458
Свои секреты есть даже у тех шедевров живописи, которые кажутся нам хорошо знакомыми. Все проекты: https://t.me/JaneAirr По всем вопросам: @zhanna_osipova
«Мелюзина с горном», 1109–1114 гг. (реставрация 1940 г.)
Романская церковь Св. Мартина, Зилис, Швейцария
Изображение русалки с двумя хвостами символизирует кельтский средневековый дух свежей воды. Ее история объединяет в себе сказания о нереидах, наядах, водяных нимфах и русалках. Мелюзину иногда также изображают с крыльями или и с хвостом, и с крыльями. Согласно легенде, девушка могла принимать вид змеи или рыбы по субботам, во время, когда она погружалась в воду. Ее история немного напоминает сказку о царевне-лягушке: недоверчивый муж ослушался просьбы Мелюзины не смотреть на ее превращения. Он увидел ее хвост и разболтал тайну морской красавицы, из-за чего та превратилась в дракона и улетела.
«Ночные прачки», Жан-Эдуар Даржен
1861 г. Холст, масло. Размер: 75×150 см. Музей изящных искусств Кемпера.
В сцене, освещенной лунным светом,французский художник Jean-Édouard Dargent (1824–1899) изображает легендарных призраков-прачек за работой
В бретонской фольклорной традиции в ряду поверий, связанных с уходом человека в иной мир, важное место занимают разнообразные видения, вещие сны и т. п. Например, страшные истории о встречах с "ночными прачками" , т. е. женщинами, стирающими белье по ночам в пруду. Эти прачки стирают саван того, кому предстоит умереть. Иногда видящий их может узнать о близкой смерти другого человека, а иногда умирает сам.
Того, кто проходит мимо ночные прачки просят помочь выжать им белье, и когда человек помогает им, его убивают. Однако путник может и не помогать им. В этом случае прачки не являются вестницами смерти, а представляют собой существа встреча с которыми потенциально опасна, причем, выбирая определенную тактику поведения, смерти можно избежать.
«Траур», Шарль Котте
1897 г. Картон, масло. Размер: 72 х 91 см. Государственный кунстхалле Карлсруэ, Германия
В 1895 году французский художник-постимпрессионист Charles Cottet (1863–1925) с группой единомышленников (Люсьен Симон, Эдмон Аман-Жан, Морис Дени и др.) организовал так называемую «Чёрную банду», чьи работы отличались грубым реализмом и тёмной палитрой цветов.
В работах этого периода повседневные бытовые сценки, исполненные в манере, близкой символизму, проникнуты духом эпических полотен. Однако в целом творческий метод Котте оказался значительно ближе к традициям реализма.
Картина «Траур» относится к числу лучших работ этого периода. Она является напоминаем о силе морской стихии, которая в один миг может отнять жизни людей.
Картина «Болгарские мученицы» Константина Маковского — это яркое и трогательное произведение, выполненное в жанре исторической живописи.
В 1876-м в Болгарии вспыхнуло национально-освободительное восстание против власти турецкого протектората. Это восстание было быстро и жестоко подавлено. Действия османской армии сопровождалось массовыми убийствами мирного населения.
Русский император Александр II в апреле 1877 года объявил Турции войну с целью защиты славянских народов на Балканах. Летом 1877 года Константин Маковский отправляется в путешествие вслед за наступающей русской армией по Балканам в период Русско-турецкой войны, где художник, делал зарисовки по рассказам очевидцев о жестоком подавлении турецкими властями народного восстания, вспыхнувшего в Болгарии в 1876 году, и о зверствах башибузуков против мирного населения. Эти рассказы производят сильнейшее впечатление на художника, которое вдохновило его на написание данной работы.
На картине изображена сцена насилия и убийства в православном храме турецкими наемниками - башибузуками двух женщин и маленького ребенка. Башибузуки это наемники османской армии, которые вербовались в Албании и Малой Азии. Они отличались особой жестокостью, с которой расправляясь над православным населением Балкан.
Головорезы с явным наслаждением издеваются над несчастной женщиной и срывают с нее одежды, а та пытается в руках удержать рыдающего малыша и смотрит на замученную до смерти подругу, навзничь лежащую на полу. Рядом лужи крови, вероятно, следы пыток. Трагедия происходит в православном храме, что еще больше подчеркивает кощунственность происходящего. Маковский мастерски передает эмоциональную глубину и драматизм сцены, очень натуралистично передав страдания девушек.
Но у работы есть и более глубинный символический смысл. Это библейский сюжет. Когда Христос умирает и испускает дух, евангелист пишет: «И померкло солнце. И завеса в храме раздралась посередине». Имеется в виду храм в Иерусалиме. И Маковский нам показывает церковь, в которой Царские врата буквально выбиты ногами, а завеса разорвана на две части. Это прямая евангельская цитата! А девушка с ребенком на руках? Это же Дева Мария с младенцем Иисусом. Художник показывает, что посягнули не просто на женщин и детей, а и на саму православную церковь в образе Христа. И смерть показана не где-нибудь, а на самом церковном престоле. Маковский изображает геноцид и культурный, и этический, и религиозный. Получается, что бьет по всем болевым точкам интеллигенции.
Картина «Болгарские мученицы» — это мощное художественное выражение национальной памяти и патриотизма. Маковский использует сильные визуальные образы для передачи идеи о стойкости народа перед лицом преследований. Это произведение стало одним из символов болгарской борьбы за свободу и независимость.
"У паромщика", Андерс Аскеволд
1887 г.Холст, масло, 56 х 90 см. Норский морской музей, Осло
Anders Askevold (1834 - 1900) — норвежский художник, пейзажист-романтик, представитель Дюссельдорфской школы живописи.
На данной картине представлен пейзаж фьорда Нэрой-фьорде , который находится в муниципалитете Аурланд в Согн-ог-Фьордане, Норвегия и является ответвлением большого Согне-фьорда. Хотя Нэрой-фьорд, возможно, и послужил источником вдохновения для Аскеволда, картина не является топографически верным воспроизведением этого места.
«Тюлени на скалах, острова Фараллоны», Альберт Бирштадт
1873, холст, масло, 66 x 91,4 см, местонахождение неизвестно
В мае 1872 года Бирштадт посетил острова Фараллоны — группу необитаемых скал в тридцати милях к западу от Сан-Франциско. Так появилась его драматическая картина «Тюлени на скалах, острова Фараллоны» (ок. 1872–1873), одна из серии картин, написанных им в те годы.
Когда он был в Европе, то, скорее всего, видел одну из поздних картин Гюстава Курбе с изображением разбивающихся волн, которая, возможно, вдохновила его на создание одной из самых известных работ Бирштадта.
"Красавица и призрак", Икеда Сён
1910-15 гг. Гравюра Кучи-э, 29,5 х 21 см.Частная коллекция
Икеда Сён (1886-1917) - японская художница времён эпохи Мэйдзи. Однако история сохранила для не так много сведений о ее творчестве. Она выставлялась в Бунтене, где выиграла в общей сложности девять разных наград. в 1914 году приняла участие в выставке. Общества живописи Тацуми и в Интене, В январе 1917 года Иккеда Сён заболела туберкулезом. Она умерла от болезни в декабре того же года.
На картине "Красавица и призрак" мы видим молодую женщину, которая разжигает небольшой костер в своем саду. Пока она погружена в свои мысли, из дыма возникает призрачный образ молодой женщины.
«Вакханка с обезьяной», Хендрик тер Брюгген
1627 г. Холст, масло. Размер: 102.9 × 89.2 см. Музей Гетти, Лос-Анджелес
Hendrick ter Brugghen является одним из наиболее индивидуальных караваджистов. Он не создал своей школы, однако работы художника оказали большое влияние на становление Бейлерта, Брамера, Ливенса и даже Жоржа де Латура, которые знали наизусть названия работ Тербрюггена и следовали его идеям.
Во время посещения Рима примерно с 1604 по 1614 год Хендрик тер Брюгген увидел знаменитого «Вакха» Караваджо, на основе которого происходит эта классическая картина, изображающая последовательницу Вакха.
Вакханка наклоняется вперед и ухмыляется зрителю, выжимая гроздь винограда в золотой сосуд для питья. Ее поза, обнаженная грудь, румяные щеки и манящая улыбка намекают на ее пьяное состояние. Однако есть что-то тревожное в том, как она провоцировано противостоит зрителю. В левом нижнем углу обезьяна имитирует жест женщины, держа в правой лапе меньшую гроздь винограда. Обезьяна может служить морализаторской цели, осуждая чрезмерное употребление алкоголя.
"Дом близнецов Ариас", Фернандо Ботеро
1973 г. Холст, масло, 227 х 187 см. Частная коллекция
Фернандо Ботеро Ангуло (19 апреля 1932 — 15 сентября 2023) — колумбийский художник и скульптор, работавший в технике фигуративизма. На картине La casa de las gemelas Arias он изобразил девять фигур, каждая из которых представляет собой бесшовный, замысловатый узор громоздких, но изящных форм. Их скульптурная пластичность подчеркивается тем фактом, что они находятся в крошечной комнате, в которой стоит кровать.
В душной атмосфере молодые женщины кажутся раздетыми. Каждая из фигур разного размера. Женщина в крайнем правом нижнем углу и вовсе кажется карликом. Важным элементом этой картины, который может остаться незамеченным для случайного зрителя, является рука, которая распахивает большую занавеску в левой части композиции. Это как если бы нам открылась сцена из пьесы или живой картины. Аналогичный прием встречается в картине Пикассо «Авиньонские девицы» 1907 года. На этой картине, также сцене публичного дома, женщины показаны нам в виде красной занавески, также слева, распахнута невидимой силой.
«Девичник», Владимир Егорович Маковский
1882 Г. Размер: 121×189 см. Киевская картинная галерея
Русский художник-передвижник Владимир Егорович Маковский (1846-1920) – признанный мастер «малого жанра». Лучше всего Маковскому удавались небольшие жанровые картины, идеально – с двумя персонажами. Сюжеты работ Владимира Маковского, как правило, литературны, глядя на них, зритель видит целую историю, включающую не только изображенный момент, но и предшествующие, и последующие события.
Сам девичник можно условно разделить на две части. Неделя-две до свадьбы назывались «свиданки» или «девичники» (именно так, во множественном числе). Это время, когда в доме невесты собирались подружки и ближайшие родственницы и в скором порядке готовили недостающее к приданому. Чаще всего, подарки родственникам будущего мужа. В это время можно было веселиться. Могли даже в гости прийти жених со своими друзьями. Если родители были заинтересованы «налаживанию контакта» между молодоженами, они всячески такое поддерживали. Вот только не знаю – какой контакт мог наладиться, если веселиться могли все, кроме невесты. Невеста обязана была ВЫТЬ. А еще ВОПИТЬ. Как вам? Не плакать, не рыдать, а именно выть и вопить.
Свадебная тема в живописи Владимира Егоровича Маковского
Творчество Владимира Маковского - это живописный учебник истории, наполненный краткими рассказами в красках о жизни людей всех слоев общества России в 19 веке. Являясь ярким представителем славно известной династии художников Маковских, живописец творил в жанре критического реализма. А талант его был велик!
"Торговец рыбой, Бали", Хендра Гунаван
1981-82 гг. Холст, масло, 150 х 200 см. Частная коллекция
Индонезийский художник и скульптор Hendra Gunawan (1918 - 1983) учился живописи у своих друзей, известных художников Вахди и Афанди.
Был активным деятелем национально-освободительного движения. В 1947 году вместе с Афанди создал группу "Народная живопись". В 1965 году, после неудачной попытки коммунистического переворота, Хендра был арестован и заключен в тюрьму на 13 лет. Ему удалось добиться права заниматься живописью, но многие работы, созданные им в тюрьме, были утрачены.
Картина "Торговец рыбой, Бали", изображающая жителей острова и их неторопливый подход к жизни, является изысканным примером направленности его более поздних работ. Ее можно рассматривать как живописную дань уважения его родине, как любовь к своему народу. Картина обладает выразительностью, проявляющейся в живописном выборе ярких цветов и живых фигур.
Благодаря тщательному расположению фигур в живописной композиции художник создает взаимосвязанную цепочку взаимодействий. Гунаван изображает группу женщин, беседующих с продавцом рыбы на пляже. Простым прикосновением, мимолетным взглядом или нежным жестом люди на сцене тонко связаны друг с другом.
Из каталога аукциона Christie's
«Горе странствующего шарманщика», Жозеф Стевенс
1847 г. Холст, масло. Размер: 57 x 78 см. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Драматическая картина бельгийского художника-анималиста Жозефа Стевенса (1816-1892), на которой изображен уличный музыкант, оплакивающий умершую обезьянку, вызывает если не ужас, то страх. Многие посетители, видевшие ее в живую, позже признавались, что у них пробегали мурашки по телу.
Для шарманщика эта обезьянка была не только помощником, но и верным спутником, хорошим другом, любимым питомцем. Она помогала зарабатывать деньги на пропитание и скрашивала одинокие будни. Жозеф Стевенс смог отразить весь трагизм ситуации, безвыходное положение бедного мальчика, который, потеряв обезьянку, как своего лучшего друга и помощника, остался на белом свете совсем один.
Смерть, как избавление от всех невзгод, обязательно постучится в каждую дверь, даже если ключи от неё потеряны. Обезьянка наконец-то избавилась от страшного зимнего холода, больше она никогда его не почувствует. И последняя в её жизни слеза, застывшая на мордочке, вскоре превратится в маленькую льдинку и упадёт на снег, унося с собой все её прежние боли
Иван Грозный и тени его жертв» (Ивану Грозному являются тени им убитых). Михаил Петрович Клодт
Конец XIX века. Бумага, тушь, гуашь. 27 х 39 см. Ставропольский краевой музей изобразительных искусств.
Отношение к отечественной истории как к драматическим событиям, в том числе и в личной жизни царей и их окружения, – характерная особенность русского искусства. Перед вами одна из тех картин, что притягивают взгляд и создают свою атмосферу...
«Грозным» царя Ивана Васильевича прозвали за гневливость и жестокость. Помимо ужасов войны завоевательной чрезмерно сурово он наказывал и своих подданных, позволяя опричникам резать жителей вольных русских городов. Суров царь был и в повседневной жизни. Жен (кроме тех, которые умерли сами) ссылал в монастырь, а по слухам — и хоронил заживо, родственников, которые имели право на трон, убивал, жен их топил. Вспомним еще и об ужасах опричнины, когда черные всадники наводили страх на улицы городов, убивая и стар и млад и сея настоящий террор.
«Несчастный кот» , Шарль Верла
1869 г. Масло на панели. Частная коллекция (аукцион Sotheby’s в Амстердаме 29 октября 2007 — 30 октября 2007 лот 252)
В кладовой, где хранятся съестные припасы, происходят странные события. Глупые мыши собрались посмотреть фантастическое действо - их самый злейший враг, хозяйский кот, который не давал им поедать продукты, решил свести счёты с жизнью и сам полез в петлю! На самом деле это коварный план безжалостного охотника. Хитрец придерживает лапой петлю и выжидает удобный момент, пока мыши потеряют бдительность. Тогда придет время для стремительной атаки.
Похожая история о сообразительном ловце грызунов встречается в одной из басен Эзопа, наследие которого впоследствии было поэтически переосмыслено французским литератором Жаном де Лафонтеном.
«Ночные прачки (Легенда о Кердеке)», Фернан Ле Кен
1878 г. Холст, масло. Музей изящных искусств Кемпера.
В Бретани существовала легенда о «ночных прачках» — женщинах, обречённых вечно стирать бельё по ночам в наказание или за детоубийство, или за то, что недостойно похоронили своих родителей, или за работу по воскресеньям.
По-бретонски Ночные прачки называются kannerez noz, по-французски - les lavandieres de la nuit.
Они стирают по ночам в открытых водоёмах разное - то саваны тех, кто скоро умрет, то окровавленные одежды воинов, павших на поле боя. Встреча с ними ничего хорошего не предвещает, разговаривать с ними не следует, а помогать им - тем более, потому что есть риск не вернуться домой.
И не приведи Господь было попасться на глаза этим ночным прачкам одинокому путнику-мужчине. А ещё хуже — ответить на их просьбы помочь. Ничем хорошим это для путника не заканчивалось. Вот и волынщик Кердек, говорят, плохо кончил...
Fernand le Quesne (1856 — 1932) - сын выдающегося парижского скульптора Эжена Луи Лекена, и первые уроки искусства получил от своего отца. Ученик: Анри Жервекс и д'Альбер Меньян
«У дверей приюта», Сергей Иванович Грибков
1874 г. Холст, масло. Размер: 125×87 см. Иркутский областной художественный музей имени В. П. Сукачёва
Незамужняя женщина с ребёнком в XIX веке это было почти клеймо. Даже если сохранялась теоретическая возможность содержать малыша, никуда не деться было от осуждения общества. Но в большинстве случаев молодой матери без мужа было не под силу было воспитать своего ребенка. В таких ситуациях она могла отдать его в один из приютов.
Именно такая женщин, оказавшаяся в такой трудной ситуации, изображена на картине Сергея Грибкова как раз изображена в . Она нашла силы дойти до дверей, но никак не может решиться и постучать. Ведь тогда её навеки разлучат с ребёнком.
Женщин молода и красива. Вероятно, она работала услугой в каком-то доме, и уступила ухаживаниям другого слуги, а возможно и хозяина. Совершённую ошибку не исправить, но можно сделать что-то для младенца, которого она поддерживает одной рукой. Другой держится за стену приюта – она еще нездорова, ей трудно передвигаться. А лицо женщины выражает такую тревогу и тоску, что становится очевидным: для неё это непростой шаг.
Поначалу открывали приюты при монастырях – у них был накоплен опыт по воспитанию детей. Затем стали появляться учреждения при госпиталях. Финансировали их из нескольких источников: за счет казны, за счет монастырских денег и на пожертвования богатых благотворителей.
В картине «Смерть Орфея» (1870) Паскаль Адольф Жан Даньян-Бувере превращает жестокий миф в исследование тишины и присутствия. Вместо того чтобы изобразить нападение менад, он показывает Орфея после нападения: его тело прислонилось к камню, он частично прикрыл лицо, и этот жест кажется одновременно интимным и отстраненным. Лес — это не театральный фон, а тщательно проработанная, почти осязаемая среда, отражающая академическое образование художника и его растущую приверженность натурализму. У ног Орфея лежит лира — уже не инструмент для создания гармонии, а едва заметное напоминание о голосе, который когда-то покорял природу.
Картина, которая сейчас хранится в Музее изящных искусств Мюлуза, демонстрирует ранний отход Даньяна-Бувере от драматических академических условностей в сторону более интроспективного и наблюдательного подхода. Перенося мифологию в реальный пейзаж и наделяя человеческое тело человеческими чертами, художник приглашает зрителя в момент, который кажется не столько легендой, сколько тихой, застывшей реальностью.
"Няня с детьми", Исаак Израилевич Бродский
1912 г. Масло на холсте, 87,5 x 105 см. Частная коллекция
Исаак Израилевич Бродский (1883-1939) — российский и советский художник, коллекционер, педагог, заслуженный деятель искусств РСФСР (1932). Начал свой творческий путь учеником Ильи Репина, закончил — директором Всероссийской Академии художеств.
Эта работа является великолепным примером одного из важнейших циклов в дореволюционном творчестве Исаака Бродского. С самого раннего обращения к теме детей, играющих на открытом воздухе под пристальным вниманием нянь и матерей, художник использовал это слияние пейзажа и жанровой живописи для развития своих художественных методов и палитры.
После окончания Императорской Академии художеств Бродский был удостоен стипендии на поездку в Европу и с марта по октябрь 1909 года посетил Германию, Францию, Испанию, Англию и Италию. В своем отчете Академии Бродский «пытался подвести итог впечатлениям от столь ошеломляющей поездки».
Он был очарован испанскими старыми мастерами, французскими символистами и импрессионистами, однако вторым в списке художников, которые «тронули его до глубины души» после Веласкеса, был итальянский неоимпрессионист Джованни Сегантини (1858-1899). В письме к коллеге-художнику Кириаку Костанди в 1910 году Бродский писал: «С точки зрения души, настроения и силы впечатления Сегантини, безусловно, самый поразительный. Почти доводишь до слез, стоя перед его работами, настолько они полны грусти». На Бродского повлиял не только интенсивный лиризм работ Сегантини, но и его техника нанесения небольших мазков чистого цвета непосредственно на холст, которые зритель мог комбинировать «оптически», стиль, который становится все более очевидным в собственном творчестве Бродского в это время.
"Аполлинер с друзьями", Мари Лорансен.
1908г Холст, масло. Коллекция Art Moderne du Centre Pompidou, Национальный музей современного искусства, Париж.
Мари Лорансен — эксцентричная молодая женщина, художница, претендовавшая на свой стиль, стала возлюбленной Аполлинера, участвовала во всех сборах друзей Пикассо у него в мастерской на Монмартре. Среди множества портретных зарисовок обитателей общежития художников Бато-Лавуар, ею были выполнены и два групповых портрета, на которых есть Пикассо. Его вошедший в историю выразительный взгляд Лорансен изобразила двойной обводкой глаз. Эта деталь и позволяет опознать его в персонаже, изображенном в профиль. В центре группы — Аполлинер, сама она — снизу. Стоящая за плечом Пикассо девушка — его Фернанда Оливье.
"Ландшафт с пастухами и стадом овец", Жан Оноре Фрагонар
1763-65 гг. Масло на холсте, 52 х 73 см. Национальный музей западного искусства, Токио
Jean-Honoré Fragonard (1732-1806) – последний из плеяды великих художников рококо. Был известен своими жанровыми сценами и декоративными картинами, наполненными легкой красотой сладости и неги. В то же время он также известно, что он создал ряд красивых пейзажей, основанных на его наблюдениях за природой и ее изменчивым настроением.
Данная картина - одна из таких ландшафтных работ, основанная на итальянских пейзажах, которыми он наслаждался во время своего четырехлетнего пребывания в Италии, начавшегося в 1761 году. Прозрачный свет, который прорывается сквозь облачное небо, чтобы осветить сцену, является признаком прямого влияния северных ландшафтных художников, таких как Ван Руйсдейл, в то время как форма животных и гор, видимые на дальнем расстоянии, и жанра сцена позади человека Все цифры предполагают уроки, извлеченные художником в Италии.
«Женщина с корзиной фруктов», Якоб Йорданс
Ок. 1600 г. Холст, масло. Размер: 93 × 85,5 см. Фонд изящных искусств Гёсты Серлакиуса
Фламандский художник эпохи барокко Якоб Йорданс (1593–1678) известен своими портретами, религиозными и мифологическими сюжетами, а также аллегорическими произведениями. Картина «Женщина с корзиной фруктов» с намеками на плодородие представляет собой метафорическое творчество художницы. Спелые плоды упали с дерева так же легко, как шаль с тела женщины.
Жатвенный серп, вероятно, также относится к мимолетным этапам человеческой жизни. Расцвет молодости проходит так же быстро, как и время сбора урожая. В древнегреческой мифологии Деметра была не только богиней урожая, но и управляла жизненным циклом. Хотя урожай собирают осенью, с приходом следующей весны вырастет новый урожай.
«Натурщица», Владимир Евграфович Татлин
1913 г. Холст, масло. Размер: 104,5 x 130,5 см.Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Татлин присоединился к «валетам» после конфликта с Ларионовым, хотя уже в начале 1910-х годов он вместе с Владимиром Маяковским занимался в студии Ильи Машкова, писал и рисовал обнаженных натурщиц под влиянием нарастающего интереса к творчеству П. Пикассо. В 1912 году Татлин организует свою мастерскую в Москве на Остоженке. Вместе со своими соратниками он начинает упорно работать над собственными большими „натурщицами“.
Но, как всегда, Татлин ищет свои пути, и его „кубизм“ сильно проработан в соответствии с древнерусской традицией. „Натурщица“ проникнута мощной тенденцией к обобщению и синтезу, к пластической знаковости формы. Мышление крупными цветовыми плоскостями, роль силуэта и упрощенность контура фигуры способствуют выразительности поисков художника. Ритм и конструктивность формы, лаконизм цвета оправдан с точки зрения соотношения пятен и масс. Татлин, двигаясь вперед непроторенными путями, добился плодотворного единства выразительной пластики древней иконы и кубизма.
«Спящий рыбак с русалками», Вильгельм Край
1869 г. Холст, масло. Размер: 77 x 124 см.Частная коллекция
Немецкий художник Wilhelm Kray (1828-1889) писал жанровые и аллегорические картины, имеющие особые метафорические нюансы. Его картины захватывают воображение, облекают в иллюзорную ткань обычный мир, делая его полным сказочной мистики.
На картине «Спящий рыбак с русалками» изображены красивые обнаженные девушки, ведь, несмотря на несущую в себе опасность, русалки считаются привлекательными существами. Наверняка они пострадали от мужского произвола и теперь, когда наконец-то поймали свою добычу русалки мстят с воодушевлением, с озорством. Создается впечатление, что по полотну витают клубы дикой радости от возможности воздать должное. Громкие высокие голоса подобны ветру в горах окутывают сознание несчастного рыбака, рвут все его связи с земным.
Мир русалок неподвластен человеческой силе и от того он ещё более ужасен, ведь потусторонний мрак может дотянутся до каждого.
"Волк из Агуббио", Люк-Оливье Мерсон
1872 г.Холст, масло, 88 х 133 см. Дворец изящных искусств, Лилль
Французский художник Luc-Olivier Merson (1846–1920) писал картины академического направления. Былироко известен своими иллюстрациями и гравюрами.
Согласно легенде четырнадцатого века, волк терроризировал жителей деревни Агуббио, нападая не только на скот, но и на людей. Франциск вышел за ворота города и предложил волку войти с ним в город, никому не причиняя вреда. Он пообещал, что местные жители сами позаботятся о пропитании волка. К изумлению горожан, волк протянул Франциску лапу в знак согласия.
Волк прожил в Агуджо следующие два года до своей смерти от старости. Он входил в дома, не причиняя никому вреда. Горожане кормили волка; и ни одна собака не лаяла на него.
На картине Мерсона мы видим волка у дверей мясника, который предлагает ему аппетитный кусок мяса. Маленькая девочка ласкает зверя, словно это маленький котенок. Возле мраморного фонтана за этой сценой наблюдают несколько человек. Только два странствующих торговца смотрят с недоверием, опасаясь нападения хищника.
Очарованный средневековьем, Мерсон стремился точно описать повседневную жизнь итальянского города тринадцатого века.Общая атмосфера глубоко поэтична, а постановка почти театральна.В этой работе Мерсон превращает религиозную тему в мистическую и сентиментальную басню.
На том месте, где произошло это событие, жители Губбио воздвигли церковь, которая стоит там по сей день и называется «Витторина».
"Борьба за сердце", Эрик Тиеролф
Современный художник из Нидерландов Erik Tierolf известен эмоциональными картинами. Его произведения тревожны и загадочны, но в то же время притягивают своим чарующим обаянием. Он интересен публике, поскольку затрагивает современные темы: отношений между мужчинами и женщинами, пороков, равнодушия и насилия.
Данная картина, поднимающая тему мужской апатии, их нежелания бороться за женское сердце, была написана в 2022 году. Она и о женщинах влюбляющихся и готовых сражаться за таких апатичных мужиков. Самый простой способ у таких женщин бороться со своими проблемами - алкоголь
"Похороны", Анна Анчер
1891 г. Холст, масло, 103,5 х 124,5 см. Государственный музей искусств, Копенгаген
Anna Ancher (1859–1935) — одна из центральных фигур датской живописи на рубеже XIX—XX веков. Художница выделяется непревзойденным использованием цвета и поразительной способностью улавливать лучи солнечного света. Наиболее известна своими жанровыми работами, к которым относится картина "Похороны".
Первая выставленная работа Анны Анчер изображала двух бедных колоритных персонажей, Пера и Стине Боллерхус, идущих домой из церкви в Скагене. Через несколько лет она присутствовала на похоронах Стайны и собрала свои впечатления в картине «Похороны».
Комната с низким потолком наполнена светом, что дает Анне Анчер возможность продемонстрировать свое мастерство цвета в сочетании синих, розовых и зеленых оттенков; цвета, которые также выполняют символическую функцию, указывая старушке дорогу в иной мир.
Как и во многих других произведениях того времени, созданных в период перехода от реализма к символизму, ссылка на трансцендентальное существование не является постулатом; оно настолько соприкасается с реальностью, что рассматривается в первую очередь как психологическая конденсация.
"Десерт", Попов Владимир
2009 г.
Печальная история на картине художника Владимира Попова о том, что современные реалии превращают в товар всё, до чего могут дотянуться — молодость, красоту, отношения.
"Годовщина", Валид Эбейд
Женщины на полотнах каирского художника Walid Ebeid (род. 1970) прекрасны, но далеко не счастливы. Обстоятельства их жизни неоднозначны, а перспективы выглядят крайне печально.Скорее всего, героиня этой картины была отдана замуж совсем юной девушкой за солидного мужчину в возрасте. Так принято в мусульманских странах. Сейчас женщине около 40 лет. Супруг для нее старик, но уйти от него в их культуре она не может. Приходится терпеть. Поэтому муж смотрит на нее высокомерно: "Куда ты денешься?"
Вид жены, в котором явно просматривается обреченность и беспомощность, говорит о том, что ни согласия, ни любви и заботы тут нет. И уже не будет. Горестная безысходность сквозит в облике прежней красавицы...
"Начало любви", Юрий Иванович Пименов
1960 г. Холст, масло. Размер: 57×74 см. Национальный музей Киевская картинная галерея
Творчество Юрия Пименова противоречиво. Многие считают его прекрасным живописцем, другие — типичным советским художником, прогнувшимся под власть. Да, советский быт и весь уклад жизни Пименов изображал в светлых и радостных тонах, как, например, на картине "Начало любви".
Юрий Пименов замечательно умел вовлечь зрителя в разгадывание сюжетов своих картин. Ничего загадочного в них нет, просто за нехитрыми сценками из городской жизни с немногими, но тщательно отобранными деталями так легко представить всё, что им предшествовало и что будет дальше - какой простор для фантазии!
Из всех живописных работ Юрия Пименова, которые хранятся в Киевском национальном музее русского искусства, "Начало любви", пожалуй, самая известная. Сам трогательный момент зарождения любви, переданный через отрешенность девушки и юноши от невидимых зрителю других пассажиров; такой своевременный дождь за окнами, создающий особую атмосферу ожидания и отрезающий героев сцены своим шумом от городской суеты; светлый колорит - всё вызывает у зрителя прилив тёплых чувств, и на губах его невольно появляется улыбка...