458
Свои секреты есть даже у тех шедевров живописи, которые кажутся нам хорошо знакомыми. Все проекты: https://t.me/JaneAirr По всем вопросам: @zhanna_osipova
"У Вселенной на меня план", Василий Голубев
2017г.
Василий Голубев — один из ярких представителей художественной группы «Митьки». Пишет картины в стиле примитив , как правило сопровождаются какой-то смешной подписью – названием. Но на самом деле его, казалось бы, мультяшные работы — это некие внутренние монологи, доступные избранным.
Художник превращает свою картину "У Вселенной на меня план" в короткую душевную историю из мыслей простого человека.
Северные традиции и вековой уклад крестьянской жизни всегда обладали суровой поэзией, где духовное неразрывно сплеталось с простым бытом. В культуре Финляндии сауна издавна являлась чем-то значительно большим, нежели просто местом для мытья: здесь очищали тело и душу, врачевали болезни и отдыхали после тяжелого физического труда. Картина «В сауне» (Saunassa) написана финским художником Акселем Галлен-Каллелой в 1889 году.
На холсте перед зрителем разворачивается сюжет традиционного банного ритуала в финской бане по-чёрному. На переднем плане стоит молодая девушка с аккуратно заплетённой косой. Она тянется к каменному очагу, готовая плеснуть воды на раскалённые валуны, чтобы поддать очередную порцию благотворного пара.
Чуть левее разворачивается трогательная и простая бытовая сцена: крестьянка заботливо моет голову пожилому мужчине. В его позе читается усталость от нелёгкого деревенского труда, а в её движениях — естественная забота. На верхней полке, у самого потолка, скрывается в клубах пара и полумраке несколько фигур, подставляющих тело самому горячему сухому зною.
Идея полотна зародилась у художника во время его поездок по финской глубинке — в коммуну Кеуруу и волость Ямся, где он с жадностью впитывал архаичный быт и суровую природу края. Стремясь к максимальной достоверности, Аксели Галлен-Каллела оборудовал временную мастерскую в настоящей курной бане бревенчатого хутора. Моделями для персонажей выступили местные крестьяне: в образе пожилого мужчины у ушата художник запечатлел местного слепого бедняка по имени Райя-Ахо, а для фигуры стоящей у печи девушки позировала юная крестьянка.
Аксели Галлен-Каллела (1865–1931) — ключевая фигура финского искусства, основоположник национального романтизма и мастер, подаривший миру монументальные иллюстрации к карело-финскому эпосу «Калевала». Получив классическое художественное образование в Париже и испытав сильное влияние европейского натурализма, он сделал осознанный выбор в пользу воспевания самобытной культуры, природы и сурового характера своего народа.
Сегодня полотно находится в коллекции Художественного музея Атенеум (Хельсинки, Финляндия).
«Фавн и нимфа», Франц фон Штук
1892 г. Холст, масло. 63×64 см. Национальная галерея в Праге
Вдохновлённый творчеством Арнольда Бёклина, немецкий живописец и скульптор Франц фон Штук ( 1863 — 1928) писал паряще-нереальные картины на сюжеты из мира фантазий и аллегорий, символические образы
Его творчество давно привлекает атмосферой - его картины сочетают в себе тягучий символизм, так свойственный тому времени, притягательную эротическую составляющую и инфернальные сюжеты, вдохновлённые, главным образом, древнегреческой мифологией и библейскими мотивами.
На картине - изобилие. За окном - голод и революция.
Художник писал эту картину прикованным к инвалидному креслу.
1918 год. Петроград. Холодно и голодно, все только и говорят кругом о еде да хлебе - так писал Кустодиев в письме другу. Жена ходила пилить дрова за плату дровами. Семья продавала личные вещи.
В это время Кустодиев, прикованный к инвалидному креслу, писал самовар, арбуз, персики, варенье, белый пышный кренделей и румяную красавицу за столом.
"Купчиху за чаем" - одну из самых радостных и сытых картин в русской живописи.
Кустодиеву нужна была пышная модель, а в его окружении таких не было. Жена посоветовала пригласить соседку.
Ею оказалась Галина Адеркас - студентка медицины, баронесса из рода, ведущего историю с XIII века.
Одни считают, что Кустодиев иронизирует над купеческим бытом. Другие — что это искренняя ностальгия по ушедшему миру, который художник любил и которого больше не существовало. Сам он не оставил однозначного ответа.
Картина впервые была показана в 1919 году на Первой государственной выставке в Зимнем дворце. Сейчас хранится в Русском музее в Санкт-Петербурге.
"Сын родился!". Пожалуй, самая трогательная картина советской эпохи
Перед вами удивительно тёплое полотно художницы Елены Тимониной, написанное в 1979 году. Картина называется просто и ёмко - "Сын родился".
Молодой строитель прямо посреди рабочего дня (или сразу после смены) узнал самую счастливую новость в своей жизни. Он всё ещё в рабочей форме — на плечах монтажный пояс, в руке каска, а за окном высится тот самый микрорайон, который он строит своими руками.Но весь его мир сейчас сжался до размеров крошечной коробки.
Огромные, сильные, потемневшие от загара и натруженные мужские ладони с поразительной, почти ювелирной нежностью держат невесомые белоснежные пинетки. Он рассматривает их с такой трепетной улыбкой, будто держит в руках хрупкое сокровище.В руке зажат скромный букет тюльпанов для любимой. А у прилавка замерли две молодые продавщицы универмага — они безмолвно, с доброй улыбкой и лёгкой белой завистью наблюдают за этим моментом абсолютного человеческого счастья.
Картина буквально светится искренностью. В ней нет пафоса, но есть то, чего нам так часто не хватает сегодня — подлинная теплота, простота чувств и радость, которой хочется сопереживать.
На этом портрете Иван Крамской изобразил свою жену Софью Николаевну. Она устроилась с книгой на скамейке в саду, укрыла ноги клетчатым пледом и, подперев голову рукой, полностью погрузилась в чтение. Интересно, что сама Софья называла эту картину просто - «В саду», хотя сегодня она известна как «За чтением. Портрет Софьи Николаевны Крамской».
Портрет был написан между 1866 и 1869 годами. В то время супруги жили в Петербурге, а Крамской руководил Артелью художников. Софья была для него гораздо больше, чем просто женой и матерью его детей. Она помогала мужу в делах, поддерживала его начинания, а сам художник называл её своим ангелом-хранителем.
Мне нравится, что жену Крамской решил написать именно такой - занятой своим делом и даже не смотрящей на художника. Получился очень домашний уютный момент, который вполне мог повторяться десятки раз: Софья читает в саду, а муж где-то рядом работает и наблюдает за ней. Причём для особой мягкости изображения Крамской вместе с масляными красками использовал цветные пастельные карандаши.
Сегодня портрет хранится в Третьяковской галерее.
Картина Владимира Маковского «Перед объяснением» написана в 1900 году. На лесной тропинке стоят двое - молодой человек и девушка. Они остановились, потому что между ними сейчас должно прозвучать что-то очень важное. Вокруг сырой мох, валуны, высокие ели стоят стеной - природа словно молчаливый свидетель разговора, от которого никуда не деться.
Юноша в студенческом костюме сосредоточенно разглядывает трость, собираясь с духом. Девушка в красивом платье машинально обрывает лепестки ромашки - жест, в котором скрыта вся её тревога. Они оба заняты мелочами, потому что боятся главного. Будет это признание или прощание - художник оставляет загадкой. А как вы думате, о чём предстоит разговор?
Сейчас эта картина хранится в Самарском областном художественном музее.
Иван Алексеевич Владимиров, «В театре. Царская ложа», (1918)
В основе сюжета картины - громкий скандал с участием трех членов президиума Московского Совета рабочих, солдатских и крестьянских депутатов. В одной из газет это происшествие описывалось так:
"6 марта 1918 года во время спектакля в Большом театре трое военных расположившихся в Царской ложе, щелкали семечки, балагурили о революционных делах, изредка поглядывая на сцену, где шло представление. Один из них при этом не выпускал из рук револьвера, демонстрируя богобоязненной московской публике свою боевую мощь".
Эти «царственные особы» не на шутку рассердили своей манерой поведения московский люд, и в антракте второго действия в ложу с первого и второго ярусов посыпались гнилые яблоки, недоеденные бутерброды и всякая иная, попавшаяся под руку мелочь. Из партера кричали: «Долой! Запоганили Царскую ложу!» Из бельэтажа: «Вон! Изменники! Предатели!» Публика свистела и аплодировала, зло разглядывая своих оторопевших повелителей. Шум прекратился лишь с поднятием занавеса.
Члены президиума Московского Совета, а это были Артишевский, Рудзинский и Брыков, приказали караульным солдатам перекрыть все выходы и в следующем антракте занялись мщением за свой конфуз — арестами наиболее подозрительных. Попались три девицы, трое солдат без удостоверений личности и двое служащих. Их отправили в тюрьму и, промариновав две недели, приступили к допросам.
Почему Рогнеда подняла меч на мужа?
Когда ночь опустилась над землей, в княжеских покоях внезапно вспыхнула свеча... Давайте посмотрим, что происходит на картине художника Сергея Грибкова «Ревность Рогнеды», написанной в 1870 году.
Сюжет этой работы уводит нас в далёкий X век. Полоцкая княжна Рогнеда была известна не только красотой, но и независимым нравом. Её руки добивались многие знатные люди, в том числе и Владимир Святославович - будущий креститель Руси. Однако княжна отвергла его предложение. Оскорблённый отказом, Владимир захватил Полоцк, уничтожил её семью и силой взял Рогнеду в жёны. В ту эпоху многожёнство было обычным делом среди славянской знати, и молодая княжна стала лишь одной из его наложниц.
Рогнеда родила Владимиру четырёх сыновей, но так и не смогла принять своё унизительное положение. Гордая и сильная духом, она задумала месть. Однажды ночью княгиня пробралась в опочивальню мужа, чтобы с ним расправиться. Её рукой уже был занесён кинжал, готовый нанести смертельный удар. Но Владимир проснулся в последний момент и сумел её остановить.
За покушение на великого князя Рогнеде грозила смертная казнь. Разгневанный Владимир приказал ей надеть лучшие одежды и сам взял меч. Однако на шум прибежал их старший сын Изяслав и встал на защиту матери, тоже с мечом в руках. Владимир не смог убить Рогнеду на глазах у ребёнка. Вместо этого он собрал бояр, которые посоветовали: «Не убивай её ради дитяти сего, но верни ей землю отца её и отдай ей с сыном твоим».
Владимир отправил Рогнеду и Изяслава в Полоцкие земли, в специально построенный для них город в верховьях реки Свислочь. Город получил имя в честь сына - Изяславль.
На картине Грибков изобразил самый напряжённый момент этой легенды. Взгляд сразу притягивают переплетённые эмоции героев - отчаяние, гнев, страх. В руке Рогнеды застыл меч, а сильная рука Владимира прерывает её движение. Мягкий свет, пробивающийся сквозь полог, добавляет сцене драматизма и подчёркивает её таинственность.
Сегодня это удивительное полотно можно увидеть в Ивановском историко-краеведческом музее. Мне кажется, картина Грибкова - не просто иллюстрация к старинной легенде, а размышление о гордости, боли потери и свободе выбора.
«Сусанна и старцы», Тинторетто (Якопо Робусти)
1555-1556 гг. Холст, масло. Размер: 146,6 × 193,6 см. Музей истории искусств, Вена
Сюжет картины основан на рассказе из Книги пророка Даниила (13) из Ветхого Завета. История не каноническая (ее нет в еврейском тексте, она существует только в переведенном с еврейского на греческий язык варианте — Септуагинте). Сюзанна была ложно обвинена в супружеской неверности после того, как она отказала двум похотливым старикам, которые, следили за ней во время приема ванну, а затем сговорились шантажировать ее ради секса.
Сценография полотна Тинторетто построена вокруг лирического эпизода, когда Сусанна погружена в созерцание еще неоскверненной красоты. Обнаженная женщина выходит из купальни, а ее левая нога еще погружена в воду. Свет придает фигуре яркость, выделяя ее во всей блистательности, подчеркивая сложную пышную прическу, сережку, сверкающего в ухе, браслеты на запястье, драгоценности и мягкую белую ткань.
Идиллия Сусанны контрастирует с почти карикатурной неуклюжестью двух старцев, подглядывающих за ней. За всей этой идиллией, тайно выглядывая из своих укрытий, в нарочито нелепых позах наблюдают старцы (один — ближе, на переднем плане в нижнем левом углу, другой — вдали).
Хищные птицы у смертного одра: картина, которую пытались запретить
У постели умирающего старика разворачивается тихая драма. Двое священников в чёрных сутанах склонились над немощным телом. Один что-то торопливо подписывает на бумаге, буквально держа в руках пальцы старика, другой держит перед угасающим взором распятие. Казалось бы — благочестивая сцена последнего причастия. Но присмотритесь внимательнее: в их образах нет сострадания, лишь деловая сосредоточенность. Это не духовное утешение, а тонкий грабёж под видом заботы о душе.
Бельгийский художник Александр Стрейс создал работу под названием «Хищные птицы. Завещание» в 1876 году, основываясь на личной трагедии. Иезуиты убедили его дядю переписать всё состояние на церковь перед смертью. Картина стала художественным обвинением — без единой капли крови, лишь через композицию и выражения лиц, Стрейс показывает церковь как «хищную птицу», кружащую над добычей.
Свечи на тумбочке создают иллюзию святости момента, но их пламя освещает лишь циничную сделку, словно мы наблюдаем не таинство, а хорошо поставленный спектакль.
Современники встретили работу с возмущением. Бельгийские власти запретили её показ в Парижском салоне, обвинив художника в неуважении к католической церкви.
Сегодня полотно хранится в Эрмитаже, напоминая зрителям о вечной истине: легче всего манипулировать тем, кто боится смерти и ищет гарантий. Но никакая подпись в завещании увы не спасёт душу
«Одалиска», Мариано Фортуни-и-Карбо
1861 г. Холст, масло. Размер: 56×81 см. Национальный музей искусства Каталонии, Барселона
В переводе с турецкого «одалиска» означает «комнатная девушка» (от тур. oda — комната). На Западе (вследствие неправильного понимания турецкого слова) одалиски воспринимались как наложницы или сексуальные рабыни, хотя в большинстве случаев они были лишь обычными горничными и служанками.
Мариано Фортуни-и-Карбо (1838 -1874) учился в Академии изящных искусств Сан-Хорхе в Барселоне. После смерти великого Гойи имя этого испанского художника уверенно зазвучало во всей Европе 19 века Получил огромную популярность жанровыми «картинами, навеянными экзотикой Востока и красочным исп. бытом 18 в., незначительными по содержанию, но внешне занимательными и эффектными, виртуозными по исполнению, изощрёнными в передаче цветовых рефлексов и материальности аксессуаров. «Одалиска» – одна из таких картин.
Художник прожил два года в Марокко, куда был отправлен волонтером для зарисовок эпизодов испано-марокканской войны. Свои арабские фантазии Мариано Фортуни-и-Карбо рисует по воображению и по памяти с невероятной точностью натурных сессий. Именно за эту любовь к знойной экзотике и восточным мотивам рядом с именем Мариано Фортуни в книгах по искусству обычно пишут: "художник-ориенталист".
Молоко богини разлилось по небу. Так родилась галактика, в которой мы живём.
🎨 Питер Пауль Рубенс (1577–1640). «Рождение Млечного Пути». Около 1637 года. Музей Прадо, Мадрид.
Рубенс — главный барочный художник, мастер плоти и света. Но эта картина — не просто миф. Это история о том, как мы получили название нашей галактики.
Зевс хотел сделать сына Геракла бессмертным. Он тайно поднёс младенца к груди спящей Геры — своей жены, которая ненавидела чужих детей. Когда Гера проснулась и оттолкнула младенца, её молоко разлилось по небу, образовав Млечный Путь.
Рубенс показывает этот момент в полной красе. Гера сидит на колеснице, запряжённой павлинами. Молоко струёй бьёт из её груди в ночное небо. Рядом — младенец Геракл. Сзади, в облаках, Зевс со своим орлом наблюдает за происходящим.
Художник берёт миф и превращает его в зрелище. Тёмный ночной фон делает фигуры объёмными. Свет падает на Геру, выделяя её среди ночи. Молоко становится символом не просто галактики, а жизни и плодородия.
Картина входила в заказ испанского короля — 63 мифологические сцены для охотничьего домика. Лицо Геры Рубенс написал со своей второй жены Елены Фурман. Так что небо над головой носит черты женщины, которую он любил.
Что случилось с этой женщиной?
Во все времена внезапная смерть почти всегда порождала сомнения и домыслы. А уж если уходила из жизни молодая, богатая женщина из аристократии, разговоры разлетались особенно быстро и громко. Именно такой историей, как мне кажется, и цепляет картина «Эми Робсарт», которую британский художник Уильям Фредерик Йимз написал в 1877 году. Рассказываю.
Леди Дадли, урождённая Робсарт, появилась на свет в Норфолке во второй трети XVI века. Когда ей исполнилось 18, она вышла замуж за молодого дворянина. После того как на трон взошла Елизавета I, её супруг оказался при дворе и довольно быстро стал одним из самых влиятельных королевских фаворитов. Ходили упорные слухи, что последняя из Тюдоров и этот подданный собирались вступить в брак, но при живой жене подобное было невозможно.
Пока герцог прокладывал себе путь в политике, его законная супруга жила у родственников в поместье Камнор-плейс. И вот однажды слуги, вернувшиеся с ярмарки, нашли хозяйку на нижней ступени лестницы, ведущей к внутренним комнатам. Шея у неё была сломана. Расследование решило, что случилось несчастье, однако молва куда охотнее верила в то, что женщина стала жертвой хитроумного заговора.
На полотне показан самый драматичный миг этой печальной развязки. Те, кто обнаружил погибшую, медленно и осторожно спускаются к месту, где неподвижно лежит тело, похожее на уснувшего ангела. У мужчин на лице застыл ужас, а второй даже вцепился руками в голову, не в силах справиться с потрясением.
Сегодня картина находится в частном собрании.
Вернуться, когда тебя уже никто не ждет.
Эта картина буквально пропитана тишиной и запоздалым горем. Перед вами работа австралийского художника Рона Фрэнсиса — «Долгое прощание».
На первый взгляд сюжет кажется пугающим, но за ним стоит глубокая личная трагедия. Художник рассказывал, что идея этого полотна пришла к нему во сне.
Мы видим солдата, который вернулся домой спустя долгие годы войны. Но вместо радостной встречи его ждал пустой заброшенный дом с разбитыми окнами.
Иссохшее тело: Мужчина бережно держит на руках свою жену, которая, судя по её виду, превратилась в мумию. Она ждала его до самого конца, пока жизнь окончательно не покинула её тело. Для него же время словно замерло — он несет её так, будто она всё еще жива. Посмотрите на её яркое желтое платье в цветочек — символ той мирной, солнечной жизни, которая была у них «до». И сравните это с серыми, холодными стенами заброшенного магазина и разбитым стеклом.Пустая консервная банка на тротуаре и номер «306» над дверью — всё это придает сюрреалистичному сюжету пугающую реалистичность.
Это история о верности, которая пережила саму жизнь, и о том, что война забирает даже то, что солдаты так отчаянно пытаются защитить — их будущее.
Добрая ирония наивной живописи Валентина Алексеевича Губарева
Картины белорусского художника, считавшиеся «неуместными» в перестроечное время, спустя годы начали вызывать ажиотаж. Он продолжает рисовать «так, как есть на самом деле», чтобы было похоже на «предмет искусства, который вызывает у зрителя лишь блаженно-утробное удовольствие».
«Ростовщик»
В квартире, превращённой в ломбард, всегда царит тягостная атмосфера. Только крайняя нужда заставляет людей переступать ненавистный порог замусоренной передней. Картина «Ростовщик» написана Михаилом Ватутиным в 1896-м году.
К заимодавцу пришла семейная пара, попавшая в трудное финансовое положение. Супруги принесли лисий салоп, две пары обуви и ещё кое-какую мелочь, увязанную в небольшой узел. Прежде семья имела недурной достаток. Муж торговал или держал мастерскую, но по неизвестным причинам его дела расстроились. Чтобы покрыть долги, обнищавшее семейство понемногу распродаёт имущество. На женщине надето хорошо пошитое платье, мужчина же успел распрощаться с приличной одеждой. На смену брюкам и сапогам пришли куцые залатанные штаны и стоптанные туфли.
Скупец-хозяин дёшево оценил заклад. Несколько монет, вырученных за вещи, вряд ли поправят ситуацию. Перебирая в ладони медные гроши, герой в красной рубахе с ненавистью смотрит на процентщика. Барышня с покрасневшим и припухшим от слёз лицом старается уговорить скрягу хоть немного набавить цену. Хитрый делец внимательно слушает героиню, но денег не добавляет, ссылаясь на качество товара: и мех местами свалялся, и подмётки заметно потёрты.
На полках прихожей можно разглядеть некоторые предметы, заложенные предыдущими посетителями. Это самовары, керосиновая лампа, рама для картины. На гвоздике висит ружьё, а в правом верхнем углу за перилами виден граммофон.
Сегодня полотно Ватутина хранится в частной коллекции.
Почему Гамлет так жесток с Офелией?
Сегодня хочу показать вам картину французского художника Гуго Мерле «Гамлет и Офелия», написанную в 1873 году. Чтобы понять, что здесь происходит, придётся немного вспомнить саму пьесу Шекспира. Я, например, уже плохо помнила эту сцену, а без предыстории многие детали картины вообще непонятны.
Гамлет и Офелия любили друг друга. Но после смерти отца жизнь принца резко меняется. От призрака погибшего короля он узнаёт, что того убил собственный брат Клавдий, который затем занял трон и женился на матери Гамлета. Принц решает притвориться безумным, чтобы разобраться в произошедшем и понять, действительно ли Клавдий виновен.
Тем временем Офелия по настоянию своего отца Полония прекращает встречи с Гамлетом. Когда принц начинает вести себя странно, Полоний решает, что причина его безумия - несчастная любовь. Чтобы проверить эту догадку, он вместе с королём устраивает ловушку. Офелию специально оставляют одну там, где должен пройти Гамлет, а сами мужчины прячутся и подслушивают их разговор.
Именно эту сцену и написал Мерле. Гамлет стоит у окна, а перед ним Офелия с книгой в руках. Во время разговора она пытается вернуть ему подарки, которые когда-то получила от него. Гамлет сначала говорит, что любил её, затем отказывается от собственных слов и несколько раз повторяет знаменитую фразу: «Ступай в монастырь». Гамлет отказывается от прежних признаний в любви и говорит с девушкой настолько резко, что та совершенно теряется.
Но во время разговора происходит любопытный момент. Гамлет вдруг спрашивает: «Где ваш отец?» Офелия отвечает: «Дома». Хотя Полоний в это самое время находится совсем рядом. Отсюда и появилась версия, что принц догадался о слежке и понял, что встреча была подстроена.
Тогда становится понятнее и его резкость. Гамлету приходится продолжать изображать безумие перед Клавдием, а заодно он чувствует себя обманутым Офелией. Впрочем, сама девушка тоже оказалась в сложном положении: она подчиняется отцу и, возможно, даже не представляет, к чему приведёт эта проверка.
Мне кажется, именно поэтому Мерле и выбрал этот момент. На картине всего четыре человека, но каждый знает лишь часть правды. Полоний уверен, что разгадал причину безумия принца, Клавдий пытается понять, насколько опасен Гамлет, Офелия растеряна, а сам Гамлет, возможно, уже раскусил их план.
Картина долгое время считалась утраченной и вновь появилась на публике только в 2016 году. Сейчас «Гамлет и Офелия» находится в частном собрании.
Почему на пляже Валенсии купаются больные дети?
Честно говоря, когда я впервые увидела эту картину, я засомневалась - выкладывать её или нет. Слишком тяжёлый и печальный сюжет. Но потом решила, что такие работы тоже важны. Хоакин Соролья, испанский художник-импрессионист, написал «Печальное наследство» в 1899 году, и эта картина сильно отличается от его привычных солнечных, жизнерадостных пляжных сцен.
На первый взгляд здесь тоже есть море, песок, купающиеся дети. Но всё выглядит иначе. Море не сияет яркими бликами, не переливается бирюзой - оно тёмное, почти чёрное, с белыми гребнями холодных волн. Верхняя полоска вечернего неба бледная и безрадостная. Солнца много, но его свет не кажется тёплым. Он какой-то беспощадный, высвечивающий то, что хотелось бы спрятать.
А высвечивает он мальчиков - жертв эпидемии полиомиелита, которая свирепствовала в Европе на рубеже XIX–XX веков. Это дети из приюта при монастыре. Их тела искалечены болезнью: искривлённые ноги, тонкие, почти прозрачные руки, костыли, на которые они вынуждены опираться. Кожа у них неестественно бледная - для испанских детей, живущих под ярким солнцем, это выглядит неестественно. Солнце, видимо, редко касается этих ребятишек. Они словно пришли из другого мира - тёмного, сырого, где света почти не бывает.
Большинство мальчишек уже в воде. На переднем плане - те, кому труднее всего спуститься к морю. Костыли вязнут в рыхлом песке, каждое движение даётся с огромным усилием. Рядом с ними высокий монах в чёрной сутане. Он помогает им, поддерживает, крепко и уверенно держит подростка, который пытается устоять на костылях. Ветер развевает его одежду, лица почти не видно - только затенённый строгий профиль. Монах выполняет свой долг, заботится о больных детях, старается подарить им хоть немного радости. Но от этой фигуры, как и от чёрного моря, веёт холодом и суровостью.
Обычно Соролья писал валенсийские пляжи как праздник жизни - золотой песок, сияющее море, счастливые купальщики. Но здесь нет ни веселья, ни тепла. Есть боль, есть болезнь, есть тяжёлая ноша, которая выпала этим мальчикам. И от этого «Печальное наследство» - пожалуй, самая сильная работа художника.
Сегодня картина хранится в Фонде Банкаха в Валенсии.
«Хоровод». Франц фон Штук
1899 г. Холст, масло. 94 x 97 см. Национальная галерея современного искусства, Рим.
Franz Ritter von Stuck (1863 - 1928) — один из ярких представителей мюнхенской школы изобразительного искусства, мастер символизма и модерна. Частыми героями его картин выступали танцующие девы, музицирующие фавны. Все эти идеи были новы и порой вызывали скандальный интерес у публики.
Данная картина относится к «мрачному» периоду творчества художника. Она изображает образ «человека-демона» и создана под влиянием учения философа Фридриха Ницше о сверхчеловеке. У работы отмечается мрачная притягательность, а многие, кто наблюдал оригинал, признавались, что на неё невозможно долго смотреть.
"Источник", Николае Григореску
1886-90 гг. Холст, масло, 61,5 х 46 см. Национальный музей искусств Румынии, Бухарест
Nicolae Grigorescu (1838-1907) — самый известный румынский художник. Учился в Школе изящных искусств, а также посещал мастерскую Себастьена Корню, где одним из его соучеников был Пьер-Огюст Ренуар. Поначалу работал в стиле бидермейер, одновременно изучая живопись старых мастеров, пытаясь писать в их манере.
Вскоре он увлекся художественными концепциями барбизонской школы, уехал из Парижа в эту деревню, где стал соратником таких художников, как Жан-Франсуа Милле, Жан-Батист-Камиль Коро, Гюстав Курбе и Теодор Руссо. Григореску искал новые средства выражения и следовал течению пленэрной живописи, которое также имело важное значение в импрессионизме.
С 1879 по 1890 год он работал во Франции, особенно в Витре, Бретань, и в своей мастерской в Париже. Он поселился в Кампине и начал изображать пасторальные темы, особенно портреты крестьянских девушек, изображения воловьих повозок на пыльных проселочных дорогах и другие пейзажи. Именно в то время была написана представленная сегодня картина "Источник" с характерным для той серии сюжетом.
Серпы и бабочки: скрытый смысл картины Венецианова «Жнецы»
Многие видят в «Жнецах» Алексея Венецианова просто милую сцену из крестьянской жизни: мальчик засмотрелся на бабочек, а мать снисходительно позволяет ему любоваться насекомыми. Но если присмотреться, становится ясно - картина не так проста, как кажется.
Художнику позировали реальные люди - крестьянка Анна Степанова и ее сын Захарка. Говорят, Венецианов случайно подсмотрел эту сцену в поле и был так поражен, что уговорил их стать натурщиками. Правда, позировать пришлось долго - люди устали, возможно поэтому выглядят немного скованно. Бабочек художник и вовсе дописывал отдельно, используя засушенных насекомых из коллекции.
А теперь посмотрите на острые серпы в руках героев. Вам не кажется, что в нежной сцене с бабочками они создают необычный и даже тревожный контраст? Художник словно показывает, как в жизни тесно переплетаются нежность и опасность.
В 1825 году, когда создавалась картина, еще свежа память о Пугачевском бунте и Отечественной войне 1812 года. Острые серпы в руках крестьян - это не только орудие труда, но и потенциальное оружие. Да и в деревенской жизни того времени кровь была обычным делом - от забоя скота до тяжелого труда в поле.
Но не стоит думать, что Венецианов хотел напугать зрителя. Скорее, он показывал сложность жизни, где красивое и опасное, грубое и нежное существуют рядом. Художник вообще много работал с крестьянами, и он, в отличие от многих других, не идеализировал их жизнь в милых пасторальных картинках, а показывал все как есть.
Иногда кажется, что Венецианов искал в крестьянских лицах особую просветленность - позже он использовал эти образы в иконах. А серп, приглядитесь, словно нимб... Эта деталь заставляет задуматься о тонкой грани между созиданием и разрушением.
Молодая женщина на картине резко обрывает беседу. Только что она, судя по всему, мирно разговаривала с мужем - офицером в парадном мундире, который и сейчас сидит в кресле, расслабленный и задумчивый. Но теперь она вся - внимание. Она подалась к балюстраде, в её руке зажат мужской головной убор, а веер упал на пол в порыве внезапного волнения.
Её взгляд напряжённо устремлён вниз - художник не показывает нам, что или кого она там увидела. Возможно, в толпе она узнала чьё-то лицо. Может этот кто-то вызывает у неё сильные чувства - симпатию или даже влюблённость. А может, это вовсе не конкретный человек, а внезапное осознание чего-то важного, что перевернуло её мир в одно мгновение.
Их окружает дорогая обстановка: лепнина на стенах, вызы, добротная мебель, ковры и статуи. Муж выглядит спокойным и довольным. Но всё это благополучие для неё в эту секунду перестало иметь значение. Между супругами - целая пропасть: он погружён в свои мысли, а она переживает сильное волнение, которое он даже не заметил.
Картину «Молодая жена» написал английский живописец Эдвард Генри Корбулда в середине XX века. Художник не даёт нам ответов, но заставляет задуматься: что может так взволновать молодую жену в красивом, обеспеченном доме? Что она увидела или поняла в тот миг, когда веер выскользнул из её руки? Как вы думаете?
"Прорыв линии", Чарльз К. Шрейвогель
1900-09 гг. Масло на холсте. Музей Гилкриза, Талса
Выросший в бедности в Ист-Сайде Нью-Йорка, Charles Schreyvogel (1861–1912) получил образование в государственных школах и продавал газеты на улицах Нью-Йорка. Когда семья переехала в Хобокен, штат Нью-Джерси, он поступил в ученики к граверу по золоту. К 1880 годустал художником-литографистом и преподавал рисунок. Шрейфогель обучался в Мюнхене с 1887 по 1890 год, а затем вернулся в Хобокен, где жил до своей смерти в 1912 году.
Начиная с 1893 года он регулярно посещал Запад. Он отличался одержимостью к точности деталей, равной Ремингтону. Работы Шрейфогеля, если не считать россыпи портретов и нескольких спокойных сцен, представляют изображения Дикого Запада. На его картине "Прорыв линии" солдаты атакуют, индейцы уклоняются и кричат, стреляют из винтовок и пистолетов, размахиваются саблями, тела падают на землю, а лошади мчатся на полном скаку.
Шрейфогель написал ее в своей студии в явно незападном Хобокене.
Кто победит в игре чувств?
На картине Хейнса Кинга «Ревность и флирт» 1874 года изображена сцена, знакомая многим и сегодня. В одной комнате - молодой мужчина и две девушки. Одна из них сидит рядом с ним и ведёт себя открыто и свободно, вторая стоит чуть в стороне и наблюдает за происходящим.
Девушка рядом с мужчиной явно чувствует себя уверенно. Она отложила вязание, закинула руки за голову и разговаривает легко, почти играя. В её позе нет скованности, она улыбается и явно наслаждается вниманием. Даже без названия картины понятно, что здесь происходит флирт.
Мужчина реагирует сдержаннее. Он слегка покраснел, сидит вполоборота и не смотрит на собеседницу напрямую. Кажется, ему приятно такое внимание, но он всё ещё не решается полностью включиться в эту игру.
Вторая девушка сначала почти теряется на фоне этой пары. Она одета скромно, в тёмное платье, её голова покрыта. Рядом на столе лежат книги - скорее всего, семейная Библия и молитвенник. Всё в её облике говорит о воспитанности и сдержанности. При этом её взгляд выдает чувства: она внимательно смотрит на флиртующую пару и явно переживает. Мне кажется, она хотела бы оказаться на месте сестры, но характер и привычки не позволяют ей вести себя так же открыто.
На стене висит небольшой портрет мужчины - вероятно, отца девушек. Он явно показан здесь не случайно. Возможно, отца уже нет в живых, и девушки живут только с матерью или вовсе одни. В таком случае вопрос удачного брака для них особенно важен. Отец с портрета будто бы молча наблюдает за сценой, и, возможно, осуждает?
Современники художника легко могли прочитать в этом сюжете аллегорию выбора: между скромностью и открытостью, между правилами и желанием нравиться. Какая из этих стратегий окажется успешнее - остаётся вопросом.
Картина Хейнса Кинга «Ревность и флирт» сегодня хранится в Музее Виктории и Альберта в Лондоне.
Что случилось после бала?
В роскошной гостиной мы наблюдаем семейную драму. Молодая женщина в бальном платье лежит на диване, отвернувшись и закрыв лицо руками — её плечи содрогаются от рыданий. Супруг сидит в кресле в напряженной позе, его лицо выражает гнев и обиду. Семейная пара только что вернулась после бала.
На полу валяется растерзанный букет — видимо, чей-то подарок жене стал причиной конфликта. Лепестки разбросаны по ковру, словно осколки разбитого доверия. Но самая важная деталь — на мужчине только одна перчатка. Эту деталь художник показыват намеренно. Мы понимаем, что вторая перчатка, согласно дуэльному кодексу того времени, брошена в лицо обидчику. Это означает неизбежную дуэль на рассвете.
Возрастная разница между супругами бросается в глаза. Мужчина значительно старше своей красавицы жены. Возможно, их брак был заключён по расчёту, а ревность стала постоянным спутником отношений.
Картина Анри Жерве «Возвращение с бала», написанная в 1879 году, мастерски передаёт напряжение момента. Каждая деталь — от разбросанных лепестков до отсутствующей перчатки — рассказывает свою часть истории. Художник не показывает лицо женщины, позволяя зрителю самому представить её переживания.
В XIX веке подобные сцены были нередки. Дуэли из-за женской чести часто заканчивались трагедией. Молодая вдова могла получить свободу, но какой ценой?
Эта картина напоминает мне, как хрупко семейное счастье и как его может разрушить всего один вечер. Возможно, женщина просто беззаботно флиртовала, не предполагая, чем это обернётся. А её ревнивый супруг, вместо того чтобы поговорить, сразу бросил вызов сопернику.
Крик, который не услышат. Рука, протянутая к пустоте. Что остаётся после предательства?
🎨 Герберт Джеймс Дрейпер (1863–1920). «Ариадна». Около 1905 года.
Сюжет взят из древнегреческого мифа. Ариадна, дочь критского царя, помогла Тесею выбраться из лабиринта и бежала с ним. Но на острове Наксос он оставил её. Она проснулась, увидела пустое море и поняла, что её предали.
Дрейпер изобразил момент, когда она уже не спит, но ещё не остыла от гнева. Она стоит на каменистом берегу, обнажённая, с распущенными золотистыми волосами. Левая рука вытянута к морю — она ищет корабль, которого уже нет. Правая прижата к груди, пальцы сжимают край лёгкой ткани. Вся её поза — это напряжение и боль.
На ней почти прозрачная белая накидка, развевающаяся на ветру, и тяжёлая красно-малиновая ткань, обвивающая бёдра. Яркий красный цвет выделяется на фоне бледной кожи и тёмной воды. Он напоминает о страсти, любви и одновременно о боли.
За спиной — тёмные скалы, море и водопад, стекающий со скал. Пространство пустынное и суровое. Ни людей, ни корабля. Только она, море и каменный берег.
"Лунный свет и свет", Леон Спиллиарт
Ок. 1909 г. Пастель и чернила промывка на бумаге, 64 х 48,5 см. Музей д'Орсе, Париж (подарок Мадлен Спиллиаэрт)
Leon Spilliaert (1881-1946) — крупнейший бельгийский художник-символист, в творчестве которого преобладали тёмные тона или хорошо очерченные контрасты между тёмным и светлым: женские фигуры, часто гротескные; натюрморты, очень простые по композиции и выдержанные в очень строгих тонах; столь же простые пейзажи.
Этот городской пейзаж входит в серию, которую Спиллиаерт написал около 1909-1910 в Остенде (Бельгия), приморского курорта на Северном море, где художник провел большую часть своей жизни. Здесь он изображает колоннаду и аркады фасада бального зала Курсаала, спроектированного французским архитектором Албаном Шамбоном. Здание было разрушено во время Второй мировой войны. В своей картине Спиллиаэрт отражает жуткую трансформацию архитектуры здания ночью, и странность, исходящую от искусственного освещения.
Что прячет щеголь за модным халатом?
Свои работы Павел Федотов называл «нравственно-критическими сценами из современной жизни» и умел через мелочи рассказать целую историю. К примеру, давайте посмотрим на его картину «Завтрак аристократа», написанную в 1850 году. Хотя сам художник назвал её иначе - «Не в пору гость». А «Завтрак аристократа» придумали уже после его смерти. И вообще-то герой картины совсем не аристократ, а так, хочет им казаться.
Сюжет Федотов, скорее всего, подсмотрел в журнале «Современник». Там выходил анонимный фельетон (автором оказался Гончаров), где высмеивались столичные франты. Ради внешнего лоска они готовы были «два месяца дурно обедать». И автор задавался вопросом: а что будет, если застать такого щеголя врасплох дома? Федотов решил ответить на этот вопрос кистью на холсте.
Комната выписана с любовью и вниманием к деталям. Восточный ковёр, модное стёганое кресло, зелёные обои с рисунком, статуэтки. На стенах - гравюры с европейскими танцовщицами, выступавшими в Петербурге в 1840-х. Всё говорит о том, что хозяин метит в высший свет. Он и сам одет по последней моде: халат с кистями, шапочка с бухарским орнаментом, шаровары, туфли-бабуши. Пудель и тот подстрижен «под льва». На деревянном стуле разложены газеты с афишами, в том числе с рекламой устриц.
Но стоит присмотреться к столу. Там, среди показной роскоши, лежит пустой кошелёк, вывернутый наизнанку. Рядом - кусок обычного ржаного хлеба. Именно им герой и завтракает. И именно его он в панике прикрывает книгой, потому что сзади, за занавеской, уже виднеется рука незваного гостя в светлой перчатке. Тот пришёл без доклада и застал хозяина врасплох. Пудель лает на посетителя, а щёголь замер с куском хлеба за щекой.
Я вообще заметила, что Федотов был мастером деталей. И его картины можно разглядывать подолгу, потому что за каждой вроде бы мелочью кроются какие-то смыслы. Вот даже взять мусорную корзину под столом – она изображена в виде древнегреческой амфоры. Такая же пародия на античность, как сам герой - пародия на аристократа. А рядом разбросана колода карт. А вот здесь мы можем подумать, что наш франт был картёжником, и, как и многие тогда, проматывал состояние именно за карточным столом.
Художник поймал момент театрально точно. Напряжение, стыд, попытка сохранить лицо - всё это в одной застывшей сцене. И цветовая гамма под стать: зелёно-красная, глубокая, чуть тревожная. Картина имела большой успех у публики. Вероятно, люди узнавали в этом сюжете себя или своих знакомых.
Сегодня полотно «Завтрак аристократа» входит в коллекцию Третьяковской галереи.
Почему она сидит со связанными руками?
Предлагаю сегодня взглянуть на одну грустную сцену, которую изобразил испанский художник Хоакин Соролья в 1892 году. Он путешествовал из Валенсии в Мадрид и во время поездки стал свидетелем эпизода, который потряс его до глубины души, Это побудило его написать полотно с необычным названием «Другая Маргарита!».
В центре вагона третьего класса сидит молодая женщина. Голова её печально опущена, а руки крепко связаны верёвкой. Лица почти не разглядеть, но в самой её позе, в том, как она сгорбилась под тяжестью происходящего, чувствуется что-то роковое, обречённое. За её спиной сидят двое гражданских гвардейцев, и, по-моему, даже они выглядят подавленными этой гнетущей атмосферой.
Название картины выбрано неслучайно. Соролья отсылает нас к трагедии Гёте «Фауст», где героиня Маргарита, обезумев от горя, убивает собственного внебрачного ребёнка. Художник словно говорит: вот она - ещё одна женщина, раздавленная общественным презрением и доведённая до страшного греха. Кстати, в Валенсии того времени имя Маргарита иногда использовали как горькое прозвище для «падших» женщин. Вероятно, героиня картины была одной из них.
Сцена выглядит печальной еще и из-за контраста. Через окна вагона льётся тёплый солнечный свет, пронизывая мрачный вагон. Жизнь за стеклом идёт своим чередом, а здесь, внутри, царит безысходность. Этот свет уже не для Маргариты.
Сегодня полотно хранится в Художественном музее Милдред Лейн Кемпер в Сент-Луисе, США.