насыщенном яркими цветами, художнику явилось ядро атома, которое он изобразил на заднем плане композиции. Позже к нему пришло озарение, что оно и было «истинным представлением объединяющего духа Христа».
Мастер иллюзий, манипулятор пространством и временем – сбивает нас с толку причудливым сопоставлением разных перспектив и точек зрения в «Вознесении». Тело Христа – от ног на переднем плане до протянутых рук – образует треугольник. Лица Иисуса не видно. Центром композиции являются ноги, которые одновременно закрывают центр атома позади фигуры. Сама частица состоит из логарифмических спиралей, которые так увлекали Дали в созревшем подсолнухе или очертаниях нога носорога.
Непонятно, взлетает Христос или спускается. Не совсем ясно, под каким углом по отношению к центральной фигуре находится Гала. Ещё один ракурс, который окончательно дезориентирует смотрящего, – это пейзаж внизу, представленный в естественном для зрителя положении.
"Кентавр крадет невесту Лапита" / Kentaur raubt eine Braut der Lapithen, Александр Ротхауг
Alexander Rothaug (1870 – 1946) - австрийский художник-символист. Сюжет картины взят из древнегреческого мифа о битве лапифов с кентаврами (Кентавромахии).
Согласно легенде, царь лапифов Пирифой пригласил на свой свадебный пир на горе Пелион множество гостей, в том числе олимпийских богов. Среди приглашённых были представители многочисленного племени кентавров, соседей и родичей лапифов. До этого они никогда не пили вина, а на этой свадьбе накинулись на него, причём не разбавляли водой, и поэтому напились и начали буйствовать.
Когда невесту Гипподамию представили, чтобы поприветствовать гостей, кентавр Эвритион вскочил и попытался похитить её. Все остальные кентавры мгновенно вскочили на ноги, оседлав женщин и мальчиков.
Жених Пирифой и его друг Тесей бросились спасать Гипподамию, отрезали уши и нос кентавру. После битвы побеждённые кентавры были изгнаны из Фессалии на северо-запад.
«Подвиг городового Тяпкина 20 (8) ноября 1868 года», Николай Егорович Сверчков
1770-е. Холст, масло. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Картина Николая Егоровича Сверчкова (1817—1898) воспроизводит героический поступок городового Адмиралтейской части Санкт-Петербурга Алексея Тяпкина
Морозным утром 20 (8 по ст.ст.) ноября 1868 года он заступил на дежурство. Неожиданно он увидел тройку лошадей, без кучера, запряжённую в сани, бешено мчавшуюся по улице по Большой Морской улице к Невскому проспекту. Несмотря на опасность, бесстрашный городовой бросился к тройке наперерез, смог схватить лошадей под уздцы и резко затормозить их, предотвратив гибель прохожих. Сам городовой получил многочисленные травмы и ушибы, санями была раздроблена правая голень, в итоге ногу пришлось ампутировать.
За свой подвиг полицейский был награжден личным повелением императора. Через два месяца, несмотря на усилия врачей, Тяпкин скончался от полученных тяжёлых ранений. В последний путь героя провожали высшие чины полиции и огромная масса народа.
Ровно 10 месяцев спустя, 8 сентября 1869 года при схожих обстоятельствах погибает городовой 2-го участка Спасской части Антип Самсонов. В 11 часов 30 минут, при проезде по Большой Садовой улице курьера Министерства внутренних дел, лошадь его понесла и, снеся по дороге несколько лотков, врезалась в легковые дрожки. Кучер дрожек бросился помогать удерживать курьерскую лошадь, оставив свою без присмотра, и та, напуганная произошедшим столкновением, понесла по Чернышову переулку в сторону Екатерининского канала. На углу переулка и канала на своем посту нес дежурство Антип Самсонов. Он бросился останавливать несущиеся дрожки, но получил сильный удар в висок, а затем, сбитый и смятый лошадью, скончался на месте…
Оба героя были похоронены рядом на Смоленском кладбище; на средства руководства городской полиции в 1869 году им был установлен общий надгробный памятник, как нижним чинам русской полиции, погибшим при исполнении служебного долга.
«Зеленя осенью», Зинаида Евгеньевна Серебрякова
1908 г. Бумага на картоне, гуашь. Размер: 43 x 45 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Пейзажам Серебряковой не свойственна внешняя эффектность, скорее поэтическая ясность восприятия. Темой для большинства пейзажных работ художницы стали окрестности родного Нескучного - поля, увиденные с пологих холмов, речки с зелеными берегами, цветущие яблоневые сады, осенние парки. Одно из самых известных из них - "Зеленя осенью".
Изначально пейзаж получил название «Ветряки» — ведь именно они выделяются на бескрайнем пространстве полей и притягивают к себе взгляд. Зинаиде Серебряковой эти ветряные мельницы напоминали «Дон Кихота» и были символами движения, жизни, которая ни на минуту не останавливается.
Впечатления, выраженные Серебряковой в этом пейзаже, созвучны описаниям Александра Бенуа, который приезжал в Нескучное и оставил воспоминания: "Вид, открывавшийся оттуда, был поистине восхитительный в своем безграничном просторе и в своей солнечной насыщенности. Ряды невысоких холмов тянулись один за другим, все более растворяясь и голубея… Все дышало благодатью".
В декоративной трактовке цвета, в плоскостном изображении пространства ощутимы отзвуки модерна. Художница избирает нечто характерное для этого вида, создавая свой образ родного места.
«В Кремле - пожар!», Василий Васильевич Верещагин (1842-1904)
1887—1898 гг. Государственный Исторический музей, Москва. Из серии «Наполеон I в России», 1812 год»
Двадцать картин, вошедших в серию Василия Верещагина, демонстрируют самые важные ключевые события войны: от Бородинского сражения до бегства Наполеона из России. В картине «В Кремле – пожар!» Верещагин выступает не только как художник-баталист, но и как историк и психолог.
Верещагин представляет нам императора, стоящего на Кремлевской стене в напряженной позе и с тревогой всматривающегося вдаль – туда, где бушует огненная стихия.Там горят целые кварталы, клубится едкий дым и сыплются раскаленные искры. Кремль, в котором находится склад пороха, в любую минуту может взлететь на воздух.
Композиции картины присуща некоторая театральность, фигуры героев полны экспрессии. Интенсивная огненная гамма, в которой написано полотно, отражает охваченный огнем город.
"Полдень металлургов", Томас Поллок Аншуц
1880 г. Холст, масло, 43,2 х 60,6 см. Музеи изящных искусств Сан-Франциско (Подарок мистера и миссис Джона Д. Рокфеллер)
Thomas Pollock Anshutz (1851–1912) — американский художник и педагог. Известен своими портретами и жанровыми сценами. Художник провел свою юность возле фабрик Уилинга, Западная Вирджиния. Во время более позднего визита туда он зарисовал группу «пудлеров» — квалифицированных рабочих, производивших листовой металл, нарезанный на гвозди, — обедающих возле водяного насоса на заводском дворе.
«Полдень металлургов» остается одной из самых популярных картин Аншуца, Картина написана в натуралистическом стиле с реалистичными анатомическими изображениями мужчин, похожими на изображения Томаса Икинса, хотя тот никогда не писал индустриальные сюжеты.
Картина была выставлена в 1881 году. Ее жестокая откровенность поразила критиков, которые увидели в ней пугающий индустриальный снимок. Другие, напротив, рассматривают картину как идеализацию вида физического труда, исчезающего в связи с ростом механизации фабричного труда.
Эварист Виталь Люмине (1821–1896), «Психея»
1886, холст, масло, 52 x 82 см, Музей изящных искусств Нанта, Нант, Франция
В 1886 году Эварист Виталь Люмине сделал перерыв в своих картинах о ранней французской истории с Психе, взяв за основу роман, написанный Апулеем во втором веке нашей эры, который был заново открыт в эпоху Возрождения. Она отправилась на поиски своего мужа Купидона, который провел ее через череду испытаний, навязанных Венерой. Последним из них было взять шкатулку (по-гречески pyxis), чтобы получить дозу красоты Прозерпины, Королевы Подземного мира. Психея подошла к входу и заплатила Харону, перевозчику через Стикс, две монеты за почти уникальное возвращение.
Люмине решает показать, вероятно, ключевой момент всего романа и своего рода перипетию: Психею, одетую в белое и сжимающую пиксис в обеих руках, Харон везёт в преисподнюю на лодке, полной мёртвых. Она смотрит прямо на зрителя — необычайно мощный изобразительный приём.
«Влюбленная куртизанка», Пьер Сюблейра
1735 г. Панель, масло. Размер: 30 х 23 см. Лувр, Париж
Когда какое-либо направление распространяется в искусстве, оно захватывает многих художников и очень сложно им удержаться от того, чтобы не начать подгонять свою манеру под господствующие вкусы. Для этого нужно быть поистине выдающимся мастером. Таким был Pierre Subleyras (1699–1749): в годы господства рококо его стиль можно охарактеризовать как позднее барокко, в последние годы жизни он становится академичен, предвещая наступление неоклассицизма. Хотя и влияния рококо все же не избежал, особенно в ранних работах.
По заказам аристократических особ художник иногда писал маленькие полотна на пикантные сюжеты. Картина «Влюбленная куртизанка» как раз из этой серии. Она сменила много владельцев. Последним из них был Антенор Патиньо, который приобрел ее у арт-дилера Колнаги в 1982 году. Спустя три года он скончался и наследница Беатриса Патиньо передала шедевр музею Лувр
"Без стеснения", Жозеф Лоруссо
2010-е. Масло на панели. Размер: 44x66 см. Галерея изобразительного искусства Кальмана Маклар
В своих работах художник современный американский художник Joseph Lorusso (род, в 1966 году) часто рисует бытовые сценки из повседневной жизни — романтические парочки в кафе, музыканты из оркестра, женщина, читающая газету, железнодорожный обходчик, зрители с биноклями на трибунах, посетители шляпного салона. "Тоска" - одна из картин этой серии.
«Отец и кот», Константин Константинович Лупанов
2019 г. Холст, масло, 90 х 110 см. Частная коллекция
Современный российский художник Константин Константинович Лупанов (родился в 1977 году в Краснодаре) работает в лёгкой импрессионисткой манере, у него одинаково хорошо получаются портреты, разнообразные бытовые сценки. Долгое время занимался коммерческой живописью, но несколько лет назад решил работать для души
«Плач» (Lachrymae), Фредерик Лейтон
1894-1895гг. Холст, масло. 157,5 см × 62,9 см. Метрополитен-музей искусств, Нью-Йорк.
Тема картины британского художника название Lachrymae с латыни переводится как «слезы») - траур и смерть. У основания колонны виден увядший венок из листьев кипариса. Концептуальная женская фигура, вдохновлённую античной классикой, в чёрном и кипарисы на заднем плане— традиционные символы траура.
Помимо этих символов смерти, Лейтон изобразил фрагменты греческой керамики, которые он, вероятно, использовал в качестве реквизита или источника вдохновения.[
Моделью, которую Лейтон использовал для этой картины, была Мэри Лойд, которая также позировала художнику во время работы над картиной для «Пылающий июнь».
